TV – Reyes coreanos de ayer y ¿de hoy?

Televisión

Fotografías realizadas en los palacios reales de Seúl. Disponible también en Substack.

Lo que solemos llamar por estos lares Corea del Sur tiene como nombre oficial en las lenguas occidentales las diversas variantes idiomáticas de República de Corea. Es decir, nada de reyes. De hecho, a pesar de su tamaño contenido, el nombre oficial del país en coreano es Daehanminguk 대한민국, la Gran República Han. Creo que han se referiría al pueblo coreano. En cualquier caso, grande. Pero el país tiene una largo pasado monárquico, como es habitual en todo el mundo. Su último soberano, un títere de los japoneses, duró hasta 1910. Y en los tiempos monárquicos, como pasaba en China, el nombre del país es el la dinastía reinante. Corea viene de la dinastía Goryeo (918-1392); téngase en cuanta que los sonidos g y k se confunden en su lengua. Y la última dinastía realmente independiente fue la Joseon o Choson (1392 – 1897); la Corea del Norte se llama, abreviadamente, Choson todavía.

Pues bien, a pesar de su actualidad republicana, son frecuentísimas las series históricas basadas en las intrigas palaciegas de tiempos pasados. De forma totalmente ficticia, o inspiradas por personas históricas reales, aunque con la historia ampliamente deformada según quien decidan los guionistas que es el bueno o el malo de la historia. Y de vez en cuando tenemos series que nos muestran ucronías en las que, en la actualidad, Corea sigue siendo una monarquía. Vamos con un par de cada una de ellas.

Donggung [동궁, El príncipe heredero], titulada en castellano/inglés El palacio del este/The east palace, nos lleva a un pasado indefinido de la Dinastía Joseon. Una historia fantástica con seres preternaturales, espíritus de fallecidos con cuentas pendientes, y que residen en un mundo espejo del natural, y que de vez en cuando interfieren con los humanos, especialmente si guardan rencores. Una princesa real caída en desgracia (Roh Yoon-seo) y un hombre capaz de viajar entre los dos mundos (Nam Joo-hyuk) tendrán que luchar contra el espíritu que quiere acabar con la familia real. Sinceramente, está muy bien hecha y sus intérpretes parecen moverse más en el ámbito cinematográfico que en el televisivo. Pero… a mí lo de los fantasmas y esas cosas, salvo en el ámbito de la comedia, no me van demasiado. Pero reconozco cierta calidad.

Calidad que es más difícil encontrar en 21segi daegunbuin [21세기 대군부인, La esposa del Gran Príncipe del siglo XXI], titulada en castellano/inglés La corona perfecta/Perfect crown. A ver… glamour no le falta. Como protagonista, Lee Ji-eun, tambien conocida como IU (ai-iu) en su faceta principal como cantante. Mujer guapa como pocas. Y perfecta empresaria de sí misma, que ha sabido triunfar y forrarse siendo querida por todo el público. Yo le he visto cosas interesantes en televisión y cine, pero en esta serie, básicamente, lo que hace es ser simpática, guapa, y pasar modelos de vestuario distintos uno detrás de otro. Hace de una empresaria que aspira a heredar un conglomerado empresarial, para lo cual decide que tiene que casarse con el Gran Príncipe (Byeon Woo-seok), hermano del difunto rey, y regente durante la minoría de su sobrino. Y a partir de ahí, romance entre protagonistas guapos, e intrigas palaciegas que resultan un tanto ridículas. Para el siglo XXI, por lo menos. E incluso para el XX. Puede que también para el XIX. La antagonista, pero no la mala, la reina madre, interpretada por una actriz (Gong Seung-yeon) que merece mejores papeles que este. A la que le he visto mejores cosas.

Cine – Majo no Takkyūbin [魔女の宅急便] (Kiki’s Delivery Service) (1989)

Cine

Fotografías realizadas en Estocolmo. Que en Visby no he estado. Aunque ya me gustaría. Y eso que en pocas semanas volveré a tierras suecas, aunque sea un poquito. Entrada disponible también en Substack.

Majo no Takkyūbin [魔女の宅急便] (Kiki’s Delivery Service) (1989; 31/20260726)

Le ha tocado el turno a Kiki, la joven brujita de 13 años que, siguiendo la tradición familiar, al llegar a esa edad abandona el hogar para, durante un año, en una ciudad donde no se halle ninguna otra bruja, aprenda a valerse por sí misma. Esta es la historia que Hayao Miyazaki, hace más de 35 años trasladó al cine, adaptándola de la novela familiar del mismo título que unos años antes había publicado la escritora japonesa Eiko Kadono.

