[Recomendación fotográfica] La mujer en Taiwan, las no-verdades, cómo se hace la película y eso que llaman fotografía “vernácula”

Fotografía

Ha sido una semana rara, y no he podido fijarme mucho en artículos que pudiese traer hoy y ahora en forma de recomendaciones fotográficas. Pero algo hay.

Lo primero y más importante, especialmente para aquellos que vivan en Zaragoza o se acerquen a la ciudad en los próximos meses, es que ya tenemos la segunda exposición de PhotoEspaña 2019 abierta en la ciudad. Está en el Centro de Historias, y se trata de una exposición de la fotógrafa taiwanesa Hou I-Ting, que reflexiona sobre las características de la identidad de los habitantes de la isla a través de la fotografía. La sociedad de Taiwán, país que no es un país oficialmente reconocido, está formada por una mezcla de influencias. Sobre una potente base de chinos de la etnia han tenemos sustratos indígenas, los propios de las primeras migraciones de las poblaciones costeras de la China meridional, la influencia de Japón y otras entidades colonizadoras y la compleja relación con el mundo que deriva del final de la guerra civil china. Hou plantea tres escenarios en la exposición; sus autorretratos bordados, realizados en los mercadillos callejeros de Taipéi, la recuperación de viejas fotografías del periodo colonial japonés, especialmente de niñas que accedieron masivamente a un cierto tipo de educación, sobre las que también interviene, y las fotografías de paquetes de bento, otra influencia nipona, las fiambreras con comida para llevar en el tren, y que todavía hoy en día puedes disfrutar. Porque están buenas. Me pareció una exposición muy interesante. Y creo que me pasaré algún otro día a visitarla.

Las fotografías de hoy están tomadas en el Centro de Historias de Zaragoza, mientras visitábamos las exposiciones mencionadas.

Secundariamente, en el Espacio Tránsito del Centro de Historias hay una curiosa miniexposición, Estuvieron aquí, por si no lo sabías, en la que repasan la estancia de personas famosas en Zaragoza. Muy curioso.

Nos encontramos en tiempos de falta de ética y profunda hipocresía. Después de la postmodernidad ha llegado la época de la postverdad. O en palabras llanas y directas, hemos cambiado las verdades a medias o del todo vale por la época de la mentira. Políticos, medios de comunicación, la gente en las redes sociales, todas cuentan “su verdad” que suele ser mentira. Una ficción para obtener un beneficio personal. Poco importa ya el bien común, la sociedad en la que todos vivimos y nos apoyamos. Desde el presidente de los Estados Unidos o de cualquier otro país hasta la estúpida instagrammer que se hace un selfi en un estanque contaminado porque parece que está en las Maldivas. Esté en Siberia o en Galicia. Y enferman… pero les merece la pena, parece. En este ambiente, la fotógrafa Alison Jackson le dio la vuelta al asunto. Y hace tiempo que comenzó a fotografiar a falsas celebridades como si fueran las auténticas para poner evidencia todo el sistema de valores de la celebridad personal y de las apariencias. En el canal de Youtube de Fotografiska podemos escucharle hablar de sus fotografías y del tema.

De un tiempo a esta parte se ha empezado a oír hablar de la fotografía “vernácula”. En los diccionarios de lengua castellana/española, el adjetivo vernáculo/a hace referencia a lo que es propio del propio país o de la propia casa de uno, y se suele aplicar a las lenguas o idiomas. Para mí, el castellano es mi lengua vernácula.

En inglés, el adjetivo vernacular tendría un significado parecido; pero parece que también hace referencia a las cosas ordinarias, comunes, cotidianas, del día a día. Y por ahí ha llegado el concepto de vernacular photography, como aquellas fotografías realizadas cotidianamente, sin intención de servir a ninguna de las dos nobles utilidades de la fotografía, la estética/artística y la documental/informativa. El caso es que para mí, eso que llaman fotografía “vernácula” no deja de entrar dentro de la categoría de lo documental/informativo. Aunque lo que se documenta sólo importe a la abuela que quiere enseñar lo guapos que son sus nietos, o lo que se informe es que Fulanita Instagrammer se está envenenando a sí misma mientras se hace un bonito selfi en un estanque color azul turquesa, envenenado con wolframio y otros metales pesados. En un curso del MoMA incluyen la fotografía científica dentro de los usos “vernáculos” de la fotografía… como si fotografiar un agujero negro fuese un asunto ordinario y cotidiano. Me parece discutible el concepto, por ser de límites imprecisos, así como el adjetivo usado. Al menos en castellano. Pero casi nadie de los que lo usan se van a parar a pensar en ello… probablemente aspiran a ser influyentes en los medios y las redes sociales, y para ello, cuanto más se copie del inglés, evitando ser original, mejor. El caso es que conocer y analizar esa fotografía cotidiana, de lo corriente, de la gente ordinaria (en el buen sentido de la palabra), es interesante. Antes he mencionado que la fotógrafa Huo I-Ting rescata fotografías cotidianas del periodo colonial nipón en Taiwán para intervenir sobre ellas y reflexionar sobre la identidad de la mujer taiwanesa.

En Lens Culture nos hablan de The Anonymous Project, en el que usan fotografías familiares o cotidianas para decorar una casa, realizadas en los años 50, en color, y que dan un nuevo significado a la casa, así como las propias fotografía reciben nuevas lecturas al ser vistas fuera del entorno para el que fueron tomadas.

Por último, me ha parecido interesante el último vídeo que ha publicado Ilford Photo en su canal de Youtube, en el que hace un repaso al proceso de fabricación de sus películas fotográficas en Mobberley, Inglaterra. Lo que me preocupa es la avanzada edad de sus trabajadores. Espero que haya gente joven incorporándose y aprendiendo la ciencia y la técnica detrás de la fabricación de película y papel fotográficos. Y que dure muchos años. Últimamente soy muy fiel a las películas Ilford. Por su calidad, por su consistencia,… por la apuesta de la empresa con la fotografía con película tradicional frente a la actitud de otros, japoneses o americanos. Os dejo el vídeo.

Y por hoy, lo dejo. Que para tener pocas cosas de las que hablar, me ha salido una entrada más larga de lo que pensaba.

[Recomendaciones fotográficas] Una diversidad de recomendaciones, relativamente centradas, en fotógrafas

Fotografía

Comentaba recientemente la admisión como socia de Cristina de Middel en Magnum Photos. Pero no nos olvidemos que hace años que hay otra “Cristina” como socia de pleno derecho en la prestigiosa agencia. Recuerdo cuando hace ya sus buenos… ¿10 años?, sip… diez años,… me pasé por la galería que la agencia tiene, o tenía, cerca de Saint-Germain-des-Prés en París y tenían alguna copia de las fotografías de Cristina García Rodero a la venta. Mmmmm… no me decidía a comprar ninguna porque “no llevaba suelto en el bolsillo”. En cualquier caso, en Hünter Art Magazine nos han recordado esta semana a esta excelente fotógrafa española, de mirada antropológica, que cualquier aficionado a la fotografía debe conocer y analizar.

