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Cine – en defensa del cine (ligeramente) transgresor

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Fotografías realizadas en Busan, que también es una ciudad costera surcoreana, aunque no se parece nada a Hopo-hang (o Hope Harbour al traducir al inglés), la de la película. Entrada disponible también en Substack.

Hopeu [호프] (Hope) (2026; 50/20261105)

Con una semana muy activa en lo cinematográfico, tónica que va a seguir en los próximos días, me salto las dos películas que vi en el largo fin de semana anterior, ya les llegará su turno, para comentar la película surcoreana dirigida por Na Hong-jin, que vimos hace un par de días, y que tanto está dando de hablar. Y después de pensar un rato en por qué está dando que hablar, y está polarizando las opiniones, creo que es porque es una película transgresora. Ligeramente transgresora. No deja de ser una película con aspiraciones comerciales… Pero subvierte unas cuantas expectativas del respetable, lo cual genera la polarización mencionada.

En primer lugar, quitémonos de encima lo superficial del debate. La película es una película de género, del monstruoso, que va derivando progresivamente, porque es una película que va cambiando de género, hacia el género de alienígenas. En un población costera y montañosa del Corea del Sur, en los años 80 del siglo XX, próxima a la línea de demarcación con Corea del Norte, una violenta y extraña criatura altera la paz del lugar, y da lugar a una defensa primero y una caza después por parte de los habitantes del lugar, encabezados por el jefe de policía (Hwang Jung-min), su joven ayudante femenina (Hoyeon), y un lugareño (Zo In-sung) y sus amigos. Tiene efectos especiales, necesarios, pero que están por debajo de los de las superproducciones de Hollywood y que algún crítico ha calificado como “pintorescos”.

¿Por qué es transgresora? En primer lugar, por los (absurdos) usos y costumbres del cine de acción actual, encabezados por el cine superheroico, donde se dan absurdas explicaciones sobre cosas que son mera fantasía. ¿Por qué en aquella película de cuyo nombre no quiero acordarme se pegan un buen rato explicando lo que es el “teseracto”, que no es más que un vulgar macguffin fantástico que no tiene más valor que el impulsar la película? Aquí no hay verborrea. Empiezan a pasar cosas y la gente, aborregada por el cine actual, no sabe qué pensar o qué hacer. Pero así es la vida. De pronto, empiezan a pasar cosas que no entendemos.

En segundo lugar, porque los héroes no son perfectos. Bueno, me he quedado corto. Los héroes entran casi dentro del género del antihéroe. Gente que la caga constantemente. Un jefe de policía prudente que se lía a tiros de repente fusilando al que se ponga delante. Una ayudante de policía mona y menuda pero que carga contra lo que haga falta como un toro en embestida con el arma de mayor calibre que pueda escoger sin pararse a pensar mucho las cosas. Un tipo que lidera a un grupo de paletos armados hasta los dientes, pero que es incapaz de pararlos ni de pararse a plantearse que lo que tiene delante igual no son monstruos.

En tercer lugar, el cambio de género. Del catastrófico género de monstruos destructivos, a la comedia negra con tintes escatológicos, a la ciencia ficción con alienígenas inteligentes. Y porque este cambio de género lleva un giro de 180 º en el que quizá los monstruos no son quienes pensamos. Los monstruos… somos nosotros. Y por otros detalles que hacen de la película algo atípico en el cine occidental. Pero no tan atípico en el cine surcoreano, y quizá de otros países asiáticos, menos encorsetados y más dados a los giros imprevistos en el sentido y en la trama de sus películas. O narrativas en general.

Encuentro que la película es muy notable. No es una obra maestra porque se le pueden encontrar defectivos por aquí y por allá. Pero es una de las películas de acción más divertidas que he visto en… ¿lo que llevamos de siglo? Por lo menos. Y porque además exige un espectador activo, dispuesto a poner de su parte para dar sentido a la película. He de decir que, de los tres actos que tiene la película, el primero y el tercero de acción desenfrenada, al avanzar ligeramente el más tranquilo segundo acto ya se puede ver mucho de por donde irá la resolución de la película. No en los detalles, algunos de los cuales son sorprendentes sin duda. Pero en las líneas globales. Porque sólo puede ir por una dirección si quiere ser consecuente. La buena ciencia ficción y la buena fantasía nunca hablan de extraterrestres, de viajes espaciales, de magos o de dragones. Habla de nosotros, de los seres humanos. Y generalmente de una forma muy crítica. Como lo hace esta película. Hope, esperanza… pero ¿para quién? Ganas me entran de verla otra vez.

Valoración:

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

Cine – subir a lo más alto y caer en lo más bajo en dos películas de estreno en plataformas

Cine

Fotografías procedentes de la excursión que hicimos al Zugspitze en agosto de 2008. Reúne dos elementos de estas películas, montañas y Alemania. También disponible en Substack.

