[Recomendación fotográfica] Fotógrafos ante la guerra y otros conflictos

Fotografía

Recientemente el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA) actualizó su canal de Youtube con una serie amplia de vídeos en los que se entrevistaba y se hablaba de la obra de una serie de artistas contemporáneos, varios de ellos fotógrafos, que habían afrontado la guerra y los conflictos violentos de distintas formas con sus obras.

De ellos, he seleccionado tres que me llamaron especialmente la atención. Aunque recomiendo un recorrido por el canal del SFMoMA en Youtube para una visión completa.  Vamos con los tres que he escogido, acompañados de unas relajantes fotografías de mi última visita a los Pirineos.

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An-My Lê, como nos dicen en la presentación del vídeo, creció en Saigon durante la guerra del Vietnam. Siendo niña fue una de los miles de refugiados que huyeron del país cuando se impuso el Viet Cong, instalándose en Estados Unidos donde se nacionalizó. En un momento dado, supo de grupos de persona que recreaban en territorio estadounidense las acciones bélicas de aquella guerra. Pidió que le dejasen fotografiar estas recreaciones, y accedieron con la condición de que participase en las mismas. Por su aspecto, le tocó ser guerrillera del Viet Cong, claro. Después ha seguido interesándose  por el fenómeno bélico, fotografiando los entrenamientos en territorio norteamericano para las guerras en Oriente Medio.

 

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La libanesa Lamia Joreige se ha inspirado en Rashōmon, la película de Akira Kurosawa, a la hora de afrontar el impacto cultural de la guerra civil en el Líbano. En la película de Kurosawa se relataba el suceso en el cual un forajido mata a un samurái y viola a su mujer. Pero el suceso, narrado por todos los participantes y testigos, no es contado dos veces de la misma forma. Todo depende del punto de vista. Y así lo sucedido en Beirut y en el resto del país durante este largo y violento conflicto.

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Las bombas atómicas que asolaron Hiroshima y Nagasaki impactaron fuertemente en la sociedad japonesa, más que en cualquier otro lugar, y de forma muy profunda. Más que el resto de la larga y penosa guerra que ellos mismos desencadenaron, que culminó con estas tragedias, pero que había traído una gran calamidad con anterioridad sobre la población nipona. Kikuji Kawada trabajó durante la primera mitad del década de los sesenta del siglo XX en Chizu (El mapa), una serie de fotografías que combinaba objetos encontrados en Hiroshima, especialmente en el entorno de la cúpula de la bomba atómica, motivos relacionados con el ejército japonés, y otros relacionados con el enorme crecimiento económico del país tras el conflicto. Una reflexión profunda y difícil.

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[Fotos] Paisaje en el infrarrojo en el Parque del Agua de Zaragoza

Fotografía

El domingo pasado, con un sol de justicia y bastante calorcita, estuvimos en el Parque del Agua de Zaragoza. Yo con mi filtro para fotografiar en el espectro del infrarrojo con película convencional. Los detalles técnicos en El Parque del Agua en el espectro infrarrojo – Fujifilm GS645S Wide60 + Rollei Retro 80S. Aquí, simplemente, os dejo algunas fotos.

[Fotos] Estaba olvidadas en un cajón desde la “cincomarzada”… del Museo Pablo Gargallo

Arte, Fotografía

Me encontré hace unos diez días un rollo expuesto y sin revelar de película en blanco y negro, que no conseguía recordar cuándo y en qué circunstancias lo había utilizado. Al revelarlo se aclaró. Fue un rollo que usé el 5 de marzo de este 2018 en el Museo Pablo Gargallo. Como estaba “obsesionado” en ese momento con las fotos en color del lugar,… se me olvidaron. Pues aquí están. Que os gusten. Los detalles técnicos en En el museo y olvidada en un cajón – Fujifilm GS645S Wide + Ilford Delta 400.

[Recomendación fotográfica] Stacey Baker, Alec Soth y el amor que perdura

Fotografía

No tengo muy claro de dónde me llegó el enlace a esta conferencia TED. Muy posiblemente, apareció de forma espontánea en las recomendaciones de Youtube en función de los vídeos que veo habitualmente, pero no estoy seguro.

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Las fotografías de hoy no se parecen a las de Alec Soth; pero alguno de los motivos por los que están hechas, pertenecen a determinadas zonas de Zaragoza, no están muy alejados de los de Soth.

Esta conferencia, una breve charla de poco más de 10 minutos con fotografías proyectadas, fue impartida por el Alec Soth y Stacey Baker, está en inglés, pero se puede configurar el vídeo para ver los subtítulos en español.

Alec Soth es un fotógrafo que nació y vive en Minneapolis, del cual tengo algunos libros y láminas de fotografías que me gustan mucho. Es un fotógrafo documental que realiza proyectos en profundidad sobre la geografía humana de los territorios en los que fija su mirada, muchos de ellos, aunque no exclusivamente, en el medio oeste americano. Al mismo tiempo, sus fotografías no dejan de tener un tono poético. En la actualidad es miembro de Magnum Photos.

