[Recomendación fotográfica] Reivindicando Instagram

Fotografía

Instagram, como casi todas redes sociales, está sumida en la esquizofrenia colectiva. Un montón de gente lo odia; los “influencers”, las “it girls”, la borrachera de selfis, las tontas fotos de comida, la banalidad de la gran mayoría de las fotos que se exhiben, un huevo como foto con más “likes”, la censura debida a la mojigatería yanqui o vaya usted a saber qué razones, la publicidad,… y vaya usted a saber cuales otros motivos. Pero por supuesto tiene sopotocientos millones de usuarios…

Es la red social a la que emigraron los adolescentes y jóvenes cuando sus padres invadieron Facebook,… aunque probablemente a estas horas ya se están buscando otros sitio donde los dejen tranquilos. Pero bueno, todo es de la misma empresa. A mí me costó instalarme ahí, pero finalmente encontré una forma y modo.

Empecé subiendo mis fotos instantáneas, las hechas con las Polaroid o similares, en carlos.carreter.instant. Pero entré en crisis con este tipo de fotografías y no publico casi nada desde la primavera pasada. Donde empecé el proyecto que más me apetece, carlos_en_plata, dedicado en exclusiva a la fotografía analógica o fotoquímica, como prefiráis llamarlo. Recientemente, ante la decadencia de la plataforma de microblogging Tumblr, he pasado también a Instagram mi recorrido por mi fotografía de viajes, deviajeconcarlos. Cuyos contenidos también se rebotan al blog de Tumblr. Como también lo hacen las fotografías de las otras cuentas que tengan que ver con viajes. Y estoy cómodo.

Pero también he descubierto que es una buena plataforma para encontrar contenido interesantes en materia de fotografía. Donde se puede aprender de los mejores. Algo que antes lo hacía en Tumblr, pero que por la decadencia de dicha plataforma, cada vez es menos interesante. Voy a mostrar algunas de mis últimas incorporaciones a mi lista de seguido para poner algunos ejemplos. Partimos del hecho de que podemos seguir determinadas etiquetas… y a partir nos van saliendo propuestas de vez en cuando.

Me llamó la atención por ejemplo una fotógrafa de Okayama, Japón, Masako Nakagawa, que expone la vida cotidiana que le rodea de forma poco estridente, y estéticamente agradable. Tanto su familia…

Como su ciudad y su región…

Creo que es un ejemplo para documentar tu entorno, con estilo y elegancia, y sin las estridencias y autobombo habitual. Y luego, tiene su página personal, con su trabajo comercial y artístico/personal.

Nguan es un singapureño que hace fotografía de calle, pero que nada tiene que ver con la agresividad habitual que se ha puesto de moda en los últimos tiempos, y que tampoco necesita tirar de blanco y negro hipercontrastado. Colores suaves, casi pastel, para reflejar las realidades urbanas de las macrourbes asiáticas.

Con la cuenta de Katrin Koenning ya entramos en propuestas menos cotidianas y más artísticas. El lugar para profundizar será su página web, pero su cuenta en Instagram nos va mostrando como es su forma de mirar, como es su proceso de fotografiar, y de concebir las imágenes.

View this post on Instagram

From ‘Pott’ (excerpt on my www), 2017.

A post shared by Katrin Koenning (@k_koenning) on

La cuenta de Somewhere Magazine es una de esas cuentas que te permite ir descubriendo nuevos fotógrafos, o recordando otros que ya conocías pero que has dejado de tener presentes. Como por ejemplo, los paisajes nocturnos de Mark Weber, realizados sobre película tradicional,…

O la notable serie de Annie Wang, desde Taipéi, encadenando fotografías que reflejan el crecimiento y el envejecimiento de su hijo y de sí misma, desde la gestación en adelante.

Aunque esta fotógrafa la he descubierto en Instagram, pero no tiene cuenta en esa red social… que yo haya encontrado… Hay un montón de Annie Wang en la red, si te pones a buscar, pero ninguna parece ser ella.

Terminaré con la cuenta de David Campany, que no es fotógrafo, aunque algo debe de hacer porque se define artista, pero sobre todo es escritor y profesor de la Universidad de Westminster en Londres, que se dedica a seleccionar obras de su biblioteca que considera de importancia en el arte contemporáneo.

Y así, una de sus publicaciones nos permite descubrir a un interesante fotógrafo del pasado, WOLS, alemán, también pintor abstracto, un miembro de las vanguardias, del tachismo, cuyas fotografías me parecen claramente influencias por los surrealistas, aunque no se adscribiese a dicho movimiento.

No he pretendido hacer una selección de los mejores. Simplemente de los últimos que he incorporado a mi lista de seguimientos, o que me han llamado la atención. Y para reivindicar un uso sensato e informativo de las redes sociales, lejos del ruido sin interés que las domina.