En los últimos tiempos, y a pesar del parón por el viajecico a León y demás, he acumulado muchos estrenos vistos. Algunos directos en plataforma, y otros en salas de cine. Y se vienen más, porque las entradas ya están compradas, para dos estrenos en ¡¡¡IMAX!!! Pero eso es el futuro, vamos con dos películas estrenadas directamente en plataformas de contenidos en línea.

Tenzing (2026; 46/20261020)

Aventura biográfica centrada en Tenzing Norgay (Genden Phuntsok), el sherpa que subió junto con Edmund Hillary (Tom Hiddleston) a la cima del Everest por primera vez. Y volvió. Hay otra expedición que se sospecha que pudo llegar… pero no volver, y nunca sabremos que pasó en realidad. Dirigida por Jennifer Peedom, es la típica película pensada para inspirar y reivindicar a un héroe que tiene todos los elementos para entrar en lo políticamente correcto. De origen pobre, de una etnia poco apreciada, situado siempre en segundo plano tras Hillary (esto, realmente, de forma muy injusta)… pues lo adecuado.

La película se deja ver, está razonablemente bien interpretada, nos enseña paisajes muy bonitos, y es enormemente previsible, no sólo porque sepamos cómo terminó la aventura, sino porque es previsible cómo va a transcurrir la película, que ofrece además dos líneas temporales, alternando la subida al monte con la vida anterior del protagonista. Si estás suscrito a Apple TV, es una buena opción para pasar el rato. Y ya está. No pasará a la historia del séptimo arte por nada en especial.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Der Tiger (2026; 47/20261031)

Película alemana estrenada en este 2026 en Amazon Prime Video, ya hace un tiempo, y en la que caí por casualidad, mirando a ver qué oferta de películas bélicas había. No es que el género me interese en especial, pero tampoco lo rechazo. Pero estaba curioseando sobre películas con cierta fidelidad a la realidad histórica. Esta… no es histórica. Es una ficción en la que el director, Dennis Gansel, nos lleva en 1943 al frente oriental de la Segunda Guerra Mundial. “Oriental” es la Unión Soviética. El follón bélico que montaron los japoneses, se llama el teatro de operaciones del Pacífico,… incluso si los tiros fueran en el Índico o en la China continental. Cosas que pasan.

Un teniente tanquista (David Schütter) de la Wehrmacht dirige su panzer, un Tiger, y a su tripulación, en una misión que es una extraña variante de “salvar al soldado Ryan”, al tener que internarse en terreno enemigo buscando a un coronel desaparecido en extrañas circunstancias. Aunque quizá las cosas no sean lo que parecen.

A caballo entre el realismo y la fantasía, de alguna forma nos quieren llevar a una crítica sobre la barbarie de la guerra y cómo esta afecta a los que en ella participan. Está en general bien hecha, aunque los puristas encontrarán numerosas anomalías y anacronismos en el filme (la más notable es que el tanque que sale no es un Tiger, pero es que no los hay en funcionamiento). Para mí, y dado el tono de la película en sus etapas finales, no son importantes. Lo importante es que, aunque se deja ver, su guion y su forma de presentar la trama no está del todo conseguida y, aunque entretiene, al final te quedas con cara de circunstancias por el desenlace. Pero bueno, quien tenga suscripción a Prime Video, si le va lo bélico, igual le merece la pena.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Cine – una de Koreeda que no es la que yo esperaba

Cine

Las fotografías del artículo están tomadas en los bosques del monte Kurama, no lejos de Kioto, lo cual tiene sentido dado el desarrollo final de la película. Y, como de costumbre, la entrada está disponible también en Substack.

Hako no naka no hitsuji 箱の中の羊 (2026; 45/20261019)

Desde hace unos meses estoy a la espera de lo último de Hirokazu Koreeda, director japonés que, en mi experiencia, alterna pequeñas o grandes joyas cinematográficas, con otras películas que pasan más desapercibidas. Pero esta película que llegó a las pantallas españolas sin publicidad y casi desapercibida no es. Pero es de Koreeda, así que buscamos un momento para acercarnos a las salas de cine y ver que nos ofrecía en esta ocasión el ya veterano director nipón. El título original japonés se traduce como la oveja en la caja, y en ingles ese el título ofrecido, Sheep in the box, pero en España la han presentado como Kakeru, el nombre del niño protagonista.

El tema principal que nos aparece en las películas de Koreeda es la familia. La convencional y la menos convencional, la (más o menos) funcional y la totalmente disfuncional, incluso francamente anómala. Y en esta ocasión nos lleva también a una familia. En un futuro que no sabemos si está muy cercano o muy lejano. Un matrimonio perdió a su hijo en circunstancias trágicas. Y ahora les presentan la posibilidad de crear un androide con el aspecto físico del niño, con su voz y con su personalidad, extraída de la información que pueda extraerse de los recuerdos familiares. Y aceptarán.