Cuando digo que le ha tocado el turno quiero decir que es el momento en que se reestrene en salas de cine en una versión remasterizada en 4K. Lo de que sea en 4K o lo que sea me trae un poco sin cuidado. Creo que sobre eso, me hubiera apetecido todavía más una proyección con una copia bien conservada de celuloide. Pero en cualquier caso, nunca habíamos tenido la ocasión de ver la película en pantalla grande. Y aunque yo la he visto varias veces en la pantalla del televisor,… nunca es lo mismo.

Miyazaki no había realizado todavía sus películas más destacadas… salvo que ya nos había presentado a Nausicaä y a Totoro. Y había recreado alguno de los mundos que visitó Gulliver en sus viajes. Sin contar los múltiples trabajos en series de animación para televisión. Era un buen director de animación, reconocido, quizá todavía no una leyenda. Pero siguió con su tendencia de buscar heroínas para sus películas que fuesen jóvenes esforzadas, a las que ningún príncipe viniera a salvar, ni falta que hacía, eso son tontadas de Disney, pero que fuesen capaces salir adelante con la ayuda y la solidaridad de sus amigos y vecinos. Ese el mensaje de la película.

Kiki… me niego al eufemístico Nicky de la versión traducida al castellano… ha sido de siempre uno de los personajes más queridos de Miyazaki. No tan espectacular en su fantasía como Mononoke Hime o Chihiro, pero elegante en ese traslado de la acción a una idealizada Europa de una época indefinida entre los años 50 y 70 del siglo XX. En una ciudad que siempre me pareció una versión alternativa de Trieste, pero que recientemente supe que está más inspirada en la sueca Visby que en la ciudad italiana de fuerte influencia austriaca. Y hay motivos para sentir afecto por el personaje y la historia.

Una de las películas más dirigida a la chiquillería, a un público un poquito más joven que otras, me lo parece a mí, pero que complace a espectadores de cualquier edad que quiera vivir la magia de la imaginación y de las historias bien contadas. Así… que ya sabéis. A por ella, si tenéis la ocasión. Y a ver cuál es la siguiente,… que no hace tanto que pudimos visitar en una situación similar al reino flotante de Laputa.

Valoración:

Dirección: *****

Interpretación: ****

Valoración subjetiva: *****

Libro – Biografía de X, Catherine Lacey

Literatura

Fotografías realizadas en Nueva York, donde reside la protagonista de la novela. También disponible esta entrada en Substack.

Alguien me recomendó el libro cuando se publicó en español. Alguien que sabía que me gustan las ucronías. Especialmente aquellas que afectan a la historia del siglo XX. Alguien que sabía de lo mucho que disfruté con The man in the high castle, tanto en su versión literaria como en la estupenda serie de televisión. Aquella serie que junto con otra nos hizo pensar que Amazon Prime Video se iba a convertir en una fuente de alegrías televisivas,… que no se ha cumplido en absoluto. Aunque en esta ocasión no clasifique como ciencia ficción. Tampoco que aquella debiera clasificar como ciencia ficción, aunque muchas veces así se hace.

En esta ocasión nos encontramos con una mujer, que fue periodista, que ha quedado viuda de una famosa artista multidisciplinar de pasado muy desconocido, muy controvertida, y sobre la que se ha publicado una biografía que le parece aberrante. Totalmente desnortada. Y esto la lleva a una búsqueda de los orígenes y la vida de su esposa que, también fue en gran medida una desconocida para ella. Una búsqueda que comenzará en los estados del sur de lo que fue Estados Unidos. Porque en este universo, los estados del sur se independizaron de los del norte al final de la Segunda Guerra Mundial, creando un estado que recuerda mucho a alguna de las peores distopías sobre las que se han escrito.

Lacey utiliza la ucronía para hablar de los problemas de la sociedad norteamericana actual. La desviación de la historia sobre la de nuestro universo comienza con el acceso al poder de Franklyn D. Roosevelt, que es acompañado por una jefa de gabinete que lanza un programa de gobierno no simplemente liberal sino abiertamente socialdemócrata, con reconocimiento de derechos para todos los ciudadanos, incluido, por ejemplo, el matrimonio no heterosexual. Entre otras muchas cosas. Y reflexiona sobre las distintas Norteaméricas. El noreste liberal y progresista, pero que con el tiempo puede sufrir desgastes e incluso involuciones, el libetarianismo de los estados del centro y del oeste, y el ultraconservadurismo religioso del sur profundo.