[Recomendación fotográfica] Sobre la imagen corporal

Arte, Fotografía

Ayer por la tarde estuvimos en el cine. De la película ya os hablaré otro día. Además dará para extenderme si no tengo cuidado. Pero la cuestión que traigo hoy tiene que ver más con otros temas. Alguien comentó que una sobrina suya estaba con un trastorno de la conducta alimentaria. En la familia están preocupados; y no entienden nada. La chica es realmente un encanto, era un modelo de chica simpática, abierta y con problemas muy similares a los de cualquier adolescente o chica joven, nada que llamase la atención, y nada hacía presagiar que estuviera o fuese a sufrir un trastorno de este tipo. Nos pilló a contrapié. No he tratado mucho con ella, pero la conozco y la he tratado lo suficiente como para irme cariacontecido a casa. [Nota: que nadie conocido intente “reconocer” a la persona afectada entre mis conocidos, porque he cambiado cosas sobre cómo me llegó la noticia, con el fin de despistar. Respeto a la intimidad de las personas, ante todo]

Hoy me apetece trasladar la imagen de gente haciendo cosas alegres u optimistas. Aunque tengamos que volver para ello a las vísperas de las fiestas de final de año… que no siempre son motivo de alegría para todo el mundo, diga lo que diga la publicidad y el “pensamiento positivo”.

Son muchos los fotógrafos y otros artistas que han tratado el tema de la imagen corporal en su obra. Desde distintos enfoques. Marina Markovic [instagram] probablemente no se pueda considerar estrictamente una fotógrafa. Pero la fotografía es esencial para reflejar el conjunto de su obra. Intervenciones sobre su propio cuerpo para utilizar sus performances, sus representaciones, y las imágenes que resultan de ellas con un objetivo terapéutico para afrontar sus propios problemas de conducta alimentaria. Lo he visto en PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, y me ha parecido un buen enganche para este tema. Sobre el que siempre me quedaré muy corto en una entrada de un blog.

Pero quizá por eso, quiero seguir con otros fotógrafos y otras series que ofrezcan una imagen positiva de las personas. Hace unos días, en Petapixel nos ofrecieron el trabajo del fotógrafo Bruce Osborn [instagram], que en su serie OYAKO 親子 trae consigo fotografías de padres/madres con hijos/hijas, en los que se ponen de manifiesto las diferencias y los parecido entre las generaciones. Y en ocasiones la evolución, al comparar fotos separadas por años de diferencia. Con un planteamiento desenfadado, en un blanco y negro muy limpio, muy diáfano, nos ofrece retratos que transmiten una buena sensación y no poco optimismo. Está bien. Y parece que también va a hacer o ha realizado una película.

Por último, los retratos de Richard Learoyd, realizados en una cámara oscura. No son estenopeicos, utiliza un sistema de lentes para proyectar la imagen sobre la pared donde coloca el papel sensible, de gran formato, que permite escalas de reproducción que se acercan al tamaño natural. En retratos que tienen una sensación etérea, al mismo tiempo que una gran finura en la reproducción de los detalles. Nos lo han ofrecido en el canal de Youtube del SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art). También me transmiten una imagen muy positiva de las personas retratadas.

[Recomendación fotográfica] Colores de moda, proyectos fotográficos, fotoensayos y depresiones

Fotografía

Llevo unos cuantos días, demasiados, sin hacer recomendaciones fotográficas. Pero también es cierto que durante las fechas próximas al fin de años, los sitios dedicados a la fotografía, o a casi cualquier cosa, se dedican a hacer balance del año, y pocas novedades aportan. Pero algunas cosita he recogido, y voy a hacer un completo dedicado a los nuevos propósitos de año nuevo, que en fotografía suponen dos cosas; o aprendemos nuevas cosas, nuevas técnicas, o nos planteamos nuevos proyectos. O el más simple de practicar más a menudo la afición.

Años llevo documentando los límites entre la ciudad y el campo en el entorno de las huertas de Miraflores y Las Fuentes, en Zaragoza. Quizá algún día debería ordenar ese material, darle forma y exponerlo de alguna forma de un modo coherente. Transformación y paisaje alterado por el ser humano.

En primer lugar, podemos centrarnos en un proyecto sobre un color. Todos los años, Pantone nos habla de su propuesta como color del año, que para el 2019 es el llamado “living coral”, coral viviente. A mí me gusta. No es extraño que en mis presentaciones profesionales, o en los álbumes de fotografías de los viajes, escoja para el texto resaltado un color similar, en lugar de usar negritas o cursivas. En Magnum Photos se han dedicado a buscar en su catálogo fotografías en las que este color o similar esté presente de forma significativa. Podéis hacer el mismo ejercicio con vuestros catálogos fotográficos. O plantearos como proyecto uno en el que este color sea predominante. U otro color de vuestro gusto. Que para gustos, los colores.