El tema y el planteamiento no es novedoso. Con tres temas fundamentales, el duelo no resuelto, las relaciones familiares y el concepto de lo que es ser persona, Koreeda desarrolla un drama amable, desde una mirada relativamente optimista. Quizá demasiado optimista para que resulte convincente. Las interpretaciones son correctas, aunque en alguna ocasión resultan un poquito rígidas, poco naturales.

Pero ni la crítica ni el público han tratado especialmente bien al filme. La crítica se ha considerado decepcionada, porque esperaba más del director, que nos ha malacostumbrado en los últimos años con algunas películas que, a algunos, nos extraña que no hayan alcanzado más repercusión por su brillantez. Yo creo que puede encuadrarse dentro del concepto ese que llaman “una obra menor” del director. No me parece mala en absoluto; me parece una película razonablemente digna. Pero es cierto que ni es novedosa, como ya he dicho, ni está del todo bien resuelta.

Mientras tanto esperaremos esa adaptación de un manga, que ya recibió una interesante adaptación en forma de animación, y que tanto éxito tuvo. Y que me apetece mucho ver. Se estrenó en Japón y otros países asiáticos entre septiembre y principios de octubre. Y por los países occidentales está recorriendo festivales. Supongo que habremos de esperar a la primera mitad del año que viene para verla. Como pronto.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Cine – invitaciones a cenar y a… otras cosas con X

Cine

Fotografías realizadas en Nueva York en 2013. Disponible también en Substack.

The invite (2026; 44/20261018)

Tengo pendientes de comentario tres estrenos cinematográficos de antes de nuestra escapada leonesa. Y pensaba comentar algunos de ellos en pareja. Pero hay alguna cuestión que me ha hecho separar los comentarios individualmente. En concreto el de esta película, que no está mal, pero no me parece que este filme dirigido por Olivia Wildesea para tanto como dicen algunos.

La cuestión es que es una adaptación de una historia de Cesc Gay, que yo no he visto, y sobre la que dicen que hay algunas diferencias. Da igual. La cuestión es que estamos ante una película con sabor a adaptación teatral, aunque no lo sea, porque toda la acción transcurre en un mismo escenario. El piso de un matrimonio neoyorquino (o alguna ciudad similar) al que la esposa (la propia Wilde) ha invitado a unos vecinos a cenar… sin avisar al marido (Seth Rogen). Los vecinos (Penélope Cruz y Edward Norton) son nuevos, pero ya han dejado claro que no son nada discretos en lo que se refiere a los placeres del sexo. Mientras que el matrimonio neoyorquino… viven rutinas en las que ya se aprecia el quemazón del paso del tiempo. ¿Cómo quedará la invitación? ¿Éxito o ruina?

Película sobre las relaciones de pareja, específicamente sobre las matrimoniales, sobre el desgaste por el paso del tiempo, por la rutina y por la falta de comunicación, en tono de comedia, con unas interpretaciones con oficio, que se deja ver. Y ya está. Pero lo que me ha llamado la atención es que por ahí están hablando de Cruz como posible candidata al Oscar a la mejor actriz de reparto. E incluso con doblete, por su interpretación en La bola negra. Qué queréis que os diga. Penélope Cruz, a estas alturas de la historia, es una intérprete con oficio que sabe sacar adelante sus papeles. Pero, ¿son estos papeles para un premio? A mí me parece que no. Pero ciertamente, tampoco soy muy fino yo a la hora de pronosticar los resultados sobre los Oscar. Así que… quién sabe. Si la veis, está bien. Y si no, pues tampoco es una tragedia.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Cine – romances trágicos y duelos eternos… con poco donde rascar

Cine

Fotografías realizadas en Lisboa hace ya 18 años. Muchos años sin volver a la capital portuguesa. También en versión Substack, como de costumbre.

Love of your life (2026; 43/20261015)

Después de todas las vacaciones y algo más sin estrenos de cine, este final de semana pasado, desde el jueves, a estado plagado de ellos. Aunque con fortuna desigual, si queréis que os diga la verdad. Y empiezo por un estreno muy reciente en Amazon Prime Video, directo a plataforma, dirigido por Rachel Morrison, de quien solo he visto trabajos para televisión, donde el director pinta mucho menos que en el cine.

Protagonizada por Margaret Qualley, una actriz que se está poniendo de moda, hija de Andy MacDowell, esta hace de una enfermera que vive centrada en su trabajo y con pocos amigos, hasta que conoce a Charlie (Gabriel Basso) se enamoran, viven un romántico romance, se casan… y Charlie casca en la epidemia de covid. Y luego llega un laaaargo proceso de duelo que va desde los 26 años de la protagonista, cuando pasa todo lo anterior, hasta los 34 en los que se supone que se va aclarando.

Vamos a ver… de momento en mi valoración está aprobada. Pero a ratos me dan ganas de no aprobarla. La película es un poco inane. Tira de topicazos. Y la directora se preocupa de hacerlo todo muy bonito y muy romántico, mientras nos va mostrando en pantalla postales de Boston, Lisboa, el Algarve, Londres y Nueva Orleans. No sé si me dejo algo. Todo tan bonito y aséptico, que falla en transmitir emociones. Y sobretodo, me cuesta un algo creerme a la protagonista y las cosas que le pasan. Que no digo que no pasen… es que me cuesta creérmelo en la película.

