Deseo, peligro (Se, jie, 2007), 17 de diciembre de 2007.

Ang Lee es uno de mis directores favoritos, aunque hay algunas de sus películas que no me dicen gran cosa. Pero siempre lo he achacado más al tema que tratan que a otra cosa. No me dijo gran cosa Brokeback Mountain, ya que me resulta un poco «marciana» la sociedad norteamérica rural de los estados menos poblados, y más si nos referimos a como era hace cuarenta años. No me dijo gran cosa Hulk, porque no me dicen gran cosa las películas de superhéroes, ni me dice gran cosa que me traten de hablar de la torturada psicología del superhéroe a su pesar.

Pero ha habido otras películas que me han gustado mucho de este director taiwanés. Y sobretodo, guardo un excelente recuerdo de sus primeras películas, como El banquete de boda o Comer, beber, amar. Especialmente esta última, me pareció excelente; me conmovió la historia de las tres hermanas, sus relaciones y su relación con su anciano y gastronómico padre. Ya sé que no estoy mencionando otras más famosas… y que me gustaron mucho… pero es que éstas fueron las que me engancharon al cine de este director.

El polifacético director nos enfrenta ahora ante una historia localizada en el ámbito de la ocupación japonesa de las regiones nororientales y orientales de China, entre los años 1938 y 1942. Nos cuenta la historia de una joven estudiante china que, a través de un grupo de teatro universitario aficionado, pasa a realizar actividades de resistencia contra un colaboracionista de los japoneses. En un primer momento, los hechos suceden en Hong-Kong, y tras el fracaso de los intentos, en un segundo momento, el núcleo de la historia sucede en Shanghai. La historia poco a poco se centra en la compleja relación que se establece entre la joven estudiante, protagonizada por Wei Tang, y el ministro colaboracionista interpretado por Tony Leung.

La película tiene una manufactura impecable. Ambientación, decorados, vestuario, iluminación… todo es perfecto. Su larga duración, casi dos horas y media, se nota poco. Sus intensas y explícitas escenas de sexo pueden hacer que sea por lo que se recuerde la película que tiene otros muchos aspectos interesantes. Y por una vez, encuentro que dichas escenas de sexo son necesarias para comprender la evolución de la protagonista y la complejidad de las relaciones con su contraparte masculina.

La interpretación, tanto de la pareja protagonista como de los secundarios, es muy buena. Son actores y actrices desconocidos. Yo conocía a Tony Leung de una película que me gustó mucho, como fue Deseando amar, y de Hero, una de estas películas de espadachines chinos tan coloristas que últimamente tanto gustan. Una de las secundarias, la mujer del ministro, está interpretada por Joan Chen, más conocida en occidente por diversas apariciones, tanto cinematográficas como televisivas (para los más «frikis» del hecho televisivo, era la «Josie» de Twin Peaks). De gran nivel, en una película donde las miradas o las actitudes corporales tienen una importancia tan grande o superior a los diálogos. Como ejemplo, la reacción sin palabras del ministro ante una canción de sus amante nos habla claramente de sus sentimientos aunque no conozcamos (los subtítulos no aparecían correctamente situados y legibles en la proyección) el contendio de la letra de la canción.

Creo que el filme se acerca al concepto de «peliculón«. Gran producción, gran dirección, gran interpretación, glamour,… quizá sólo la relativa frialdad con la que en ocasiones se filman ciertas escenas impide que el espectador termine de involucrarse del todo en las emociones de los actores. El final, que no desvelaré, provocó controversia entre quienes íbamos. Pero la última imagen, fue para mí una perfecta descripción de lo que suponía el cierre de la historia para uno de sus protagonistas.

A esta película le pongo un ocho, con la misma nota en dirección y un nueve en interpretación.

En la foto de hoy, un calígrafo chino o lo que sea, en la Plaza Mayor de Madrid.

Diario de una niñera (The Nanny Diaries, 2007), 2 de diciembre de 2007.

