[Cine] El gran showman (2017), y una repesca

Cine

El gran showman (The Greatest Showman, 2017; 02/2018011)

Un primer aviso antes de pasar a la película de hoy. A lo largo del año, siempre hay alguna película que queremos ver y se nos escapa. En ocasiones, el tiempo que transcurre entre su estreno y su disponibilidad en servicios de vídeo bajo demanda es muy corto. Por lo tanto, se puede ver en casa al poco tiempo de su estreno. Esta posibilidad va a dar lugar a las “repescas”. Breves comentarios de películas de “casi” estreno. Y hoy va la primera. No aparecerán en el balance final del año.

El “showman”… el “showman” es P. J. Barnum, personaje real del siglo XIX, muy polifacético, pero que en un momento dado fue precursor del mayor circo de la historia. Que ha desaparecido hace muy poco tiempo. El Ringling Bros. and Barnum and Bailey Circus. Y el “showman” es Hugh Jackman, actor a cuya mayor gloria está hecha esta película dirigida por Michael Gracey. Y aviso, es un musical.

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Me da la impresión que va a haber varias películas relacionadas con Nueva York en los próximos tiempos, y por lo tanto aparecerán fotos de la Gran Manzana con frecuencia. Aquí van unas cuantas.

A grandes y groseros trazos, la película narra los avatares de la vida de Barnum, desde su infancia y matrimonio con su mujer Charity (Michelle Williams) hasta que monta el circo. Pasando por situaciones como la gira que patrocinó de la cantante sueca Jenny Lind (Rebecca Ferguson). Y con un socio, Philip Carlyle (Zac Efron), que no sé si es un personaje real, y su interés romántico, una trapecista (Zendaya). Y la mujer barbuda (Keala Settle), y un enano (Sam Humphrey). Y unos cuantos más, y la reina de Inglaterra. Y todos cantando. Y con poca o ninguna fidelidad a la historia real.

Película anecdótica, que decepciona con unas canciones y unos números de baile más propios de “operaciones triunfos” y “especiales nochevieja” que de la tradición del gran musical americano y del cine musical de Broadway. Mucho pop, y mucho paso de baile apto para casi cualquier grupo de adolescentes al uso. Eso sí, con mucho colorín, escenarios a lo grande y complicados movimientos de cámara.

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Interpretaciones flojas. Incluso en quienes mejor papel esperas. Nunca había visto tan floja a Michelle Williams, a la que además se le nota ya en exceso su paso por “el chapista”. ¿Por qué se maltratan tanto a sí mismas las actrices? ¿Por qué se quieren tan poco? Si esta chica era una monada al natural…

En fin. Decepcionante. Floja. Totalmente prescindible. Y encima en versión doblada. Afortunadamente, no las canciones. Aunque da igual. Vete tu a saber. Igual gana alguna de ellas algún óscar. Bah.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: **

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Repesca: Hirune-hime: Shiranai watashi no monogatari [ひるね姫~知らないワタシの物語~]

En castellano “Ancien y el mundo mágico”, en inglés, más moderno “Ancien and the Magic Tablet”, aunque la protagonista no es Ancien, una “princesa”, si no su hija Kokone, una adolescente de 17 años, huérfana de madre, y que se ve envuelta en una trama a caballo entre la realidad y el mundo de los sueños. Como curiosidad, Hirune-hime vendría a ser la “princesa siesta”.

Dado el buen nivel de la animación nipona, quisimos verla cuando se estrenó en octubre, pero se nos pasó, porque duró muy poco en cartelera. Es simpática, pero no tiene el mismo nivel que el Studio Ghibli, ni las de Makoto Shinkai, ni alguna que otra joya que nos llega de vez en cuando de otros productores/directores. Pero se deja ver, así, en una sobremesa tranquila. En Filmin.

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[Cine] The Disaster Artist (2017)

Cine

The Disaster Artist (2017; 01/20180102)

Esta película ha llegado un poco de tapadillo a la cartelera española, aunque algunos críticos y comentaristas de cine venían avisando de ella. En un cierto juanpalomo de los hermanos Franco, James Franco, que dirige y protagoniza, y Dave Franco, que coprotagoniza, nos llega este relato de un rodaje, un género en sí mismo el de los “rodajes-desastres” de una película real, que yo no conocía.

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La cosa va de rodajes. Y uno me encontré hace año y medio en las calles de Reikiavik en Islandia.

En 2003 se estrenó The Room, película producida, escrita, dirigida y protatonizada por el excéntrico Tommy Wiseau (James Franco) que un tiempo antes había conocido y arrastrado a sus locos proyectos al aspirante a actor Greg Sestero. Una vez en Los Ángeles, se las apañan para rodar una película, que resultó carísima, con un rodaje catastrófico, y que en aquel momento no vio nadie, resultando un fiasco monumental. Curiosamente, con el tiempo se convirtió en película de culto, que ha generado pases especiales, ventas de vídeos y otras fuentes de ingresos, de tal modo que ha llegado a generar beneficios sobre la inversión realizada.

James Franco adopta un punto de vista documental sobre lo que fue el catástrofico rodaje de una película concebida, dirigida y protagonizada por un individuo que no tenía la menor idea de cómo se hace una película. No busca resolver los enigmas que sobre quién era, de donde salíó este tal Wiseau, y de donde sacó el dinero para financiar el fiasco. Bajo ese estilo austero, documental, confía en el buen hacer de los intérpretes. Los dos protagonistas vienen acompañado por un reparto de secundarios muy coral, pero que aportan valor a la película.

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Una película que se va viniendo arriba conforme avanza el metraje, moderado para lo que se lleva hoy en día, y consigue un final casi apoteósico, al mismo tiempo que salpicado no pocas dosis de surrealismo. Sinceramente me parece una obra interesante, no tan excelente como señala alguna crítica que he leído, pero que merece una oportunidad. A ser posible, acercándose a la sala de cine con un mínimo de prejuicios.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine] El cine que he visto en 2017

Cine

Comienzo la entrada con una introducción totalmente similar a la de años anteriores en la que intento explicar mi proceso para comentar y puntuar mis películas.