Sigo explorando las posibilidades del blanco y negro en mis fotografías digitales de mi reciente viaje a China. En esta ocasión en las montañas de Huangshan.

En Feature Shoot han publicado un interesante ensayo sobre el impacto que unas fotografías publicitaria de moda tuvo en su momento, en los años sesenta. 1964 por ser precisos. William Claxton fotografió a la modelo, y su esposa, Peggy Moffit luciendo una de las recientes creaciones del diseñador Rudi Gernreich, el monokini. Un bañador de una pieza que dejaba los pechos al descubierto. No. No se parece a un bikini que se lleva sin la parte superior. Se parece más a un traje de baño tradicional de una pieza, pero que no cubría adecuadamente los pechos de la mujer. Causo sensación y escándalo. L’Osservatore Romano, periódico del Vaticano, a Izvestia, uno de los periódicos de mayor difusión en la Unión Soviética, el uno invocando a Cristo y el otro a Marx, enemigos naturales entre sí, se pusieron de acuerdo para condenar la pieza, la fotografía y a sus protagonistas. Sin embargo, esta impactó y es una de las referencias a la hora de establecer los cambios en la moda y en la percepción de las mujeres, de su libertad sexual, en los convulsos sesenta. No obstante, hoy en día siguen fuertes aquellos que odian los pezones de las mujeres. O simplemente a las mujeres. Con Zuckerberg y sus redes sociales a la cabeza… por ejemplo.

Photolari es un proyecto de un par de periodistas que tratan de salir adelante informando sobre fotografía. Son majetes, pero limitados en medios… y a veces, en visión. Pero bueno. No es de ellos de quienes quiero hablar. El caso es que esta semana publicaban un artículo con una anécdota bastante graciosa sobre cuando Diane Arbus fotografió a una ya septuagenaria Mae West… y a esta no le gustaron las fotos. Arbus tenía la manía de hacer unos retratos muy directos, que mostraban de forma a veces cruda la realidad física y psicológica del retratado. No voy a repetir la anécdota aquí, leedla en las páginas de Photolari. Me llamó la atención porque el estilo de la entrada no es el habitual en esas páginas. Luego vi al pie de la misma que es Leire Etxazarra, la redactora de Cartier-Bresson no es un reloj, un blog que no me cansaré nunca de recomendar. Son buenos; están documentados y escriben bien.

En Plataforma de Arte Contemporáneo nos hablaron esta semana de la artista china Cui Xiuwen. Una artista que comenzó como pintora, pero que acabó utilizando principalmente la fotografía y el vídeo como elementos de expresión. Yo recordaba de ella su obra Sanjie, una representación de la última cena de Da Vinci, una composición de fotografías de una adolescente china vestida con el uniforme de los pioneros. Sus obras son conceptuales, muy simbólicas, sobre la situación de la mujer y de la sociedad china. Y estoy de acuerdo con quienes opinan que fue una artista muy valiente. No olvidemos, parece que a muchos sectores de la sociedad, incluidos los políticos de todo signo, que China es una férrea dictadura, carente de libertades, cosa que parecen olvidar los representantes de las “democracias” a la hora de hacer negocios con el gobierno chino. Como veréis, he utilizado la forma verbal “fue”, preterito perfecto simple, porque Cui Xiuwen falleció el año pasado. Una pena. Aun no había cumplido los cincuenta años, y podría haber aportado mucho más. Os dejo un vídeo muy interesante de la Schoeni Art Gallery (sí… la galería ha suspendido “temporalmente sus operaciones, físicamente se encuentra en Hong Kong, pero en la página web sigue habiendo contenidos), que nos ayudará a entender mejor a la artista.

Y me despido con el homenaje que aparece en Booooooom del fotógrafo Frédéric Tougas (instagram) a las 100 vistas de Edo de Hiroshige, pero en visión moderna y fotográfica. Porque a estas alturas todavía no hemos decidido las vacaciones de otoño. Y aunque Japón, y Tokio, actual nombre de Edo, parecía descartado, vuelve a estar entre las posibilidades.

[Recomendaciones fotográficas] Chernobyl y fotografía japonesa

Fotografía

Normalmente suelo reservar mis recomendaciones fotográficas para la tranquilidad de los domingos por la mañana. Y de hecho, tengo algunos marcadores guardados que, tal vez, si no surge otra cuestión más interesante, sirvan para hablar de otras recomendaciones fotográficas al final de la semana. Pero un par de cuestiones me han impulsado a escribir las de hoy.

Terminada la maquetación de los libros de fotografía de mi reciente viaje a China, he empezado a investigar el rendimiento de algunas de las fotografías digitales reveladas en blanco y negro. Y lo cierto es que me parece un camino interesante para algunas de ellas.

Aunque no ha llegado todavía el momento de hablar sobre ella, estoy bastante impactado por la serie de HBO Chernobyl. Una serie superlativa. Una obra maestra del medio televisivo. Y al mismo tiempo, una obra maestra del medio cinematográfico, aunque este reservada a la pequeña pantalla. En las series televisivas, la autoría se la suele llevar un señor que no es el director de la serie, al contrario de lo que sucede en el cine. Es el creador de la serie, un señor que luego aparecerá en los créditos como productor ejecutivo o entre los guionistas, aunque cada vez con más frecuencia aparece bajo ese epígrafe de creador. Entre los angloparlantes es frecuente oír hablar de él como showrunner. El director de una serie suele ser múltiple; cada episodio puede tener un director distinto. Y es una labor más artesana que en las producciones para la gran pantalla. No se le reconoce la autoría de la producción. Aunque conforme aumenta la complejidad de las series de televisión, su papel se vuelve más importante. Los cinco episodios de esta serie han sido dirigidos por el mismo director, Johan Renck, un sueco que ha desarrollado su carrera en la televisión, los vídeos musicales y la publicidad. Pero Renck también es fotógrafo. Y recientemente, con motivo del lanzamiento al mercado de los nuevos productos de Hasselblad, esta marca ha publicado un artículo con fotografías de rodaje de Renck de la serie Chernobyl. Y están muy bien, y recogen perfectamente el ambiente de la serie, cuyo director de fotografía es Jakob Ihre. Otro sueco. En la página web de Renck encontramos más ejemplos de su trabajo fotográfico, que principalmente se desarrolla en el ámbito de la fotografía comercial de publicidad y moda. No soy muy dado a publicar recomendaciones procedentes de las páginas comerciales de las marcas de equipos, pero en esta ocasión… me parece oportuna la excepción.