Y el hilo conductor es esa mujer desconocida, de mil nombres, de mil caras, que muestra las distintas formas de ser mujer, en un mundo donde ser mujer viene condicionado por convenciones que, a priori distintas, no lo son tanto comparadas con el nuestro. Lacey hace una propuesta ingeniosa e interesante, que tiene su parte de performance literaria. Porque la ficticia biografía de la mujer sin nombre está llena de interacciones con personajes reales del mundo de la cultura, el arte y la política. Y de acontecimientos que se modifican o cambian de significado por la presencia de la protagonista o por la propia ucronía en que se sitúan. Es un libro que para mí fue de menos a más, aunque al final parece que a la autora le cueste decidir cómo terminar. Y qué hacer después. Pero globalmente un libro muy interesante que se puede, sin duda, recomendar.

Fotos – Después de un año, volviendo a Alagón (en color)

Fotografía

Fotos realizadas con Fujifilm GS645S Wide 60 y película Kodak Portra 800. Las características técnicas de las fotografías las podéis encontrar en Carlos en Plata, como de costumbre.

Ya lo comentaba hace una semana, después de casi un año, con los mismos colegas, aficionados a la fotografía, madrugamos para ir a hacer algunas fotografías en el entorno de la estación de ferrocarril y la antigua azucarera de Alagón.

Como no tenía que prestar atención a los colegas, y puede prestar atención a mis cosas, la verdad es que me líe un poco y me llevé demasiadas cámaras. Ya puse algo en instantánea, y en blanco y negro. Así que ya os puedo presentar las de color.

Como ya comenté, esta es una de las “estaciones” del periplo veraniego. En las próximas semanas vendrán otras series realizadas en esta o en otras estaciones ferroviarias de la línea ferroviaria entre Zaragoza y Castejón de Navarra. E incluso más allá. Ya iremos viendo.

TV – El pastiche a propósito de un episodio de Star Trek

Televisión

San Francisco es la sede de la flota de la Federación Unida de Planetas, y alrededor del lugar no es extraño ver dinosaurios (aviares) volando, como en el Cretácico. También disponible en versión Substack.

Dice la Wikipedia en español que el pastiche es “una técnica utilizada en literatura y otras artes que consiste en imitar (o plagiar) abiertamente diversos elementos, textos o estilos de uno o varios autores, así como combinarlos de forma tal que den la impresión de ser una creación independiente. A diferencia de la parodia, el pastiche rinde homenaje a la obra que imita, en vez de ridiculizarla.” Esta definición es parcialmente similar a la del diccionario de la Real Academia Española, pero menos peyorativa que la de los ilustres que “fijan, limpian y dan esplendor”.

Sí. Yo también considero que el pastiche puede acabar siendo para bien. Aunque la mayor parte de las veces sea para mal. Hay mucha gente haciendo pastiches. Más de lo que los espectadores imaginan. Pero la falta de cultura en las artes y las letras les impide ver que lo que están viendo no es una obra original, sino una mezcla de elementos cogidos de otras obras, una mezcla a veces más afortunada y otras menos.

Y si hay un género donde el pastiche es especialmente frecuente es en la ciencia ficción, y especialmente en las aventuras espaciales o en las aventuras con robots o androides. Todo el mundo extrae elementos de Kubrick, de Star Wars, de las diversas obras de la época gloriosa de Ridley Scott, con alienígenas o con replicantes,… de muchos clásicos. Y no. No he mencionado a Star Trek. Porque Star Trek es una franquicia especialmente aficionada a crear pastiches. Alguna vez, para bien. Hay que reconocer que sus elementos más originales proceden de su serie original. Y que tienen mezclas que combinan el candor con ciertos toques de cutredad. Que en su momento no era tal cutredad, pero con posterioridad,… espero que no se me enfade mucha gente,… sí.

Y este sábado estaba yo en lo de pasar un rato viendo la tele, cuando me surge la oportunidad de ver el primer episodio de la cuarta temporada de la serie Star Trek: Strange New Worlds. No suelo aguantar mucho con las series de esta franquicia, pero oye… que ya llevo tres temporadas (y un episodio) vistas. Dice un amigo mío que es porque la enfermera Chapel (Jess Bush) es muy mona. No le falta su parte de razón. Pero algún motivo más habrá. Que si no me entretuviese no la vería. Y mira oye… no la incluyo entre los guilty pleasures. Y el caso es que,… pues eso,… un pastiche.

Y a partir de ahora… ¡¡¡AVISO!!! ¡¡¡ESPOILERS!!!

