[Cine en TV] Flavors of Youth – International Edition (2018)

Cine

Flavors of Youth – International Edition (2018; 38/20180807)

Aunque es un estreno en Netflix, por su característica de largometraje novedoso, y teniendo en cuenta las nuevas formas de acceder a las películas cinematográficas, la voy a considerar entre los estrenos del año. También es cierto que por otra parte, configurada esta película como tres relatos cortos, relacionados en el tema, pero no argumentalmente, se puede ver, y de hecho yo la he visto así, como una miniserie de tres episodios. Da igual. El caso es que estamos ante una producción de animación con tres directores, dos chinos, Haoling Li y Xiaoxing Yi, y uno japonés, Yoshitaka Takeuchi, que ha sido vendida por la cadena de cine y vídeo bajo demanda como de los responsables de alguno de los grandes éxitos recientes de la animación japonesa.

No he visitado ninguna de las tres ciudades chinas que aparecen en la película; así que, de las dos que he visitado, he escogido Macao para ilustrar la entrada, porque es la que más me transmite la sensación de nostalgia de la película.

Es decir, nos venden esta producción como prima hermana del Kimi no na wa de Makoto Shinkai. Veamos la realidad. La película es una coproducción. Por un lado, la productora de las películas de Shinkai, siendo el productor jefe Noritaka Kawaguchi, que ha estado involucrado en tareas de producción en las películas del prestigioso director japonés de animación. Pero por otro lado, hay una productora china involucrada. Y la acción de las tres historias de las que consta la película transcurre en tres grandes ciudades chinas, con personajes chinos. Y está la cuestión del idioma original de la película.

Uno diría que en una película de animación la cuestión del doblaje frente al idioma original de la película es una cuestión menor, frente a cuando se plantea esta cuestión en películas de acción real. Yo no estoy del todo de acuerdo. Al fin y al cabo, el texto original del guion está en un idioma, y a partir de ahí lo que devienen son traducciones, que pueden estar más o menos acertadas. Así que yo siempre soy partidario de la versión original, por ser la obra original sin adulterar. Independiente de mi grado de comprensión del idioma. Que yo, en mandarín o en japonés, estoy más bien flojo. Eufemismo, para significar que son idiomas ininteligibles para mí.

La película la podemos encontrar con información de dos formas. O viene con el título original de Si shi qingchun (肆式青春) [Cuatro estilos de juventud] en chino mandarin, o Shikioriori (詩季織々) [Poema de las estaciones tejidas unidas] en japonés, o con el título en inglés para la versión internacional. De las tres historias, las primera, , y la tercera, , están dirigidas y escritas por su directores chinos. La segunda, , esta dirigida por el director nipón y escrita también por un guionista japonés, Naruki Nagakawa. Así que a saber cuál es su idioma original. En IMDb aparece el chino mandarín, en Netflix aparece el japonés, sin opción al anterior. Vedla como creáis oportuno o podáis.

Aunque vendida a la estela de Kimi no na wa, lo cierto es que el estilo profundamente melancólico de las tres historias, está mucho más emparentado con las películas anteriores de Shinkai, como Koto no ha no niwa [El jardín de las palabras] o 5 centímetros por segundo [Byôsoku 5 senchimêtoru]. En concreto, la última de las tres historias Shànghǎi liàn (上海恋) [Amor en Shanghai] debe mucho en su argumento a esta última; la separación de dos enamorados que nunca llegan a confesarse su amor en el instituto, y la dificultad para que sus vidas converjan de nuevo.

Las tres historias se encuentran localizadas en tres grandes ciudades chinas distintas, y su elemento común es la nostalgia hacia tiempos mejores. Lo cual es llamativo, porque los protagonistas son gente muy joven. Ya se puede deducir que la tercera se localiza en Shanghái. La primera, Xiàngyáng zǎocān (向阳早餐) [Un desayuno al sol], tiene como protagonista a un joven asalariado en Pekín. La segunda, Xiǎo xiǎoshí zhuāng xiù (小小时装秀) [Un pequeño desfile de modas], nos habla de dos hermanas que viven en Cantón, la mayor, una modelo que ha comenzado su decadencia, la menor, una joven diseñadora de roja.

Globalmente me parece una producción que merece la pena que los aficionados a la animación le den una oportunidad. Quiero avisar que cuando la vi… me pareció que eran argumentos y situaciones muy manidas, demasiado a la estela del cine de Shinkai, y me dejó un tanto decepcionado. Además, su presentación artística, aunque correcta, no tiene el virtuosismo al que nos tiene (mal)acostumbrados el director japonés u otras productoras niponas como Studio Ghibli. Pero he de decir que el recuerdo de la película, conforme pasan los días, me resulta agradable. Con los dos primeros episodios como los que más crecen en mi memoria. Evidentemente, el tercero resuena demasiado como una nueva versión de aquella maravillosa velocidad de los pétalos de sakura al caer.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

[Cine] Los Increíbles 2 (2018)

Cine

Los Increibles 2 (Incredibles, 2018; 37/20180805)

Durante años he mantenido con convicción una afirmación; la mejor película que conozco de superhéroes es de animación, y realizada por Pixar. Los increíbles. Entendámonos. No me parece la octava maravilla del séptimo arte. Pero es una película muy entretenida, con cierta frescura, de la que no ha perdido ni un ápice con el tiempo, probablemente por su atemporalidad cronológica. ¿Alguien sabe decir que en época suceden las aventuras de esta familia de gente con superpoderes? Mezclan elementos que van desde los años 50 hasta la actualidad con un desparpajo notable. Pero aquella película original de Pixar pecaba de un guion previsible, poco trabajado. Digno, pero sin más. La vi en la pantalla grande gracias a una serie de afortunadas coincidencias, pero luego he tenido ocasión de verla en la pequeña en varias ocasiones con mi sobrino Diego, y coges cariño a la familia Parr/Increíble.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Básicamente, una ciudad enorme, tipo Nueva York, y algún barco que otro, son los escenarios de esta enésima película de superhéroes.

Tras catorce años de espera, llega su segunda parte, también dirigida por Brad Bird, un señor que en mi opinión las da de cal y de arena. Muy solicitada, muy esperada, y quizá acompañada de unas expectativas muy excesivas. En cualquier caso, una buena excusa para planificar un sesión matinal de cine en familia. Y en la que podemos comprobar, una vez más, hasta que punto nos toma el pelo la industria del cine en este país. Durante años, han venido solicitando un IVA reducido para ajustar los precios de las películas, e incentivar la afluencia de los espectadores a las salas de cine. Hasta el mes de junio de este año, en determinadas salas de cine de Zaragoza, las más céntricas de la ciudad, el precio de una sesión matinal costaba 5 euros comprada la entrada a través de internet. Esto quiere decir que el precio neto de la entrada era de 4,13 euros, más 87 centimos de impuestos. Con el nuevo IVA que aprovó el gobierno a finales de junio del 10%, hubieramos esperado que el precio de esa entrada quedase en… 4,54 euros. 4,13 euros el precio neto + 41 céntimos del impuesto. Entonces… ¿por qué a primeros de agosto esa entrada cuesta 5,80 euros? ¿Por qué el precio neto, antes de impuestos, de la entrada ha subido un 28%? ¿Así van a promocionar el cine?