Llevamos unos días debatiendo el segundo turno de vacaciones que disfrutaré a primeros de octubre. Hace tiempo que llevamos hablando de volver a Japón. Pero no lo tenía yo previsto para este año. Ya hemos viajado a Asia, a China. No tenemos una idea clara, al menos todavía, de qué haríamos, aunque por motivo que puedo comentar tendríamos que pasar algunos días en Osaka. Y también está la cuestión de que me desequilibra un poco el presupuesto personal destinado a viajes. China es bastante más barato que Japón. Pero el tema está encima de la mesa. Lo cual ha coincidido con el acceso a varios enlaces en los que se relaciona la fotografía y el país nipón, como para tentarme. Voy a comentar algunos.

En Feature Shoot nos hablan de la fotógrafa Michiko Chiyoda, tanto sus serenas series en blanco y negro, que aportan notables dosis de nostalgia hacia el Japón más tradicional, vemos fotografías en color, en una serie dedicada a la caligrafía tradicional. En cualquier caso, me parecen fotografías bellas, poéticas y una autora a seguir con atención.

Otra fotógrafa, que me llamó la atención en una entrada de Phases Magazine. Se trata de Mayumi Suzuki. Es hija y nieta de fotógrafos que mantuvieron durante décadas su estudio fotográfico en Onagawa, su ciudad natal. El tsunami de 2011 destruyó la ciudad y sus padres desaparecieron. Su fotografía, con cámara de campo de gran formato, está muy ligada al territorio y a las relaciones familiares.

Cuando fotografía y literatura se funden en una misma obra, generalmente, aunque no necesariamente, un libro, suelen salir trabajos muy interesante. Elizabeth Avedon nos habla en una entrada reciente de su blog de Kwaidan, en la que se combinan las historias fantasmales de los primeros años del siglo XX de Lafcadio Hearn con las fotografías del fotógrafo actual pero de estilo tradicional Hiroshi Watanabe. Un libro que no me importaría tener.

Masahisa Fukase fue un fotógrafo japonés conocido por su tendencia a la obsesión. Se obsesionó por los gatos. Se obsesionó por su segunda mujer, Yoko Wanibe (también aquí y aquí), que acabó abandonándolo harta de esa obsesión. Y como consecuencia del duelo por el abandono, se obsesionó por los cuervos, fotografías que constituyen su trabajo más celebre. Aunque también el que le llevó a un final trágico. De todo ello nos hablan, y lo explican muy bien, en Cartier-Bresson es un reloj.

Por último, me ha llamado el artículo que en Old Skull han dedicado a las fotografías que del viaje a Tokio hicieron Damjan Cvetkov Dimitrov y Nina Geometrieva. Alojados en un hotel cápsula, dedicaron su viaje al Tokio más futurista, a la arquitectura más moderna. Quizá también la más deshumanizada. País de contrastes se suele denominar a Japón (y a tantos otros). Pero esos contrastes quizá sean más notables en la capital.

[Recomendaciones fotográficas] Libros japoneses de fotografía, charlas sobre procesos antiguos… y alguna otra cosa

Fotografía

Empiezo por los libros. Después de pasar una parte del día del sábado de la semana pasada visitando algunas de las exposiciones de PhotoEspaña 2019, como ya os he contado esta semana aquí y aquí, tuve tiempo para pasar por la galería, tienda y librería de La Fábrica antes de coger el AVE de vuelta en Puerta de Atocha. Este año no encontré ningún libro o catálogo de las exposiciones que me llamara la atención. Pero como en un par de ocasiones anteriores me atrajo el estante de libros de fotografía japoneses de segunda mano. Y me traje dos volúmenes.

La expresividad de Martí Llorens ayuda mucho a sus aptitudes como comunicador; no hay momento para el aburrimiento. Pero es bueno dejar a sus obras que hablen por sí mismas.

El que más aprecio, la edición de 1991 que reunía el Sentimental Journey [Sentimentaru tabi; センチメンタルな旅] y el Winter Journey [Fuyu no tabi; 冬の旅], dos diarios fotográficos que Araki Nobuyoshi, el prolífico y controvertido fotógrafo japonés, dedicó a su esposa Yoko. Ya tengo algún libro sobre este tema, pero este me apetecía especialmente. Me parece un trabajo magnífico. Una historia maravillosa, una declaración de amor incondicional de Araki a su esposa, que pone en cuestión a todos aquellos que le acusan de misoginia o de objetificar a la mujer. Para los que no se cosquen, el Sentimental Journey fue el diario del viaje de novios, recién casados, en el que todas las miradas, fotográficas, de Araki se dirigieron a Yoko. El segundo, el Winter Journey fue el diario de la enfermedad que llevó a Yoko a fallecer prematuramente, hecho que marcó profundamenta al fotógrafo. Son dos trabajos con estilos y sentimientos muy distintos, pero que funcionan conjuntamente como un relojo. Como decía, una de las más bellas declaraciones de amor que he visto en forma de fotografías.

El segundo libro no me resultaba conocido. Ni el trabajo ni el fotógrafo. Se trata de Okuno hosomichi, 101 [奥の細道] de Tsuda Ichiro. El problema de estos libros es que están en japonés. Sobre el anterior, hay que tener en cuenta incluso que se abren y se leeen en sentido inverso a como estamos acostumbrados en occidente. Dado que ir intentando descifrar el contenido de los textos tirando de Google Translator, introducciendo pacientemente los kanji y diversos kanas, es largo y tediosos, me llevará tiempo destripar el contexto del libro. Porque apenas he encontrado referencias en internet. El caso es que el conjunto de fotografías en blanco y negro, muy diversas, desde paisajes hasta desnudos, con algunas llamativamente realizadas con lo que parece un teleobjetivo catadióptrico, me llamó la atención en la librería, era relativamente barato… y decidí cogerlo como curiosidad y darme un tiempo para desentrañar sus misterios. El caso es que tiene fotografías que me gustan mucho.

Charlas… o conferencias, o como os guste llamarlas. En el marco de la exposición de fotografía estenopeica, Zaragoza en línea recta, en la que participo con otros 13 compañeros de la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ y que está disponible para ser visitada en la Casa de los Morlanes de Zaragoza desde el 9 de mayo y hasta el próximo 7 de julio, se ha organizado un miniciclo de dos charlas sobre fotografía, relacionadas con el tema de la exposición. Tuvimos una primera en mayo, ambas han sido en el Museo Pablo Gargallo, en la que Beatriz Aísa, fotógrafa y geógrafa, “alma mater” de buena parte de los fotógrafos que exponemos porque aprendimos la técnica con sus talleres, nos habló de los orígenes de la fotografía estenopeica y de sus proyectos más recientes. Alguno de los cuales vimos el año pasado en BFoto, y son estupendos. Y ayer sábado disfrutamos de la participación del barcelonés Martí Llorens, ver también la Factoría heliográfica, que nos habló de sus proyectos más personales realizados con procesos antiguos. Papel salado, calotipos, negativos sobre papel encerado, estenopeica… pero, sobre todo, la calidad conceptual de sus proyectos muy enraizados en el terreno, en la ciudad, en la memoria y en las transformaciones urbanas. Me lo pasé de maravilla. Disfruté mucho.

