[Recomendación fotográfica] La luz de los viajes y la fotografía sin luz

Fotografía

Dentro de una semana comenzaré un nuevo viaje. Al oriente asiático. Ya os iré contando. Ahora estoy en esos días previos en los que, sabiendo que hemos hecho el esfuerzo razonable para planificar el viaje, queda la duda de que nos hayamos olvidado de algo o algo lo hayamos planificado mal. Siempre se genera algo de ansiedad previa, por mucho que hayas viajado.

También está la planificación del soporte fotográfico del viaje. No me preocupa mucho. Ahora tengo un equipo en el que confío mucho, por lo que dependerá de mí aprovechar las oportunidades que me surjan. No he decidido aún si me llevaré alguna camarita con película tradicional además de la cámara dígital. Quizá me lleve la Olympus mju-II con un par de carretes de Ilford XP2 Super. Que me ocupará muy poco en el equipaje, y es una cámara resistente a las salpicaduras. Seguro que nos llueve de vez en cuando.

20180831-37

Aun tengo recientes las fotografías de mi último viaje, a tierras germanas y helvéticas, donde sí que usé ampliamente la película tradicional en blanco y negro.

Recientemente, en Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos han hablado de Marie Takahashi, una fotógrafa japonesa que es incluida con cierta frecuencia en los listados de los mejores fotógrafos de viajes. Por ejemplo, en esta página donde es considerada la cuarta mejor de 25 seleccionados. No insisto con otras, puesto que en algún caso me ha dado la impresión de que se copiaban entre sí algunos de estos listados. Independientemente de esto, a mí es que me ha gustado el estilo de Takahashi. Es muy limpio, muy claro, muy centrado en el contenido, lejos de los artificios de los colores excesivamente saturados, de los HDR u otras técnicas que han surgido con el auge de la fotografía digital y que buscan más la imagen espectacular que la que transmite una historia o un sentimiento. A mí, las soluciones sencillas me atrae más que las espectaculares.

20180831-46.jpg

Finalmente, hoy os traigo también otro vídeo del SFMOMA (Museo de arte moderno de San Francisco), recientemente publicado en su canal de Youtube. Alison Rossiter juega con la degradación de los papeles fotográficos, algunos de ellos realmente muy muy antiguos, muy muy caducados, para jugar con la luz o con la ausencia de la misma. Algunas veces, los embalajes de los papeles antiguos son tan bonitos que da pena que los abra para usar el papel…

20180831-60.jpg

[Recomendación fotográfica] Tsunami

Fotografía

Una recomendación rápida para este domingo que quiero dedicar a cosas distintas que colgarme de internet para lo que sea. Una vez más nos llega del canal en Youtube del Museo de arte moderno de San Francisco (SFMoMA). La fotógrafa japonesa Lieko Shiga estaba establecida en la pequeña localidad de Kitakama, unos 70 kilómetros al norte de Fukushima, donde trabajaba y tenía su estudio, cuando llegó el tsunami de 2011 que arrasó con esta localidad y con el bello paisaje de bosques costeros en el que se inspiraba. Después ha seguido trabajando en la zona. Con otros enfoques, pero manteniendo el enraizamiento en la comunidad, en sus tradiciones, en su historia, en su miedos, en sus alegrías y en su relación con el paisaje.

Como fotografías acompañantes… bueno, ayer aproveché para pasear por las rosaledas del Parque Grande de Zaragoza, aprovechando la suave luz que nos ofrecía un ligero nublado que disfrutamos toda la mañana.

20180915-1041448

[Recomendación fotográfica] Fotolatas y otros orificios diminutos

Fotografía

Desde hace unas semanas, inmerso en la preparación de mi participación en un proyecto colectivo de fotografía estenopeica, impulsado desde la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ, que si todo va bien, y no tiene porqué ir mal, acabará en una exposición en Zaragoza en algún momento de la primavera del año que viene.