Los interpretes hacen lo que pueden en los márgenes que les da la directora. Más preocupada la mayor parte de tiempo en lo formal que en el fondo de la cuestión. Y sí, Qualley es guapa. Quizá no tanto como su madre en su momento, pero eso no es lo que hacía falta en esta película. Alguien más de carne y hueso, y despeinada, hubiese venido mejor. Lo dicho aprobado por los pelos.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Cine – no dejes que los hechos históricos reales te estropeen una “buena” historia de la II Guerra Mundial

Cine

Fotografías procedentes de las playas del desembarco de Normandía, hace un porrón de años. Publicación disponible también en Substack.

Pressure (2026; 41/20260918)

Película que se me quedó pendiente de comentar antes de empezar las vacaciones, y que en realidad vi entre las dos películas españolas que comenté poco antes de las mismas. Pero me pareció oportuno hablar de ellas al mismo tiempo. Es una película bélica, pero sin tiros ¿basada en hechos reales? ¿inspirada en hechos reales? ¿deformadora de los hechos reales? Los personajes se corresponden a personas que existieron, eso sí…

Se trata de un drama a propósito de la indecisión sobre el momento de comenzar el desembarco de Normandía, debido a las dudas sobre la evolución del tiempo atmosférico en aquellos días de principios de junio. Tenía que hacer bueno, luna nueva, las mareas en un punto determinado… una serie de cuestiones de las que lo de la luna y las mareas eran fáciles de predecir. Pero lo del tiempo, en esa latitud de Europa, y sin calentamiento global. Donde llueve cuando quiere y en un mismo día puede hacer bueno, malo y todo lo contrario al mismo tiempo.

La cuestión es que su director, Anthony Maras, presenta una situación en que un meteorólogo británico (Andrew Scott) tiene que convencer a Eisenhower (Brendan Fraser), en contra de la opinión de un meteorólogo yanqui (Chris Messina), y con Montgomery (Damian Lewis) tocando los huevos a todo el mundo, de que el día previsto para la invasión va a hacer malo y hay que retrasarlo al día siguiente. No me voy a molestar en contar aquí lo que realmente sucedió. Lo buscáis en Wikipedia. Pero no es como lo cuentan, y el auténtico listo que convenció al general americano fue un noruego, que ni siquiera sale. Al parecer. Hubo mucha gente allí y muchos dijeron y opinaron.

Pero ya sabéis el dicho, “no dejes que la verdad te arruine una buena historia”, y como la película es británica el héroe tenía que ser de esa nacionalidad. Y los idiotas, yanquis. Y Montgomery. Que históricamente hay muchos datos que demuestran que fue un idiota. Británico, pero idiota. Le salió bien lo de Egipto,… y ya sabes, cría fama y échate a dormir. Pero no se que opinarían de él los paracaidistas que mandó a Holanda. Los intérpretes son gente con oficio y lo hacen correctamente. Y la película es moderadamente entretenida. Pero la verdad, con gran probabilidad, olvidable a medio y largo plazo. Sin más.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Cine – cuando España quiere un Oscar, y quizá lo consiga

Cine

Fotografías procedentes de un viaje por Cantabria en los días de Semana Santa de 1990. Disponible también en Substack.

Hoy vamos con dos películas españolas que, hasta hace unos días, eran dos de las tren candidatas para elegir una que represente al cine español en los Oscar. En el momento del estreno no de la segunda de ellas, ya se había desojado la margarita. Y sabemos que la candidata al eunuco dorado será la película de los Javis. Pero puede que sea o no sea la mejor película, aunque estoy convencido que es la que más posibilidades tiene. Así que es una elección racional. Y es una muy buena película, todo hay que decirlo. Por cierto, la tercera en discordia fue estrenada hace casi un año… pero supongo que como lo hizo después de seleccionar las candidatas del 2025, ha entrado en la remesa del 2026. Era mi menos favorita, con ventaja.

Santander

El ser querido (2026; 40/20260916)

Dirigida por Rodrigo Sorogoyen, tiene a su favor un reparto que funciona excepcionalmente bien, encabezado por Javier Bardem y Victoria Luengo. Ambos interpretan a un director de cine, de éxito internacional, algo excéntrico, con fama de brusco, incluso violento. Ella un actriz que vive de trabajar de camarera y de pequeños papeles en series de televisión sin llegar a destacar. El director le ofrece el protagonismo en su próxima película. Pero hay un problema, son padre e hija, y han vivido extrañados uno de otro y con cuentas pendientes no resueltas.