Quien haya leído los artículos sobre PhotoEspaña 2019 que he subido esta semana, sabrá que disfruté de las fotografías de Donna Ferrato por partida doble. Recientemente, en el excelente blog de fotografía Cartier-Bresson no es un reloj, le dedicaron una entrada en la que se analizaba el contexto y circunstancias en las que se realizaron algunas de sus más conocidas fotografías de su trabajo sobre la violencia de género. Imprescindible.

Robert Frank es uno de los fotógrafos americanos más reconocido… salvo que es nacido en Suiza. Y cuando en su juventud llegó a Estados Unidos, su visión sobre el país y su sociedad era muy fresca y poco contaminada. Y ahí se explica buena parte del interés de sus reconocidos trabajos. En el canal de Youtube del SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art) nos han ofrecido un vídeo en el que nos hablan de los que Frank aprendió en su momento de la generación Beat, la del momento en que realizó muchos de sus trabajos más célebres. Os lo dejo puesto…

En la visita a las exposiciones del Jardín Botánico en PhotoEspaña 2019, esperabamos ver una instalación de la surcoreana Kimsooja… pero no la vimos. No la encontramos. Nos debimos despistar. El caso es que para ponerme un poco al tanto, he estado visitando su amplia página web, que os he enlazado antes. Siendo muy polifacética, y más orientada al audiovisual que a la foto fija… he encontrado cosas muy interesantes.

Ya hace tiempo que nos ha llamado la atención el fenómeno. Si jóvenes de todo el mundo, especialmente chicas, están tremendamente enganchadas a su teléfono móvil y al selfi, los de las chinas es impresionante. El caso es que luego te encuentras en las redes sociales, en Instagram especialmente, rostros absolutamente imposibles, deformados. Selfis que han pasado por la trituradora de aplicaciones que sirven a estas chicas para presentar la imagen que creen que va a tener más éxito en internet… incluso si esa imagen no les gusta, y preferirían presentar la suya propia. Sobre este tema reflexiona Rankin en un trabajo reciente como nos cuentan en Feature Shoot. Y con esto me despido por hoy.

[Recomendación fotográfica] Nick Brandt, Inherit the Dust

Fotografía

Hoy han subido a la cuenta de Youtube de Fotografiska, museo de fotografía en Estocolmo un vídeo de quince minutos sobre la serie del fotógrafo británico Nick Brandt, Inherit the Dust. Es una de las exposiciones de fotografía que más me han impactado en mi vida. Y tengo el libro con este trabajo. Realizado con película en blanco y negro de medio formato, con cámaras de 6×7, Mamiya y Pentax.

Espero que os guste…

El día que visitamos la exposición hacía una tarde excelente a mediados de agosto en Estocolmo. Y cenamos al aire libre en el bar-restaurante de la propia Fotografiska. Caro,… pero mereció la pena.

[Recomendaciones fotográficas] Algún deceso y otras cosas que me vienen a la cabeza en una jornada electoral

Arte, Fotografía

Hoy es día de elecciones generales en España. Nadie tiene ni idea de qué va a pasar, después de una legislatura muy agitada. Nos dicen que a media jornada la participación a aumentado cuatro o cinco puntos la de las últimas elecciones. Eso suele ser una buena noticia para la salud democrática del país. Pero también suele indicar que hay miedo en mucha gente que habitualmente se abstiene. En otras elecciones previas, una participación alta suele verse acompañada de una victoria de lo que llaman izquierda; pero en esta ocasión creo que nadie se atreve a pronósticar nada, dada la excesiva polarización que se está produciendo en la sociedad.

Y ayer mismo, 27 de abril, Magnum Photos nos recordaba el 25 º aniversario de las elecciones en Sudáfrica que acabaron con el absolutamente infame régimen de discriminación racial que allí regía. Más que discriminación racial, puesto que es dudoso que científicamente se pueda hablar de distintas razas en la especie humana, era discriminación por el color de la piel. La ciencia nos dice que hay menos distancia genética entre algunas poblaciones africanas de piel oscura con los rubios suecos que con otras poblaciones africanas, también de piel oscura. Lo dicho. El racismo, desde un punto de vista racional, es un monumental sinsentido propio de gentes que viven todavía en el Pleistoceno. Por cierto, las fotos del artículo son de Ian Berry. Y que sirvan para recordarnos que el sistema democrático está lleno de imperfecciones, pero que cualquier otro es mucho peor.

Trabajando estoy en el libro de fotografías del reciente viaje a París. Tengo pendiente de recibir las fotos reveladas de tres carretes en blanco y negro. Pero estoy considerando revelar en blanco y negro también la mayor parte de las fotografías digitales. Quizá deje en color las de la visita a Disneyland con la familia… no sé, ya veré.

Esta semana hemos tenido que lamentar la muerte de Michael Wolf, un fotógrafo peculiar, pero muy apreciado por su creatividad y por su mirada al mundo. Especialmente a aquellas condiciones que aislan al ser humano cuando está rodeado de millares de sus semejantes. En la ciudad. Como punto de partida, la noticia tal y como la proporcionó The Online Photographer. Pero os voy a dejar un vídeo de Foam (canal de Youtube; instagram), el museo de fotografía de Amsterdam. Habla de un artículo del fotógrafo para el número Peeping de la revista del museo. Un número que tengo, muy interesante, de cuando era posible comprar esta revista en algún quiosco de Zaragoza.

Uno de los temas que más condiciona el debate político en los últimos tiempos son las migraciones. Hay grandes cantidades de desplazamientos de personas por motivos de persecución política, por razones económicas, por las guerras, por la discriminación en la orientación sexual, por todo lo que se os ocurra. Y como triste consecuencia, aparece esa tendencia pleistocénica de la especie humana a rechazar al que no es de la familia o de la tribu. Siendo Canadá uno de los países más abiertos y con más calidad democrática del mundo, me ha llamado la atención el reportaje de NPR The Picture Show sobre los canadienses de origen coreano. Y como sus rasgos los condicionan completamente en su integración en la sociedad a pesar de ser canadienses de segunda o tercera generación. Las fotografías son Hannah Yoon (instagram). Canadiense. O coreana. Ahí está la cuestión. Por supuesto, el fenómeno también se da en sus vecinos estadounidenses. En este caso, tienen el color de piel “suficientemente claro”, pero su pliegue palpebral, la fórma de sus pómulos, el negro color de su pelo y alguna otra tontada más parece que suponen un algo que marca todo tipo de diferencias.