En estos momentos, realizando algunas fotografías más para complementar y mejorar, en la medida de lo posible mi proyecto personal, del que ya hablaré algún día más adelante. No tengo decidido qué fotografías voy a presentar todavía, estoy en el proceso de decisión. Quizá alguna de las que hoy se ven pueda ir. Quizá no.

20180912-824.jpg

Para quien no sepa, la fotografía estenopeica es la fotografía con una cámara que no dispone de un sistema óptico con lentes, más o menos complejo, sino que la luz entra en la cámara oscura a través de un pequeño orificio, suficientemente pequeño en relación a la superficie sensible a la luz y a la distancia entre el orificio y esta superficie, como para que haya una representación de la realidad razonablemente nítida. Aunque las imágenes nunca alcanzan la nitidez de la fotografía con objetivos con lentes, la estética de las misma puede ser mucho más expresiva. Aparte de abrazar la estética de las imperfecciones, derivada del hecho de que muchas de estas cámaras son de fabricación casera. El enlace anterior lo he dirigido al artículo correspondiente de la Wikipedia en inglés, Pinhole photography, porque el de la Wikipedia en español no me gusta.

HolgaPan-FP4+-UF+-005.jpg

Coincide que hoy mismo, atención a los aficionados de Madrid o cercanías, las Fotolateras presentan en la capital su último trabajo dedicado a Japón. Tuve la oportunidad de conocer y conversar con Marinela Forcadell y Lola Barcia, las Fotolateras, en mayo del año pasado, cuando presentaron su proyecto Ciudades enlatadas en el contenedor de Enlatamus en Remolinos, cerca de Zaragoza. Quedamos sorprendidos por la gran calidad de los trabajos que hacen con sus pequeñas latas de café. No me importaría conocer este nuevo trabajo, aunque de momento no han actualizado su página web con fotografías del mismo. Apenas he podido ver un par de ellas en la noticia de Clavoardiendo Magazine en la que me he enterado de la presentación del trabajo. Tampoco la Galería Rizoma, donde presentan el trabajo está actualizada al respecto. Va a haber libro del proyecto. A ver si podemos echarle el guante. De momento, no sé donde… aunque se que lo edita Sin pereza books (en Instagram).

HolgaPan-FP4+-UF+-006.jpg

[Recomendación fotográfica] Morath y Woodman, dos estilos, dos conceptos y dos referentes

Fotografía

En el mundo de la fotografía se dan, sin duda, las mismas brechas entre personas de distinto sexo que en cualquier otro sector artístico, productivo, o como lo queramos considerar. Hoy, desde que esta mañana he decidido no leer en el autobús urbano el libro que comencé hace unos días, y en su lugar he estado leyendo las noticias en el teléfono móvil, llevo dándole vueltas a cómo se entiende el equilibrio entre las personas de distinto sexo, y si llevamos el mejor camino. El tema tenía que ver con el deporte. Pero como no he llegado a ninguna conclusión clara… no sé si en algún momento hablaré de ello o no. Pero preocupado estoy sobre la futura evolución de la sociedad en estos aspectos.

Como decía, en la fotografía se dan las brechas. Recientemente surgió el movimiento en redes sociales #nosinfotografas, a imagen y semejanza del #nosinmujeres en otros ámbitos, para reclamar la presencia de las fotógrafas en distintos ámbitos de la sociedad. Pero además de la baja representación de las numerosas profesionales o aficionadas que existen, está también la distinta valoración de los temas o enfoques que adoptan. Ahí también se pueden apreciar discriminaciones. Quizá por eso hoy he traído a estas páginas dos fotógrafas. Una que siempre me ha gustado, otra cuya obra se ha revalorizado mucho últimamente, aunque desgraciadamente ella nunca podrá disfrutarlo.

20180910-8.jpg

A principios de agosto descubrí que tenía una cámara, la Pentax MX, cargada con un carrete en color, luego supe que era un Kodak Portra 400, y no me acordaba para qué la había cargado… terminé el carrete con algunas fotos y lo mandé a revelar. Y ya me acordé… pero sin continuidad, las fotos han quedado un poco anecdóticas. Os dejo aquí algunas.