El episodio se titula Valles Marineris. Si. Como un famoso accidente geográfico del planeta Marte. Un impresionante sistema de cañones grabado en la superficie del planeta rojo de 4500 km de longitud, 200 km de anchura y 11 km de profundidad máxima. Y en este episodio, a través de una misteriosa anomalía con profusa utilización de los adjetivos “cuántico” y “cuántica”, viaja al pasado. Exactamente a 65 millones de años en el pasado. A un sistema con un planeta sospechosamente similar a la Tierra con dinosaurios, y otro muy similar a Marte, pero con agua. Y con una civilización humanoide (aunque los simios no han tenido tiempo ni ocasión de evolucionar), muy parecida físicamente a los humanos, salvo que pueden atravesar las paredes por… cosas “cuánticas”. No me digáis que no habéis conocido nunca una ficción televisiva, cinematográfica o literaria en la que alguien viaje al pasado justo poco antes de que caiga el meteorito en el Yucatán.

Y mira tú que hay una guerra que involucra a un “quinto” planeta entre las órbitas del Marte oceánico y el Júpiter de toda la vida. Existe una saga literaria que comienza con un planeta similar en el que sus habitantes se lían a tiros constantemente y acaban destruyendo el planeta, escrita por James P. Hogan, y que tuve ocasión de leer hace un tiempo. Claro que en lugar de estar habitado por primates inteligentes, resulta que en esta ocasión está habitado por insectoides fríos e irracionales que atacan Marte lanzando asteroides. ¿Alguien se acuerda de la obra más famosa de Robert A. Heinlein?

La rematadera viene cuando cierto tripulante de la Enterprise de muy larga vida recuerda haber visto una anomalía espacial similar a la que los transporta al pasado cuando viajaba en una ¡¡¡cabina de teléfonos!!! Ya no solamente estamos ante un pastiche, sino ante un caso de universos cruzados con otra famosa serie de ciencia ficción. Estupendo. Fantástico. El pastiche por excelencia y elevado a su máxima expresión. Aun podríamos encontrar más referencias, pero ya está bien. Y que conste que, este episodio, me divirtió mucho. Muy entretenido. Seguiré atento al resto de la temporada. Y por cierto, Chapel sale casi nada. Y hay una vulcaniana nueva. Que confirma algo. Al contrario que lo que sucede con la enfermera Chapel, esta serie se especializa en sacar feas a mujeres muy guapas. Así que será por otra cosa por la que la veo.

Cine – Hablemos de Homero y Nolan; The Odyssey (2026)

Cine

Fotografías realizadas en Agrigento, colonia griega en Sicilia (Italia). También disponible en versión Substack.

The Odyssey (2026; 30/20260718)

En estos momentos, que Christopher Nolan estrene película tiene carácter de acontecimiento. Mundial. No faltan quienes aseguran que es el mejor director de cine contemporáneo. No me gusta esa categorización. Pero sí me atrevería a decir que es el más inspirado, o uno de los más inspirados. Si repaso su filmografía, hay muchas de sus películas que están entre mis preferidas de las últimas décadas. Aunque también hay algunas que no me dicen gran cosa. Como esta. O esta, esa, y aquella, que ya por su tema,… No digo que no estén bien hechas. Simplemente que también es capaz de hacer cosas que no me interesan nada o poco. Del resto, lo he visto casi todo, y me gusta. Realmente me gusta. Incluso Tenet, que me parece incomprendida por muchos, aunque en general guste.

Nolan coge y decide que toca adaptar a Homero. En concreto, las peripecias de Ulises, el más astuto de los aqueos que pusieron sitio a Troya. Lo cual me parece muy bien. LaOdisea me parece, desde varios puntos de vista, más interesante que la Iliada. Que conste que no la he leído. Hasta ahora no me he atrevido, aunque tengo una copia. Y me han pasado la de Stephen Fry. Que no es una traducción de la de Homero. Es contar la misma historia desde el punto de vista del bueno de Fry. Eso sólo ya me parece interesante. Pero bueno, todo lo que conozco de historia de Ulises me parece muy interesante.

En los últimos tiempos he percibido mucho interés por este mito. Véase la interesante “adaptación” de los Coen a los tiempos de la Gran Depresión. También cine, no hace mucho que veíamos una más que interesante visión del regreso a Ítaca del héroe. O cómo Margaret Atwood ponía el punto de vista en Penélope. Lo grande de las obras atribuidas al aeda o aedas que denominamos Homero es que son universales. Da igual la peripecia; lo importante son los temas. Especialmente en la Odisea. Ya he dicho que es la que más me interesa.