Como todos los años llega el momento de hacer un repaso del cine que he visto durante el año anterior. Esta entrada trata de las películas vistas en salas de cine, independientemente de si han sido estreno durante el año o no. Este año se incluyen películas de estreno que no han pasado por las salas de cine, sino que se estrenan directamente en las plataformas de vídeo bajo demanda. Ya adelanto que este año hay una que ha entrado en la lista principal de las diez mejores, que siempre son más de diez. Y alguna otra se ha acercado. Todas las películas están recogidas en mi base de datos cinematográfica que inicie el 28 de diciembre de 1997 . Para todas ellas incluyo cuatro valoraciones: dirección, interpretación, subjetiva y global. Para conocer los criterios por los que valoro las tres primeras, visitad la explicación correspondiente.

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Como ilustración de esta entrada, los últimos negativos en color del año. Un rollo de formato medio de Kodak Ektar 100, que se ha visto afectado por las pérdidas de contraste en determinadas condiciones de luz que produce el objetivo tipo tessar de la Yashica Mat 124G.

La valoración global es el resultado de aplicar una fórmula matemática de mi invención:

Global = (Subjetiva*3 + Dirección*2 + Interpretación)/6

 

Por supuesto, el dar más peso a unos elementos que a otros es algo totalmente personal. Pero es que si incluyo algo que se llama “valoración subjetiva” en la fórmula, pues tampoco podéis esperar más que eso. Una valoración subjetiva, pero motivada, de lo que más me gusta. Que no necesariamente tiene que ser lo que le guste a otros.

 

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Hay otra cuestión. Si se contrasta la lista que ofrezco en la entrada de hoy con las valoraciones de cada una de las películas en el momento en que las vi y las comenté, pueden no ser iguales. La valoración personal de una película cambia con el tiempo, y también puede suceder que visionados posteriores, por ejemplo en vídeo o televisión, hagan cambiar también esa valoración. Aunque este año no ha afectado mucho a las películas que ocupan los primeros puestos.

Durante 2017 he visto un total de 59 largometrajes, entre las salas de cine y los estrenos directos en las plataformas de vídeo bajo demanada. Es un descenso de poco más del 9 % sobre el año 2016, que confirma el progresivo descenso que se viene produciendo desde 2013. Nos volvemos más exigentes, dicen unos. Te pasas más días fuera de España, me ha dicho algún otro. O una mezcla de ambos.

La valoración media ha sido de 3,15 puntos; esta es la segunda puntuación media más alta en 20 años de segumiento. Y también he repetido el mínimo en variabilidad en las puntuaciones de la misma serie. Como digo habitualmente, podríamos decir que no selecciono mal las películas que voy a ver, aunque me he tragado algún pestiño que otro. Como he mencionado en otras ocasiones, el rechazo a ir por sistema a ver determinados blockbusters, me ahorra películas malas. Por ejemplo, evito en líneas generales el cine de superhéroes. Que sistemáticamente… no me gustan.

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A continuación, las “diez” películas que más he valorado. Entrecomillo lo de “diez” porque debido a empates en puntuación casi siempre es una lista de más de diez. Catorce este año.

1 Manchester by the Sea (Manchester frente al mar) 4,67
2 Dunkirk (Dunkerque) 4,50
3 Manifesto * 4,33
4 Forushande (El viajante)

Frantz

La La Land

Loving

4,17
8 Detroit

Kimi no na wa (Tu nombre…)

Kono sekai no katasummi ni (En este rincón del mundo)

La tortue rouge (La tortuga roja)

Moonlight

Teströl és Lélekröl (En cuermpo y alma)

The Meyerowitz Stories: New and Selected

 4,00

De las catorce, todas han conservado la puntuación que les otorgué cuando las vi. Sólo Dunkirk ha recibido algo menos de puntuación, por el pleno de obra maestra, un 5 absoluto, no es para tanto. Hay que observar que he marcado con un asterisco (*) la tercera. Manifesto es un poco especial. Es puro cine de arte y ensayo y lo vi en una galería de arte. Pero me parece apropiado incluir todo tipo de cine no visto, siempre y cuando se vea en el ambiente para el que se pensó. No pondré en la lista una película que haya visto en el televisor, pero pensada para salas de cines. Pero sí una vista en el televisor, pensada para ser vista en un servicio de vídeo bajo demanda.

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Y como en años anteriores, este listado de más valoradas no es un feudo norteamericano. En esta ocasión, de las 14 películas sólo hay seis de Estados Unidos. He de decir que cada vez es más difícil asignar una nacionalidad a una película por los cruces de productoras que se producen. Los chinos cada vez ponen más dinero en el cine, por ejemplo. Pero podemos considerar uqe las nacionalidad de esas 14 películas son bastante precisas.

Respecto al cine patrio, la más alta en mi lista aparece en el puesto 19 empatada a puntos con otra película. Se trata además de una película de producción básicamente británica, The Bookshop, si nos fijamos bien, y rodada en inglés, pero a la que se le aplica nacionalidad española. Lo triste es que el resto de las películas españolas que he visto este año aparecen en el cuarto inferior de la lista. Es posible que se me haya escapado alguna interesante, o que no nos llamó la atención por algún motivo. Pero es triste que las dos últimas de mi lista sean adaptaciones de obras literarias españolas de éxito que, en mi opinión, resultaron escandalosamente fallidas.

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Veamos cómo ha ido la cosa por meses, para hacernos una idea de cómo ha ido el año estacionalmente.

Enero – En plena temporada de premios, agrupa cuatro películas de la lista de 14 mejores, con un triple empate entre Frantz, La La Land y Loving.

Febrero – Febrero viene dominado por la ganadora de este año Manchester by the Sea, que es una película que me tocó mucho a un nivel emocional, y ahí se ha quedado como la mejor para mí. Aunque no me he atrevido a verla por segunda vez.

Marzo – La notable película iraní, Forushande, dominó el mes de marzo y destacó a pesar de no estar a la altura de alguna predecesora suya. Pero es que es muy muy muy buena..

Abril – En abril hice un viaje a Jutlancia, en Dinamarca, y entre las actividades de la capitalidad cultural europea de Aarhus estaba la proyección de Manifesto, que condiciona mi percepción cinematográfica de este mes.

Mayo – En mayo estuve muy ocupado, me volví a ir de viaje, fui poco al cine, y la cartelera estuvo muy floja. Eso explica que lo mejor fuera Kazoku wa tsurai yo (Maravillosa familia de Tokio), una película simpática, pero lejos de la calidad de lo mencionado hasta el momento.