The Art Assignment es cultural dedicado a la difusión del arte en Youtube, impulsado por la PBS, el sistema de la radio pública estadounidense. Esta semana han publicado un vídeo sobre la representación de las migraciones en el mundo del arte. Desde las migraciones de los pueblos austranesios hace miles de años desde la isla de Taiwan por el Índico y el Pacífico hasta las migraciones internas recientes en Estados Unidos, pasando por la migración de los pueblos mexicas que dio lugar a un potente imperio en lo que actualmente son los Estados Unidos Mexicanos. Os dejo el vídeo

Termino con un artículo que apareció recientemente en Lenscratch que nos habla de los esfuerzos del artista audiovisual Tim Matsui para realizar un documental sobre la prostitución y los mecanismos sociales que mantienen esta actividad de la que las principales víctimas son las mujeres que se ven obligadas a practicarla. Y sin embargo, también son muchas veces las primeras perseguidas por las hipócritas sociedades que mantienen esos mecanismos de reproducción social de la prostitución. Impresiona ver como no pocas de las mujeres con las que trabaja Matsui han sido víctimas del tráfico de seres humanos, forzadas a prostituirse y a convertirse en adictas a la heroína, y a pesar de todo el sistema las castiga con frecuencia en lugar de echarles un cable para salir del agujero.

[Recomendaciones fotográficas] De pequeñas ciudades, de la salud de las mujeres y otras cosas

Fotografía

Esta semana adelanto un día mis recomendaciones fotográficas. Y no tengo mucho tiempo para dedicarles, tengo mucho que hacer estos días. Cosas que tienen que ver con un viaje dentro de dos meses, al que hay que dedicarle su tiempo. Y además me gustaría tener tiempo para caminar con mi cámara un poco por el mundo.

En Lenscratch nos proponen echar un vistazo al proyecto Lentini de Andrea Modica. Fotógrafo norteamericano, a pesar de su nombre italiano, que ha documentado la vida en un pequeña ciudad italiana del sudeste siciliano. Fotografías en blanco y negro, de tonos suaves, amables, empáticas, hacia la realidad de una ciudad poco destacable, pero que, como todas, está habitada por seres humanos.

De vez en cuando conviene echar la vista atrás en nuestro archivo fotográfico. Estas fotos de San Juan de la Peña solo las había mirado en color. Y creo que el blanco y negro merece la pena ser considerado.

En los últimos tiempos, por motivos profesionales, hemos tocado varias veces el tema de salud y desigualdades de género. Aunque durante el siglo XX la mortalidad en la especie humana ha sido superior en los hombres, por motivos no siempre claros, lo cierto es que las mujeres enferman más, sus problemas se diagnostican más tarde, y a veces de forma incorrecta. Y no sólo han de cuidarse a sí mismas, sino que muchas veces siguen siendo las cuidadoras principales del entorno familiar, con lo que descuidan su propia salud. En Lensculture nos proponen las fotografías y los dibujos de Róisín White, con las que reflexiona precisamente sobre los sesgos y la carencia de voz de las mujeres en los centros sanitarios. Así como sobre los prejuicios históricos hacia las enfermedades que “pueden o no” padecer las mujeres.

En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos proponen visitar la obra de una artista abulense, María Sánchez, que utiliza la fotografía en su actividad artística, pero muchas veces combinada con el vídeo, la performance y los montajes con técnicas mixtas. Es fundamentalmente una artista conceptual, lo que en esto momento intimida a algunas personas, pero a la que creo que merece la pena conocer.

Finalmente, también desde Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red, nos llega la recomendación de la obra de la japonesa Sakiko Nomura, una de las discípulas aventajadas de Nobuyoshi Araki. Frente a los comunes desnudos femeninos que encontramos en la obra de muchos fotógrafos, Nomura se ha dedicado más al desnudo masculino, pero como sujeto frágil, lejos de la figura del hombre firme, machote. Alterna los desnudos con otros temas como el paisaje, tanto natural y urbano, o la naturaleza muerta.

[Recomendaciones fotográficas] Libros fotográficos y el encuadre fotográfico

Fotografía

Últimamente he cambiado un poco mi estrategia a la hora de comprar libros de fotografía. En primer lugar, por si no ha quedado claro con anterioridad, no me refiero a libros de técnica fotográfica, aquellos que nos enseñan, con mayor o menor fortuna, los principios técnicos, más o menos básicos o más o menos avanzados, para obtener nuestras fotografía. Hace tiempo que llegué a la conclusión de que, aunque hay muchos y muy variados, muchos de ellos tienen carácter muy especializado, para determinados tipos de fotografía, y que si dominas unos cuantos principios básicos sobre exposición, control de la luz de la calidad de la luz y composición… puedes enfrentarte al 90 % de las situaciones. La clave no es adquirir más conocimientos, sino aplicarlos con frecuencia, hacer fotografías y, también, fijarse en los mejores. En ocasiones, intentar replicar las condiciones de toma de aquellas fotografías que nos llamaron la atención, aunque introduciendo siempre variaciones, diferencias, que sean lo que poco a poco definan nuestro estilo. No pasa nada por copiar, el problema es plagiar. Incluso de forma inconsciente. No comparto la filosofía de quien, cuando ve una foto que le gusta, quiere replicarla a la perfección. Prefiero la filosofía de quien, cuando ve una foto que le gusta, intenta reproducirla pero con un estilo propio.

Ayer exploramos nuevos paisajes entre el puente sobre el Cuarto Cinturón de Zaragoza y la pasarela sobre el Ebro en el camino de la Alfranca. Pero como fuimos caminando desde mi casa, en el barrio de San José, y atravesando la huerta de Las Fuentes y Montemolín, calculamos mal el tiempo y llegamos media hora más tarde de lo que debíamos. No obstante, estuvo bien. Volvimos por la Cartuja, donde cogimos el autobús urbano. Me queda por revelar lo que hice con película tradicional.

Pero a veces nos lanzamos a contemplar la fotografía de artistas complejos, tanto en sus conceptos como en sus realizaciones. Y pasamos por alto la de aquellos que nos pueden guiar en el camino de fotografías sencillas de realización, cuya calidad se ve condicionada más por el concepto o la idea que reside tras ellas, sin desdeñar, nunca, la calidad técnica. Hay fotógrafos que editan pequeños libros, por su cuenta, o apoyados por pequeñas editoriales independientes, que nos pueden convenir para adquirir ideas.