Pero si de proyectos nuevo estamos, los propios de Magnum han rescatado un texto de uno de sus más destacados y divertidos fotógrafos, Philippe Halsman, en el que nos propone una serie de claves para desarrollar nuevos proyectos fotográficos creativos. No estará de más echarle un vistazo. Y además las fotos de Halsman, que aparecen en el artículo, suelen poner de buen humor al contemplarlas.

Pero también viene bien el plantearse proyectos concretos. En varios sitios, por ejemplo en la NPR, ha aparecido estos días atrás el uso terapéutico de la fotografía. Y en particular nos han hablado del proyecto de la fotógrafa Tara Wray, que sufre episodios periódicos de depresión endógena, grave enfermedad mental que puede tenes consecuencias fatales. Su Too Tired Project, (“Proyecto Demasiado Cansada”; el cansancio o sensación de fatiga permanente es uno de los síntomas de la depresión), es la consecuencia de este uso terapéutico de la fotografía para combatir la depresión. Que también se ha convertido en un libro.

Y si no queremos convertirnos en el objeto principal de nuestro propio trabajo, nos queremos fijar en un aspecto externo de la realidad, siempre podremos plantearnos realizar un ensayo fotográfico, un fotoensayo. Un ensayo, tradicionalmente una forma literaria diferente de la literatura de ficción, conlleva un análisis, una interpretación y una evaluación de los hallazgos realizados sobre un determinado tema. Cuando este análisis, esta presentación de hechos y esta interpretación y evaluación se realiza mediante fotografías, acompañadas o no de textos, estamos ante un fotoensayo. Y dicen en Magnum Photos que el maestro del fotoensayo por excelencia fue W. Eugene Smith. Y puede que no les falte algo de razón. Desde su visión de la realidad de la España rural de la dictadura en la posguerra, concretada en su visión de la población de Deleitosa en 1951, hasta las consecuencias del envenenamiento por mercuriales y otros metales pesados en la bahía de Minamata en 1971, pasando por otros ensayos célebres como Country Doctor, es desde luego una fuente de inspiración importante. Aunque no podemos olvidar que también se metió en algún proyecto que le sobrepasó… como el dedicado a su ciudad, Pitsburgh. Un proyecto de tres semanas al que al final dedicó un año, y consideró inacabado.

[Recomendación fotográfica] Un variado de las últimas semanas

Fotografía

Lo voy a confesar. No me gusta la Navidad. No es que la odie, como dicen algunos. Pero no me gusta. Algún año sí que la he odiado,… las circunstancias. Pero no recientemente. Aunque sigue sin gustarme. Si tu sistema de creencias no se ajusta a una serie de parámetros, salvo que seas un niño, me parece una festividad tan errónea a varios niveles… Lo de la Nochevieja y el Año Nuevo tiene un pase. Aunque también me parece errónea la festividad a cierto nivel. Si va a ser una excusa para montar un fiestorro toda la noche… ¿porque no es el 1 de junio o el 1 de julio que hace bueno? ¡Ay, perdona! Que en el hemisferio sur sí que les viene bien así. Mis disculpas. En algo tenían que salir ganando; que históricamente han llevado las de perder salvo excepciones.

Y si algo soporto menos es que el día de Navidad salga con niebla. ES-HO-RRI-BLE. Y vivo en una ciudad donde eso sucede con frecuencia. Maldita sea. Como hoy. Y mira que este año no habíamos tenido nieblas en la práctica y uno estaba confiado en que tendríamos un día de Navidad soleado… ¡Que te has creído tú eso! En fin… aprovecharemos para dedicarlo a recuperar algunas recomendaciones fotográficas, que llevaba un montón de días sin dejar ninguna. De forma un poquito esquemática, que no tengo ganas de rollo. Estoy bastante espero. Lo de acostarse a las dos pasadas y despertarse (involuntariamente) a las siete menos cuarto sin poder volver a dormirme es una lata (seguramente ahora muchos encontraréis explicación a estos dos párrafos tan cenizos que me han salido).

Andy Warhol, el pop-artista por excelencia, también se dedicó a la fotografía. Y en el Cantor Arts Center de la Universidad de Stanford se pueden explorar la más de 3600 hojas de contacto de su archivo. A qué esperáis. Imposible aburrirse.