Junio – Otro mes flojo pero en el que al menos destaca esa pequeña joyita de animación japonesa que es Kono sekai no katasummi ni (En este rincón del mundo). No he comentado hasta el momento, pero hay tres películas de animación entre las 14 destacadas, y sin desperdicio. Y es posible que estén un poco infravaloradas. Y no me refiero necesariamente a la de más éxito comercial… La de este mes de junio en concreto, conforme pasa el tiempo mejora en mi memoria, y empiezo a tener ganas de verla de nuevo para disfrutar de sus matices.

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Escribir una leyenda

Julio – Un mes habitualmente flojo, donde predominan las película de acción pensadas en la taquilla, en esta ocasion vino dominado por la excelencia de Dunkirk (Dunkerque). Poco más que añadir.

Agosto – Agosto también suele ser mes flojo. Llegó con varias películas que prometía, pero que se quedaron a medias, en un quiero y no puedo. Y al final, la más valorada por mí es esa comedia británica con tonos dramáticos, simpática y muy visible gracias al trabajo de sus buenos intérpretes de la pérfida albión. Fue Su mejor historia (Their Finest). Es posible que hubiese alcanzado mejor puntuación de haberla visto en versión original.

Septiembre – Fue un mes realmente, y sorprendentemente, flojo, en la que al menos destacó la muy interesante y quizá infravalorada, incluso por mí, Detroit.

Octubre – A pesar de estuve bastantes días de viaje, la expectativa sobre varios de los estrenos hicieron de este un mes cinematográficamente movido. Una película húngara, Teströl és Lélekröl (En cuerpo y alma), y otra estrenada directamente en vídeo bajo demanda, The Meyerowitz Stories [New and Selected], se llevaron el gato al agua de la más valoradas de este mes. Pero seguidas muy de cerca de la algo decepcionante aunque correcta Blade Runner 2049 y por ese extraño experimento que fue Mother!. Inclasificable.

Noviembre – A estas alturas del año, esperábamos una cartelera mucho más competitiva y reñida pero no fue así. Y la correcta pero fría The Bookshop, salvada por sus interpretaciones, se colocaba en primera posición del mes. Le he dado muchas muchas muchas vueltas a la posibilidad de subirle la puntuación a Hikari (Hacia la luz), película japonesa que me ha hecho pensar mucho. Pero tendría que volver a verla para asegurme.

Diciembre – Y seguimos en este mes con una cartelera sorprendentemente sosa, hasta el punto que la más valorada fue Star Wars: Episode VIII – The Last Jedi, una película que tiene innegables virtudes, pero también algún que otro defecto. La doy por buena, contando con que va muy seguida de Mudbound. Otro estreno en vídeo bajo demanda, con un reparto excelente, y que le ha faltado para que se metiese en el grupo de élite… algunas cosas relacionadas con su final.1.

Faltan por llegar muchas de las que optan a premios en esta temporada invernal, pero estas llegarán a partir de enero. Termino igual que el año pasado. Un año un poco engañoso en sus promedios. Muy homogéneo, pero con menos destacables de las que me gustaría.

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[Cine] Entrada “coche escoba”: Woody Allen, Mudbound y otros estrenos de Netflix

Cine

Mis tradiciones me indican que mañana 2 de enero tengo que hacer el resumen de mi año cinéfilo. Pero todavía no he revisado todas las películas que entran en el mismo, porque la última semana del año ha estado muy entretenida desde el punto de vista cinematográfico. No sólo por la visita de rigor a las salas de cine para ver la última de Woody Allen, sino porque este año entran también los estrenos directos en las plataformas de vídeo bajo demanda, y he visto en estos días de fiesta la friolera de tres. Vamos con ella. Acompaño la entrada con algunas fotografías procedentes de los últimos carretes en blanco y negro del años. La Yashica Mat 124G con un Lomography 100 Earl Grey que me quedaba suelto por ahí, las cuadradas, y la Agfa Billy con un Fujifilm Neopan 10 Acros, las rectangulares.

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Wonder Wheel (2017)

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Las dosis anual de Woody Allen nos ha llegado con el final de año, cuando últimamente solía llegarnos a final del verano. Quizá tenían más esperanzas de que este año alcanzase más reconocimiento de cara a la temporada de premios.

Con un buen reparto, nos cuenta cómo, en los años 40, una joven Carolina (Juno Temple), huyendo de su marido mafioso a quien ha delatado al FBI, se refugia en Connie Island con su padre (Jim Belushi) y su madrastra (Kate Winslet). Todo irá bien, hasta que la presencia de un fornido y cultivado salvavidas playero (Justin Timberlake) inicie un peligroso triángulo con las dos mujeres.

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Película poco valorada por crítica y público, con sabor a tragedia griega, que cuenta una historia sencilla y previsible, pero desde mi punto de vista bien contada. Lejos de la originalidad de antiguas propuestas del director, está bien hecha, destacando especialmente la fotografía Vittorio Storaro, una banda sonora jazzistica, y unas excelentes interpretaciones. Muy buenos Belushi y Winslet, Temple nos sabe a poco, sabemos que se le puede sacar más partido, y Timberlake que cumple.

A mí me produjo un rato agradable, y es más recomendable de lo que parece.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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Mudbound (2017)

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Notable propuesta que nos llega de la mano de Netflix. Aunque se estrenó principalmente en vídeo bajo demanda, han realizado un estreno limitado en salas de cine en EE.UU. para poder optar a la temporada de premios.

Dirigida por Dee Rees, la directora insiste en recuperar la historia no contada de la discriminación de la raza negra en Estados Unidos, contando las historias paralelas de dos familias, una blanca y otra negra, que se ven obligadas a convivir en una región rural del delta del Misisipí, y que comparte que uno de sus miembros está en la guerra mundial en Europa. El blanco es un capitán que pilota bombarderos y el negro un sargento que comanda un carro de combate.

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Con un reparto también de bastante nivel, aunque el nombre más conocido sea el de Carey Mulligan, seguido de Jason Clarke, aunque no sean los personajes clave de la historia que hemos de situar en los personajes interpretados por Garrett Hedlund y Jason Mitchell, es una película dura con pocas concesiones al buenismo de los espectadores, aunque algunos aspectos del final introducen un tono de happy end que nos parece muy forzado.