Y Nolan deja muy claro porqué le interesa a él. Porque habla de cosas que son plenamente actuales. De la guerra. De los motivos para la guerra. Del impacto en quienes van a la guerra y tienen que volver a un hogar donde quizá ya no tengan sitio. Y del sufrimiento que supone volver de la guerra. Y de como niños, mujeres y ancianos, especialmente las mujeres que son las que cuidan tradicionalmente a los dos grupos, son las que pagan el pato muchas veces de las aventuras guerreras de los hombres. Pero aquí, Nolan se centra en Ulises (Matt Damon), dando un digno papel a Penélope (Anne Hathaway) y Telémaco (Tom Holland). Y como será el tema que los sectores políticos y económicos más conservadores, los que más se benefician de las guerras, se lo olían hasta el punto de iniciar una campaña previa en contra de la película nada más ver el avance.

La bella Helena (Lupita Nyong’o) y su hermana gemela Clitemnestra, negras como un tizón. Atenea (Zendaya), menos negra, pero también. Circe (Samantha Morton), una hechicera de la mediana edad que vive en una cabaña en el campo. Y el glorioso saqueo de Troya, el culmen victorioso de la grandiosidad de la guerra, relegado a una añagaza cruel de un ejército resentido que se pasa por el forro de la entretela lo más sagrado de las costumbres de la civilizada Grecia, la cuna de la civilización. O habría que decir de la civilizada Micenas, prototipo de la posterior Grecia clásica, Roma y otros imperios que en el mundo han sido. Civilizada, pero de una civilización que se derrumbó. Como se derrumbó Roma. Como se puede derrumbar la civilización global actual víctima de los movimientos migratorios, las crisis climáticas, el agotamiento de las materias primas o la disrupción de las vías de comunicación. Lean cosas sobre la crisis de la civilización de la Edad de Bronce o sobre la decadencia del Imperio Romano y quizá tengan una visión un poco más pesimista del mundo actual.

Y luego están los especialistas en lengua, literatura y cultura clásicas, encontrando todo tipo de anacronismos en la historia de Nolan. Vamos a ver, señores sabios de las culturas clásicas. Seguro que saben que cuando un ateniense de tiempo de Aristóteles escuchaba la Odisea en su cabeza no tenía la visión de cómo era el mundo en los últimos siglos de la Edad de Bronce. Pero si ni siquiera sabía qué era la Edad de Bronce. Que la cosa había pasado ocho siglos antes o más. En la misma escala de tiempo que pasó desde la caída oficial de Roma, el Imperio Romano de Occidente, y la caída de Constantinopla, el Imperio Romano de Oriente. Los constantinopolitanos se veían a sí mismo como romanos. ¿Creen que se parecían en algo a los romanos de siglos atrás? Pues eso. Que la Odisea es un mito. Y aparecen dioses, y monstruos, y ninfas, y los perros viven más de veinte años, y las ciudades de 10000 habitantes como sería la Troya histórica parecen que tienen el tamaño de Nueva York, pero con muros de piedra. Es un mito. Nada hay inválido, porque podemos imaginar los mitos como nos pase por allí.

A partir de ahí, y resumiendo, habiendo visto la película en una sala Imax, aunque sea con proyección digital, pero con el formato 1.43:1, grande, la película es un espectáculo de primera magnitud que merece desde ya un puesto de honor en la historia del cine. Lo que antes se llamaba un “peliculón”. Y, es cierto que las estrellas de hoy en día no tienen el glamour de las de antaño, cuando imperaba el star system, pero que está muy bien ver una colección de estrellas funcionando bien y haciendo su papelón o su papelito. Que uno se reconcilia con el cine. Que el séptimo arte, últimamente, nos da una de cal y otra de arena. Que afortunadamente no es una de superhéroes con cascos, escudos, minifaldas y sandalias. Que algo más. Que es mucho más. Ójarla viniera más como esta.

Valoración:

Dirección: *****

Interpretación: ****

Valoración subjetiva: *****

[(mini)Viaje] Primeras horas de la mañana en Olite

Viajes

Fotografías realizadas con Fujifilm GFX 50R y Fujinon GF 80 mm. Entrada publicada también en Substack.

Ahora os cuento lo de esta mañana. Aunque esto va de fotos, no voy a redactar entrada en Carlos en Plata, porque lo que pueda contar ya está dicho en lo que se refiere a la combinación de cámara y objetivo, que se ha vuelto muy popular en mi bolsa de paseo fotográfico en los últimos tiempos. Sería volver a decir lo mucho que me gusta la nitidez de la óptica y qué bien se lleva con los muchomegapíxeles de la cámara. Pues ya está. Dentro de unas semanas ya hablaré del rollo de película que he hecho también.