En un otoño, temporada en la que se suelen ver las mejores películas del año junto con determinados meses de la primavera, en el que el buen cine ha sido escaso de ver, y desde luego raramente procedente del otro lado del charco, sin saber muy bien que ver, optamos por acudir al reclamo que supone la guapa Scarlett Johansson, aunque sin muchas esperanzas.

La película, basada en un «best-seller» norteamericano, cuenta las andanzas de una joven graduada universitaria que, ante la desorientación personal sobre lo que hacer con su futuro, decide aceptar la oportunidad que se le presenta de trabajar durante un tiempo como niñera. El filme, dirigido colaborativamente por Shari Springer Berman y Robert Pulcini, pretende hacer un crítica de la alta sociedad neoyorquina del Upper East Side. Y hasta cierto punto lo consigue, pero con una eficacia discutible. No sé para que tanto director en un largometraje que por otra parte no presenta grandes complicaciones. En realidad, la cosa queda más en un monográfico de la Johansson, guapa como siempre, aunque físicamente más discreta en su papel de universitaria sin rumbo que en otras ocasiones.

En lo que se refiere a la interpretación, la protagonista absoluta aprueba sin ir mucho más allá. Ha tenido papeles de más calado que este en otras ocasiones. Su principal «contrincante», la Sra. X, está interpretado por Laura Linney, que desde mi punto de vista, en estos momentos es mucho mejor actriz, y no es raro que se coma a la más joven,… y eso que este tipo de filmes tampoco da para mucho más allá. Otras presencias son Paul Giamatti, que sale poco, pero ejecuta bien al c.br.n del padre, la cantante Alicia Keys, como mejor amiga y sin que hay mucho que comentar al respecto, y el chico guapo, interpretado por Chris Evans, en un papel muy superficial pero que parece que tenía que estar ahí. Ah, claro, y hay un niño… siendo una película de niñeras…

En fin, una película absolutamente intrascendente por más que la quieran disfrazar de crítica social o «estudio antropológico», más propia de los livianos meses del verano, pero que bueno… llega ahora. Yo le pondría un cinco a la dirección, un seis a la interpretación, y un seis a la valoración subjetiva global.

En la foto de hoy… bueno… en Madrid no hay tantos rascacielos como en Manhattan, pero algún edificio alto hay… por ejemplo, en la Plaza de España.

La Zona (2007), 28 de noviembre de 2007

Este largometraje es una coproducción hispano-mejicana. Aunque desde luego, fundamentalmente es un película de ambiente mejicano, si bien su tema puede considerarse universal. Es el primer filme de larga duración de su director, Rodrigo Plá.

En un entorno que se podría ubicar en cualquiera de las grandes conurbaciones en Centro y Sudamérica, encontramos una zona residencial burguesa, rodeada por un muro que la separa de la pobreza de estas grandes urbes, donde sus vecinos viven una vida aislada de toda preocupación. Un entorno seguro, podríamos decir, y controlado. Como consecuencia de un accidente, el muro sufre una brecha, y tres adolescentes entran a robar. El balance de la noche es de cuatro muertos; una vecina, un guardia de seguridad y dos de los adolescentes. El tercero escapa. Los vecinos deciden tomarse la justicia por su mano. El drama está servido.

Hay muchos temas presentes en la película. La pobreza, la hipocresía, la corrupción policial, la desequilibrada balanza de la justicia…; pero el que domina sobre todos ellos es el miedo. El miedo y la inseguridad del ser humano moderno ante el otro, ante el diferente. La película, tanto en sus planteamientos como en su realización, es de una madurez notable. Yo no hubiese dicho que fuese obra de un director novel, dato del que me he enterado a posteriori.

La interpretación es impecable. Además de Daniel Giménez Cacho, a quien ya hemos podido ver en alguna que otra ocasión en el cine español, y de la modesta intervención de Maribel Verdú, cada vez mejor y más auténtica, tenemos otros actores como Carlos Bardem, mucho más discreto habitualmente que su hermano pero muy eficaz, o la estupenda mala leche de una para mí desconocida Marina de Tavira, actriz mejicana. Por nombrar algunos, puesto que la película tiene algo de coral. Pero quiero destacar a los dos protagonistas adolescentes que, desde mi punto de vista, dejan al nivel del barro a los muchos actores jóvenes que pueblan las pantallas y las televisiones de este país. Se trata de Daniel Tovar y de Alan Chávez, que con ser jóvenes nos ofrecen una visión distinta del drama, y llevan el peso de alguna de las escenas claves del filme.