Está muy bien en líneas generales, y me quedé con la sensación de que se vería mejor en en sala de cine en pantalla grande. También comprendí el interés de Netflix por promocionarla en la temporada de premios. Aunque tengo la sensación de que no se comerá una rosca. Muy recomendable.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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Bright (2017)

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Cuentan de esta película dirigida por David Ayer y realizada a mayor gloria de Will Smith que es el intento de Netflix por crear una de estas lucrativas franquicias donde se suceden las precuelas y las secuelas, y las productoras se hacen de oro vendiendo figuritas y otras mercaderías. Es un pastiche que toma elementos del Señor de los Anillos, de cualquier distopía con Los Ángeles como escenerario y del Quinto Elemento, para hacer un correveidile de peleas y balaceras con más bien poco sentido.

El primer día que intenté verla me quedé dormido. En una segunda intención la vi entera, aunque me costó seguirle la pista. No por compleja, sino por complicada. Para mí tiene poco sentido. Se da por sentado una segunda película. Se da por sentado que no la escribirá el mismo guionista por que parece que está implicado en el enésimo caso de denuncias de abusos sexuales en el cine americano. A Ayer también se le acusa con frecuencia de machista. Pues vale. No es una catástrofe. Pero casi. Quedaros con lo que queráis.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: **

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Megen no jūnin (2017)

Mugen no jūnin (2017; 562017-3012)

Samuráis, damas en apuros, muchas espadas y muchos desmembramientos con abundancia de salsa de tomate para esta película de espadachines japoneses que, habiéndose estrenado en cines originalmente en su Japón de origen, han decidido exhibir en el mundo entero a través de Netflix. Te tienen que gustar estas películas, y os puedo asegurar que no es Yōjinbō (Yojimbo también), o Sichinin no samurai (Los siete samuráis)… El machote, Takuya Kimura, pero la chica, muy mona y con las orejas desabrochadas, Hana Sugisaki, más bien no.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **

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[Cine] Perfectos desconocidos (2017)

Cine

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No es la primera vez que de una película reciente italiana se realizan distintas versiones para el mercado español y para otros países. En general, se trataba de adaptaciones de novelas románticas, sumamente indigestas salvo que seas una adolescente un poco lela a quien le guste llenar los puentes europeos de candaditos. Pero aquí tenemos a Álex de la Iglesia sumándose al carro de esta moda, trasladando a España uno de las grandes éxitos del cine italiano de los últimos años, que no me consta que se haya estrenado en nuestro país.

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El escenario de la película parece un ático con una esplendida terraza, probablemente sobre las calles de Madrid. Bueno… nos bastará con un atardecer desde la terraza del Círculo de Bellas Artes de la capital para ambientarnos.

Un grupo de amigos, tres parejas y uno que viene solo, se reúnen a cenar. Se conocen de hace tiempo, y resulta evidente que las parejas más veteranas arrastran ya el cansancio de los años de vida en común. Al comenzar la cena, tras una discusión sobre los secretos que se tienen o no se tienen, alguien propone que dejen los teléfonos móviles en el centro de la mesa, y que todos los mensajes que se reciban sean compartidos con todos. Lo que claramente augura la catástrofe colectiva. Mientras. En el exterior, la luna se eclipsa…

Hace tiempo que de la Iglesia dejó de interesarme. Realmente, películas suyas que realmente me gusten apenas hay dos. Las demás están entre el pasable y el no me gustan. Aquí se embarca en la tarea de adaptar la película de otros… y creo que no le sale bien. Las situaciones resultan  predecibles, muy muy muy predecibles, y el giro final… pues la verdad que qué queréis que os diga. No lo cuento por no destripar la película a posibles espectadores. Pero me parece resuelto de una forma un poco cutre. Hay gente que dice que se ha reído con esta comedia presuntamente ácida. A nosotros, alguna sonrisa se nos formo en algún momento puntual, pero nada más.

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Y a todo esto, un reparto que no he mencionado, pero que no ayuda. La pareja formada por Belén Rueda y Eduard Fernández son lo mejor de la película; mi acompañante a ver la película comentó que este último está bien hasta cuando está mal. Juana Acosta tiene que bregar con un ingrato papel de histérica… lo que es una pena porque en otras ocasiones la hemos visto con buen tono. Eduardo Noriega y Pepón Nieto siempre hacen el mismo papel… no han cambiado en 20 años. A Ernesto Alterio no le he visto nunca un buen trabajo. Y Dafne Fernández… pues esta muy maciza, pero no vale gran cosa como actriz. Vamos que el reparto tampoca ayuda.

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Desconozco como estará resuelta la versión italiana; tal vez hayan resuelto con más gracia esta situación que no resulta a estas alturas tan original como parece. Es muy posible que esta película sea un forma de sacar más rentabilidad a la idea original, de la que sus creadores italianos se llevarán un tajo. Es más fácil que el público español vaya a las salas de cine si lo firma de la Iglesia con un reparto popular, que si el director y el elenco son italianos, por lo que la maniobra comercial es clara. Pero me huelo a que lo mejor, para quienes nos gusta el cine, es que nos hubieran permitido valorar el original. En cualquier caso, sigo sin encontrar películas patrias que me convenzan en exceso. Tengo la sensación que este año he tenido particular mala suerte con mis elecciones. Veremos que dicen las estadísticas de final de año. Dentro de una semana lo veremos.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: **

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[Cine] Star Wars: Episode VIII – The Last Jedi (2017)

Cine

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Vayamos con la última entrega de nuestra saga galáctica favorita, que en castellano le ha sido otorgada el título de “Los últimos Jedi”, aunque no veo problema en que fuese “El último Jedi”. Estos malditos anglosajones que no flexan los complementos por género y número… y encima con la palabra “jedi” que siendo un sustantivo tampoco lo hace… Bueno,… si nos dicen que es plural, con el plural nos quedaremos.

Hace ya una semana y un día que vi la película. Y como es tradición en los últimos años, la vi dos veces. El día del estreno en versión original con los amigos, en la matinal doblada del domingo con la familia. Viene bien verla más de una vez porque desconcierta. He tenido alguna petición de retrasar el comentario para permitir que alguna gente que me lee la viese primero… pero es que se me van a acumular las películas. Ya tengo otra en lista de espera, y con los estrenos de esta semana, y teniendo en cuenta que la que viene tengo fiesta, igual caen con facilidad un par más. Con lo soso que ha estado el otoño, parece que la cartelera se pone interesante de golpe.