La cuestión es que he estado un ratito, a primera hora, en Olite. Como iréis viendo, a lo largo del verano hemos ido recorriendo la línea ferroviaria entre Zaragoza y Castejón. Madrugamos. Cogemos el tren a las seis de la mañana, hacemos algunas fotos en el entorno de la estación en la que bajamos (Alagón, Gallur, Luceni,…), y nos volvemos en uno de los dos trenes que nos permiten estar de vuelta en Zaragoza entre las 11:00 de la mañana y las 12:00 del mediodía.

No hace falta estar más. Hace calor. La luz no está tan bien con el primeras horas entre las 6:30 y las 8:00. Y además luego no hay trenes utilizables hasta por la tarde. Y no es cuestión de estar zascandileando por ahí con el calor en los pueblos de la ribera alta del Ebro. Estamos activos cuando hace fresquito y la luz es mejor, y luego a casa. Bien.

Pero para hoy, los compañeros dijeron que podíamos llegar hasta Olite, que no lo conocían, hacer las fotos de primeras horas de la mañana. Después, hacer turismo visitando el palacio y esas cosas, y volver por la tarde. Pero a mí no me apetecía quedarme todo el día. Ya he visitado en un par de ocasiones el castillo y en mejores circunstancias. Pero he decidido mantener el plan de los otros días.

Así que como en sábados previos, hemos cogido el tren a las seis de la mañana. Claro que, aunque hemos visto la salida del sol cuando llegábamos a Tudela desde el tren, a lo que hemos llegado a Olite eran cerca de las 8:00 de la mañana. Pensaba que se habría pasado lo mejor de la luz de la mañana. Pero no ha sido así. Me pregunto si los incendios en las Cinco Villas (o en algún otro lugar que desconozco) ha dejado polvo o algo en la atmósfera, pero la luz suave y cálida de la llamada hora dorada ha durado bastante más que de costumbre para la época del año. Mejor. Además. La temperatura era fresquita en el sentido de muy agradable.

Olite no tiene mucho misterio. Es una población muy agradable de visitar, presidida por el palacio real con alguna iglesia interesante como Santa María la Real. Y un casco histórico entretenido de visitar y fotografiar. Yo me he vuelto en el tren que venía desde Pamplona y llegaba a Olite poco antes de las 10:00 de la mañana, para llegar antes del mediodía a Zaragoza-Miraflores, a diez minutos de casa. Pues más o menos lo de los sábados anteriores, pero más lejos y más mono.

Cine – Propeller: One-way night coach (2026)

Cine

Fotografías realizadas en Toulouse, en Aeroscopia y Ailes Anciennes de Toulouse. También en versión Substack.

Propeller: One-way night coach (2026; 29/20260716)

No me voy a extender mucho en esta película. Un mediometraje de una hora de duración que supone el debut en la dirección de John Travolta, adaptando un libro infantil que él mismo escribió hace casi 30 años. Aunque lo presentó en Cannes fuera de competición, a ido directo a plataforma en línea, siendo Apple TV quien se quedó con los derechos.

A principios de los años 60, un niño de ocho años entusiasmado con los aviones, viaja con su madre desde Nueva York a Los Ángeles en un vuelo por etapas, principalmente en un Super Constelation, unos de los modelos de avión de pasajeros más populares con motor radial de hélice, antes de que se impusieran los reactores. En el largo viaje por etapas, el niño y su madre irán encontrando distintas personas con las que iniciaran amables relaciones hasta llegar a destino.

Es una película amable, pensada para un público familiar, en la que Travolta hecha el resto en el aspecto visual, fotografía, color y estilismo, pero se le olvida, o quizá carece de la capacidad, de que tiene que contar una historia que interese a la audiencia. Y la historia es anodina. Un ejercicio de nostalgia, que tampoco lleva a muchas partes. Una película estilo “Juan Palomo” en la que dirige, escribe el guion, basado en su novela, y en la que participan varios miembros de su familia. Mira. Si tienes Apple TV y lo ves, pues no pierdes muchos. Pero si no, tampoco te pierdes gran cosa. Decepcionante, en realidad. Esperaremos al comentario de la siguiente película, el peliculón del año. Creo.

Valoración:

Dirección: **

Interpretación: ***

Valoración subjetiva: **

Fotos – Después de un año, volviendo a Alagón

Fotografía

Fotos realizadas con Hasselblad 500CM y película Fujifilm Acros II. Las características técnicas de las fotografías las podéis encontrar en Carlos en Plata, como de costumbre.

Después de casi un año, con los mismos colegas, aficionados a la fotografía, madrugamos para ir a hacer algunas fotografías en el entorno de la estación de ferrocarril y la antigua azucarera de Alagón.