Stacey Baker iba para abogada, aunque tras un tiempo de ejercicio lo dejó, y se pasó a la fotografía. En la actualidad es la editora de fotografía en The New York Times, teniendo por lo tanto la responsabilidad de decidir qué se publica y qué no se publica en cuanto a imagen gráfica en el prestigioso diario neoyorquino, cuya nómina de fotógrafos ha recibido algún que otro Pulitzer y otros prestigiosos premios. Pero también tiene otros proyectos personales; los más conocidos tienen que ver con… piernas. Piernas urbanitas.

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El vídeo nos habla de una colaboración que Baker le pidió a Soth para analizar desde un punto de vista fotográfico la naturaleza del amor que perdura. Cuáles son las características de esas parejas que permanecen juntas de por vida… convencidas de ello. Pertenezco al otro grupo, al de las personas que no han conseguido afianzar la convivencia con sus parejas, por lo que no me pronunciaré sobre el tema. Salvo quizá por una cosa que dicen. La vida es dura. Es dura para quienes no tienen una pareja estable, porque no es fácil vivir en soledad sin un compañero o compañera de fatigas. Pero es dura para quienes sí la tienen, porque no es fácil mantener vivas las razones para la convivencia. La vida es dura.

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[Recomendación fotográfica] Fotógrafas en Cortona, en modo virtual

Fotografía

Cortona es una bella ciudad italiana en la Toscana. Decir “bella ciudad” y decir “en la Toscana” resulta casi redundante. De tal modo la historia ha dotado a esta región italiana de bellas ciudades, en las que durante siglos florecieron la cultura y las artes. No es de las más conocidas, quizá por ser de las más alejadas de Florencia. De hecho, está en el extremo sur de la región. Yo la visité en una excursión desde Perusa, hoy en día muchos prefieren mantener la forma italiana Perugia, que incluyó la también toscana y bella ciudad de Arezzo. El caso es que desde hace siete años, Cortona tiene su propio festival de fotografia para el verano, que va ya por su octava edición. Y tan poco tiempo ha alcanzado un gran prestigio; Cortona on the Move.

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Por supuesto, pasearemos fotográficamente por las calles de Cortona. A la caída de la tarde, que la luz es más cálida y bella.

Ni que decir tiene que yo preferiría visitar la ciudad y las exposiciones en vivo y en directo. Cada año. Y disfrutar de los paisajes, y de los vinos blancos a base de trebbiano toscano, verdicchio o grechetto. O los de la cercana ciudad de Orvieto. Pero no puede ser. Así que vamos a hacer el recorrido virtual de las exposiciones de este año, siguiendo las indicaciones que nos hacen desde el British Journal of Photography. Y ya nos avisan que este año lo han dedicado al trabajo de mujeres fotógrafas. Algunas muy interesantes. Más que interesantes. No entraré en comentarios, pero os dejaré enlazados los principales trabajos.

Elinor Carucci, israelí que llega desde los Estados Unidos a pesar de su nombre italiano, con su trabajo Getting Closer, Becoming Mother: About Intimacy and Family.

Tanya Habjouqa, jordana/tejana, preocupada por los conflictos de Oriente Medio, con su proyecto Tomorrow There Will Be Apricots.

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The Red Road, un proyecto conjunto sobre los nativos americanos de la fotógrafa Carlotta Cardana, italiana radicada en Londres, y de la escritora Danielle SeeWalker.

Poulomi Basu, fotógrafa que creció en Calcuta, y que habla de la violencia perpetrada sobre las mujeres en Nepal y en la India en su proyecto A Ritual of Exile.

La belga Sanne De Wilde presenta su proyecto The Island of the Colorblind, del cual podéis ver un vídeo a continuación.

Debi Cornwall, norteamericana, se define como artista documental conceptual que regresó a la expresión visual después de una “equivocada” carrera como abogada durante 12 años. Presenta su trabajo Welcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay, donde muestra una visión crítica de esta prisión extraterritorial y fuera del ámbito del estado de derecho que dicen defender los gobernantes de su país.

Finalmente, la china Sim Chi Yin, reciente adquisición de Magnum Photos, que presenta Fallout, un proyecto formado por dípticos de fotografías en las que aparece una de la frontera chinonorcoreana y otra de las instalaciones de control o almacenaje de armas nucleares en Estados Unidos. Forma parte de un encargo de Internacional Campaign to Abolish Nuclear Weapons (ICAN), organización premiada con el Nobel de la Paz en 2017.

Hay otras exposiciones. También de fotógrafos masculinos. Pero centrémonos en lo distintivo de la edición de este año del festival. Ya que no podemos ir, por lo menos podemos visitar virtualmente las exposiciones. Habrá para todos los gustos.