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El asomar de la luna en el horizonte, o la puesta de sol en el extremo opuesto del mismo, y todo lo que puede pasar entre ambos instántes… Hoy, claro está, levanto mi cámara hacia las estrellas para ilustrar esta entrada.

No voy a hacer un resumen introductorio del argumento, para evitar cualquier tipo de destripes. Sólo haré un comentario de mis impresiones, y por qué creo que le ha faltado poco para ser una genialidad a esta película, que finalmente se queda a un paso, quizá más amplio de lo deseable, de serlo.

No hace falta decir que la factura de la película es de primer nivel. El binomio Lucasfilms-Disney no hacía suponer otra cosa. Pero además, el toque que le da Rian Johnson es muy muy muy interesante en el aspecto visual. Lástima que se prodigue tan poco. Su anterior y muy muy muy interesante largometraje es de 2012. Cinco añitos. Querríamos ver más de este director.

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Pero donde Johnson rompe con lo anterior y dota de innegable interés a esta película, como producto singular dentro de la saga, es en el tono y en el fondo. Respecto al fondo, estamos ante la película más comprometidamente política de la saga. Salvo algunos momentos en “los clones”, la saga ha sido poco política. Orientada hacia el eterna lucha maniquea entre el bien y el mal, los bandos en disputa han sido demasiado obvios y simples desde ese punto de vista. Pero aquí Johnson aprovecha para introducir matices. No a lo grande… pero son detalles aquí y allá que cambian el tono del universo star wars, especialmente en el lado de los buenos. El mensaje es claro. Para que la democracia y la justicia social triunfen no se necesitan héroes de leyenda sino líderes con la cabeza bien puesta. Porque el “lado oscuro” siempre se pone de acuerdo en sus intereses y no le cuesta seguir a algún “lider supremo” que se ponga a tiro y les venga bien. Si no es uno será otro. Lo que importa es el poder. Que cada cual interprete los mensajes políticos que arrastra la película como le venga bien.

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Esta nueva orientación,… desconozco si se mantendrá. Parece que frente al monolitismo que ejercía el tío Gilito del cine, Disney ha decidido dar libertad a los directores de cada entrega por lo que el tono puede variar de una a otra. Ha variado del episodio VII al VIII, y el IX viene de la mano del mismo director que el VII… así que… En cualquir caso, viene sustentada por un humor irónico e iconoclasta que impregna el filme de principio a final, que en no pocos casos está causando desconcierto en los fans, incluso hasta el punto de causar rechazo. La forma en que va destrozando la película muchos de los símbolos de la saga,… la figura del aviador infalible,… la omnipotencia de un lider,… las reacciones de un mentor,… Creo que sólo Obi Wan Kenobi en las películas anteriores había mostrado algunos de los aspectos irónicos que ahora aparecen por doquier. Esta crítica interna al propio universo star wars a través del humor, que puede permitir una reorientación haciendo más adulto esta saga, sin que por ello deje de estar abierta a un público amplio, le puede sentar muy bien. Ójala se mantenga.

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Pero ya he dicho que la película se queda a un paso, a un escalón, amplio, de la genialidad. ¿Por dónde le vienen los problemas? Por el guion, del propio Johnson. La propuesta del director y guionista es de duración excesiva, y con arcos argumentales dentro de la película que por más vueltas que le doy, si los suprimes, no pasa nada. A penas se justifican para presentar a algún pequeño personaje que hace una pequeña acción importante, pero que se podría haber introducido de forma más económica. También hay alguna situación que por más vueltas que se le dé resulta un poco tontorrona tal y como se plantea. Cierto suicidio es un muy claro. Pero no diré más por no destripar. Estas flojeras del guion restan valor al conjunto,… lamentablemente. Ya digo. Con un guion mejor ensamblado,… una genialidad de película.

 

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El reparto está bien. Esta saga siempre es más de personajes que carismáticos que de interpretaciones virtuosas, pero bueno, el nivel es más que aceptable. Creo que el personaje de Rey (Daisy Ridley) está ligeramente desaprovechado, especialmente porque creo que esta actriz vale bastante. Pero Mark Hamill está mejor que nunca… siempre fue el más flojo del trío protagonista original. Mención especial para la vicealmirante Holdo (Laura Dern). Un poco decepcionante DJ (Benicio Del Toro), el nuevo caradura de la saga. Algo que no he dicho es que la película funciona como una imagen en un espejo deformado del episodio V, con algunos elementos que son guiños o préstamos del VI. Sí el VII era un remake encubierto del IV, esperemos que ya el IX sea totalmente original. En este aspecto, DJ sería una imagen especular deformada de Lando Carlrissian, y no cuento más.

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Creo que la película está bien situada dentro de la saga. Es difícil situarla… para mí, a diversos niveles, desde el intelectual al emocional, el Imperio siempre será la mejor. Y la película original siempre tendrá el mérito de ser eso, la original. A partir de ahí, ¿es la tercera mejor? El Despertar es una película argumentalmente mejor armada, pero arriesga muy poco, siendo como ya hemos comentado un remake encubierto de la original. Esta que nos ocupa hoy tiene más calado y despierta más interés desde muchos puntos de vista, pero arrastra algunos defectos en su armazón que no dejan de ser demasiado evidentes. Así que es cuestión de gustos. Ya diréis.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***/****

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[Cine] Bamui haebyun-eoseo honja [밤의 해변에서 혼자] (2017)

Cine

Bamui haebyun-eoseo honja [밤의 해변에서 혼자] (2017; 502017-1112)

El historiado título coreano de esta película significa, y es el título de la versión doblada al castellano, que no se proyecta en Zaragoza, en la playa sola de noche. Y sola, no sé si de noche o al caer la tarde es donde reflexionará a sola la protagonista de esta película dirigida por el surcoreano Sang-soo Hong, de quien no había visto hasta el momento ninguna película. Sí de la actriz protagonista, que protagonizó recientemente una interesante y sensual película de época.

Young-hee (Min-hee Kim) es una actriz coreana, joven, quizá no tanto como aparenta, pero joven. La conocemos en paseando por una ciudad alemana, que por alguna imagen y las matrículas de los coches, HH, es Hamburgo. Ha escapado de una agobiante situación en su país, ya que ha mantenido una relación adúltera con un director de cine. Le está pasando factura, y no sabe cómo afrontar el futuro. En una segunda parte, volveremos a encontrar a Young-hee con sus reflexiones en Gangneung, una localidad turística costera de la República de Corea.