Si el año pasado tuve que estar muy pendiente de los colegas, porque querían aprender algunas técnicas en las que yo tengo cierta experiencia y, en aquel momento, ellos no, en esta ocasión ya funcionaban totalmente autónomos. Y yo puede prestar atención a mis cosas. Fotográficas. Ya puse algo en instantánea, hoy en blanco y negro, dentro de unos días en color.

Pero esta es una de las “estaciones” de este periplo veraniego. En las próximas semanas vendrán otras series realizadas en esta o en otras estaciones ferroviarias de la línea ferroviaria entre Zaragoza y Castejón de Navarra. Ya iremos viendo.

Libro – Mukudori, Aki Shimazaki

Literatura

Fotografías realizadas en Nagahama, a orillas del lago Biwa, con aves, en una tarde tristona y gris. Entrada también disponible en versión Substack.

Esta es la segunda novela corta del quinteto en desarrollo de la escritora nipocanadiense Aki Shimazaki. Recordemos que Shimazaki es una autora nacida en Japón, que se trasladó ya adulta a Canadá, donde se erradicó, y que ha desarrollado toda su carrera escribiendo en francés. Desarrolla sus historias en forma de novelas cortas agrupadas en quintetos, cada una de las cuales presenta una parte de la historia global que constituye el conjunto del quinteto. Y desde hace años, no me pierdo ninguna de estas novelas. He enlazado el nombre de la autora a su página en Wikipedia en francés, porque las de las versiones en inglés y en castellano están poco actualizadas. Especialmente esta última.

Su actual quinteto, o pentalogía, no sé cómo sería más adecuado, no ha recibido todavía un nombre genérico que yo sepa. Pero esta novela corta sigue a Ajisaï, que leí hace un año. Y si allí conocíamos los problemas del joven protagonista que veía su vida alterada por la quiebra de los grandes almacenes propiedad de la familia, en esta ocasión seguiremos a los padres de Shota, la madre Matsuko (léase Ma-tsu-ko y no Mat-su-ko) y el padre Atsushi (A-tsu-shi y no At-su-shi). Con lo que han salvado de la quiebra se han instalado en una casita a orillas del lago Biwa. Y van tirando. Pero al padre le diagnostican un cáncer que oculta a la familia. Mientras, Matsuko comienza a trabajar y conoce en la oficina de empleo a Matsuo, un hombre aficionado a la ornitología que se convertirá en buen amigo del matrimonio, dando sentido a los últimos meses en la vida de Atsushi.

Esta es una novela corta que ha crecido en mi recuerdo conforme han pasado las semanas. La leí nada más regresar del viaje a China, al poco de salir al mercado; un auténtico estreno. Pero mientras la vida del hijo me llenó de intriga, esta me dejó un poco menos interesado… temas demasiado próximos a mi vida laboral cotidiana. Pero sin embargo, en estos momentos en los que han pasado dos meses desde que la leí, mi recuerdo y mi valoración han mejorado. El enfoque de Shimazaki a la hora de abordar las relaciones familiares, de amistad o románticas es suave y elegante. Y también se pone de manifiesto en el tratamiento del duelo anticipado, que se encuentra presente en la novela, así como en la necesidad de seguir adelante frente a las adversidades. No obstante, creo que algunos de los temas son muy comunes a los del segundo libro, Semi,de la anterior pentalogía Une clochette sans battant.

Fotos – Película para negativos en color en una mañana de junio excesivamente cálida

Fotografía

Fotos realizadas con Hasselblad 500CM sobre Opticolor 200. El comentario técnico de las fotografías lo encontraréis en Carlos en Plata.

Ya lo comentaba hace unos días. En estos últimos años, el mes de junio es tan cálido o más como lo era en tiempo la canícula del verano, el tiempo que transcurría entre la segunda mitad del mes de julio y la primera del mes de agosto. Y parece que ya no es excepción que tal cosa suceda.

A pesar de ello, el pasado 13 de junio de 2026, AFZ Asociación de fotógrafos de Zaragoza, organizó una de sus habituales actividades mensuales; un beers & cameras, un paseo fotográfico que termina en tomándonos unas cervezas (o lo que cada cual prefiera), y comentando cuestiones de interés fotográfico. Esto os lo contaba también hace menos de una semana.

Y si hace unos días mostraba algunas de las fotos realizadas con película para negativos en blanco y negro, hoy os traigo las realizadas con película para negativos en color. Que en esta ocasión me gustan algo menos que las de blanco y negro. Las condiciones de luz del día influyen no poco. Aunque no están mal, ¿verdad?