Inge Morath es desde hace unos años una de mis fotógrafas favoritas. Y no me refiero sólo a favorita entre las mujeres fotógrafas, sino favorita entre todos los fotógrafos, todos los sexos mezclados. Morath fue una fotógrafa austriaca que llegó a la fotografía después de la guerra mundial y a través del periodismo. Al principio escribía, luego fue adoptando el lenguaje de la fotografía para expresarse. Fue por lo tanto una fotógrafa documental fundamentalmente.

Sin embargo, recientemente nos han recordado en Magnum Photos uno de sus trabajos, de 1962, que hoy no dudaríamos de calificar como de fotografía conceptual. Fue una colaboración con el caricaturista e ilustrador norteamericano de origen rumano, Saul Steinberg. Un trabajo conjunto en el que Steinberg comenzó a diseñar una máscaras, sencillas, realizadas con bolsas de papel sobre las que dibujaba unos rostros con diferentes expresiones, y con las que posaban ante Morath, primero él, después otras personas, en situaciones cotidianas, habituales, que quedaban totalmente puestas en cuestión por la presencia de las máscaras y la expresión que en cada una de ellas se presenta. Una profunda reflexión sobre la identidad, proveniente de dos inmigrantes centroeuropeos con residencia en Manhattan. Algunas de las fotografías de la serie me parecen simplemente geniales. Y en su conjunto, me parece que está llena de significados y cuestionamientos sobre la sociedad del momento. Impresionante.

20180910-9.jpg

Francesca Woodman fue una fotógrafa nacida 25 años después que Morath. Y esta no fue inmigrante, sino norteamericana de nacimiento, criada en una familia de artistas y creadores. Desde muy joven empezó a utilizar la cámara de fotos para plasmar los conceptos que le preocupaban, muchas veces dirigiendo el objetivo hacia sí misma, en autorretratos en los que se presenta como ella mismo o como otras personas, muchas veces despojada de todo camuflaje, desnudad, muchas veces en entorno desolados. Murió joven. Afectada por alguna enfermedad mental, se suicidó con sólo 23 años. Durante mucho tiempo su obra quedó en el olvido, pero en los últimos años ha comenzado a ser muy valorada, se han publicado libros sobre ella, y los museos de arte contemporáneo y de fotografía se han lanzado a comprar obra de la fotógrafa, así como no pocos particulares.

En Cartier-Bresson no es un reloj han dedicado recientemente un artículo a la artista con abundancia de material gráfico y audiovisual para mejor comprender su obra. También hace un par de años largos, Oscar Colorado elaboró un informe especial sobre la fotógrafa, que también ayuda y mucho a comprender la obra de la joven malograda artista.

Bueno. Pues estas son la recomendaciones de hoy. Dejando claro que en estas páginas si contamos con las personas de todos los sexos.

20180910-10.jpg

[CineFoto] Aprendiendo a ver fotos con “Smoke”

Fotografía

La entrada de hoy me la inspira una anotación en Facebook, donde se recomienda una entrada del blog Cartier-Bresson no es un reloj.

No sé si una película como Smoke se podría rodar hoy en día. El protagonista Auggie (Harvey Keitel) regenta un estanco. Y fuma. Sin ser el villano de la película, en una película donde no hay villanos. Hace mucho que esta película forma parte de mi colección de películas cinematográficas con una relación temática, mayor o menor, con la fotografía. Es una de las mejores de la colección. Es una de las películas a las que más cariño tengo de todas las que he visto en mi vida. Dirigida por Wayne Wang, y el literato Paul Auster, sobre guion de este último, está llena de humanidad y buen rollo en el mejor de los sentidos de la frase.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Viajamos a Nueva York, donde se rodó la película.

El caso es que hay una escena estupenda en el que Auggie conversa con el escritor Paul Benjamin (William Hurt), mostrándole las fotografías que cotidianamente toma a las ocho de la mañana con su cámara, en la puerta de su estanco. Todas aparentemente iguales, pero todas esencialmente distintas. Y una reflexión sobre el cambio y el paso del tiempo. Y sobre la necesidad de observar detenidamente las fotos, de “leerlas”, en contra de la tendencia de visión apresurada y superficial, que se ha exacerbado con la popularización de los dispositivos electrónicos personales y portables con cámara incluida.