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Fotográficamente, nos vamos a la playa, claro. Al Báltico, a Travemünde, no lejos de Hamburgo, donde se encuentra el puerto y playa de la también hanseática Lubeca, o Lübeck. Y al mar del Japón, u Oriental para los coreanos, la de Haeundae en Busan.

El director de la película ejecuta con este film un complejo acto de reflexión, junto con su actriz protagonista, puesto que la película, siendo ficción, está basada en un una situación personal. Ambos, en la realidad, mantuvieron, quizá todavía mantengan, una relación que costó el divorció al director, más de veinte años mayor que la actriz. Siendo Corea del Sur un país muy conservador, tanto en política como en costumbres, el affair constituyó un escándalo de considerables dimensiones. Y como sucede en las sociendades más conservadoras, las peores arremetidas van dirigidas contra la joven, cuando quien rompe sus compromisos previos, con motivos o sin ellos, es el hombre. Es la mujer sin embargo, la que en este caso, tal y como se plantea la película, duda ante su futuro al haber pasado de ídolo de masas a villana. Sin ser una película explícitamente feminista, el enfocar sobre la mujer, el hacerla protagonista, nos permitirá reivindicarla. Puesto que sus sentimientos pueden o son, en la película, auténticos.

El peso del film lo lleva la actriz protagonista que se llevó el León de Oro en la última edición de la Berlinale, lo cual habla de cuánto gustó su interpretación. Es una actriz que ha pasado de ser hace unos años, según he leído, una actriz glamourosa por su belleza singular aunque considerada de escaso talento, a un actriz prestigiada que se ha reinventado a sí mismo. Os puedo asegurar que me sigue pareciendo tremendamente guapa y atractiva. Pero aquí no va de eso. Sin apenas maquillaje, con sencillos peinados e indumentarias, encara frente a la cámara una interpretación que le sale muy de dentro.

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Yo he leído como curiosidad algunos fotos o comentarios de gentes diversas por internet y se dicen verdaderas burradas de esta chica por este affaire.

No ha recibido una especial buena acogida del público común, los votantes en IMDb no le permiten llegar ni al siete. Sin embargo, la crítica se ha rendido por completo a una película compleja en su aparente sencillez con un discurso que presenta numerosas capas. A mí me gustó y me tocó, sin entrar, ni de lejos en valorar moralmente la situación. Porque no soy quien, ni nadie. Es la vida personal de los involucrados, que han de responder ante quienes hayan adquirido sus compromisos y ante nadie más. Tomémoslo como una pequeña apología a la tolerancia y el respeto a la intimidad, aunque sean personas públicas.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine] The Killing of a Sacred Deer (2017)

Cine

The Killing of a Sacred Deer (2017; 492017-0512)

Que yo recuerde, sólo una película de Yorgos Lanthimos había visto previamente, y no hace mucho. Eso sí, fue un descubrimiento. Una mezcla de drama, intriga y humor bastante inclasificable, para una distopía con un carácter también relativamente inclasificable. Por lo tanto, su nueva presencia en la cartelera con una película que además había merecido todo tipo de comentarios previos por parte de la crítica, muchos de ellos alabadores, y con un reparto cuando menos llamativo, hacía obligatoria su visita en las salas de cine.

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No son ciervos, o no son todo ciervos, pero parecidos. Y no están en Cincinnati, sino el parque Skasen de Estocolmo. Tampoco tengo claro que sean sagrados. Pero valdrán para ilustrar la entrada cinematográfica de esta semana.

El matrimonio formado por los Murphy, Steven (Colin Farrell), cirujano cardiaco, y Anna (Nicole Kidman), oftalmóloga, parece perfecto, con sus dos hijos, Kim (Raffey Cassidy) y Bob (Sunny Suljic), y su casa y trabajos perfectos. Pero Steven mantiene una extraña relación con un adolescente, Martin (Barry Keoghan). Y el día que lo lleve a casa y lo presente a su familia como el hijo de un antiguo paciente que falleció en la mesa de operaciones, todo cambiará de forma inquietante para la familia Murphy. Especialmente cuando una extraña enfermedad empiece a afectar a algunos miembros de la familia.

Lanthimos vuelve a llevarnos a un entorno de aparente normalidad y estabilidad para empezar a repartir a diestro y siniestro contra los aspectos más hipócritas de un burguesía liberal acomodada, de apariencia perfecta, pero de fondo podrido, en mayor o menor medida. Con una realización austera, forzando unas actuaciones y unos diálogos fríos, a veces rayando el absurdo en su aparente normalidad, irá presentando la descomposición de una familia burguesa cuando un agente externo vaya exponiendo sus miserias, y obligando a confrontarse entre sí a los distintos miembros de la familia.

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Interpretaciones que van desde adecuadas, Farrell nunca ha sido especial santo de mi devoción, hasta notables en el caso de Kidman, cada vez mejor conforme va llegando a la madurez, y en la medida en que la asume, o del inquietante Keoghan. El trabajo del director depende mucho de que el reparto haga suyo el espíritu inquietante que desprende toda la película.

No voy a decir que sea una película para todos los públicos. Lanthimos es parco a la hora de entregar información al espectador, que tiene que construir por sí mismo el fondo de la historia que se le presenta, y que por lo tanto ha de adoptar una posición activa, participativa, a la hora de ver la película. Pero quien entre en el juego “disfrutará” con el sufrimiento de los Murphy.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine] Murder on the Orient Express (2017)

Cine

Murder on the Orient Express (2017; 482017-2811)

Hace una semana ya que fuimos a ver la nueva adaptación que Kenneth Branagh ha realizado de la que puede ser más famosa novela de Agatha Christie, y seguramente el más famoso de los casos del extravagante detective belga Hercule Poirot (siempre me he preguntado que sentirán los belgas ante este personaje, porque el hecho de que el detective fuese de esa nacionalidad siempre sonaba a una especie de broma). Sinceramente, aunque de jovencito leí bastantes de sus novelas, creo que es una de las escritoras más sobrevaloradas de la historia de la literatura. Me sobran la mayor parte de sus novelas, aunque hay algunas que sí que me parecen de una razonable calidad.

Yeni Cami (la mezquita nueva)

Estambul, el principio del viaje, parece un buen lugar para ilustrar esta entrada cinematográfica.