Robert Adams es uno de los fotógrafos que más me han influido. Perteneciente al grupo de la New Topographics, ese concepto de paisaje alterado por el hombre como motivo fotográfico siempre me ha atraído. Y he hecho lo mío. Oscar Colorado nos ha hablado extensamente de este fotógrafo americano. Cuidado que si buscáis en Google sin más “robert adams” os salen de preferencia enlaces relacionados con uno de esos “iluminados” de las filosofías orientales (ale, ya he vuelto a hacer un buen número de enemigos; con los aficionados que hay a estas cosas esotéricas orientales).

Coca Dai es un fotógrafo chino que hace lo que muchos novios o maridos en la actualidad. Es el que va haciéndole constantemente fotos a su mujer, Judy Zhu, antes su novia. Desde 2008 hasta 2015. Pero en lugar de tirar de teléfono celular y publicarlo en las redes sociales, tira de cámara para película tradicional de toda la vida. Y acaba siendo un registro de lo que es la historia bruta de mujer de hoy en día. Lo hemos visto en LensCulture. Y me ha parecido muy interesante; las fotos y la entrevista.

Seguimos en oriente. En China. Y en esta ocasión es a propósito de un bello retrato que apareció en el blog de La beauté de Pandore. Esto me indujo a buscar más información de su autor, Quentin Shih. Me gusta mucho su estilo de fotografía y su dominio del color.

Y sigo con oriente, pero esta vez en Japón. Estoy convencido de que ya me he fijado en más de una ocasión en la fotografía de Rinko Kawauchi. Me ha recordado al ensayo de Tanizaki, El elogio de la sombra. Aunque como siempre se ha dicho, y estoy de acuerdo, para que reconozcamos las sombras y lo sombrío, es porque en algún sitio hay luz. Nos han hablado de ella en Cartier-Bresson no es un reloj.

Finalmente, os dejo con un vídeo del SFMOMA, ya he recomendado varias veces su canal en Youtube, sobre el trabajo de Larry Sultan sobre la familia. Sobre su familia. En estas fiestas tan familiares, “pega”, ¿no? Me ha gustado mucho cómo lo cuenta el autor. Y me han caído bien sus padres. En inglés, lo siento. Pero es que es la lengua “del imperio” y toca sabérsela para acceder a contenidos de calidad.

[Recomendación fotográfica] Temas y fotógrafos diversos

Fotografía
Fotografías acompañantes realizadas con Hasselblad 500CM + Carl Zeiss Distagon 50 mm f/4 C T* y película Ilford Delta 100 Professional revelada en Kodak HC-110 en dilución B (1+31).

No conocía yo al fotógrafo zaragozano Aurelio Grasa (1893 – 1972). De profesión médico, al igual que Ramón y Cajal fue un fotógrafo experimentador, que utilizó múltiples técnicas y formatos. Desde los autocromos, a la fotografía aérea, para acabar siendo un partidario del formato pequeño, una Leica M3, y la diapositiva, tras ir descendiendo en la escala de tamaños desde el gran formato con cámara de placas, pasando por el formato medio. La noticia de su obra la he visto en Cada día un fotógrafo, y hay una página dedicada a su obra. Aunque con poquitas obras. El blog de la misma no se actualiza desde marzo de 2015.

En la edición de PhotoEspaña 2017, en la exposición dedicada al aniversario de Leica, me llamaron la atención unas fotografías comentadas por las personas en ellas retratadas del fotógrafo de magnum Jim Goldberg. Los comentarios de esas personas pasaban de la hilaridad que producían algunas de ellas a una tristeza o patetismo profundos. Recorriendo por el camino el absurdo o el surrealismo inconsciente. Un retrato duro pero compasivo de la pobreza de su tiempo, este trabajo de Jim Goldberg se comentó recientemente en las páginas de Magnum Photos.

Oscar Colorado, en sus siempre inspiradas y profundas páginas de su blog Oscar en fotos, nos hace un repaso a la importancia de la fotografía y la imagen en general en la Alemania nazi. Además de diversos comentarios del entorno sociopolítico y cultural, dedica un espacio importante a la controvertida cineasta Leni Riefenstahl, probablemente una de las más brillantes del siglo XX, al mismo tiempo que más rechazadas por su nefasta connivencia con el nazismo, y la fotógrafo oficial de Hitler, Heinrich Hoffmann. También al pionero de la fotografía en color Hugo Jaeger. Conviene leer este interesante ensayo.