 

20130927-_9270500.jpgPor cierto, al final de la película se cuenta cómo Auggie consiguió su cámara, en forma de “cuento de navidad”, cuento que es transcrito por el personaje del escritor Paul Benjamin, que sirve una especie de trasunto de Paul Auster. Incluso Auster tiene publicado un libro que se titula Cuento de navidad de Auggie Wren. He decidido leerlo.

Pero os dejo aquí el final de la película. Lamentablemente, doblada. Se pierde mucho con los doblajes. De verdad.

20130927-_9270605.jpg

[Fotos] Finalmente, el objetivo soviético va bien

Fotografía

El viernes pasado os mostraba unas fotografías realizadas con un objetivo de fabricación soviética de 1965 que no tenía claro si funcionaba bien o no. Algunas fotos dejaban que desear en su calidad. Pero fueron tomadas sobre una cámara digital, montado con adaptadores. Ahora ya he tenido ocasión de hacer fotografías con un carrete de película para blanco y negro, en la cámara que le corresponde. Los detalles técnicos en

MIR-1 37/2,8 M39 – Un objetivo para la Zenit 3M (II).

Os dejo unas poquitas fotos realizadas con esta óptica en un paseo mañanero de domingo.

[Recomendación fotográfica] La profesora Hila Becher, y dos fotógrafos japoneses

Fotografía

No puedo sustraerme a seguir trayendo a estas páginas los vídeos dedicados a fotógrafos del Museo de arte moderno de San Francisco (SFMoMA). Me parecen demasiado interesantes, divulgativos y pedagógicos, todo a un tiempo, como para no compartirlos. Por mensaje privado me ha llegado alguna crítica, no necesariamente en el mejor de los tonos, por “centrarme” en recursos en idioma inglés. No conozco ningún canal en Youtube de un museo que publique vídeos en castellano con la calidad y la profundidad de las del SFMoMA y algunos otros en inglés. Si alguien los conoce, agradeceré que me los comunique.

20180831-18

Como tengo fotos recientes de Alemania, y como Fridrichshafen también ha tenido en su historia su importancia industrial, aunque lejos del área de recorrido fotográfico de Hilla Becher, de quien hablo más adelante, me parecen un complemento fotográfico razonable para esta entrada.

Esto sucede con todo tipo de recursos fotográfico. Soy seguidor habitual del canal de Youtube de Thomas Heaton, fotógrafo paisajista británico, radicado en el norte de Inglaterra. De Inglaterra no es lo mismo que de la Gran Bretaña. Es inglés, no escocés. Es ameno, es vistoso, es buen fotógrafo y es pedagógico en todo lo que se refiere a la fotografía de paisaje. Y honesto, en el sentido que de vez en cuando la caga y lo cuenta. Por supuesto, está interesado en ganarse la vida, y queda claro que vende sus fotos, organiza talleres y viajes fotográficos, y otros productos, de los que habla en sus vídeos, pero de forma natural, y siempre aportando valor añadido, no mera publicidad. Ayer estuve viendo un vídeo de un canal en español de un fotógrafo también dedicado al paisaje, que no mencionaré, que nos hablaba de cómo ajustar la cámara para fotografiar paisajes. Lo primero que hizo fue vender sus cursos. Y luego hizo un repaso más bien trotero por cosas elementales escribiendo en una pantalla en blanco. La diferencia es brutal. No aprecié nada incorrecto, pero a mitad de vídeo estaba aburrido y lo apagué. Pues eso. Que hay cuando se hacen las cosas bien, también pongo cosas en castellano.

Por ejemplo, en muchas ocasiones he recomendado los artículos de Óscar Colorado, mejicano, sobre fotógrafos. Escribe con profundidad y con abundancia de ejemplos. Durante un tiempo ha estado inactivo por sus deberes académicos. Pero parece que vuelve a estar activo. Recientemente, ha actualizado un artículo sobre el fotógrafo mejicano Nacho López. Y es muy recomendable. Pues eso. Cuando hay calidad, si me entero, lo pongo.