En cualquier caso, nuevamente tenemos el caso de resolución aparentemente imposible en el que un desagradable tipo americano es asesinado en un coche cama con destino a Calais de la Wagon Lits Cook en el famoso Simplon Orient Express, tren que atravesaba Europa entre Estambul y Calais, atravesando los Alpes por el paso del Simplon. Y de ahí su nombre… viajaba a oriente por el Simplon. El detective protagonista, Poirot, está interpretado por el propio Branagh. El resto del reparto, de relumbrón aparente, lo podéis ver en la página de IMDb. Es muy largo para reproducir aquí los personajes y quienes los encarnan.

Venía acompañada de buenas valoraciones la película… que no acabo de entender. Más allá de una producción con cierta espectacularidad, que apenas justifica la naturaleza de la historia, lo cierto es que no me parece que la adaptación, aunque bastante fiel a la novela, tenga una especial emoción. La película tira de fantasía, y el tren más que atravesar los Balcanes parece que serpentee por las Montañas Rocosas, con grandes puentes de vigas de madera incluidos. Da comienzo además con una escena de acción que tampoco se corresponde con el carácter habitual de las historias de Christie, y que no aporta nada a la historia. Más allá de la costumbre de presentar las películas de acción con una secuencia más o menos espectacular. Pero el caso es que no íbamos a presenciar una película de acción, sino a ver cómo se conseguía dar un poco de salsa a las típicas whodunit de la escritora británica. Poca salsa y salero.

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En cuanto al reparto… Branagh está sobreactuado, riesgo que corre con frecuencia. Del resto, se salvan poco. Michelle Pfeiffer se salva en algunas escenas. Judi Dench y Olivia Colman forman una pareja que merecía mejor tratamiento, especialmente por la calidad de ambas actrices. Otra británica, la galáctica Daisy Ridley, presenta buenas maneras. Y además tiene un papel al que se le podría haber sacado más jugo, a poco que se hubiera atrevido a saltarse un poco la fidelidad a la obra original. Los demás, pasables. Penélope Cruz, mal. Y algunas cosas que chirrían. Lo políticamente correcto llega hasta un punto en que al serio y enamorado Dr. Arbuthnot lo interpreta una actor de color, Leslie Odom Jr., para lo cual han de inventarse un trasfondo que no estaba en el original. Qué queréis que os diga. Hubo un tiempo en que Branagh era capaz de llevar en el reparto a un actor afroamericano interpretando a un rey napolitano de la casa de Aragón, y no daba ninguna explicación, ni importaba, ni pasaba nada. Simplemente ponía a un buen intérprete, sólido y con tirón, y le importaba un rábano todo lo demás. Eso era auténtica integración y no cuando se nota tanto que lo hace para quedar bien.

Me ha resultado decepcionante, sin ser ninguna catástrofe ni nada de eso. Prescindible.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **

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[Cine] Hikari [光] (2017)

Cine

Hikari [光] (2017; 472017-2211)

Estamos ante la tercera película que veo en poco tiempo de la directora japonesa Naomi Kawase, que a través de su éxito en los festivales de cien ha ido encontrando su camino a la distribución de sus películas en occidente. De hecho, esta película es coproducción con una productora francesa, lo que aún garantiza más su exhibición en Europa. Nuevamente entramos en la intimidad de la vida de personas que viven en relativa soledad y con profundos conflictos internos, y que encuentran refugio en su relación con otras gentes con conflictos similares. Pero en esta ocasión, uno de los protagonistas encarna a un fotógrafo, por lo que la encontraréis en mi lista de películas sobre La fotografía en el cine.

Torre de Tokio

Me chiva IMDb que la película está rodada en Nara y alrededores, Osaka y Kioto. Nos iremos a esta última, antigua capital del Imperio del Sol Naciente, pero siempre con imágenes con la luz como protagonista de una u otra forma.

Misako (Ayame Misaki) es una joven escritora que trabaja escribiendo audiodescripciones de películas para su proyección ante un público ciego o con una grave discapacidad visual. En el grupo de colaboradores en el que se discute su trabajo se encuentra Nakamori (Masatoshi Nagase), un fotógrafo que todavía no ha perdido totalmente la visión aún, pero siente que esa situación va a llegar pronto. Ambos sufren sensaciones de pérdida. Nakamori, la que podemos imaginar por su discapacidad. Misako tiene a su madre en un pueblo de las montañas, con una demencia, sostenida por la red de apoyo social de la sociedad rural, pero con la necesidad de buscar una solución definitiva para la enferma. Y añora la ausencia del padre; mucho. Ambas personas chocarán. Pero también encontrarán un posible camino para paliar sus respectivos sufrimientos.

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Kawase es una directora muy personal, muy intimista, que bucea mucho en la interioridad de los personajes, que puede extasiarse filmando unas ramas de los árbales movidas por el viento, el romper de las olas en una playa solitaria, o en una puesta de sol. A veces desconcierta al espectador que está acostumbrado a la acción, que espera con ansiedad unos acontecimientos que no llegan. Pero es bastante hábil para trasnmitirnos la sensación de soledad, y hasta desamparo, de los protagonistas de sus películas. En esta ocasión cuenta con el buen trabajo de los protagonistas. Aunque con algún pero. La chica parece demasiado joven para determinadas reacciones hacia el veterano fotógrafo, que son un poco difíciles de “comprar” por parte del espectador.

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Por otro lado, este tiene que estar especialmente atento a las resonancias que los temas y las situaciones tienen en las distintas capas de la película. Las historias de los dos protagonistas, pero también la de la película, ficticia, sobre la que están trabajando. A mí me ha merecido la pena.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

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[Libro] La poética de lo cotidiano

Cine, Literatura, Sin categorizar

Durante más de dos semanas estuve batallando con un libro de ciencia ficción, que teóricamente era una lectura fácil que recibía los parabienes de una cierta cantidad de aficionados al género. Acabe abandonándolo. Siempre me he considerado un buen aficionado, que no fanático, de la literatura de ciencia ficción y anticipación. Pero últimamente me siento totalmente extrañado con respecto a los “aficionados” más activos del género. Me da igual. Nunca me he sentido cómodo con los sentimientos de pertenencia.

Estación de Kitakamakura

La primera película de la “trilogía de Noriko” que he empezado a ver estos días transcurre en Kamakura. Y desde la estación de Kitakamakura (Kamakura norte) hasta el santuario de Tsurugaoko Hachiman-gū, realizaremos un paseo por esta ciudad. Donde también está enterrado Yasujirō Ozu, en el templo de Engaku-ji, donde está tomada alguna de las fotos de hoy.