Para desintoxicarse de la náusea que producen las imágenes del nazismo, y de los fascismos en general, convendrá que conozcamos el proyecto Humanae de la fotógrafa brasileña radicada en Madrid, Angélica Dass. Nos lo han contado en On Art and Aesthetics. Está fotógrafa procede de una familia que, como ella dice, estaba llena de colores. Refiriéndose a los tonos y colores de la piel de sus integrantes. Pero al mismo tiempo ha sentido la discriminación por que su tono de piel es de un color marrón; aunque la gente la llamaba “negra”. Por ello, su proyecto es al mismo  tiempo simple y complejo al mismo tiempo. Realizar un catálogo de los tonos de la piel humana con sencillos retratos de personas de cabeza y hombros, sustituyendo el fondo del retrato por el tono del catálogo Pantone más próximo a un muestra del color de la piel en la punta de la nariz de cada persona. Y así nos muestra un catálogo amplísimo de tonos que, además de los valores estéticos y artísticos inherentes al proyecto, los tiene también de carácter antropológico, científico o educativo. Romper con la dicotomía blanco/negro, o la estúpida división que nos enseñaban en el colegio, blancos/negros/amarillos/cobrizos o pieles rojas, y mostrar un continuo humano sin fin. El fin último, cuestionar sistemática el constructo ficticio del concepto de raza, un mito no apoyado por la ciencia, y apoyar el concepto de la unidad en la diversidad de la humanidad. Os dejo un vídeo de una conferencia TED en la que ella misma explica muy bien sus ideas y su proyecto.

Por último, os quiero recordar que uno de mis fotógrafos favoritos, el conceptual Duane Michals. Auténticamente conceptual, no como muchos modernos que se dicen  “conceptuales” simplemente porque hacen cosas más relacionadas con el diseño y con la fantasía a partir de fotografías que otra cosa. Pues bien, esta semana en Cartier-Bresson no es un reloj, un blog sobre fotografía en castellano que también es muy recomendable, hacen un comentario de la serie El espejo mágico de la incertidumbre del doctor Heisenberg.  La mecánica cuántica, el principio de incertidumbre, rompen con el determinismo de la física clásica, y abren la puerta a una interpretación probabilística del mundo,… al menos a sus niveles más elementales. Expresar esta idea desde un punto de vista visual y fotográfico es cuando menos un formidable desafío, del cual Michals sale airoso con brillantez. Teniendo en cuenta que es un artista y no pretende ningún tipo de precisión científica sino una reflexión sobre los conceptos trasladada a una escala humana y estética. Como nos cuentan en el artículo que dijo el propio Michals ante una crítica emitida por Garry Winogrand, sus secuencias de fotos lo liberan de la tiranía del “momento decisivo”. Dejar de mirar el instante para observar y reflexionar sobre la realidad objetiva y subjetiva de la propia existencia o la de quienes nos rodean. Siempre vienen bien los “disidentes”. Son los que nos hacen crecer.

[Recomendación fotográfica] dos profesores y una gran fotógrafa

Fotografía

Hace sólo dos días que hice una entrada de recomendaciones fotográficas, pero lo cierto es que en esta ocasión era esto o volver a hablar de cine como ayer, aunque fuese cine visto en televisión. Así que voy a ir dosificando temas. Por cierto, que hoy todo tiene está en idioma castellano/español, por aquellos que se me quejan de recomendar demasiadas cosas procedentes del mundo anglófono. Tendré que hacer una recopilación de sitios en español/castellano, para todos aquellos interesados.

Estuve revisando hace poco fotografías realizadas en 2004 con una Canon Powershot G6. En aquellos momentos, me pareció la leche, aquella cámara. Hoy en día se le nota la juventud tecnológica. Pero creo que demuestra que la calidad de la foto está más vinculada al fotógrafo que a la tecnología.

A finales de octubre de 2015 hice un taller de fotografía con cámara de gran formato en Vilassar de Dalt, organizado por Revela-t. Un taller muy satisfactorio. De los dos profesores que tuvimos, uno de ellos fue Faustí Llucià. Y recientemente he encontrado en su canal de Youtube un vídeo, que más bien es un pase de diapositivas, de uno de sus trabajos Extraños en el paisaje, realizado en la playa de las Catedrales (en realidad playa de Aguas Santas, cosas de la promoción turística) de Lugo. Os lo dejo aquí puesto.

Esta playa está relativamente de moda en internet, con muchos de esos paisajes siempre un “pelín” sobreprocesados, muy saturados, de idílicos ocasos o amaneceres, que se parecen todos entre sí como una gota de agua a otra gota. Llucià, austero, con una cámara de medio formato, formato cuadrado, blanco y negro, recoge el impacto en el paisaje de la presencia del ser humano, de la invasión de turistas cuando un lugar se pone de moda. Sobrias, sencillas que no simples, bellas también.

Oscar Coronado es profesor. Universitario. Y tiene un blog de fotografía, Oscar en fotos, que es una auténtica referencia en habla española. Sus artículos suelen ser extensos e intensos en contenido. Y recientemente ha realizado uno, un trabajo impresionante de revisión y documentación, indicando 400 hitos en la historia de la fotografía desde muchos, muchos, muchos siglos antes de su invención hasta la época actual. Es “cuestionable” que en una historia de menos de dos siglos, dejando aparte los antecedentes previos relacionados con la cámara oscura y otros procesos físicos, haya 400 “hitos”, pero sin duda es un notable repaso o resumen de hechos notables en la historia del medio.