En resumen, una película indudablemente dura e incómoda. Pero que debe ver cualquier aficionado al cine que entienda el séptimo arte como algo más que un entretenimiento, que comprenda su misión como espejo social o como medio de acción político-social. Yo a esto le pongo un ocho, tanto a mi valoración subjetiva, como a la interpretación y a la dirección.

En la imagen de hoy, una foto de mi estancia en Madrid el pasado domingo. El típico barquillero madrileño, a la caída de la tarde, con la mole de la Torre de Madrid al fondo.

Leones por corderos (Lions for Lambs, 2007), 21 de noviembre de 2007.

Robert Redford es un tipo que me cae bien. Me parece que es bastante honesto, y he de reconocer que a lo largo de su trayectoria cinematográfica, tiene títulos que me gustan bastante… como actor. Sin embargo, como director nunca me había producido gran emoción. Muy correcto formalmente, sus historias me habían dejado en general frío.

Aquí nos lo encontramos en su doble vertiente. Pero también nos lo encontramos probablemente en uno de los filmes menos convencionales en los últimos tiempos por su estructura. La película, más que contarnos una historia, que la cuenta, lo que hace es invitarnos a reflexionar sobre la situación o el conjunto de situaciones que llevan a dos jóvenes norteamericanos pertenecientes a minorías étnicas poco favorecidas socialmente, a decidir alistarse en el ejército e ir a Afganistán,… donde pasan cosas. Mientras nos va contando qué es lo que les pasa, que es una historia mínima pero importante, vamos conociendo a quienes de una forma u otra les han influido. Conocemos el entorno que les ha llevado hasta allí.

Y aquí viene lo interesante del planteamiento de Redford. En una entrevista entre una periodista (Meryl Streep) y un senador republicano (Tom Cruise), conoceremos como piensan los halcones ultraconservadores que alegremente mandan a la guerra a los jóvenes o cómo la prensa se inhibe o contemporiza con lo que pasa. En una entrevista entre un profesor universitario (Robert Redford) y un alumno desorientado y pasota (Andrew Garfield), conoceremos los motivos internos de los jóvenes para alistarse. Mientras, se nos va narrando el devenir de un afroamericano (Arian Finch Derek Luke) y un hispano (Michael Peña), los dos jóvenes que han ido a la guerra. Todas estas situaciones son narradas simultáneamente.

Confieso que salí del cine un poco desorientado. Me costó entender lo que estaba viendo. Aprovecho para decir que los tráileres de las películas, últimamente sirven más para desorientar que para otra cosa. El de este filme, a posteriori, me parece especialmente desafortunado. Pero tras la reflexión posterior, alargada a la hora de escribir este comentario por haber dedicado la entrada de ayer a Fernán Gómez, encuentro que es una obra valiosa. Si no tanto como producto cinematográfico, que es correcto con esa corrección que he mencionado como propia del director, sí como reflexión en voz alta sobre pensamientos y acontecimientos que nos influyen cotidianamente en el mundo.

Los actores están igualmente correctos. El planteamiento del filme hace que no haya un protagonista especial. Cada uno tiene su momento, para representar al personaje o a la idea que hay detrás del personaje. Quizá el menos afortunado, para mí, sea Cruise. Pero no sé si se debe a que nos daba otra ración de lo mismo, con la misma cara y los mismos gestos de siempre, o a que su personaje era el más antipático a mi forma de pensar.

En resumen, una obra de contenido político, interesante sin duda. Yo le pondría globalmente un siete, con la misma nota para la dirección y la interpretación.

Es otoño, lo vemos en las hojas de los árboles. Tiempo propicio para la reflexión y la introspección. Como la que nos suscita el filme.