Cine – The death of Robin Hood (2026)

Cine

Fotografías realizadas en Warwick y su castillo, Inglaterra. Tambien en versión Substack.

The death of Robin Hood (2026; 28/20260707)

Ya adelanto algo. De alguna forma, voy a la contra de la opinión de muchos en mi valoración de esta película. Creo que está muy bien realizada. Creo que tiene unas interpretaciones excelentes. Tanto por parte de su protagonista prinicipal, un envejecido Robin Hood interpretado por Hugh Jackman, como por su coprotagonista femenina, Jodie Comer, que aporta sutileza y elegancia a un personaje que llena la pantalla sin arredrarse ante la presencia de Jackman.

No es la primera vez que se revisa el mito de Robin Hood, trasladando la acción a la madurez, casi entrando en la vejez, del popular héroe inglés. Sean Connery y Audrey Hepburn nos ofrecieron hace 50 años una revisión otoñal de los populares personajes de Robin de Locksley y Maid Marian. Hay que advertir también que no existen versiones únicas o “verdaderas” de este personaje. Que si bien ciertas novelas del siglo XIX, así como las adaptaciones cinematográficas del siglo XX han hecho que determinadas versiones se hayan hecho más populares, no son las únicas. Es decir, lo único común al personaje es que fue un forajido, un fuera de la ley. De por vida o circunstancialmente, según las versiones. Y en el imaginario popular, se fue convirtiendo en un héroe, que lucha contra el poderoso y favorece al desfavorecido. Pero esto son leyendas y cuentos populares.

Si olvidamos al personaje heroico más popular en las últimas décadas, el noble sajón que protege al pueblo sajón de los malvados invasores normandos, siendo fiel a Ricardo I Corazón de León que… paradójicamente… fue uno de los invasores normandos, hijo de Guillermo el Conquistador y Leonor de Aquitania, el personaje sobre el que se pudieron basarse las leyendas pudo ser… cualquiera, o varios, o nadie en particular. Y con ello juega la película. Con un héroe en el imaginario popular, pero un ladrón y asesino cruel para sus víctimas y sus descendientes.

En el momento en que empieza la película dirigida por Michael Sarnoski, un 1247 muy posterior a la época de Ricardo I y Juan sin Tierra, tenemos dos versiones del personaje. El que vive en la memoria del pueblo, y el forajido que vive escondido en los páramos, siempre en peligro de ser asesinado por un agraviado. Cuando es requerido por su viejo amigo, Little John (Bill Skarsgård), que cambió su identidad y se estableció como granjero, cuando es atacado y su familia secuestrada. Tras una dura lucha, malherido, es llevado a una isla con un monasterio, donde una priora (Comer), gestiona una comunidad de sanación autosuficiente. Pero allí hay secretos que se guardan, y que quizá no deban ser revelados.

La película ha sido muy criticada por su violencia, dura y muy explícita. Y es así. Es brusca, potencialmente desagradable. Pero Sarnoski opta por no dejar a dudas de quién es su Robin Hood. El “real” frente al idealizado de las leyendas populares. Y eso permite establecer un marco de dura realidad que, en mi opinión, da mucho más sentido al camino de sanación que se establece en compañía de la joven priora. En esta segunda fase de la película, la que realmente es fundamental y reveladora, es donde contemplamos el procedo de profundizar en la psicología de los personajes y en la catarsis que estos sufren. Una segunda fase de la película donde los intérpretes se luce y la película se podría calificar como bella. Con el reparto a buen nivel, especialmente, como ya he sugerido, Jodie Comer.

No tengo prejuicios sobre el autor por no haber visto sus películas de superhéroes que no me interesan, con alguna de las cuales han comparado el personajes. Comparaciones que, en lo que sé, no tocan, por lo que son los personajes. Juzgo la película por lo que vi. Y me parece una reflexión muy interesante sobre las leyendas populares, el concepto de héroe y el imaginario colectivo. Quizá peque la película demasiado de cebarse en esa imagen de la edad media fría, brumosa, áspera… lo cual contrasta con la realidad de que fue una época de especial bonanza y tiempo templado en Europa. Pero esto son cuestiones secundarias. También me ha recordado a cierto libro que leí no hace tanto de Kazuo Ishiguro, en el que se le daba la vuelta al mito artúrico. También una subversión del héroe popular que también me hizo pensar. Así que la verdad es que disfruté al película, y su recuerdo no ha disminuido lo más mínimo con el tiempo.

Valoración:

Dirección: ****

Interpretación: ****

Valoración subjetiva: ****