Colgado el dichoso librito, me paseo el sábado pasado por una librería y me encuentro con una recopilación de ensayos y artículos periodísticos escritos por el director de cine nipón Yasujirō Ozu, bajo un título rimbonbante si no un tanto pedante. Me lo llevo a casa, y lo devoro en unos días. Realmente debo estar volviéndome muy raro.

Antes de leer este libro de Ozu había visto algunas de sus películas, aunque no recientemente, y de la única que guardaba hasta hace dos días un recuerdo nítido es de Tōkyō Monogatari [東京物語], Cuentos de Tokio, una fenomenal historia de carácter familiar que te lleva con facilidad de la ira a la ternura, y de la tristeza a la esperanza. Y en la que sobresalen los dos actores más importantes que trabajaron con Ozu, Chishu Ryu y Setsuko Hara. El veterano actor sólo le llevaba 16 años de edad a la delicada actriz japonesa, pero cuando actuaban juntos lo hacía como si perteneciesen a dos generaciones distintas y ampliamente separados en el tiempo. Desvarío. Al libro.

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He leído con cierta frecuencia en el pasado a personas del mundo del cine. Sin querer ser exhaustivo me vienen a la memoria libros de Scorsese, Billy Wilder, Hitchcock, Truffaut,… Groucho Marx si queremos considerarlo como tal, aunque fue un artista y pensador que trascendía al cine… Y lo volveré a hacer en el futuro. Curiosamente, a veces me gustan más escribiendo que filmando. Es el caso de Scorsese. Nunca negaré que me parece uno de los mejores cineastas,… pero con frecuencia sus películas no me llegan. Sin embargo, he disfrutado enormemente con alguno de sus libros. Mucho.

Con Ozu puedo confesar que me parecen muy complementarios sus escritos a su forma de entender el cine y rodar. Me gusta Ozu, desde muchos puntos de vista. Independientemente de las tesis de sus películas, que son hijas de una época, y que pueden o no estar vigente en la actualidad. Pero una obra de arte, y las películas de Ozu lo son, lo es en virtud de su coordinadas de lugar y tiempo. Y además, como confiesa en alguno de los textos de este libro, es de los que piensan que menos es más. Que la obra de arte, una vez concebida, hay que hacer un esfuerzo continuado y enérgico para despojarla de todo lo superfluo, de modo que sus valores estéticos y conceptuales queden reducidos a lo esencial. Prefiero este planteamiento, al abigarramiento de algunas obras de arte que tienen una cierta agresividad o prepotencia, que se realizan añadiendo elementos ad nauseam sobre la idea inicial. Quizá no me llevo bien por eso con mucho del cine de entretenimiento actual.

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Totalmente recomendable este libro para cualquier aficionado al cine. Lo disfrutará, y aprenderá. A mí me ha motivado también a revisar la filmografía de Ozu. Y quiero revisar al menos una parte en los próximos días o semanas. Me he planteado ver, o volver a ver, las tres películas de la denominada trilogía de Noriko, tres película importantes en la filmografía de Ozu, en las que la actriz Setsuko Hara interpretaba a tres mujeres diferentes de nombre Noriko. Ya he visto la primera… cuando vea las tres os lo cuento.

Tsurugaoka Hachimangu - Kamakura

 

[Cine] The Bookshop (2017)

Cine

The Bookshop (2017; 462017-1611)

Llegó hace un par de semanas casi a la gran pantalla la última película de la directora española Isabel Coixet, que nuevamente ha optado por rodar en inglés, con un equipo técnico y artístico predominantemente británico. Y en esta ocasión se ha rodeado de un reparto de lujo para rodar esta adaptación de la novela del mismo título de la inglesa Penelope Fitzgerald. En la cartelera española se encuentra más frecuentemente en su versión doblada al castellano bajo el título literalmente traducido de La librería.

Carlos Carreter

Margate, población inglesa que también mira hacia el mar del Norte, me servirá para ilustrar la ficticia Hardborough… “Pueblo Duro” traducido del idioma de Shakespeare al de Cervantes…

Florence Green (Emily Mortimer) es una viuda de guerra inglesa que a finales de los años 50 se instala en una pequeña población costera a orillas del mar del Norte para montar y llevar una librería, en la que no dudará en poner a la venta algunos de los títulos más osados y novedosos del momento. Pero se ganará la animadversión de la cacique del lugar, la todo poderosa Violet Gamart (Patricia Clarkson), que quería convertir el local donde se abre la librería un indeterminado “centro de arte”. Con una niña, Christine (Honor Kneafsey) y un aristócrata ya mayor y retirado del mundo, Edmund Brundish (Bill Nighy), como improbables aliados, tendrá que luchar contra los embates de la prepotente señora del lugar.

Me llama la atención que Coixet haya sentido la necesidad de buscar en la ficción literaria británica para hablar del caciquismo prepotente y arbitrario, de la ignorancia y el despreción hacia la cultura, y del conservadurismo ciego y necio de las sociedades rurales. Como si no hubiese ejemplos por toneladas en su Cataluña natal y en general en toda España; como si no apreciásemos constantemente sus efectos en nuestra sociedad y en las noticias cotidianas. Indudablemente, a la hora buscar las oportunidades comerciales internacionales, ha despreciado de hablar más directamente y sin ambages a sus compatriotas. Por lo demás, Coixet demuestra una vez que es una directora con mucho oficio, muy preocupada por la belleza formal del producto, pero que resulta fría en el planteamiento. Ha perdido la frescura de alguna sus primeras producciones, formalmente más “cutres” (no lo eran, ni mucho menos), pero emocionalmente mucho más cálidas y cercanas.

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Afortunadamente, el reparto es un acierto rotundo. El trío de adultos protagonista son capaces de elevar cualquier producción a un nuevo nivel. La solidez británica de Mortimer y Nighy, este último lo mismo sirve para una comedia alocada que para un drama clásico sin despeinarse, más la expresiva sobriedad de la norteamericana Clarkson, una actriz que cada vez me sorprende más, cómo es capaz de desprender tanta maldad con tas pocas palabras, sitúan a este drama entre las películas indudablemente recomendables de la cartelera española actual. Aunque no sea más que por ver a esta gente trabajar, id a verla.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: *****
  • Valoración subjetiva: ***

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