20180831-21.jpg

Vamos a por los vídeos del SFMoMa. Porque uno de ellos es de una entrevista a Hilla Becher, que junto a su marido Bernd, ya fallecido, fueron las almas e impulsores de la llamada escuela de Dusseldorf de fotografía, y que tanto han influido en determinado estilo de fotografía documental en la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI. Una figura de esta relevancia hay que conocerla. Independiente de que sus colecciones de fotografías del tejido industrial de la Alemania occidental te interesa más o menos. Aquí va.

Conocí hace tiempo el minucioso y paciente trabajo del japonés Sohei Nishino, que realiza dioramas fotográficos, mapas, de ciudades enteras a base de miles de fotogramas extraídos de las hojas de contacto de los carretes que expone con su cámara fotográfica para película tradicional. Y en el canal celebran su reciente exploración de la ciudad de San Francisco. Impresionante el proceso de planificación, creación y elaboración de los mapas. Ya lo conocía. Lo lleva haciendo desde 2004.

La última de las fotógrafas que traigo hoy, también japonesa, quizá sea menos vistosa. Pero a mí me ha gustado su trabajo. Se trata de Asako Narahashi. Y también se dedica al paisaje en sus diversas formas. Pero el trabajo que más llama la atención es cuando en el mar adopta el punto de vista del animal marino que flota en la superficie, un punto de vista distinto del que los seres humanos adoptamos habitualmente.

20180831-24.jpg

[Fotos] Alemania y Suiza con una cámara para película tradicional

Fotografía, Viajes

Normalmente, cuando viajo llevo una o dos cámara digitales. Y en ocasiones, como complemento, llevo alguna cámara para película tradicional. Generalmente compactas. En alguna ocasión, alguna de un solo uso. En mi reciente escapada a Constanza, y las excursiones que desde allí hicimos por el sur de Alemania y los cantones vecinos de Suiza, ha sido al revés. He usado como cámara principal una cámara para película tradicional y película en blanco y negro, y la digital ha servido de apoyo. Los detalles técnicos os los cuento en

De viaje con una Leica M2 y un 35 mm

Aquí os dejo algunas fotografías del viaje realizadas con esta cámara.

[Recomendación fotográfica] Erich Lessing (1923 – 2018)

Fotografía

Quizá Erich Lessing no sea uno de los fotógrafos más conocidos de las generaciones actuales. El austriaco falleció el 29 de agosta a la provecta edad de 95 años, llevaba ya un tiempo retirado. Pero pertenece a una generación de fotógrafos de prensa y de reportaje que nunca se creyeron artistas. A pesar de la indudable calidad de sus fotografías. Eran de los que salían al mundo, lo observaban, hacían sus fotos, intentando ser fieles a la realidad que se presentaba ante sus ojos. Sin florituras. Pero con eficacia.

20180829-796

Siendo Lessin un fotógrafo que trabajó fundamentalmente en blanco y negro, aprovecho para acompañar con fotografías del último carrete revelado, el último del defectuoso lote de Rollei Retro 80S que he venido usando los últimos meses. Algunas fotos en infrarrojo, aunque la mayoría en el espectro normal, donde se notan menos los defectos de la emulsión.

Nacido y criado en una de las épocas más turbulentas de la historia de su país y de Europa en general, se libró de morir en los campos de exterminio alemanes, al contrario que otros de sus familiares, porque se refugió en Palestina en 1939. Pero volvió, y se convirtió en testigo de la turbulenta posguerra de su país y, sobretodo, de sus complicados vecinos del otro lado del telón de acero.

20180829-808.jpg

No le voy a dedicar una entrada técnica especial; simplemente decir que está expuesto con la Fujifilm GS645S, y revelado en Rodinal 1+25, 8 minutos a 20 ºC.