Aunque en los últimos años ha sido más protagonista por sus dicterios generalmente dirigidos a plumillas poco instruidos, no deja de ser una parte importante de la historia del cine español la que se nos ha muerto. La entrada sobre Fernando Fernán Gómez en iMDB.com comprende 212 películas como actor, 30 como director y 29 como escritor/guionista. Desde luego, nadie le acusará de vago.

Obviamente, entre tanta cosa hay algo de bueno y mucho de malo o regular. Pero ese es un mal que afecta a varias generaciones de nuestro cine. Especialmente a aquellas que tuvieron que apechugar con trabajar en tiempos de dictadura. Tampoco se les puede reprochar su participación en «españoladas» de mala calidad. «Primum vivere deinde philosophari».

Como repasar toda su obra sería largo… e imposible… porque disto mucho de haberla apreciado en suficiente cantidad, me quedaré con recordar alguna cosilla. Y le recordaré principalmente por el padre republicano de aquel póquer de bellezas que atudían a un joven desertor en Belle epoque, a aquel agridulce Viaje a ninguna parte de cómicos de tiempos duros, y su capacidad para dignificar la astracanada mucho después de su época dirigiendo y dándo vida al mismo a Don Mendo, marqués de Cabra y su celebrada venganza. Esta última entra aquí, porque apenas hace una semana que la echaron en un canal de cine por satélite y me arrancó algunas sonrisas. Parte por el humor propio de la obra, parte por las implicaciones que tiene en la evolución de la historia de nuestro país en el siglo XX. No quiere decir que esto sea lo mejor. Hay cosas muy interesantes en su trayectoria… Pero a uno siempre se le quedan más, por motivos no siempre racionales, unas cosas que otras.

En la imagen de hoy, tierras de Castilla cerca de Medinaceli, por donde sin duda transitaron cómicos que viajaban a ninguna parte.

Persépolis (2007), 12 de noviembre de 2007.

No son frecuentes las películas de dibujos animados orientadas directamente al público adulto. En el mejor de los casos, nos encontramos con filmes de animación que buscan un público más adolescente o que simplemente se adaptan bien al gusto de los adultos que acompañan a los niños. Pero dirigido directamente a los adultos, no. Supongo que los adultos no reciben bien la posibilidad de acudir a una película de dibujos animados… que son cosa de críos. La pescadilla que se muerde la cola.

Nos encontramos aquí con la adaptación de una serie de historias gráficas, de la autora iraní afincada en Francia, Marjane Satrapi. La propia autora firma el filme junto con Vincent Paronnaud. La película es una autobiografía de la autora, comprendiendo el período que va desde la caída del Sha de Irán hasta que la autora abandona su país en los años noventa ante la falta de libertad que el régimen teocrático de Teherán impone a los iraníes, con especial ensañamiento en las mujeres. La historia nos cuenta dos evoluciones. La evolución personal de la protagonista, desde que es un niña hasta que decide abandonar el país con veintipocos años, y por otro lado, la evolución política del país de origen, con los avatares políticos y bélicos que trastocan su vida y hacen que nada sea como debería haber sido. Las sensaciones que nos transmite son de desconcierto, de cierto pesimismo, de amargura incluso; poco optimismo surge al final de la película. Ni para el país, sobretodo conociendo la evolución de Irán desde los años noventa hasta la fecha, ni para el personaje, que dejamos llegando a Francia, abierta a un futuro del que sabe poco y del que no nos cuenta nada, pero con el antecedente poco feliz de su aventura previa en la Europa Occidental, en Viena.

La realización del filme está fuertemente influida, como no podía ser de otra forma, por la novela gráfica original. Pero, así como en otras ocasiones, la traslación al cine de la estética del cómic no se consigue bien, en esta, creo que el logro es perfecto. Unos dibujos sencillos en su primera impresión, pero elaborados y muy efectivos a la hora de generar sentimientos y ambientes. La técnica aplicada es muy competente y ayuda mucho al desarrollo de la historia, que desde el principio nos engancha. No podemos evitar, desde el primer minuto, simpatizar con la niña que habla con Dios al mismo tiempo que quiere ser profeta y comunista, y con quien sentimos los avatares vitales que recorre hasta su llegada a Francia. Las voces originales de la película son de conocidos actores y actrices franceses. Pero nosotros sólo tenemos las voces de doblaje. Que están muy bien.