20130930-_9300454.jpg

Enhorabuena, por lo tanto, a todas esas “sufridas” personas de la industria del cine que tanto hacen por promocionar el séptimo arte. Que es den por allí con el cigüeñal de un transatlántico.

Vamos a lo teóricamente positivo. La secuela. Pues bien. Al mismo tiempo que dispersas por la película encontramos momentos sublimes en planteamiento de la acción, con emoción y risas aseguradas, vaya fichaje el bebé de los Parr, un robaescenas asegurado, todo ello está ensamblado por un argumento de tercera división, donde todo es previsible hasta más allá de lo imaginable. Es como utilizar ternera de Kobe para hacer hamburguesas en McDonalds, que al final… pues te dejan eso, un regusto a comida rápida de inferior calidad. Personalmente, no entiendo el entusiasmo que ha despertado la película. De donde deduzco, por esta y otras producciones, que en estos momentos hay muchos “expertos” opinando relativamente jóvenes que carecen de referencias sobre algunos elementos necesarios en el arte cinematográfico, y se contentan con facilidad con el artificio puntual, más o menos llamativo o espectacular.

20130930-l1080076.jpg

Entendámonos. Si el conjunto sabe a poco, a ya vista, a mil veces degustado o a comida rápida, tiene elementos salpicando el conjunto que producen ratitos de diversión, los suficientes como para que al final consideres que no has perdido el tiempo, y que algo ha merecido la pena. Pero por favor… nada de “lo mejor de Pixar” o tontadas por el estilo que he podido leer por ahí. Un entretenimiento de verano, que con un par de guionistas competentes podría haber sido un peliculón, pero no lo es.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

20130930-_9300508.jpg

[Serie de animación] Cowboy Bebop

Televisión

Disponible en los catálogos de Netflix y Amazon Prime Video, no sé si en alguno más, Cowboy Bebop es una de esas series de animación japonesa que se puede considerar de culto. Según leo en la Wikipedia, su emisión inicial presentó ciertas vicisitudes, interrupciones y otras situaciones, ya que los temas y contenidos, en los que no falta referencias sexuales y, sobre todo, situaciones violentas. Esta es una de esas series que va teóricamente dirigida al sector demográfico llamado young adult (adulto joven), que entiendo se refiere a adolescentes en sus diecimuchos y jóvenes en sus veintipocos. En los artículos de la Wikipedia dedicados a la serie en español y en inglés se dice que está dirigida al público shōjo, es decir, “mujer joven”… y me extraña un poco. Tengo la sensación de que atraerá más al público masculino que al femenino, según las atribuciones clásicas de roles por géneros, con las que en principio no tenemos por qué estar de acuerdo.

Akihabara - Tokio

No sé por qué, pero han sido las fotos del paseo por Akihabara en las que he pensado para ilustrar esta entrada. Este distrito de Tokio es el paraíso de la electrónica de consumo, pero también de las “idols” underground y otros fenómenos particulares de la cultura nipona, que ahora entiendo mejor que cuando visitamos el lugar.

Lo que sí que me parece real, ahora ya hablando por mi propia experiencia y dejando de lado lo que digan los demás, es que me parece una serie con temas muy adultos. Una space opera que participa abundantemente del género negro, así como de eso que se ha dado en llamar el space western. Hay varios ejemplos en la historia de la ficción audiovisual en la que se traslada el espíritu de frontera del oeste americano del siglo XIX a las aventuras espaciales. Por mencionar algunos muy populares, tenemos la serie Firefly, o Han Solo y la cantina de Mos Eisley en Star Wars… Pero hay más. Y en cualquier caso, domina el género negro en la serie. Con personajes de pasado oscuro, mujeres fatales, gángsteres, policías corruptos y bajos fondos diversos.

20140926-9260386.jpg

Son cuatro/cinco los personajes en los que se centra la serie. Los dos que desde el principio están ahí, Jet, el antiguo policía, y Spike, el antiguo gángster. Luego se unen Faye Valentine, la joven hibernada que vive arriesgadamente descolocada fuera de su época, y la niña Ed/Françoise, de extrema inteligencia y abandonada por su padre. Y el protagonismo que le queráis otorgar al perro, Ein, muy peculiar. En general, la idea es formar el tradicionalmente poco tradicional grupo de marginales que, al mismo tiempo que van afrontando las aventuras que les surgen en el día a día, han de resolver sus asuntos pendientes en arcos argumentales amplios.

20140926-9260393.jpg

Todo ello en el marco de una humanidad dispersa por el Sistema Solar debido a un cataclismo en el sistema Tierra-Luna que provocó el casi total abandono del planeta natal de la humanidad por sus inciertas condiciones para la supervivencia. En los distintos planetas rocosos y grandes satélites o grandes asteroide se han ido conformando sociedades en los que reconocemos las características de las deshumanizadas urbes humanas contemporáneas. En ellas, los protagonistas y personajes secundarios van dando lugar a reflexiones de carácter principalmente existencialista. Una existencia personal difícil de soportar, difícil de seguir adelante, especialmente si uno no ha conseguido dejar atrás los errores o los infortunios del pasado. Un grupo de protagonistas que viven en grupo, se sostienen los unos a los otros, pero a pesar de todo, fundamentalmente, están solos. En un universo muy grande y muy frío. Muy poco acogedor. Lo único que pueden considerar como hogar es la “Bebop”, la nave espacial que da nombre a la serie. Y que marca también el estilo de la banda sonora de la serie en la que no faltan los temas de jazz.

Para alguien como yo que desde muy jovencito ha ejercido el escepticismo como principio vital, no por elección sino por que se me ha dado que mi cabecica funcione así, esta serie aporta un tono amargo al escepticismo vital general. Algo que me alcanza en los momentos bajos, y especialmente conforme los años y la experiencia te va situando en tu lugar así como a aquellos que te rodean. Personalmente, la he disfrutado mucho. Y la recomiendo vivamente. Eso sí. Nada de vérsela de un atracón. Mejor disfrutarla poco a poco. En varios meses, como he hecho yo.