Miembro de Magnum Photos, donde podemos conocer su trabajo, desde 1955, que informó de su fallecimiento ayer mismo, era fundamentalmente un currante de la fotografía. Lo cual no quita un ápice de calidad a sus retratos y a sus reportajes, aunque el mismo se manifestase como un mero trabajador de la observación de la realidad, despojándose de las auras de artista que parece imprescindibles hoy en día. Y sin embargo, tan necesarios como son estos profesionales, parecen en peligro de extinción. La abundancia de imágenes en la actualidad gracias a los formatos digitales, permite a los medios prescindir de estos fotógrafos, a costa, eso sí de la calidad y de la ética que acompañaba el trabajo que realizaban. Un pena. Es como si fuera una doble muerte, una doble pérdida para la fotografía.

20180829-799.jpg

Lamento haber perdido la confianza en esta emulsión, ya que los resultados globales me gustaban mucho, con la ventaja de la nitidez y el poquito grano que presenta. Pero esas marcas del papel protector en la emulsión, cuyo origen no puedo descubrir, y que me restan confianza…

[Recomendación fotográfica] Nuevos fotógrafos desde el SFMoMA y formándose con los mejores

Fotografía

Ya lo he comentado en otras ocasiones. El Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA) tiene un excelente canal de vídeos en Youtube en el que nos propone con frecuencia conocer el trabajo o cómo trabajan algunos de los fotógrafos cuya obra se encuentra presente en las colecciones del museo. Y por ello, con cierta frecuencia traeré a estas páginas recomendaciones de este canal. Eso sí… los vídeos están en inglés. Podéis poner los subtítulos en inglés, o intentar la traducción automática al castellano. Aunque suerte con eso…

20180816-1040508.jpg

Ya que vamos a mencionar la fotografía de aves, os dejo algunas fotos de un paseo a orillas del lago Constanza, en las cercanías de Friedrichshafen, donde lamenté no tener un tele más potente para poder captar mejor las numerosas aves que habitaban los parajes naturales del lago.

Hoy traigo dos fotógrafos que nos explican su forma de trabajar y sus motivaciones. La primera es Barbara Bosworth, que tuvo la ocurrencia de fotografíar pequeños pájaros con su cámara de gran formato de 8 x 10 pulgadas (negativos de 20 x 25 cm aproximadamente). Para los aficionados a la fotografía de naturaleza quedará claro que este equipo se aleja mucho de lo que utilizan habitualmente. Pero cuando uno ve el vídeo, ve como se aproxima a las aves, a las personas que trabajan en su anillado, catalogación y seguimiento, y cómo compone sus retratos, de las aves, de las personas o de ambos, todo tiene sentido. Os dejo el vídeo. Por lo demás, una paisajista excelente.

20180816-1040506.jpg

El segundo fotógrafo, Anthony Hernandez, también trabaja con película tradicional. Película diapositiva, según podemos ver en el vídeo, expuesta con una Mamiya de formato medio para negativos de 6 x 7 cm. En el se explica cómo se interesó por las ruinas de lo que fue o iba a ser un “trailer park”, es decir, uno de esos lugares donde se estacionan las grandes autocaravanas o remolques viviendas que podemos ver en las películas americanas. Este se encuentra cercano al desierto de Mojave, y más que sobre las fotografías obtenidas, el vídeo va sobre el método de trabajo del fotógrafo. Para conocer el trabajo del fotógrafo, lo mejor su página web, aunque es un poco anticuada.

20180816-1040532.jpg

Finalmente, un recurso para formación aunque también exige el conocimiento del idioma inglés. Se trata del canal de Youtube de la School of Visual Arts, una de las escuelas superiores de formación en disciplinas artísticas más importantes de Nueva York, lo cual viene a ser como decir que del mundo entero. El mencionado canal tiene abundancia de vídeos en los que se reproducen conferencias y clases de las que se imparten en el centro, con muchas de ellas dedicadas a la fotografía, repartidas en distintas listas de reproducción. Son muchas horas; 99 horas nos dicen en Cultura Inquieta, donde llegan a calificar todo este material como un “curso gratuito de fotografía”. No está organizado así, pero bueno, de utilidad formativa es. Os dejo uno de los vídeos, de la fotógrafa Susan S. Bank, dedicada a la fotografía documental callejera, de su lista de reproducción dedicada a la fotografía digital. Son largas… casi una hora de duración.