Quizá no tenga la vistosidad de la película que viene a continuación, aunque el rodaje en Lanzarote está lleno de escenas muy notables y de gran belleza. Pero a mi me ha llenado más. Yo he tenido buena relación con mis padres; no hubo más drama que los pequeños dramillas cotidianos que suceden en todas las familias. Y hubo buen querer. Pero he vivido la realidad de otras personas cercanas y su compleja relación con alguno de sus progenitores. El caso es que, acompañada por el notable trabajo actoral, la película me llegó y me dejó una fuerte impresión en el recuerdo. Ni qué decir que está perfectamente realizada, y que las dos horas y cuarto se pasan en un vuelo. Muy recomendable desde mi punto de vista.

Santander

Valoración:

Dirección: ****
Interpretación: *****
Valoración subjetiva: ****

La bola negra (2026; 42/20260925)

Los Javis, Javier Ambrossi y Javier Calvo, son directores de moda. No he visto mucho de ellos. Su largometraje previo, con temática religiosa, no me llamó la atención. Dice que fue un error por mi parte. Intentaré subsanarlo en cuanto pueda. Aunque por lo que veo en IMDb, la puntuación de los espectadores se quedó en la mediocridad. Pero bueno, la nueva película venía acompañada de un aura festivalera triunfante. Y los críticos, aunque fueran más sicofantes y corifeos que opinadores independientes, es lo que pasa en España, la ponían por las nubes. Y ha sido la elegida para la gloria hollywoodiense.

Santillana del Mar

Ambrossi y Calvo plantean una ficción a partir de hechos reales, Rafael Rodríguez Rapún (Miguel Bernardeau) fue un miembro de La Barraca a quien se atribuye una relación sentimental con Federico García Lorca. Este, cuando fue asesinado por los sublevados anticonstitucionales fascistas, había esbozado unas páginas sobre una obra La bola negra, que en la película se nos dice que es teatro, aunque en Wikipedia se habla de ella como la única novela de Lorca cuyo protagonista sería abiertamente homosexual. Rapún murió en el cerco de Santander. Pero se especula ficticiamente con que fue herido y hecho prisionero, y estableció una relación con un soldado reclutado a la fuerza por los fascistas (Guitarricadelafuente). En paralelo, se nos va contando la historia del protagonista de La bola negra (Milo Quifes), así como de un joven historiador y autor de teatro contemporáneo (Carlos González) que algo tienen que ver con la trama.

El esfuerzo de producción y el oficio desplegado por el equipo de la película es sobresaliente. Pocas pegas se le pueden poner a los aspectos cinematográficos del largometraje. Máxima nota en fotografía, música, sonido, diseño de producción, todo muy bien conjuntando por sus responsables. Me daba algo de miedo el reparto, donde hay gente interesante, y otros… menos. No entraré en nombres. Porque el reparto cumple sobradamente, sin brillanteces, pero con oficio, y permite que la película salga adelante con la brillantez mencionada. Por lo tanto, como decía, la candidata perfecta a los Oscar. Aunque como decía, a mi gustó más la de Sorogoyen. Me dice que los Javis se ha separado como pareja. ¿Se resentirá su cine en un futuro? ¿Triunfará uno, los dos, ninguno? El tiempo lo dirá.

Valoración:

Dirección: *****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ****

Castro Urdiales

TV – un espíritu en el caparazón, por triplicado

Cine, Televisión

Fotografías realizadas en el Tokyo Big Sight, durante una visita a Odaiba, Tokio, en octubre de 2019. Mucho ‘otaku おたく’, aquel día. Entrada publicada también en Substack.

Recientemente se ha emitido una nueva versión de Ghost in the shell en forma de serie de animación, anime, porque es japonesa. Esta historia, un clásico en el manga y en los largometrajes de animación, concretamente la película de 1995, la tenía yo un poco pendiente. Especialmente porque sólo había tenido oportunidad de ver la película de acción real, dirigida por Rupert Sanders y protagonizada por Scarlett Johansson. Y esta película tiene unos cuantos problemas. Entre los cuales… que le falta “alma”, “espíritu”… ¿ghost?

De entrada, amiguitos y amiguitas, por si alguno no se había coscado todavía, ghost no significa fantasma, o sólo fantasma. Es el espíritu. El alma en algunas ocasiones. Y de lo que va esta historia principalmente es de lo que van muchas historias cuyos protagonistas son inteligencias artificiales o naturales sobre cuerpos artificiales. Y en último caso, sobre lo que nos hace personas. Y obsérvese que digo personas y no humanos, porque aquí también la gente se lía mucho. Evidentemente, un robot antropomórfico gobernado por una singularidad tecnológica, una inteligencia artificial capaz de pensar, tomar decisiones y actuar, nunca será un ser humano. Pero al menos en un plano teórico, o filosófico, sí una persona. Que luego se llegue a esta singularidad tecnológica y sea práctico dotarla de un cuerpo antropomórfico es otro cantar.