Another Place Press es una de estas editoriales que apoya a los fotógrafos mediante ediciones de pequeña tirada, en formatos modestos pero bien presentados, y en los que el tema más frecuente es el paisaje. Aunque muchas veces un paisaje con significado. Hace unos años empecé a seguir su blog en Tumblr, pero por algún motivo, que debe tener que ver porque esta plataforma, independientemente de la polémica de la censura, cada vez tiene menos interés en favor de otras más dinámicas. El caso es que en su momento adquirí un par de libros de paisajes que me gustaron, de sus primeras ediciones; Føroyar de Kevin Faingnaert, y Cascadia de Coby Cobb.

Recientemente he vuelto a prestar atención a esta editorial, pero siguiendo su perfil en Instagram. Y eso me llevó a visitar su página principal y comprobar que había un cierto número de libros que me interesaban, aunque no pocos estaban agotados. No obstante, encontré un par de publicaciones que me interesaron y que pude adquirir. Siempre dentro del tema principal de la editorial, el paisaje.

El primero es The Moor de Robert Darch [Instagram], que debuta en la publicación de libros de fotografía con este título. En el libro, Darch recorre el paisaje natural y humano de los páramos del condado de Dartmoor, un paisaje áspero, frío, pero indudablemente bello, que rompe con las ideas habituales que tenemos del paisaje de la campiña inglesa. Donde Conan Doyle situó una de las más célebres aventuras del detective Sherlock Holmes. Esto último es anecdótico.

El segundo es un libro doble, aTAcaMa y El Tatio, del chileno Luis Lazo [Instagram]. Chileno hemos dicho, pero creció y se desarrolló como persona y artista en el exilio, por culpa del golpe militar y fascista que asoló el país sudamericano. Estos dos libritos, son pequeños, más bien cuadernillos, como muchos libros de la editorial, recorren áridos paisajes, inhóspitos, pero indudablemente bellos, en un viaje de descubrimiento, de reencuentro con el país de origen. El primero dedicado al famoso desierto del norte del país, pero también escenario de los asesinatos del régimen militar fascista; el segundo, el tercer mayor campo de géiseres del mundo, también en el norte, en la región de Antofagasta. Están muy bien.

Finalmente, una fotógrafa de la tierra, Vicky Méndiz [Instagram], cuya obra podemos contemplar en dos exposiciones activas en estos momentos en Zaragoza. Es una de las seleccionadas para la exposición Cierta luz – De fotógrafas aragonesas que ya he comentado, en la Lonja de Zaragoza, y también una de los artistas que exponen en el Torreón Fortea, en la exposición Lugares significantes. En esta última, estuve hojeando un librito de Méndiz con un título en japonés, Honne/Tatemae [本音/建前], dos términos hasta cierto punto contrapuestos, o quizá, complementarios. El primero representaría el natural ser de las cosas, el segundo, la apariencia, la fachada con la que se presentan. Y en cierto modo es un libro que está en la línea de otros que he comentado recientemente de fotógrafas europeas atraídas por el País del Sol Naciente, como pueden ser los de Lena C. Emery o el de Jitka Hanzlová.

Este último está autoeditado por la propia fotógrafa, y aquí en Zaragoza se puede encontrar en la Galería Librería La Casa Amarilla, que representa a la fotógrafa y donde lo compré. Además pude visitar la exposición actualmente en marcha, de Almalé y Bondía, Jesús Almalé y Javier Bondía, también ambos fotógrafos zaragozanos, en el que en dos series distintas, pero mucho más relacionadas de lo que parece a primera vista, reflexionan sobre el impacto sobre el planeta de los vertidos y de los plásticos. La persona al cargo en ese momento de la galería conversó un ratito, no pude estar mucho tiempo, comentando la exposición y fue muy interesante.

Por último, recordar un artículo de Oscar Colorado en su blog que me ha aparecido hoy mismo en el agregador de noticias sobre el encuadre fotográfico, mucho más concreto, preciso e interesante que los rollos que sueltan algunos iluminados sobre la composición y el encuadre en fotografía.

[Recomendaciones fotográficas]

Fotografía

No son muchas las recomendaciones de esta semana. Ha vuelto a ser una semana con mucho lío, y eso siempre me deja la atención tocada. No puedo dedicar tantos segundos a marcar cosas para revisar el domingo, o me atención no se centra en ello. Pero algunas cosas hay.

Comentaré más despacio sobre él mas adelante; pero he estrenado un pequeño objetivo supergran angular para las micro cuatro tercios. Un 7,5 mm f/2 de origen chino, que quizá no use mucho, pero que me parece muy disfrutable.

Hoy mismo he encontrado un tweet de Davenant en el que nos recuerda la fotografía Girl holding kitten, London 1960 de Bruce Davidson. Desde mi punto de vista una de las mejores fotografías de la historia o, al menos, una de las que transmiten más humanidad y empatía hacia otros seres humanos. Dice que Davidson la consideraba su mejor fotografía, y Davidson es uno de los grandes de la fotografía, así que no creo que desbarre mucho con mi apreciación. El caso es que si la observas con detalle, la fotografía, realizada con una Leica M3 y un objetivo de 50 mm, probablemente un Summicron, y sobre película Ilford HP3, antepasada lejana de la actual HP5 Plus 400, no está especialmente nítida y tiene una considerable estructura asociada a la granularidad de la película. Y sin embargo, una de las mejores fotografías de la historia. En una época donde tanta importancia se le da a la nitidez, y tanto dinero se invierte y los fotógrafos se gastan en objetivos cuasiperfectos… relativiza el concepto de qué hace de una fotografía una gran fotografía. De todos modos, el Summicron 50 mm de Leica nunca ha sido tampoco un objetivo barato.

En la exposición Cierta luz – De fotógrafas aragonesas que ya he comentado varias veces, y a la que he acudido en cuatro ocasiones ya, me llama mucho la atención, dedico muchas miradas al trabajo Systema naturae de Lorena Cosba [instagram] en la que materializa sus fotografías sobre objetos naturales; hojas, piedras, madera,… En Lenscratch, esta semana, han publicado un artículo que me lo ha recordado. No sé si los procesos utilizados por Robert Schulz son los mismos o similares; da igual, es importante la impresión que genera en el espectador el resultado y lo que se quiera comunicar. Pero la impresión mediante clorofila sobre hojas de antiguas fotografías de la guerra civil norteamericana me ha parecido también un trabajo notable que, a través de su transmisión mediante objetos naturales, nos humaniza a quienes participaron y sufrieron un acontecimiento tan embrutecedor y deshumanizante como es una guerra. Aparecen en el artículo también alguna cianotipia de su maestro Binh Danh.