En estos últimos días he visto varios artículos reivindicando la figura de Martine Franck. Yo señalaré el artículo que le han dedicado en Cartier-Bresson no es un reloj. Otro blog necesario en idioma castellano. Esta fotógrafa belga, fallecida en 2012, que tiene sus relaciones con España ya que estudió historia del arte en Madrid, tuvo una suerte y una desgracia.

Tuvo la suerte de casarse con Henri Cartier-Bresson.

Tuvo la desgracia de casarse con Henri Cartier-Bresson. 

En lo que a mí me consta, el matrimonio fue afortunado, y permanecieron juntos hasta la muerte de Cartier-Bresson. Con él fundó la fundación que lleva el nombre del célebre fotógrafo y que presidió durante un tiempo. Fundación que también le dedica exposiciones periódicamente. El problema es que siendo una fotógrafa excelente, y hay abundantes testimonios del hecho, ved el artículo que he recomendado al principio de este comentario, permaneció en gran medida a la sombra del ilustre marido, por su fama y porque no olvidemos que estamos en un mundo muy patriarcal todavía. Así pues, sirva este recordatorio para reivindicar a la fotógrafa y no a la esposa.

[Recomendación fotográfica] Un par de vídeos desde el SFMoMA

Fotografía

Ya han aparecido en estas páginas unos cuantos los vídeos sobre fotógrafos y sobre creatividad fotográfica del canal de Youtube del SFMoMA (Museo de Arte Moderno de San Francisco). La verdad es que son muy buenos. Así que hoy os traigo un par más.

Estos días he estado fotografiando con la nueva Kodak Ektachrome 100… Mis únicas experiencias con película diapositiva desde 2004 hasta hoy había sido con alguna película caducada. Veremos a ver qué da de sí esta nueva versión de un producto que tiene ya casi 75 años, aunque se dejó de fabricar hace unos pocos. Algo muy especial tiene que ofrecer, porque 13 “aurelios” por cada carrete de 36 exposiciones es carito. De momento, algunas fotos realizadas simultáneamente con el iPhone.

No hace mucho os hablaba de la artista conceptual Sophie Calle, la cual usaba la fotografía como una forma de reflejar sus ideas y sus conceptos más que como un arte en sí misma. Uno de sus trabajos más célebres fue The Hotel, en el que se empleó durante tres meses de doncella en un hotel de Venecia, para poder indagar en el contenido de los equipajes de los huéspedes del hotel. En el siguiente vídeo se habla del tema.

De dudosa ética, pero de indudable atrevimiento conceptual, por diversos motivos. Como persona que gusta de viajar, me produjo un lógico desasosiego. 

Más amable, mucho menos desasosegante es el trabajo de la japonesa Tomoko Sawada, que desde que optó por la fotografía en la escuela de arte, sólo ha tenido un motivo para sus imágenes. Ella misma, en mil y un autorretratos, con caracterizaciones de lo más diversas. La simpática artista…

La simpática artista, puesto que su actitud, sonrisa y explicaciones me llevó a sentir una simpatía instantánea por ella, insiste en que no se trata de autorretratos en que represente a otras personas. Distanciándose, aunque no se mencione, a otras fotógrafas como Cindy Sherman. Es ella misma, o diversas versiones de sí misma, en un ejercicio de constante introspección. Me han llamado mucho la atención las fotografías de grupos escolares en las que ha sustituido las caras de alumnas y profesores por la suya, pero siempre distinta. Bueno, espero que lo veáis vosotros mismos.

Un amplio ensayo sobre Tomoko Sawada lo podéis encontrar en las páginas de Oscar en fotos.

[Recomendación fotográfica] del parís de entreguerras a las fotógrafas españolas reconocidas fuera del país

Fotografía

Se acerca el fin de semana y quizá sea un buen momento para hacer algunas recomendaciones sobre fotógrafos que quizá nos puedan enseñar una par de cosas o tres sobre fotografía. O sobre como plantearse un proyecto fotográfico.

Siempre viene bien recordar las fotografías de Brassaï en el París de entreguerras, como nos recuerdan en Cooph. Brassaï, pseudónimo de Gyula Halász, húngaro, uno de tantos centroeuropeos o europeos del este que se trasladaron a París por diversos motivos. Muchos por razones políticas, otros, como Brassaï, porque la capital francesa era también la capital del arte y de los movimientos artísticos. Y el húngaro optó por convertir las noches parisinas en su objeto preferido. Unas fotografías que todavía hoy resuenan en nuestra imaginación, que forman parte de la visión romántica de la ciudad de la luz en sus momentos más oscuros, incluso si pasan de la alegría de la fiesta a la tristeza de la soledad y la marginalidad. Simpre viene bien recordar las fotografías de Brassaï.