Motoko Kusanagi, la comandante, es un cíborg. Mezcla de ser biomecánico con elementos humanos. Su cerebro y conciencia son humanos; su cuerpo es biomecánico. Y es el elemento que entra en crisis, al contactar con el “antagonista”, el Titiritero, y plantea la cuestión filosófico de la naturaleza de ser persona. Pero los enfoques son distintos, según la versión. No he tenido ocasión de leer el manga. Y dado que debe ser una tarea titánica a estas alturas… o ahora que lo miro,… quizá no. Ya veremos. El caso es sólo puedo hablar de las producciones audiovisuales que he visto.

En estos dos últimos meses y medio, he visto la serie reciente. Dicen que es la más próxima al material original. Incluye esas reflexiones que hemos mencionado sobre qué significa ser humano, pero básicamente insiste en su vertiente de serie de acción y aventuras, con una heroína, Kusanagi, que tiene sentido del humor, sensualidad y sexualidad, y una dinámica ágil ante las diversas misiones y conspiraciones que han de afrontar. Me lo he pasado bien, y quizá le vuelva a dar un repaso, para verla de otra forma, para compararla mejor con las dos películas que he visto, o con la serie de manga si llegase a leerla.

La película original tiene un tono muy distinto. Hay quienes la comparan con Blade runner, y lo puedo entender, tanto por los temas como por la ambientación cyberpunk de la película. Es una película muy notable, puedo entender perfectamente que haya pasado a la historia del cine de animación como una película de referencia. Las circunstancias de Kusanagi y la Sección 9 son similares a las de la serie, y supongo que a las del manga, pero el carácter de Kusanagi es diferente. Más reflexiva, transmite mucho mejor y más profundamente el dilema de su naturaleza binomial, ser humano/máquina inteligente.

Finalmente, la película de acción real, tiene elementos en común con la película de animación, pero le falta el alma. Johansson, que en su momento fue buena actriz, es incapaz de transmitir de forma emocionalmente interesante, el conflicto interno del personaje. La película es demasiado aséptica, al mismo tiempo que intenta reproducir el ambiente, más de Hong Kong futurista que de Tokio futurista, con mucho cuidado. Y hay una modificación sustancial del antagonista, que no tiene el mismo carácter que apreciamos con el Titiritero en las dos anteriores. Desde mi punto de vista es un producto hasta cierto punto fallido, sin entrar a valorar las polémicas de porqué alguien que se llama Mokoto Kusanagi está interpretado por una mujer de aspecto europeo nórdico.

Quizá con el tiempo siga hablando de esta franquicia, porque realmente me están entrando ganas de afrontar la serie de manga original

Cine – el peligro viaja en avión

Cine

Fotografías procedentes del museo Aeroscopia de Toulouse. También disponible en Substack.

Hoy vamos con dos películas insatisfactorias, vistas con pocos días de diferencia, en la que los protagonistas… viajan en avión. No perderé mucho tiempo con ellas. Que sigo con poco tiempo para publicar en estas páginas.

Mayday (2026; 38/20260904)

Película de estreno directo en plataforma, Apple TV, dirigida por John Francis Daley y Jonathan Goldstein, que llama la atención por su reparto, al frente del cual se encuentran Ryan Reynolds y Kenneth Branagh. Un militar de aviación estadounidense en tiempos de la perestroika rusa es derribado cuando espiaba sobre territorio soviético. Y un viejo miembro de la KGB desencantado le ayudará en su huída por el país enemigo.

Aventuras en tono de comedia que no están mal. Carece de pretensiones, pero es entretenida. El caso es que Branagh está bien, más que correcto, mientras que Reynolds vuelve a encasillarse y a hacer el mismo papel que hace siempre y cansa. A ratos patriotera, a ratos crítica, es una película que no sabe muy bien qué ser de mayor. Si sois suscriptores de la plataforma, vale como entretenimiento. Si no… tampoco pasa nada

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Black Box (2026; 39/20260906)

Un domingo de cierto aburrimiento, para mi sorpresa me dejo convencer para ir a ver esta película, dirigida por Steven Quale, cuya principal virtud es que dura menos de hora y media. Un avión de pasajeros en un recorrido interno por los Estados Unidos se encuentra con una misteriosa tormenta y desaparece de los radares. Mientras, en el avión empieza a desatarse una especie de epidemia de origen desconocido que poco a poco afecta a todo el pasaje y la tripulación, salvo a un pasajero (Tom Brittney).

¡¡¡ ATENCIÓN ESPOILERES !!!

Aventuras de alienígenas o seres extraños de origen desconocido, no sé muy bien que pretenden ser, que bebe de las tramas tipo “invasores de ultracuerpos”. Una producción sin mucho interés, de bajo presupuesto, que no aporta absolutamente nada al género y que debería haber olvidado ya si no fuera por lo mucho que lamenté la pérdida de tiempo.

Valoración:

Dirección: **
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

Cine – cuando las erupciones volcánicas desatan el amor y el desamor

Cine

Fotografias realizadas en Varsovia, Polonia. Publicación disponible también en Substack.