No sé si al artículo y entrevista que Josh Reichmann realiza a Osheen Harrthoonyan en The Luminous Landscape lo podréis ver libremente. Esta página de gran calidad sobre fotografía, en especial sobre paisaje fotográfico, exige una mínima suscripción equivalente a un dólar al mes, o algo así, para acceder a todos sus contenidos. El fotógrafo, utilizando una cámara de gran formato, sobre cuyas placas realiza manipulaciones, obtiene imágenes a caballo entre el paisaje y la abstracción que no han dejado de llamarme poderosamente la atención. Y es que las posibilidades del medio fotográfico y sus numerosas técnicas son infinitas, comparadas con la limitada visión de muchos fotógrafos modernos que se han iniciado en la fotografía digital.

Alec Soth [en Magnum Photos]es un fotógrafo que cada vez me gusta más. Ya lo he mencionado varias veces en mis recomendaciones y en mis libros de fotografía. Esta semana le han dedicado un artículo en Magnum Photos con motivo de la publicación de un nuevo libro, I know how furiously your heart is beating. En este libro, se introduce en los hogares de la gente, y con una mirada limpia, empática, los retrata como los ve. Empezaré a pensar en adquirirlo… aunque los fondos son limitados y hay otros candidatos.

Para terminar, pasaos por el artículo en el que se explora cómo los fotógrafos de esta agencia, Magnum Photos, afrontan la fotografía del cuerpo humano. De forma muy diversa, claro, como las personalidades de los fotógrafos afiliados a la prestigiosa agencia.

[Recomendaciones fotográficas] La luz de los Países Bajos, genocidios y puertas abiertas

Fotografía

Esta semana no he tenido mucho tiempo para prestar atención a los agregadores de noticias, y no he acumulado muchas recomendaciones fotográficas. Pero alguna hay, y creo que son muy interesantes.

En Clavoardiendo nos comentan la inaguración en San Sebastián de una exposición sobre el retrato en la fotografía holandesa contemporánea. Exposición colectiva que recoge la obra de tres fotógrafas de los Países Bajos, Sanne de Wilde (instagram), Hellen van Meene (instagram) y Carla van de Puttelaar (instagram), y que, por su forma de aprovechar y utilizar la luz, se constituyen como herederas formales de la escuela flamenca del barroco holandés. Tengo una relación ambigua con la obra de los fotógrafos neerlandeses, o por lo menos por muchos de los más conocidos. Formalmente impecables, con una maestría técnica y compositiva innegables, muchas veces sus retratos me resultan fríos, incluso desangelados. Lo cual no necesariamente es un problema, porque muchas veces tratan de transmitir el desamparo de las personas en el mundo contemporáneo. En especial de los más jóvenes. En cualquier caso, creo que es más que recomendable darse un garbeo por la obra de estas tres excelentes fotógrafas.

Ilustraremos la entrada fotográfica con mis paisajes alterados por el ser humano, donde la ciudad termina y empieza eso que llamábamos el campo.

La (buena) fama que creas alrededor de ti depende más de tu capacidad para las relaciones públicas que de tus méritos y cualidades. En el concierto de las naciones, las ideologías o las creencias religiosas pasa algo parecido. Suiza es uno de los países con mejor imagen del mundo. Neutral y pacifista. Sin embargo, buena parte de sus territorios los anexionaron en acciones bélicas, tuvieron una guerra civil a mediados del siglo XIX y es uno de los países con más número de armas por ciudadano en el mundo. La religión musulmana tiene en estos momentos un imagen nefasta, salvo en los países islámicos, claro está; mientras que los budistas están de moda, y la postmodernidad en masa se apunta a sus mindfullness, veganismos y otras modas venidas de oriente. Y también muy pacíficos ellos. Salvo cuando un país mayoritariamente budista como Myanmar, con una premio nóbel de la paz como primera ministra, o algo parecido, lleva a cabo un sistemático genocidio y expulsión del país de una minoría étnica de religión islámica. Uno de esos conflictos “incómodos” en occidente y en la hipócrita prensa occidental. En Feature Shoot compensan un poquito la cuestión con una artículo sobre el tema ilustrado por las fotografías de Saiful Huq Omi. Reflexionemos un poco sobre las “buenas famas”…

Ai Weiwei es sin duda alguna uno de los artistas contemporáneos más conocidos y mediáticos de China. Tanto por sus obras, abundantes, y en las que no falta la calidad conceptual, como por su oposición al régimen chino. No es un fotógrafo. Pero usa, con frecuencia, la fotografía para documentar sus trabajos, o para inmortalizar algunas de sus performances más significativas. Y también la usa como medio primario de expresión en ocasiones, y también es interesante conocerlas. En Lensculture nos hablan de esta cuestión y nos comentan la publicación de un libro que puede convenir a los interesados en la obra fotográfica de Ai Weiwei (muy desactualizado, mejor en instagram o twitter). Pensándomelo estoy.

[Recomendación fotográfica] Museos de fotografía y sus artistas invitados

Fotografía

Echo de menos la existencia en España de museos de fotografía. Sólo tengo localizados dos, que no he tenido oportunidad de visitar. Uno es el Museo de Fotografía de Huete en la provincia de Cuenca, no es fácil llegar, no pilla de paso a casi ningún sitio,… y el otro es el Photomuseum de Zarauz, que no existía cuando visité esta villa guipuzcoana hace… veintiocho años en abril. Así que lo más probable es que uno acabe visitando este tipo de establecimientos cuando viaja por el extranjero.

Ayer caminé entre el puente de Santa Isabel sobre el río Gállego hasta su desembocadura, y más allá del azud sobre el río Ebro. Y aunque los árboles están deshojados todavía, todo indica que la primavera está llegando este año a marchas forzadas.

He visitado varios en Europa. Todos tienen características similares. No suele haber exposiciones permanentes, al estilo de los museos de bellas artes tradicionales. Puede que tengan una exposición temporal con obras extraídos de sus fondos propios, y basan su oferta expositiva en la obra invitada de diversos artistas u otras instituciones. Los conozco en Suiza, Francia, Holanda, Suecia,… en una diversidad de lugares. Casi todos tienen alguna cuenta en redes sociales, más o menos activa. Y es frecuente que, si tienen cuenta en Instagram, inviten a artistas a seleccionar obra propia o de otros artistas para la cuenta del museo durante unos días. Vamos a hacer un repaso de los recientes.

Fotografiska, en Estocolmo (Suecia). Un lugar estupendo. El mejor, o de los mejores. Estos días atrás tenía como artista invitada a Jens Johnsson, con fotografías que reflexionan sobre la paternidad. También a Alison Jackson

También han tenido a Alison Jackson, reflexionando fotográficamente sobre lo que es verdad o mentira, o lo que parece verdad sin serlo.