20180816-1040495.jpg

[Recomendación fotográfica] De visita a la Fotostiftung Schweiz de Winterthur

Fotografía

Durante mi escapada a Constanza, recorriendo algunas localizaciones cercanas tanto alemanas como suizas, no pudimos sustraernos de volver a visitar la Fotostiftung Schweiz en la ciudad suiza de Winterthur.

20180818-1040778.jpg

Esperando la salida del tren hacia Winterthur en la estación de Constanza. Este día no madrugamos mucho; el tren lo cogimos a las 10 de la mañana.

Winterthur no es demasiado conocida de los turistas que visitan Suiza. A media hora de Zurich en tren, a poco más de una hora desde Constanza, donde estaba alojado, no se encuentra al pie de los Alpes ni tiene un centro histórico excesivamente vistoso. Es coqueta y está cuidada, eso sí. Es muy agradable pasear por su centro urbano. Y lo que sí que tiene es una amplia oferta cultural. En algún lugar he oído hablar de ella como “ciudad de los museos”. Y en esta reciente visita que hicimos estaba en pleno festival de teatro callejero. Algún espectáculo de títeres pudimos ver.

20180818-1040837

Títeres en las calles de Winterthur. Estaba en alemán y yo no me enteré mucho, pero por la forma de interpretar, me pareció un espectáculo de muy buen nivel.

Lo que nos atrajo a nosotros, como lo hizo en mayo del año pasado es la Fotostiftung Schweiz. Esto viene a traducirse como la “Fundación suiza para la fotografía”, y sus fines son la adquisición, la conservación, la presentación y el estudio de obras fotográficas. Trabaja en combinación con el Fotomuseum Winterthur, y colabora con el gobierno de la Confederación suiza, y con la Universidad de Zurich, donde imparte un programa sobre historia y teoría de la fotografía. Cuenta con una biblioteca muy extensa.

Las exposiciones suelen disponerse en dos edificios situados en la misma calle, muy cerca uno de otro. Uno para la fundación y otro como sala de exposiciones del museo. Es fácil llegar desde la estación principal de ferrocarril con el trolebús de la línea 2, apeándose en la inconfundible parada Fotozentrum. Pero se puede ir también dando un agradable paseo, recorriendo el centro del casco urbano de la ciudad.

20180818-1040823.jpg

Vista de las luminosas salas de exposición del Fotomuseum Winterthur, donde se puede fotografiar sin problemas a la sensibilidad de base de la cámara, porque os hagáis idea de los bien iluminado que está.

Dispone de un agradable café donde se puede comer algo si te pilla la hora del mediodía. Y una surtida tienda con libros, recuerdos y objetos fotográficos de carácter educativo. Yo me traje un par de paquetes para realizar cianotipias.

El principal inconveniente,… los precios. Cuesta 10 euros visitar las exposiciones. Pero hay entradas separadas para la fundación y el museo. La entrada combinada te hace un cinco por ciento de descuento y cuesta 19 euros en lugar de 20. Si se visita el museo de bellas artes de la ciudad, hay otro combinado que produce descuentos más ventajosos, que el modesto que he comentado.

20180818-1040803.jpg

20180818-1040800.jpg

Elementos de la exposición “Double Take” de Jojakim Cortis y Adrian Sonderegger.

En el edificio de la fundación, encontramos una interesante exposición de Jojakim Cortis y Adrian Sonderegger, bajo el título Double Take. Con carácter general, las exposiciones que actualmente expone la fundación cuestionan la naturaleza de la fotografía así como la evolución de la misma. En esta exposición en concreto, los autores toman como referencia algunas de las fotografías más famosas y conocidas de la historia del medio, esas que se conocen como icónicas (así aparecen en su página web), y generan un escenario como si tales fotografías fueran simulaciones preparadas y realizadas en un estudio. Lo que genera una sensación extraña, y un debata sobre la naturaleza de lo que muestran las fotografías, que para el público suele ser con frecuencia “la realidad”. Es una forma de cuestionar la “verosimilitud” de la fotografía.