20140926-9260398.jpg

[Cine] Fireworks (2017) / Isla de perros (2018)

Cine

Sesión doble para esta semana de cine, con dos películas de animación que tienen en común un ambiente nipón en su desarrollo argumental… y poco o nada más. Vamos por orden de visualización.

Fireworks (2017; 24/20180422)

A pesar de la excelente calidad de muchas de las películas del Studio Ghibli en las últimas décadas, parece que la película que ha descerrajado los mercados occidentales para la animación japonesa fue el gran éxito de Makoto Shinkai que pudimos ver en España el año pasado por estas fechas. Con antelación, cada año se estrenaban en la pantalla grande española,… ¿una o ninguna películas de animación japonesas en un país que produce… muchas? Desde el mencionado estreno, o sea en el intervalo de un año cuento cuatro estrenos aparte del mencionado, e incluyendo el que hoy nos interesa, dirigido por Akiyuki Shimbô y Nobuyuki Takeuchi, y producida por el mismo estudio que la anterior.

En esta ocasión también nos encontramos ante un romance adolescente con entorno fantástico. Al joven Norimichi le gusta su compañera de clase, la guapa Nazuna, que lo ignora. Pero a propósito de un festival de fuegos artificiales que se van a lanzar desde un faro próximo en la costa, sus vidas se cruzarán. Y además Norimichi encontrará una forma para cambiar los acontecimientos regresando al pasado.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Nos pasearemos por una de las islas costeras de Japón, en el Setouchi, mar interior de Seto; lejos de ser la degrada isla de los perros, Miyajima está repleta de tesoros naturales y culturales.

La película tiene un cierto atractivo visual, aunque a ratos un poco demasiado abigarrado para mi gusto. Además, el juego con el tiempo no tiene la sutileza y el buen trenzado que es obligado en este tipo de historias. Como comparación, al volver del cine, fuimos a una matinal dominical, después de comer, volví a ver La chica que saltaba a través del tiempo, una película fenomenal que podéis encontrar en Netflix, y la película que hoy nos ocupa queda mal parada en dicha comparación.

No está mal, se deja ver, pero es de lo más flojo que ha llegado a la pantalla grande española en animación japonesa en los últimos tiempos.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

20140919-9190182.jpg

Isla de perros (Isle of Dogs; 25/20180426)

También esta película transcurre a orillas del mar en un población japonesa. Pero… para empezar, es más bien una coproducción germanoamericana, y está dirigida por el personalísimo Wes Anderson, lo cual garantiza el espectáculo visual. Aunque está parcialmente hablada en japonés… Ahora os lo explico.

Estamos ante una fábula en la que todos los perros de una gran ciudad japonesa, Megasaki, situada en un futuro próximo, son desterrados a una infame isla vertedero de basuras por el megalómano alcalde Kobayashi, descendiente de una antigua familia de caciques amantes de los gatos. Pero su pupilo, Atari, un jovencito de 12 años, arriesgará su vida por rescatar a su perro guardián, y de paso pondrá en peligro el dominio de Kobayashi.

La película está realizada con la técnica del stop-motion, ha conllevado un trabajo ingente, que ha movilizado equipos técnicos de marionetistas y animadores de varios países. Como decía, en el aspecto visual, encontramos muchos de los hechos definitorios del cine de Anderson y es una delicia. Lo cual se complementa con una banda sonora, basada en las percusiones a la japonesa, que firma Alexandre Desplat, de lo bueno lo mejor. La película es bilingüe. Los perros hablan en inglés (español, en la versión doblada), y los seres humanos, salvo unos pocos, en japonés.

20140919-9190181.jpg

Y cualquiera que tenga dos dedos de frente, y no haya estado encerrado en un lugar sin acceso a las noticias en los dos últimos años, se dará cuenta enseguida que el alcalde Kobayashi no es otro que una caricatura de Donald Trump, de quien y de cuyas políticas la película es una ingeniosa crítica, apta para todos los públicos, aunque sólo los adultos comprenderán los aspectos más relacionados con la actualidad política estadounidense. Genial. Aunque he de reconocer que el argumento de la película, que dura algo más de 100 minutos, a ratos se estanca un poco.

El anecdotario de la película y la cantidad de guiños a diversos elementos culturales es muy notable. Por poner un ejemplo, uno de los que más gracia me hizo es que la ayudante de un científico opositor a Kobayashi se llama Yoko Ono. Y está doblada por… Yoko Ono. Supongo que la aristocrática y excéntrica artista contemporánea se lo habrá pasado bien haciendo este papelito.

La película es muy muy visible. Muy recomendable, a pesar de no ser perfecta. Pero bueno…

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

20140919-9190183.jpg

[Cine] Koe no katachi (2016)

Cine

Koe no katachi (2016; 19/20180317)

Vamos a ser sinceros. Esta película de animación realizada por la directora japonesa Naoko Yamada, y que se estrenó hace poquito más de una semana en España, algunos… ya la habíamos visto. Apareció hace ya tiempo en listados de películas de animación destacadas en el País del Sol Naciente, y ante la improbabilidad, en aquel momento, de un estreno en cines… buscamos la forma de verla. En cualquier caso, vamos con el comentario como estreno de la semana pasada.

Fushimi Inari-taisha - Kioto

Cuando viajamos a Japón, nos desplazamos desde el aeropuerto de Haneda en Tokio directamente hasta Kioto, y al día siguiente visitamos el santuario de Fushimi Inari. A primera hora de la mañana, turistas no había muchos, pero escolares visitando el santuario… por todas partes.

Basada, como mucha de la animación nipona, en una serie de historietas, la película trata sobre el acoso escolar. En concreto, el que los niños de unos diez u once años liderados por el muchacho Shōya Ishida en una escuela primaria perpetran sobre la joven discapacitada auditiva Shoko Nishimiya. La situación se concreta con el abandono de la niña de la escuela, un cierto escándalo… y el acosador se convierte en acosado ya que se convierte en el apestado de sus compañeros de clase, incluso para aquellos que participaron con él en el acoso a Shoko, hasta que llega a sus años finales de instituto. Pero he aquí que ya con diecisiete años volverá a encontrarse con la chica. Y con el encuentro, la posibilidad de poner paz en su vida.

20140918-_9180144.jpg

Interesante película sobre un tema que cada vez está más en el candelero, con una mayor sensibilización por parte de la sociedad en general y de la comunidad escolar en particular. Realizada con las artes habituales de la animación nipona, escenarios muy cuidados y detallados y personajes dibujados de forma muy básica pero muy expresiva y con personalidad propia, tiene una factura técnica irreprochable, y la historia no carece de interés. Sin embargo, padece de algún problema que la pueden hacer un poquito indigesta. Es un poco demasiado larga, con casi dos horas y diez minutos de duración. Hay elementos de la trama que sólo se pueden explicar en el ámbito de la cultura japonesa, pero que probablemente serían situaciones no planteables en nuestro medio. Y en algunos momentos se excede en el tono melodrámatico. Por decirlo de alguna forma… hay demasiados intentos de suicidio.