Voy a seguir aprovechando las fotografías deportivas del pasado domingo, para ir ilustrando algunas de las entradas de este Cuaderno de ruta. Para saber más, en la entrada del martes pasado.

Otros fotógrafos se asumen a sí mismos como centro de su obra o de sus proyectos, se convierten simultáneamente en sujeto y objeto fotográfico, y además hacen un uso terapéutico de su expresión fotográfica. En Dazed nos han mostrado el trabajo de la japonesa Mari Katayama (Instagram), que sufre de malformaciones en las piernas y en una mano como consecuencia de una condición congénita. Pero es esto mismo lo que la impulsó a no replegarse sobre sí misma, sino a expresarse y debatir mediante la fotografía, no tanto sobre la malformación o la deformidad, sino sobre los procesos asociados a la misma.

Leia Abril, fotógrafa barcelonesa relativamente joven todavía, se ha hecho con un nombre ya en el mundo de la fotografía. Es una de esas fotógrafas que yo conocí antes por su impacto en medios extranjeros que sobre los nacionales. Creo que fue en un British Journal of Photography que dedicaron el número a los nuevos talentos fotográficos españoles hace un tiempo. Pero no lo puedo asegurar ahora. El caso es que el libro de la fotógrafa catalana “On Abortion” (Del aborto), primera parte de su serie “A History of Misogyny” (Historia de la misoginia), ha sido premiado en Paris Photo con un premio al mejor fotolibro del año. Y me atrevería a decir que es un premio muy merecido, como nos informan en Clavoardiendo. El siguiente capítulo será “On Rape Culture” (De la cultura de la violación).

Finalmente, también en Clavoardiendo homenajean al italiano Luigi Ghirri (1943 – 1992), y acompañando a algunas de sus obras y algunos comentarios sobre las mismas, nos ofrecen un decálogo para fotógrafos, una serie de propuesta para orientar sus proyectos y sus trabajos, de forma libre, crítica, hablando sobre uno mismo y lo que le rodea, leyendo y acaparando influencias, evitando las presiones externas y partiendo de tus orígenes y tus experiencias. Están bien. Son más filosóficas que prácticas, pero sin duda pueden orientar los proyectos de cualquier fotógrafo que quiera comenzar un cuerpo de obra con una razonable coherencia y personalidad.

[Recomendación fotográfica] Ars Combinatoria de Chema Madoz en la Lonja de Zaragoza

Fotografía

Como viene siendo habitual en los últimos años, y dentro del programa de PhotoEspaña 2018 en su programa oficial en otras ciudades fuera de Madrid, la exposición del verano en la Lonja de Zaragoza nos trae a un fotógrafo de renombre y prestigio. Y Chema Madoz reúne ambas cualidades. Y lo que es más, de forma más que merecida.

La exposición Ars Combinatoria lleva ya unos años girando por las salas de exposiciones. Creo que fue en 2013 cuando se expuso por primera vez, en Barcelona, y se publicó el libro catálogo de la exposición. Lo estuve hojeando pero no lo compré. Estando en mi poder el Obras maestras publicado por La Fábrica, aunque hubiese alguna fotografía nueva, me parecía redundante en mi biblioteca, en la que de vez en cuando debo introducir un pensamiento selectivo pensando en el espacio disponible, en la economía de medios y otras consideraciones por el estilo. Aunque sería perfectamente recomendable para quien no tuviese ningún libro del autor y quisiese llevarse uno a casa. Cualquier de los dos, publicados por la misma editorial. Aunque el Ars Combinatoria parece que ya no figura en su catálogo. Pero no parece imposible encontrarlo en otras librerías.

La naturaleza de las obras de Madoz ha hecho que nos pocas veces se escuche el calificativo surrealista a su obra. Puede en algún momento tener algún componente de este tipo. Pero también es cierto que se abusa del término con frecuencia. Madoz es maestro en la metáfora visual. En jugar con los significados y las formas, con las analogía y similitudes. A veces con la contradicción. Su obra fundamental son sus instalaciones efímeras, en ocasiones verdaderas obras escultóricas a partir de los objetos cotidianos, que quedan inmortalizadas en sus cuidadas fotografías. Que no son complejas. Una luz homogénea, una cuidada composición, un uso juicioso de la cámara de medio formato, no para el lucimiento fotográfico sino al servicio del contenido. De ese juego a veces poético, a veces irónico, otras crítico, en el que los elementos de nuestra vida diaria cobran vida con nuevos significados. Como he dicho antes, la maestría absoluta en el uso de la metáfora visual. Recordemos el significado de la palabra metáfora, según la RAE, “traslación del sentido recto de una voz a otro figurado, en virtud de una comparación tácita“. Cambiemos la palabra “voz” por “imagen”, y ya tenemos el significado de metáfora visual o gráfica.