En resumen, una película altamente recomendable. Que nos hace pensar. Que nos hace sentir y simpatizar con quienes sufren las consecuencias de la tiranía teocrática, especialmente, las mujeres. Hoy mismo he visto en ElPaís.com que hay comentarios sobre la deficiente situación de las mujeres en Irán. Yo le pongo un ocho al filme, con la misma nota a la dirección del mismo.

Berlín ofrece diversos monumentos o memoriales a las diversas tiranías que han asolado la ciudad, como este Memorial del Holocausto. Pero son muchas las que todavía arruinan las vidas de muchas personas en el resto del mundo

Cassandra’s Dream (2007), 1 de noviembre de 2007.

El largo puente, que no lo fue para mí ya que trabajé el viernes, es una buena oportunidad para aumentar las oportunidades de ver cine. Así que ya que todos los santos estaban de fiesta en el paraíso celestial, nos fuimos a ver la última de Woody Allen, que no deja de ser adecuada para la fecha dada su preocupación por el tema de la muerte.

Estamos ante la tercera película del ciclo londinense del director neoyorquino; la verdad es que el veterano realizador retrata la capital británica como nadie. En esta ocasión nos encontramos como en Match Point, con un drama en el que dos personas corrientes, los hermanos interpretados por Ewan McGregor y Colin Farrell, se ven ante la eventualidad de tener que matar a otra persona. La historia es, una vez más, un vehículo para sacar a la luz algunas de las preocupaciones del director. Las relaciones familiares, la muerte como hecho definitivo, la lucha contra la propia conciencia, son algunos de los aspectos que se nos muestran. La historia no es compleja, ya que el director se obliga más a retratar la evolución personal de los protagonistas que los hechos en sí mismo. Pero es suficiente para mantener el interés del espectador hacia un final que nunca se adivina va a ser féliz o trágico, aunque algunas pistas se dan.

En lo que se refiere a los actores, ambos están entre correctos y bien, cumplen con su cometido. Entre los secundarios, destaca Tom Wilkinson convirtiéndose en auténtico diablo tentador, y a Hayley Atwell, como «manzana» del deseo. Bueno, esta última tampoco es que tenga un trabajo de lucimiento. Para mí, una desconocida. Pero sale guapísima y tenía que mencionarla. El resto de los secundarios están muy bien, actores británicos ellos, siempre son una garantía.

En resumen, una buena película, especialmente si te gusta el cine del director. No está a la altura de otras, pero desde mi punto de vista es superior a lo que suele haber últimamente en cartelera. He leído algunas críticas negativas, pero tengo la impresión de que para algunos, si Woody no está perfecto está mal. Creo que se pasan. Yo le pondré un siete, al igual que a la interpretación y a la dirección.

En la fotografía de hoy, en los alrededores del Puente de la Torre en Londres, alguna de las localizaciones del filme.

Stardust (Stardust, 2007), 29 de octubre de 2007.

Recientemente, recibo el ofrecimiento de acompañar a una amiga y a su hija adolescente al cine a ver una de fantasía y aventuras. Es un genero que en su momento me gustó, pero que con la proliferación de películas similares en los últimos tiempos, todas cortadas por el mismo rasero, me ha llevado a sentir una cierta monotonía por estos filmes. Pero como me recordó mi amiga… «mira que sale la Pfeiffer…»

Con pocas expectativas cinematográficas, pero con la intención de pasar un rato entretenido, nos vamos pues al cine. Sesión palomitera, y esas cosas. La película, dirigida por Matthew Vaughn, sorprende en alguno de los plateamientos y no sorprende en absoluto en otros. Sorprende en el hecho de que es más heredera de aquella maravilla que fue La Princesa Prometida que de otros productos más recientes. Encontramos aventuras, parejas de enamorados, y personajes secundarios divertidos, como fantasmas, piratas aéreos, brujas guapas y feas… Lo de costumbre. El humor tiene una parte mucho más importante en las aventuras que el drama. Aunque como toda aventura que se precie también tiene sus momentos de tensión dramática. La película no sorprende en que, como muchas de las últimas de este género, es heredera visualmente de la trilogía de El Señor de los Anillos. Que está muy bien, pero que es más de lo mismo.