No obstante, es una película bastante aceptable y visible, que se puede disfrutar siempre que se esté dispuesto a “perdonar” estos defectillos.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

20140918-_9180156.jpg

[Cine] El gran showman (2017), y una repesca

Cine

El gran showman (The Greatest Showman, 2017; 02/20180111)

Un primer aviso antes de pasar a la película de hoy. A lo largo del año, siempre hay alguna película que queremos ver y se nos escapa. En ocasiones, el tiempo que transcurre entre su estreno y su disponibilidad en servicios de vídeo bajo demanda es muy corto. Por lo tanto, se puede ver en casa al poco tiempo de su estreno. Esta posibilidad va a dar lugar a las “repescas”. Breves comentarios de películas de “casi” estreno. Y hoy va la primera. No aparecerán en el balance final del año.

El “showman”… el “showman” es P. J. Barnum, personaje real del siglo XIX, muy polifacético, pero que en un momento dado fue precursor del mayor circo de la historia. Que ha desaparecido hace muy poco tiempo. El Ringling Bros. and Barnum and Bailey Circus. Y el “showman” es Hugh Jackman, actor a cuya mayor gloria está hecha esta película dirigida por Michael Gracey. Y aviso, es un musical.

130927-1070792

Me da la impresión que va a haber varias películas relacionadas con Nueva York en los próximos tiempos, y por lo tanto aparecerán fotos de la Gran Manzana con frecuencia. Aquí van unas cuantas.

A grandes y groseros trazos, la película narra los avatares de la vida de Barnum, desde su infancia y matrimonio con su mujer Charity (Michelle Williams) hasta que monta el circo. Pasando por situaciones como la gira que patrocinó de la cantante sueca Jenny Lind (Rebecca Ferguson). Y con un socio, Philip Carlyle (Zac Efron), que no sé si es un personaje real, y su interés romántico, una trapecista (Zendaya). Y la mujer barbuda (Keala Settle), y un enano (Sam Humphrey). Y unos cuantos más, y la reina de Inglaterra. Y todos cantando. Y con poca o ninguna fidelidad a la historia real.

Película anecdótica, que decepciona con unas canciones y unos números de baile más propios de “operaciones triunfos” y “especiales nochevieja” que de la tradición del gran musical americano y del cine musical de Broadway. Mucho pop, y mucho paso de baile apto para casi cualquier grupo de adolescentes al uso. Eso sí, con mucho colorín, escenarios a lo grande y complicados movimientos de cámara.

130927-1070793.jpg

Interpretaciones flojas. Incluso en quienes mejor papel esperas. Nunca había visto tan floja a Michelle Williams, a la que además se le nota ya en exceso su paso por “el chapista”. ¿Por qué se maltratan tanto a sí mismas las actrices? ¿Por qué se quieren tan poco? Si esta chica era una monada al natural…

En fin. Decepcionante. Floja. Totalmente prescindible. Y encima en versión doblada. Afortunadamente, no las canciones. Aunque da igual. Vete tu a saber. Igual gana alguna de ellas algún óscar. Bah.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: **

130927-1070798.jpg

Repesca: Hirune-hime: Shiranai watashi no monogatari [ひるね姫~知らないワタシの物語~]

En castellano “Ancien y el mundo mágico”, en inglés, más moderno “Ancien and the Magic Tablet”, aunque la protagonista no es Ancien, una “princesa”, si no su hija Kokone, una adolescente de 17 años, huérfana de madre, y que se ve envuelta en una trama a caballo entre la realidad y el mundo de los sueños. Como curiosidad, Hirune-hime vendría a ser la “princesa siesta”.

Dado el buen nivel de la animación nipona, quisimos verla cuando se estrenó en octubre, pero se nos pasó, porque duró muy poco en cartelera. Es simpática, pero no tiene el mismo nivel que el Studio Ghibli, ni las de Makoto Shinkai, ni alguna que otra joya que nos llega de vez en cuando de otros productores/directores. Pero se deja ver, así, en una sobremesa tranquila. En Filmin.

130927-9270604.jpg

[Cine] La tortue rouge (2016)

Cine

La tortue rouge (2016; 032017-1301)

Me tomaban el pelo el sábado unos amigos mientras dialogábamos a través del iPad/ordenador, estando yo malito con fiebre el sábado. La película de este fin de semana era un esperadísimo musical del que os hablaré pronto porque ya está visto, pero el viernes, que no había plan para juntarse el grupo de ir al cine, tomé la decisión de irme yo solito a ver la película de animación que nos ocupa hoy. Me tomaban el pelo porque yo les explicaba que había visto la versión original, pero no subtitulada,… porque es una película sin palabras. Que no muda, como he leído en algún sitio. Tiene sonido propio, los personajes emiten sonidos propios, y suponemos que entre ellos conversan. Pero no emiten durante la película palabra alguna en idioma alguno. Entonces sobran los subtítulos. Saben que el título que otorgo a las entradas sobre cine dependen de si la versión que hemos visto es la doblada o la original. Y por eso me decía que qué iba a hacer. Pues como no es versión doblada, sino original, conservar el título original. En castellano se ha presentado con el título literalmente traducido de La tortuga roja (a partir de hoy voy a intentar ceñirme lo más posible a la ortotipografía de títulos de publicaciones recomendada formalmente, que siempre he siso un poco caótico con las curisvas y las comillas,… o nada).

La isala

La isla donde transcurre la acción de la película se caracteriza por su frondoso bosque de bambú. Así que os traigo fotos del más notable que conozco en persona, el de Arashiyama en Kioto.