No digamos hoy en día, donde no serían necesarios los complejos montajes que nos muestran, ya que con programas de diseño como Photoshop y otros, todo es más sencilla, aunque sea laborioso.

20180818-1040812.jpg

20180818-1040807.jpg

Algunas situaciones bajo la temática “Posthuman” que actualmente se pueden ver en la fundación.

Otro de los elementos que se expone son los “clusters” de situaciones bajo un determinado tema o leitmotiv. Si el año pasado el tema era la “Postverdad”, en esta ocasión el tema es los “Posthumano”. Si tradicionalmente se considera que la cámara fotográfica es una herramienta al servicio de un ser humano que la controla y la domina para realizar su trabajo, hoy en día las cosas están cambiando. Desde cámara instaladas en los cuerpos de los animales, en instrumentos científicos programados o controlados por inteligencias artificiales más o menos complejas, o imágenes que se extraen de programas informáticos, o imágenes resultado de un cierto azar o tomadas con herramientas que no tienen que ver con la cámara fotográfica. La intervención del ser humano en la fotografía está cambiando y, con ella, la naturaleza y el sentido de la imagen fotográfica.

20180818-1040825.jpg

20180818-1040830.jpg

Exposición de la obra de Juergen Teller, con abundancia de elementos críticos y autocríticos.

Finalmente, en las salas de exposiciones encontramos una amplia y completa exposición dedicada a la obra del alemán Juergen Teller. Jürgen Teller, en la ortografía actual de su idioma materno. Pero lleva muchos años, desde 1986, residiendo en Londres, y por ello adopta habitualmente una grafía adecuada al idioma inglés que carece de diacríticos.

La obra de Teller es compleja, con pocas concesiones a lo convencional, lo cual puede causar cierto rechazo estético por parte del visitante de su obra no iniciado. Usa todavía película fotográfica, una cámara Contax G2, trabajando habitualmente en color, sobreexponiendo las fotografía y tirando de flash directo, montado sobre la cámara.

Su obra tiene cierto carácter conceptual, y es muy explícito en aquella parte de su obra que implica el desnudo, tanto femenino como el masculino. A algunas de sus obras se les ha calificado de pornográficas. En alguna ocasión ha recibido críticas de sectores feministas… Por expresarlo de alguna forma, se lleva muy bien con Araki, de quien hablé en estas páginas hace pocas semanas. Con cierta frecuencia, se convierte él mismo en sujeto de sus propias fotografías, bien en autorretratos, generalmente muy críticos consigo mismo, bien interpretando algún personaje en las mismas.

También ha realizado cortometrajes, alguno se puede ver en la exposición, y comercialmente trabaja en el mundo de la moda. Intenta no establecer una frontera nítida entre el trabajo comercial y su trabajo personal de carácter más autobiográfico.

En fin, una exposición que no carece de complejidad, que lleva un rato digerirla, pero que indudablemente es la obra de uno de los referentes establecidos de la fotografía contemporánea.

Tras esto, comimos en el bistró de la fundación, para desplazarnos por la tarde a la Rheinfall en Neuhausen, por gentileza de unas visitantes de las exposiciones a las que conocimos comiendo y que se ofrecieron a llevarnos en su coche.

20180818-1040881.jpg

20180818-1040959.jpg

Visitando las Rheinfall.

 

[Fotos] Atribulado con mi nueva adquisición de origen soviético

Fotografía

Me ha costado muy barata mi “nueva” cámara de 1967 de origen soviético. Pero me he llevado un chasco porque no me di cuenta de que no llevaba la montura que esperaba para los objetivos. En fin, algunas fotos he podido hacer y os las enseño. Quienes quieran conocer los detalles técnicos del asunto que sigan el siguiente enlace:

Zenit 3M – Nunca hay que dar nada por sabido…