Erupcja (2026; 37/20260903)

Mientras en algún lugar de Italia una erupción volcánica trastoca los vuelos en avión por toda Europa, una pareja británica se queda estancada en Varsovia cuando se suspende el suyo. Es la ocasión que espera él (Will Madden), con intención de proponer en matrimonio a la chica (Charli XCX) en algún lugar romántico. Pero ella tiene vínculos pasados con Varsovia, y con alguna de sus habitantes (Lena Góra), especialmente cuando las erupciones amenazan el tráfico aéreo.

Pete Ohs se inspira, mucho, en la Nouvelle vague francesa, aunque ruede en color, para contarnos este drama de romance, amores y desamores entre un grupo de treintañeros de hoy en día, es decir, de esos que se comportan como los que somos de algunas generaciones anteriores hubiéramos considerado normal entre veinteañeros. Propuesta muy generacional, que quizá le cueste calar en entre otras cohortes de edad que no sean las de los que tienen entre 20 y 30 años.

La protagonista principal no es actriz. Yo no la tenía localizada, pero al parecer es una cantante popular en el Reino Unido que se mueve entre los estilos del pop electrónico y el disco-pop. Normal que no me haya llamado la atención. El caso es que, con ella al frente, el reparto hace lo que puede para ir tirando con esta propuesta, aunque quizá sus mejores valores interpretativos no estén en esta protoganista ni el mozo que la acompaña. La polaca Lena Góra apunta mejores maneras, y te quedas con las ganas de que la película hubiera contado su historia y no la de los viajero estancados.

No es ninguna catástrofe de película, ni mucho menos; se deja ver. Pero pretende ser más de lo que llega a ser. Y a mí, en un momento dado, empieza a darme igual lo que le pase a esta gente. Eso sí, tiene una virtud apreciable; con 71 minutos de duración tampoco cansa. A cierta crítica le ha gustado. El público ha dado una respuesta fría. Como la mía. Pero supongo que entre ese público puede haber un sector que le encuentre la gracia. Por otro lado, como dice el chico protagonista… todas las semanas hay algún volcán en erupción sobre la faz de la Tierra, así que las veleidades románticas de la protagonista, otra razón tendrán.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Cine – Cuando los años 90 en China saben a los años 50 en España

Cine

Fotografías realizadas durante el reciente viaje en Mayo en Chongqing. Esta publicación está disponible también en la plataforma Substack.

Shengxi zhidì [生息之地] (Vivir la tierra) (2026; 36/20260825)

Estamos ante una película que vivimos un par de días antes de viajar a tierras nórdicas. Una película china, de la que no sabíamos muy bien qué esperar, pero con críticas bastante buenas, pero con una más que probable indiferencia del público occidental ante una película que no presenta especiales “alicientes comerciales”. Se nos decía que su director, Huo Meng, realizaba un ejercicio de reflexión nostálgica regresando a los tiempos de su infancia.

Película de reparto coral, aunque con los acontecimientos vistos desde la mirada de un niño de diez años. Una población rural, que vive del cultivo del cereal. Pobres. Que viven al ritmo de las estaciones y de los acontecimientos vitales. La siembra, la siega, la trilla… Cumpleaños, funerales, bodas… Los niños en el colegio… Las familias, extensas, como red de protección de los individuos. Pero es el momento en que se impulsa el desarrollo industrial del país, y los padres del niño se van a una gran ciudad a trabajar, mientras sus parientes atienden al niño. Es la época de las nefastas políticas de limitación de la natalidad, que dio lugar a tanto infanticidio, especialmente en niñas, o abandono de bebés, algunas de ellas acabaron adoptadas por matrimonios occidentales sin hijos.

Yo no tengo pueblo. Nací en la ciudad de Zaragoza, la quinta más poblada de España, y mis padres también son nacidos en la misma ciudad. Tengo que remontarme a los abuelos para que “tener” pueblo. Y de vez en cuando visitábamos a los tíos y tías de mis padres, en Magallón, en Nuez de Ebro, en Préjano y Arnedo, los hermanos y hermanas de mis abuelos y abuelas, a los que mis padres tenían mucho cariño, el cual era recíproco. Y cuando recuerdo mi infancia más tierna y cómo se vivía allí, a finales de los años 60 o principios de los 70, ya vivían con un nivel de vida superior a los de esta población rural china de la película. Probablemente habría que remontarse a los años 50, desconocidos por completo para mí, para situarnos en un nivel semejante. La cuestión es que el año en el que se sitúa la acción de la película es 1991. Treinta o cuarenta años más tarde de aquellos años 50 o principios de los 60 en España. Lo cual, da que pensar sobre el gigante asiático.