Lo cierto es que sabía que era difícil que nadie me acompañase a ver esta película de animación, a pesar de que representa un hecho importante. El regreso del Studio Ghibli a la producción de largometrajes de animación a pesar de su retirada anunciada hace unos años. Y de verdad que considero que esto es una gran noticia. Ghibli es la productora responsable de algunas de mis películas de animación favorita, de haberme ayudado a abrirme a otra cultura como es la nipona, lo que no siempre es fácil a pesar de la mucha información de la que disponemos hoy en días, y de haber defendido un estilo de animación diferente al de la todopoderosa Disney. Preocupación por la ecología, preferencia por personajes femeninos protagonistas, fuertes e independientes, respeto por las historias que adapta, manteniendo sus esencias, respeto por las culturas de las que proceden, incluso si sufren cierto tipo de japonización, opción por la elegancia y la sencillez en el dibujo, aunque vengan dotadas sus películas de gran riqueza visual, admisión de propuestas alternativas a las dominantes,… Como digo, un referente en este tipo de cine y en el cine en general. Y su regreso viene con un añadido. Por primera vez, coproduce un película de origen occidental. Director holandés, Michael Dudok de Wit, fuerte participación francesa, títulos de créditos con nombre y apellidos de todo el mundo, especialmente de la diversa Europa.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Todo al servicio de lo que cada vez estoy más convencido de que es una sencilla pero destacable obra de arte de 80 minutos de duración. Una historia sencilla, pero llena de metáforas, con la aventura entre un náufrago e una isla perdida del Pacífico, y una tortuga marina roja, que se transformará en … el tema de la transformación de los seres marinos en otro tipo de seres es lago no vemos por  primera vez  en Ghibli, y que también aparece en la leyendas de todo el mundo. Pero todo ello, contribuye a un canto de integración en la naturaleza, en sus ciclos de vida y muerte, en lo que tiene de bello y de aterrador.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Dibujos de trazo sencillo, muy limpio, muy claros, pero muy elegantes. Fiel hasta el extremo de que en el cine, si lo puedes contar con imágenes, sobra la verborrea. Obliga al espectador a mantener una conducta activa, expectante, no tanto porque sea compleja de entender la historia base, sino porque la comprensión total de la misma viene de los pequeños detalles. Del reconocimiento de los paisajes, del comportamiento de los seres vivos, de los ciclos de la luna… Una integración absoluta de la naturaleza como un personaje protagonista más de la acción. Absolutamente recomendable, aunque supongo que iremos cuatro gatos a verla. La gente se mueve con muchos prejuicios y todavía hay una mayoría que asocia animación con productos o subproductos infantiles. Desgraciadamente. Una forma como otra de desaprovechar un estilo de expresión artística y narrativa tan válido como cualquier otro.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: No aplicable
  • Valoración subjetiva: ****

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

[Cine] Kubo y las dos cuerdas mágicas (2016)

Cine

Kubo y las dos cuerdas mágicas (Kubo and the two strings, 2016;462016-0409)

El estudio que nos ofreció hace unos años esa maravilla que fue Coraline, con el director Travis Knight que estuvo en el equipo de animadores de aquella, nos vuelve a traer un nuevo largometraje de acción y fantasía basado en la técnica del “stop motion”. Técnica de animación que, ya adelanto, ha adquirido altos niveles de desarrollo en la película que hoy nos ocupa. Véase la secuencia de los ojos en el fondo del mar. En fin… como vamos a ver, película ambientada en el antiguo Japón, por lo que fotográficamente viajaremos a los bosques de bambú de Kioto a los santuarios y bosques de Nikko.

20140920-_9200289.jpg

La historia busca su inspiracion en los mitos y tradiciones del folclore y el shinto japoneses. Nos habla de un muchacho que vive sólo con su madre trastornada, como contador de historias, hasta que de repente se introducido como protagonista en esas mismas historias, en las que hay una pugna entre los héroes terrenales y las frías divinidades que habitan la luna. ¿Alguien por ahí levanta la mano para comentar algo sobre semejanzas con el cuento de la princesa Kaguya? Alguna semejanza se podría encontrar, aunque las historias son diferentes. Y por aquí se le notan las costuras a la historia de Kubo. Aunque basada en el folclore nipón, carece de la profundidad de las historias que nos cuentan desde el país del sol naciente, por ejemplo desde el Studio Ghibli. Es una película entretenida, que le hace a los cuentos japoneses un roto que puede ser parecido al que Disney le hace a algunos cuentos de la tradición europea. Sin que por ello quede una película mala, ni mucho menos. Es muy entretenida, y la animación está fenomenalmente hecha. Pero más allá de la espectacularidad de algún momento… mucho más superficial de lo que el tema permitía.

20140926-_9260244.jpg

Sí, es así. Se hacen concesiones a los estándares esperados. Y, por ejemplo, Kubo toca el shamisen más como un adolescente del medio oeste americano tocaría el banjo que como se toca realmente el instrumento oriental. Y al final, todo se desliza hacia un buenrollismo que no llega a ser empalagoso, pero que no pega con una historia más agridulce que lo que nos plantean.

20140926-_9260283.jpg

Dicho todo lo cual, no me arrepiento en absoluto de haber buscado la excusa de ir con mi sobrino Diego, de siete años, al cine para ver la película. Es de lo mejor que ha llegado a la cartelera en este verano que tan largo se nos está haciendo. Y por lo demás, lo único realmente lamentable es no haber podido disfrutar de la voz original de los actores en la versión en inglés… que igual le quita alguna estrella por lo menos en mi valoración de la interpretación, pero bueno. Si tenéis algún peque en casa, hay que ir a verla. Y si no, buscaros uno o sacudiros la vergüenza e id a verla de todos modos.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

20140926-_9260316.jpg

[Cine] El libro de la selva (2016), las nuevas versiones llegan a la selva de Seeonee

Cine, Sin categorizar

El libro de la selva (The Jungle Book, 2016; 292016-1405)

Aunque venía anunciada con excelentes críticas, me resistía sobremanera a la posibilidad de echar un vistazo a esta nueva versión de las aventuras de Mowgli, la rana, según Disney. Por establecer la cosas claras, la versión original de 1967 ha sido probablemente durante toda mi vida mi película favorita de la factoría del tío Walter. A partir de una historia mucho más compleja y madura que salió de la pluma de Rudyard Kipling, los estudios californianos fueron capaces de hacer un cuento delicado, sencillo y optimista, que siempre le ha sacado varios cuerpos de ventaja a los tradicionales cuentos de princesas que han machacado con tesón. Casi está más emparentada con lo que unas décadas más tardes sería la producción del Studio Ghibli que con el resto de las películas Disney. Y además… con música de la buena…

“Yo soy el rey del jazz a gogo, el más mono rey del swing…”

Carlos Carreter

No se refieren en esta ocasión a los elefantes como la patrulla del coronel Hathi.

Y aquí nos llega la nueva versión, dirigida por Jon Favreau, de la rivalidad en el cachorro humano (Neel Sethi) encontrando en la selva de Seeonee a orillas del río Waingunga (o Wainganga, que parece que lo llaman ahora, quizá más correctamente) y el feroz tigre Shere Khan. Nos dicen que rodada en “imagen real“… ja. Si llaman así a que un actor infantil se pasee ante pantallas verdes sobre las que se introduce de modo prácticamente integral una animación de carácter realista, que no real, generada por ordenador. Para mí resulta tan película de animación como la otra, por virguería tecnológica que suponga. El sábado pasado, andábamos de boda con mi hermana y mi sobrino de siete años, y dado el amplio intervalo de tiempo disponible entre la ceremonia religiosa y la cena, tres horas, comprobamos que el horario de este filme nos convenía perfectamente. Y allí fuimos. Versión doblada al castellano, por lo que no pudimos comprobar cómo por primera vez han feminizado a la serpiente Kaa, tradicionalmente macho, con la sensual voz de contralto de Scarlett Johansson. Tranquilos… no canta, alabadas sean las benévolas leyes de la naturaleza que rigen el mundo.