Para quienes ya esté familiarizados con la obra de Madoz, quizá no encontrarán grandes novedades en esta exposición, retrospectiva de una obra que lleva ya varias décadas de admirable productividad. Pero servirá de agradable y agradecido reencuentro, pudiendo siempre admirar la fotografía en ampliaciones de buen nivel y calidad. Para quien se acerca por primera vez a la obra de Chema Madoz, será una experiencia de descubrimiento, que espero que sea tan inolvidable e impactante como las primeras veces que me acerqué yo a la obra de este artista madrileño, cuya significación trasciende el mundo de la fotografía y se extiende al conjunto del arte contemporáneo español. No hay que perdérsela. Yo ya fui el sábado pasado. Y volveré alguna que otra vez durante este verano. Sin duda.

[Recomendación fotográfica] Fotógrafas en Cortona, en modo virtual

Fotografía

Cortona es una bella ciudad italiana en la Toscana. Decir “bella ciudad” y decir “en la Toscana” resulta casi redundante. De tal modo la historia ha dotado a esta región italiana de bellas ciudades, en las que durante siglos florecieron la cultura y las artes. No es de las más conocidas, quizá por ser de las más alejadas de Florencia. De hecho, está en el extremo sur de la región. Yo la visité en una excursión desde Perusa, hoy en día muchos prefieren mantener la forma italiana Perugia, que incluyó la también toscana y bella ciudad de Arezzo. El caso es que desde hace siete años, Cortona tiene su propio festival de fotografia para el verano, que va ya por su octava edición. Y tan poco tiempo ha alcanzado un gran prestigio; Cortona on the Move.

Cortona 03

Por supuesto, pasearemos fotográficamente por las calles de Cortona. A la caída de la tarde, que la luz es más cálida y bella.

Ni que decir tiene que yo preferiría visitar la ciudad y las exposiciones en vivo y en directo. Cada año. Y disfrutar de los paisajes, y de los vinos blancos a base de trebbiano toscano, verdicchio o grechetto. O los de la cercana ciudad de Orvieto. Pero no puede ser. Así que vamos a hacer el recorrido virtual de las exposiciones de este año, siguiendo las indicaciones que nos hacen desde el British Journal of Photography. Y ya nos avisan que este año lo han dedicado al trabajo de mujeres fotógrafas. Algunas muy interesantes. Más que interesantes. No entraré en comentarios, pero os dejaré enlazados los principales trabajos.

Elinor Carucci, israelí que llega desde los Estados Unidos a pesar de su nombre italiano, con su trabajo Getting Closer, Becoming Mother: About Intimacy and Family.

Tanya Habjouqa, jordana/tejana, preocupada por los conflictos de Oriente Medio, con su proyecto Tomorrow There Will Be Apricots.

Cortona 01.jpeg

The Red Road, un proyecto conjunto sobre los nativos americanos de la fotógrafa Carlotta Cardana, italiana radicada en Londres, y de la escritora Danielle SeeWalker.

Poulomi Basu, fotógrafa que creció en Calcuta, y que habla de la violencia perpetrada sobre las mujeres en Nepal y en la India en su proyecto A Ritual of Exile.

La belga Sanne De Wilde presenta su proyecto The Island of the Colorblind, del cual podéis ver un vídeo a continuación.

Debi Cornwall, norteamericana, se define como artista documental conceptual que regresó a la expresión visual después de una “equivocada” carrera como abogada durante 12 años. Presenta su trabajo Welcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay, donde muestra una visión crítica de esta prisión extraterritorial y fuera del ámbito del estado de derecho que dicen defender los gobernantes de su país.

Finalmente, la china Sim Chi Yin, reciente adquisición de Magnum Photos, que presenta Fallout, un proyecto formado por dípticos de fotografías en las que aparece una de la frontera chinonorcoreana y otra de las instalaciones de control o almacenaje de armas nucleares en Estados Unidos. Forma parte de un encargo de Internacional Campaign to Abolish Nuclear Weapons (ICAN), organización premiada con el Nobel de la Paz en 2017.

Hay otras exposiciones. También de fotógrafos masculinos. Pero centrémonos en lo distintivo de la edición de este año del festival. Ya que no podemos ir, por lo menos podemos visitar virtualmente las exposiciones. Habrá para todos los gustos.

Cortona 04