El Museum für Photographie Braunschweig no deja en manos de los fotógrafos su cuenta de Instagram, pero no deja de anunciar oportunamente a los que exponen en sus salas. Como todos los demás, claro. Este no lo he visitado todavía. La próxima vez que vaya por Alemania, si me pilla de paso… Ahora que caigo, yo he transbordado alguna vez de tren en la estación de Braunschweig… pero no tengo ni idea de cómo es la ciudad.

En la Maison Européenne de la Photographie han confiado su cuenta de instagram a la española Coco Capitán… que según creo está establecida en Londres. Como otros. Muy multidisciplinar esta artista… y un poco demasiado comercial en algunos aspectos para mi gusto. Pero es muy apreciada en no pocos ambientes artísticos.

Photography of China no es exactamente un museo. Más bien una revista en línea. Pero también cede su cuenta en instagram a los artistas invitados. Últimamente se ha tratado de @dengzhang456… no han publicado todavía el artículo sobre este artista en sus páginas virtuales, así que no sé como se llama exactamente. ¿Deng Zhang? Supongo.

Si en un futuro voy incorporando nuevos museos o instituciones con prácticas similares, la de ceder sus cuentas en redes sociales a los artistas, los iré trayendo aquí. Pero hay más cosas.

Magnum Photos nos ha trasladado de la mano del fotógrafo taiwanés Chien-Chi Chang, residente en Austria, al plató de rodaje de Alfonso Cuarón para Roma. Una película cuya dirección de fotografía se atribuye al propio Cuarón, premiado por esta categoría en los Oscar de este año. Pero que se ha rodeado de polémica, por el no reconocimiento de Galo Olivares como codirector de fotografía de la película, a pesar de que en algunas hojas técnicas del rodaje aparecía como tal. En los créditos aparece como operador de cámara. Si es verdad que su labor fue más allá, una cutrería por parte de Cuarón, que anda sobrado de prestigio como para no repartir un poco los méritos.

Quiero participar en un concurso de fotografía, y tengo fotografías que se ajustan al tema del mismo, pero realizadas con cámaras de película fotoquímica tradicional. Pero las bases indican que es concurso de fotografía digital. Mentiría si no reconociese que es algo que me tiene ligeramente “rayado”… ligeramente, nada grave. Al fin y al cabo, cada concurso es libre de organizarse como crea conveniente. En Lenscratch, mientras tanto, nos ofrecen los premiados de un concurso reservado exclusivamente para la fotografía con película tradicional, con algunas fotografías absolutamente excelentes. Pero soy de los que piensan que fotografía sólo hay una, y lo demás son técnicas fotográficas. Y cada uno se expresa con la que cree conveniente.

Finalmente, en el canal de Youtube de The Art Assignment han dedicado su último vídeo a un análisis de una obra de arte. Y esa obra de arte es una fotografía de August Sander. Y han hecho un trabajo magnífico. Lo he visto ya cuatro veces, y estoy emocionado. Os lo dejo puesto.

[Recomendaciones fotográfica] De lo más clásico a lo contemporáneo… o al revés

Fotografía

Empiezo estas recomendaciones fotográficas, que sé a qué hora comienzo pero no a qué hora terminaré este domingo. Y empiezo con una nueva visita a la exposición Cierta luz. De fotógrafas aragonesas. Recordaremos que esta exposición, que se celebra en la Lonja de Zaragoza hasta el 23 de abril, recoge la obra de más de 50 fotógrafas nacidas o relacionadas con Aragón de alguna forma. Está comisariada por el Colectivo 4F (instagram), colectivo de fotógrafas, también relacionadas de una forma u otra con la comunidad autónoma.

Las fotos,… realizadas en la Lonja, durante la visita guiada a la exposición… y alrededores.

No es el primer comentario que hago de ella. Pero hay que destacar que en esta ocasión fue una visita colectiva realizada desde la Asociación Fotógrafos de Zaragoza AFZ, y que fue guia por dos miembros del Colectivo 4F y otras fotógrafas, todas ellas con obra en la exposición. Por parte del Colectivo 4F tuvimos a Lara Albuixech (instagram) y Lorena Cosba (instagram). Entre las fotógrafas participantes tuvimos a Teresa Grasa, Arancha Benedí (instagram) y, por supuesto, la presidenta de nuestra asociación Beatriz Orduña (instagram). Gracias a todas por las explicaciones y la atención que nos prestasteis. Aunque no quería destacar especialmente hoy a ninguna de ellas ni otras fotógrafas de la exposición, el intercambio de impresiones durante la visita, y algún despiste mío, llevó a que Beatriz me remitiera un vídeo donde Lorena Cosba explica su obra, que realmente me ha llamado mucho la atención todas las veces que he visitado la exposición.

En esta semana me han surgido varios artículos de fotógrafas clásicas, ya que estamos con mujeres fotógrafas. Fotógrafas que cualquier aficionado a la fotografía debe conocer desde mi punto de vista.

En COOPH, un sitio más bien comercial, que vende cosas, de vez en cuando sacan algún artículo interesante, y en esta ocasión nos han hablado de la botánica de la época victoriana Anna Atkins, que usó la cianotipia para documentar las formas y características de las algas. Todo un clásico.

Y Oscar Colorado ha dedicado dos de sus artículos en profundidad a hablarnos de dos de las más importantes fotógrafas norteamericanas. En primer lugar, la pictorialista Gertrude Käsebier. El pictorialismo no será mi estilo favorito con carácter general, pero la obra de Käsebier me parece tremenda. En el segundo, se nos habla de una fotógrafa que fue discípula de la anterior en algún momento, pero que claramente la trascendió convirtiéndose en uno de los nombres claves de la historia de la fotografía universal, no sólo de la norteamericana. Me refiero a Imogen Cunningham, longeva y activa, representa por sí misma a una buena parte de lo que la fotografía fue en el siglo XX.

Un artículo en Lenscratch sobre la fotógrafa norteamericana contemporánea Lydia Panas (instagram), me ha recordado que esta fotógrafa ya ha llamado mi atención en varias ocasiones, especialmente con sus retratos. Otro artículo en Lens Culture, me ha permitido conocer el trabajo de la rusa Maria Dupovkina, basado en autorretratos ante un espejo, en solitario o con familares y amigos, en los que intenta aclararse en cuanto a su identidad personal y sexual, siendo una persona que no encuentra su lugar en la clasificación binaria de la identidad sexual. Especialmente en un país tan poco tolerante a la diversidad como es el suyo.

Y por hoy, nada más. Como suponía he empezado este artículo pronto por la mañana, a las diez de la mañana, y lo termino a las… (esperad que ponga las fotos)… seis y diez de la tarde.