Carlos Carreter

Lo de los rinocerontes me sorprendió un poco… hasta que me aclaré en casa. Los de la foto son africanos.

La historia es básicamente la misma que en la versión de 1967, y por lo tanto diverge de la historia original de Kipling, con algunas alteraciones relativamente menores, y orientadas a dar a la película un tono más dramático y oscuro, frente al relativamente alegre y dicharachero de la de hace casi cincuenta años. Quizá se pasan con lo de los sustos… recurso dramático poco sutil por demás. No se cortan un pelo a la hora de pasarse por el forro de la entrepierna el rigor geográfico y temporal, y así acabamos encontrando anacondas en lugar de pitones en la India, o gigantopitecos en la actualidad, cuando llevan 100.000 años extinguidos. Eso sí, me ha servido para aprender que existen rinocerontes en Asia, por alguna razón estaba convencido de que eran exclusivos de África. Esto no es incorrecto. O por lo menos no del todo…

Dicho todo lo anterior, la película se ve con agrado. Está bien hecha, y mantiene algunos de los temas originales de la historia, el de la solidaridad, la amistad y el equilibrio en la jungla, por dura que esta sea, con razonable dignidad. No voy a decir que fuera una película necesaria… pero ya que la han hecho, por lo menos se deja ver bastante bien.

Por cierto,… existe una versión de 1942 de auténtica imagen real dirigida por Zoltan Korda y protagonizada por Sabu, actor indio que alcanzó cierta popularidad en los años 40 y 50, antes de su prematura muerte,… aunque es muy normalita.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Carlos Carreter

Hay versiones sobre el tipo de oso que es Baloo, pero estos nos valdrán para representarlos. Todas las fotografías son del zoológico de la Casa de Campo de Madrid en 1990.

 

[Cine] Anomalisa (2015), ser distinto debe ser realmente “anómalo”

Cine

Anomalisa (2015; 132016-0219)

Esta semana ando con poco tiempo para dedicarlo a este Cuaderno de Ruta, por lo que haré un comentario breve de esta película de animación dirigida a dos manos por Duke Johnson y Charlie Kaufman

Película de animación de la que afortunadamente disfrutamos en versión original. Desconozco cómo será el doblaje al castellano, pero el juego de voces es fundamental para la comprensión, o incomprensión, de la película. Película que por lo que he visto por ahí ha recibido en bastantes ocasiones el calificativo de surrealista. Y por una vez puede que esté bien aplicado este adjetivo, que con frecuencia se usa para obras absurdas o esperpénticas, que pueden a su vez ser surrealista o no.

No he estado nunca en Cincinnati, pero la película es muy nocturna... nos iremos a la noche neoyorquina para compensar.

No he estado nunca en Cincinnati, pero la película es muy nocturna… nos iremos a la noche neoyorquina para compensar.

Aunque estamos ante una película de animación, que nadie se apresure en llevar a los niños al cine. Esto es animación para adultos… muy adultos. Utiliza la técnica del “stop motion” con muñecos más o menos articulados. No son por lo tanto “dibujos animados” sino animación de muñecos, cuyos movimientos son fotografiados fotograma a fotograma en lugar de la filmación continua de unos títeres o marionetas en movimiento. Y nos habla de Michael Stone (David Thewlis, voz), un escritor especializado en servicios de atención al cliente que acude a un hotel en Cincinnati desde Los Ángels para dar una conferencia en un congreso. Y en un mundo donde todo el mundo parece tener la misma cara y la misma voz (Tom Noonan), donde la monotonía absoluta reina, donde nadie es indeferenciable, encuentra por unas horas las compañía de Lisa (Jennifer Jason Leigh, voz), una mujer que atiende al congreso y que le hará pensar en las cosas…

La película es por lo tanto una profunda reflexión sobre la soledad, sobre la identidad de uno mismo y sobre la alteridad, la capacidad de ser uno mismo y diferente a los otros. Y también sobre la monotonía de la existencia cotidiana y las relaciones con nuestros semejantes que afecta incluso a aquellos que amamos o hemos amado.

Aunque un romance extraño, también hay su dosis de romance en la película... nada cursi como la moda de los candaditos que aparecen hasta en el puente de Brooklyn, eso sí.

Aunque un romance extraño, también hay su dosis de romance en la película… nada cursi como la moda de los candaditos que aparecen hasta en el puente de Brooklyn, eso sí.

Los conceptos se apoyan no sólo en esta impecable técnica de animación que además cuenta con unos decorados y una iluminación absolutamente impecable, sino en un guion milimétrico procedente de la obra de teatro original de Kaufman, uno de los directores que firman el filme. Y por supuesto, por las interpretaciones de los actores que ponen su voz, que por el hecho de que no aparezcan visualmente no quiere decir que tengan menos mérito, ni mucho menos. Por ejemplo… antes habría otorgado a Leigh la candidatura a mejor actriz de reparto por esta película que su personaje en la última de Tarantino… aunque eso no es del gusto de la academia. Dar candidaturas a intérpretes que sólo ponen la voz.

Kaufman ya nos había ofrecido algunos guiones notables… alguno de los cuales también había flirteado con el surrealismo. En esta ocasión, incluso se supera. Durante unos días he estado dudando sobre mi impresión final, pero definitivamente es una película que cuando la piensas, es realmente buena. No apta para devoradores de palomitas sin cerebro.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****
En cualquier caso,... son muchos los puentes destruidos y necesitados de reconstruir los que necesita el protagonista de la historia... puentes humanos, claro.

En cualquier caso,… son muchos los puentes destruidos y necesitados de reconstruir los que necesita el protagonista de la historia… puentes humanos, claro.

[Cine] Inside Out – Del revés (2015)

Cine

Inside Out – Del revés (2015): vista el 20 de julio de 2015 (VOSE) y el 22 de julio de 2015 (doblada).