La película ha crecido en mi recuerdo desde que la vimos. Es hermosa en su realización. Las interpretaciones, muy espontáneas, tienen momentos de gran autenticidad. Es cierto que es un ejercicio nostálgico. Un “amarcord” de su director, aunque sin el humor y el surrealismo de Fellini. Algunos personajes son entrañables. Como algunos de los abuelos. O la tía joven de 21 años que acaba casada en un matrimonio pactado con un individuo con quien, evidentemente, no va a ser feliz. Por lo tanto, también es una película con corazón.

¿Es recomendable? No es una película al uso de lo que se lleva en estos tiempos. Creo que no ha aguantado mucho en cartelera. ¿Una semana? Y sin embargo, merece la pena. Bastante. Es comprensible el entusiasmo de la crítica. Pero también la indiferencia del público. Al menos el occidental. ¿A quién puede resonar una realidad de 1991 tan diferente de nuestro mundo? Sólo a los curiosos de la naturaleza humana y de comprender mejor otras culturas y otros fenómenos sociales.

Valoración:

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

Cine – Nos vamos a divorciar y ¡hay dinosaurios en el vecindario!

Cine

Fotografías de dinosaurios realizadas en el Museo de Ciencias Naturales de Nueva York. Publicación disponible también en Substack.

The End of Oak Street (2026; 35/20260814)

Desde que Spielberg rescató a los dinosaurios cinematográficos, caídos en el olvido desde los tiempos en los que coincidían con esculturales rubias en bikini de piel (como aquí y aquí) en la gran pantalla, se han vuelto un elemento casi cotidiano de las carteleras de cine. No voy a decir que constantemente haya películas de dinosaurios, pero casi todos los años hay algo sobre este tema.

Reconozco que aquellas películas de los años 60 y muchos eran enternecedoras en su cutredad, hippismo y anacronismo. Grandes dinosaurios herbívoros devorando cavernícolas, o situar la época de los dinosaurios en “hace un millon de años”, con un error de -65 millones de años, al menos. Y mira que de la mano de un ex-Beatle llegó a haber una parodia de aquellas, una década más tarde, más infumable que las películas parodiadas. Lo cual no deja de ser hilarante y triste al mismo tiempo.

Pero ya con Spielberg, la cosa era serie. Se hablaba del ADN de la sangre de los dinosaurios en los mosquitos del ámbar. Y de las ranas hermafroditas. Todo muy “científico”. Y al mismo tiempo, una reiteración ad nauseam de la misma historia y de situaciones similares. Y mira que aquella primera de 1993 me pareció muy divertida. Ahora nos llega un vuelta de tuerca con dinosaurios a un vecindario de los suburbios de una ciudad ficticia en Michigan.

Su director, David Robert Mitchell, nos traslada a principios de los años 80, y le da a la película el espíritu aventurero de aquellos años. Aventura familiar, no muy larga de duración porque la historia son habas contadas, con una familia típica y tópica de norteamericana, papá que trabaja (Ewan McGregor), mamá ama de casa (Anne Hathaway), hija mayor adolescente (Maisy Stella) e hijo menor preadolescente (Christian Convery). Y los vecinos, unos más simpáticos y otros menos. Pero la idílica familia tiene problemas, serios, y… sólo un fenómeno extraño con agujeros de gusano que los lleven al jurásico con los dinosaurios podrá servir de revulsivo para que la familia vuelva a estar unida y feliz. Básicamente. Cómo no se les habrá ocurrido a las parejas a punto de divorciarse esta solución para salvar su matrimonio.

La película es muy entretenida. El guion… bueno,… la historia es tan absurda en tantas ocasiones, tan sin sentido, que no merece la pena preocuparse de ellos. Es una mera excusa para pasar noventa y algún minutos de correrías entre dinosaurios, con algunos momentos, eso sí, que rozan la brillantez, entre el humor, la parodia y el drama. Creo que el momento principal del personaje de Ewan McGregor que nos lleva de la carcajada generaliza a… bueno, no lo voy a destripar, es de lo más divertido y extraño que he vivido en tiempos en el cine. Pero lejos de ser un “salto del tiburón” que te saque de la película, es el clímax de lo que es y pretende ser la película. Un entretenimiento para todo el mundo.

Un entretenimiento de lujo. Porque normalmente no me hubiera yo visto yendo a ver esta película, salvo por el hecho de que me lo sugirieron una semana antes, porque se estrenaba en la sala IMAX de Zaragoza en versión original. Y tras la agradable experiencia de Ulises y compañía, queríamos confirmar que esta alternativa cinematográfica merecía la pena. Y ciertamente, la calidad en la realización, la acertada puesta en escena visual y sonora, el acertado ritmo de la acción y el no menos acertado hecho de su contenida duración, hace que la película, sin ser una obra de arte, sea un entretenimiento muy recomendable. Sin más pretensiones. Pero tan legítimo como cualquier otro producto cinematográfico que nos devuelva las sensaciones de lo que se supone que debe ser el cine. Puntos especiales para los intérpretes, especial para Hathaway, que consolida la película, permitiendo superar sus debilidades, las de la película no las de Hathaway, que las tiene y no pocas.

Valoración:

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***