El desarrollo de la historia, siendo razonable es irregular. Avanza de una forma un poco a empujones, y podrían mejorar las transiciones entre los distintos episodios que la conforman. También da la impresión de que las escalas espacio-temporales no están muy bien cuidadas… Sí, sí, ya sé que es una película fantástica,… pero los protagonistas no tienen superpoderes a la hora de realizar caminando distancias largas.

En lo que sí disfrutamos realmente es en el trabajo actoral. Entre los secundarios encontramos una serie de ilustres que evidenemente se lo pasan muy bien en este largometraje, y nos lo hacen pasar igualmente bien. Rober de Niro en su papel de peculiar capitán pirata, la ya mencionada Michelle Pfeiffer como la bruja más bruja de todas las brujas, un Peter O’Toole como agonizante rey, Rupert Everett como el príncipe Secundus, en un papel excesivamente breve para lo que nos gustaría disfrutarlo, tanto en el más acá como en el más allá. En fin. Diversos.

Los protagonistas cumplen. El chico, Charlie Cox, es razonablemente convincente dadas las características de su personaje. La chica, una estrella caída del cielo, está interpretada por Claire Danes, que sale realmente guapísima, y que todavía es más competente en su papel. Cada día está mejor.

En resumen, una película agradable con algún fallo, pero que nos entretiene. Le pondremos un siete por ello, con la misma nota en la interpretación y un seis en la dirección. Eso sí, cuando salimos del cine, de la película que acabamos hablando fue de La Princesa Prometida. Quizá menos espectacular en efectos, pero siempre entrañable en nuestro recuerdo.

La imagen de hoy, y en la fecha en la que estamos,… pues una bonita colección de difuntos. Eso sí, acompañando el ambiente de la película, en Ilfracombe, Inglaterra.

Promesas del Este (Eastern Promises, 2007), 28 de octubre de 2007.

A priori, y de acuerdo con lo visto en algunos filmes en los últimos tiempos, este corría el riesgo de ser uno de esos largometrajes multitemáticos, en el que se pretenden tocar muchas y trascendentes cuestiones, y acaban por ser superficiales en todas y fallidas en la historia. Pero no es el caso. La película, firmada por David Cronenberg, tiene como trasfondo el mundo de las mafias rusas en el Londres actual. Podría haber tratado de las propias mafias, de las prostitución, del tráfico de mujeres, de la violencia,… de muchas cosas. Pero afortunadamente, todo ello no es más que el decorado para lo que realmente es importante en la historia.

Esta es una historia de mafiosos de las buenas. Estamos habituados a que sean gángsteres italianos y a que la ciudad sea Nueva York. Pero eso da lo mismo. Lo que presenciamos es un proceso, de un hombre poco llamativo (Viggo Mortensen), que por motivos que vamos conociendo conforme pasa la película (aunque lo adiviné pronto), va introduciéndose en la organización mafiosa hasta ser alguien importante. La muerte de una adolescente embarzada, y la búsqueda de una matrona (Naomi Watts) que la atiende de un pariente para el bebé recién nacido es el entorno en el que surgirán contradicciones, dudas, complicaciones y transformaciones. No hay un final para la historia del protagonista, hay finales para las historias complementarias. Pero lo importante es el proceso interior de la persona.

Las interpretaciones son excelentes. Además de los mencionados cabe destacar a Armin Mueller-Stahl y a Vincent Cassel, en sus papeles de mafiosos, absolutamente soberbios. Así como otros secundarios, todos a gran nivel.

En resumen, una excelente película sobre mafias que, salvo que a uno le moleste la violencia dura, hay que ver. Yo le pongo un ocho, con otro ocho en la interpretación y un siete en la dirección.

La película de hoy transcurre en Londres, así que una instántanea de Londres ilustra hoy la entrada. Una librería, en Charing Cross Road. Cómo no.