Si. La he visto dos veces. Mi primera intención es verla siempre en versión original. Más cuando ya la traducción del título indica que el sociópata traductor del títulos, que merecería ser juzgado por delitos de lesa humanidad, actúa de nuevo. Y probablemente con la versión original me hubiera conformado si no fuera porque inmediatamente al salir del cine me surgió una idea y una duda que sólo podía resolver de una forma. Yendo a ver de nuevo la película con mi sobrino Diego de seis años. Y ver su reacción. Porque cuando vi por primera vez la película firmada por Pete Docter y Ronaldo Del Carmen me sorprendió la complejidad de algunos de los conceptos que se manejaban. Complejos incluso para algunos/muchos adultos… Más adelante hablaré sobre mi sobrino Diego y ciertas películas de animación. Vayamos con el argumento…

Esto trata de una niña de 11 años que con sus padres se muda a otro lugar, viéndose obligada a dejar su hogar, su colegio, sus amigos, sus aficiones,… y que se llama Chihiro. Uy, perdón… se llama Riley. Sí, bueno. Aquí viene mi primera sorpresa. El planteamiento de base de la película recuerda muchísimo a una de las mejores películas de animación que he visto yo en mi vida, y que no fue otra que El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し), una película del Studio Ghibli, dirigida por el maestro Hayao Miyazaki, que se llevó el óscar a la mejor película de animación en 2002, en la segunda edición de estos premios en los que figuraba esta categoría.

La entrada de hoy va de una nueva película de animación americana, pero estoy aprovechando también para recordar la excelente "El viaje de Chihito" por lo que nos pasearemos por los santuarios shintoistas de Kioto.

La entrada de hoy va de una nueva película de animación americana, pero estoy aprovechando también para recordar la excelente “El viaje de Chihito” por lo que nos pasearemos por los santuarios shintoistas de Kioto.

Volvamos al tema de mi sobrino Diego. En su momento, Diego fue la excusa para reunir en mi casa una pequeña colección de películas de animación. Para “cuando el peque venga a casa”. Excusas digo, porque a mí me encanta el cine de animación. Y puesto que en su propia casa y otras parentelas era más que probable que reinase el oligopolio de la animación norteamericana, especialmente Disney y sus filiales como la mucho más interesante Pixar, yo opté por el Studio Ghibli y precursoras. Así que en mi casa ha tenido la oportunidad de conocer a Ponyo, Arriety, Mononoque, Nausícaa… y por supuesto, Chihiro. El viaje de Chihiro me parece una película maravillosa, con una riqueza visual y conceptual impresionante, y con un personaje infantil femenino que debería ser una referencia obligada para el género. El proceso de maduración de una niña de once años que sufre sus primeros cambios importantes en su vida, y ese proceso se muestra con una magnífica metáfora sobre su aventura en un mundo onírico y de fantasía, emparentado con el panteón de ocho millones de dioses del Shinto japonés. Y donde el valor personal y la autodeterminación como persona son las claves para el paso adelante de la joven Chihiro. Entra en el mundo onírico y de fantasía como una niña, y sale ya como la persona adulta incipiente en que se convertirá.

Si la película de Pixar basa su fantasía en temas y referentes fundamentalmente occidentales, la del Studio Ghibli se apropia con habilidad de los mitos del shinto nipón.

Si la película de Pixar basa su fantasía en temas y referentes fundamentalmente occidentales, la del Studio Ghibli se apropia con habilidad de los mitos del shinto nipón.

Si uno está al tanto de la literatura infantil, no hace falta mucho esfuerzo para emparentarla conceptualmente con la Alicia de Carrol o el Pinocchio de Collodi, por mencionar a los más populares, pero ya digo que impregnada de las tradiciones y los mitos nipones.

Y nuestra Riley es una más que digna sucesora de Chihiro. Nuevamente estamos ante una situación de cambio. Una situación de pérdida. Una situación de duelo. A través de las cinco emociones que nos proponen los creadores de la película de Pixar, vamos a atravesar las cinco etapas del duelo. O al menos cuatro de ellas. Con el Miedo/Fear nos plantearemos la fase de negación, con la Ira/Anger el enfado con el mundo, con la encantadora Tristeza/Sadness la depresión, y con la pizpireta Alegría/Joy llegaremos a la aceptación, a la reconstrucción de la personalidad y el avance hacia nuevas etapas del crecimiento y la maduración. Desde mi punto de vista se saltan una etapa, entre la depresión y la aceptación, que es la negociación, en la que interviene la parte racional de la persona. Una racionalidad, que aunque pocas veces nos gobierna, está ahí, y también en los niños, más si ya han llegado a los once años. No aparece la racionalidad en el fantástico mundo de la psicología humana que nos muestra la pelicula. Está la imaginación, los sueños, el pensamiento abstracto (absolutamente magistral la secuencia en el mundo del pensamiento abstracto; sólo ella justifica ver dos veces o las que sea la película), el subconsciente, la evocación de recuerdo, el olvido,… Pero me falta la razón.

Todo ello aderezado con la creación de un maravilloso mundo de fantasía y color, también digno pariente de los mundos oníricos y fantásticos de Alicia, Pinocchio o Chichiro. Pero en esta ocasión tamizado o adaptado a la cultura, las tradiciones y los hitos vitales de la sociedad norteamericana y los relativamente conservadores valores de la misma.

Ocho millones de dioses, espíritus, diablos, animales sagrados,... o lo que es lo mismo, una infinidad de seres propios de la fantasía  y el mito pueblan las tradiciones japonesas.

Ocho millones de dioses, espíritus, diablos, animales sagrados,… o lo que es lo mismo, una infinidad de seres propios de la fantasía y el mito pueblan las tradiciones japonesas.

Me sorprendió en su momento que mi sobrino Diego, cuando vio por primera vez El viaje de Chihiro con cuatro años, le gustase muchísimo, y durante un tiempo me la pidiese cada vez que venía a casa. A mi me parecía una película muy compleja, y siempre me pregunté qué podía entender y qué no. Pero le gustaba mucho. Tenía curiosidad por su reacción ante el viaje de Riley. Como habéis podido ver, los conceptos que se manejan son complejos, por mucho que se enmascaren en el mundo de la animación. La conclusión es que hay que confiar en los niños, en su capacidad de asimilación y de comprensión. Evidentemente, lo que el entiende de la película no tiene que ver con lo que entiendo yo. Pero comprende más que suficiente, nos lo demostró. Estuvo atento en todo momento, como todo el cine, y los comentarios posteriores mostraron perfectamente que había entendido a sus seis años mucho y bien.

La versión original tiene algunos extras añadidos. Podemos escuchar las voces de Diane Lane, de Kyle MacLachlan, de Frank Oz o de Amy Poehler, entre otros… En la traducción, además, siempre hay errores que algunas veces se notan más y otras menos. Cierto que la traducción en subtítulos de la versión original también tiene alguna metedura de gamba que otra.

La película es altamente recomendable para todos los públicos. A mí me ha encantado por muchos motivos. Por los técnicos, por el dinámico guion, por el disfrute visual, por la banda sonora, por la empatía de los personajes. Una de las cuestiones que más me ha gustado es que en un mundo donde se nos bombardea constantemente con el mensaje de que hay que sonreír aunque no tengas ganas, donde tienes que aparentar constantemente felicidad, donde estas hasta las narices de las frases hechas de pensamiento positivo que plagan las redes sociales, haya otras emociones útiles. Uno de los mensajes que se nos transmite es que también tenemos derecho a estar airados cuando asistimos a una injusticia, a tener miedo de lo que nos hace daño o amenaza a quienes queremos, y a estar tristes ante las perdidas que inevitablemente vamos a sufrir. Ya vale de estúpido pensamiento positivo fuera de tiesto. Es hora de que maduremos un poco y aceptemos nuestras emociones, sin que por ello nos dejemos dominar patológicamente por ellas. Ya he dicho que he echado en falta la presencia de la razón en el filme.

Todo ello se refleja en la riqueza visual de la película. La película estadounidense tiene que acudir a otros referentes, muchos de ellos populares por la televisión y el cine de ese país.

Todo ello se refleja en la riqueza visual de la película. La película estadounidense tiene que acudir a otros referentes, muchos de ellos populares por la televisión y el cine de ese país.

Cualquier adulto debería ir a verla sin complejos aunque no acompañe a ningún pequeño. Hay sustancia para aprovechar para todos. Pero también diré algo… Si me dan a elegir… Mejor dicho, si me obligasen a elegir,… yo me quedaría con Chihiro. Ella llegó antes. Llegó de otra cultura mucho más distinta. Llegó con valores muy interesantes y más osados que los procedentes del moderado conservadurismo de Pixar. Y frente al control que sobre la personalidad de Riley tienen las emociones, Chihiro aprende a tener valor, a afrontar los problemas, a ser mucho más proactiva, a salvarse a sí misma y a sus padres. Me gustan más las heroínas de Ghibli que de Disney/Pixar. Pero demos tiempo a Riley… porque han dejado convenientemente abierto el camino a una segunda parte a través de ese misterioso dispositivo que aparece en la mesa de control de la personalidad de Riley denominado “pubertad”.

Valoración

  • Dirección: *****
  • Interpretación: *****
  • Valoración subjetiva: *****
OLYMPUS DIGITAL CAMERA

El Studio Ghibli siempre ha apostado por los personajes femeninos fuertes, liberándolos del papel secundario que la sociedad nipona destina a las mujeres, pero manteniendo sus raíces y tradiciones.

[Cine] Los Minions (2015)

Cine

Los Minions (Minions, 2015); vista el 5 de junio de 2015.

Sesión matinal de cine familiar con mi hermana y mi sobrino este domingo pasado. Todas las referencias decían que el estreno más interesante de la semana era esta película de animación, spin off o precuela de la saga del villano Gru, que tiene como protagonistas a esa cuadrilla de supositorios amarillos de jerga incomprensible, aunque curiosamente todo el mundo les entiende perfectamente.

Una anotación previa. La palabra minion existe realmente en los diccionarios del idioma inglés y significa “esbirro” o “secuaz”. Yo no lo sabía, pero lo descubrí viendo otro filme en el que alguien se refería a los secuaces del malo de la película como “his minions“. Por otra parte, como muchas otras palabras del idioma ingles, tiene un origen francés, y procede de la palabra mignon, que sería algo o alguien pequeño y mono. Hay que reconocer que tienen bien puesto el nombre, puesto que estos “esbirros” vocacionales son “très mignons“. En Cataluña, una palabra con el mismo origen, minyons, se utiliza para referirse a los adolescentes. Y en castellano, “miñones”, probablemente con la misma raíz etimológica, fueron determinados cuerpos de policía en el País Vasco y en Cataluña… Cuántas divagaciones se me ocurren con la lógica y la sinrazón de los idiomas…

Son diversas las localizaciones de la película, pero la más importante es Londres, con la Torre incluida, donde se guardan las joyas de la corona.

Son diversas las localizaciones de la película, pero la más importante es Londres, con la Torre incluida, donde se guardan las joyas de la corona.

En cualquier caso, como se nos cuenta en la película dirigida por Kyle Balda y Pierre Coffin, los Minions evolucionaron desde el principio de los tiempos, cuando la vida era unicelular y acuática, para ser amarillos, gregarios y esbirros de los peores villanos sobre la faz de la Tierra. Cuando en un momento de crisis se quedan sin un jefe supervillano a quien seguir, y en riesgo de desaparecer, tres aventureros minions, Kevin, Stuart y Bob, se lanzan al pelígroso mundo de los años 60 para conseguir un jefe o una jefa. El peor o la peor de los villanos y las villanas de la especie humana. Y esa puede ser Scarlett Overkill. Pero quién sabe qué cosas pueden pasar cuando hay minions por medio.

En primer lugar hay que decir una cosa. Los minions son unos de los personajes de ficción y animación más conseguidos de la historia del cine. Son divertidos, tienen posibilidades ilimitadas, su jerga es una caña, y su aspecto, minimalista, pero no simple, son un logro del diseño, merecen un reconocimiento universal en el imaginario colectivo. Con estos atributos, parecía lógico que la productora, ávida por hacer caja, les dedicase una película en exclusiva. ¿Colma la película que hemos visto las expectativas? Desde mi punto de vista, y aun llevando la contraria a los muchos corifeos que escriben por ahí sobre el tema, la película se salda con un aprobadillo, con momentos realmente muy divertidos, todo el prólogo dedicado a la evolución de los minions es buenísimo, y otros no tantos. Y con un guion que es muy irregular, que en su conjunto parece estar más hecho de pegotes que concebido como una historia coherente desde el principio. Desde luego, es un buen entretenimiento, y los peques se lo pasan en grande. Pero es que los peques se tragan muchas cosas sin protestar mientras degluten palomitas.

El Londres de la película es el "Swinging London" de los años sesenta, con su música y su moda, que se nota en algunos atuendos de la mala...

El Londres de la película es el “Swinging London” de los años sesenta, con su música y su moda, que se nota en algunos atuendos de la mala…

Para una adulto… es como lo que dice aquel, si hay que ir se va. Pero ir por ir… Si hay un niño en la casa y hay que pasar una tarde o un rato… pues bien. Pero por mera afición… estos minions se merecían una película mejor trabada y más trabajada. Pero a las productoras les da igual. Como de todas formas iba a ser un éxito…

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: No aplicable
  • Valoración subjetiva: ***
Y también el de la reina Isabel II cuando no era una vieja antipática como ahora.

Y también el de la reina Isabel II cuando no era una vieja antipática como ahora. Pero bueno… tampoco pareció muy simpática nunca… Aunque con semejante familia…