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[Fotos] Viajando con cámaras de un solo uso para película tradicional

Fotografía, Viajes

Al viaje por Francia y Suiza me llevé un par de cámaras de un solo uso con película tradicional en blanco y negro de Ilford. En el siguiente enlace explico los detalles técnicos de la experiencia: Desechables de viaje – Ilford XP2 Super Single Use. Aquí, os dejo las fotos. Que a la mayor parte de la gente es lo que le interesa.

[Recomendación fotográfica] Edward Steichen y “The Family of Man”

Fotografía

Sigo introduciendo cambios en mi Cuaderno de ruta. Desde hace ya unos pocos años, casi todos los domingos he dedicado una entrada en mi blog sobre fotografía a recomendar aquellas noticias que durante la semana había encontrado en internet sobre fotografía. Esta forma de hacer había dejado de convencerme hace un tiempo. Consume mucho tiempo del domingo, lo cual a veces estresa el tiempo libre de ese día. Y genera una enorme cantidad de información difícil de digerir. El blog de fotografía, a partir de ahora, lo dedicaré exclusivamente a artículos técnicos. Lo relacionado con la cultura, vendrá aquí, al Cuaderno de ruta. Y lo hará cada vez que haya algo que me llame la atención, no importa el día de la semana.

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El MoMA fue una institución pionera en el reconocimiento y la integración de la fotografía en el ámbito del arte moderno. Por ello, la mayor parte de las fotos que acompañan este artículo son de mi visita a este museo neoyorquino.

Y empezamos esta nueva etapa hablando de Edward Steichen. Steichen fue uno de los muchos inmigrantes europeos a Estados Unidos, luxemburgués de nacimiento, que acabó siendo una figura influyente en el mundo de la fotografía. Publicando con frecuencia al principio del siglo XX en la revista “Camera Work” de Alfred Stieglitz, fue uno de los miembros del grupo Photo-Secession, que impulsó la fotografía al campo de las bellas artes, llevándola más allá de ser un medio de reproducción documental de la realidad. No es que no hubiera habido previamente artistas de la fotografía, pero la actividad de este grupo fue fundamental para la aceptación artística de esta forma moderna de expresión. Nacidos en el pictorialismo, progresivamente fueron encontrando su camino hacia formas específicas de expresión fotográfica, independientes de las bellas artes tradicionales.

Pero hay un aspecto en el que Steichen fue también especialmente influyente en el arte de la fotografía. Tras la Segunda Guerra Mundial fue nombrado director del departamento de fotografía del Museum of Modern Arts (MoMA) de Nueva York, puesto en el que permaneció hasta 1962, momento en el que propone a John Szarkowski como sucesor. Su actividad fue notable y alcanza su punto culminante en la exposición “The Family of Man“, considerada como una de las más importantes exposiciones de fotografía en la historia de la fotografía.

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Yo dispongo de una copia del catálogo de la exposición, de una de sus reediciones más recientes.

Hace unos días, la revista letona de fotografía en línea FK Magazine publicaba un artículo de fondo titulado “The Family of Man: The Photography Exhibition that Everybody Loves to Hate”. Este artículo, en inglés, cuya lectura recomiendo, me ha inspirado esta entrada en el cuaderno.

La exposición se celebró en el MoMA entre enero y mayo de 1955, y viajó por todo el mundo. Reúne 503 fotografías de 273 fotógrafos de 68 países. En los años 90 del siglo XX se restauró y se volvió a exhibir en diversos lugares. Forma parte del programa Memoria del Mundo de la Unesco, que aspira a la conservación del patrimonio documental de la humanidad de cara a las generaciones venideras.

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Pero como señala el artículo de FK Magazine, la exposición no está exenta de críticas. La primera la señalamos en el título; la familia del “hombre”, no del ser humano. Incluso si en la misma también se pueden señalar la presencia de importantes fotógrafas, o cuando las mujeres son parte fundamental de esa familia humana que quiere ver Steichen como comisario de este monumental trabajo expositivo. Pero los años 50 estaban lejos todavía de los movimientos feminista, que reivindican la adecuada posición de la mujer en la sociedad humana.

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Otro punto de crítica es la visión parcial desde el punto de vista de la civilización occidental, y de los Estados Unidos en particular, a la hora de representar a la humanidad en imágenes. Como señala el artículo, la probabilidad de que un fotógrafo de las prestigiosas revistas ilustradas que tanto éxito tenían en la época en Norteamérica de ver su trabajo reconocido y representado eran incomparablemente superiores a las de cualquier fotógrafo, por bueno que fuera, de África o Asia. Y también los motivos representados varían. Mientras que en los países occidentales, encontramos una mezcla de preocupación social y optimismo, la visión de los países pobres es la de la calamidad y la miseria, incapaces de reconocer los valores o los momentos de alegría que también se dan, como parte de la naturaleza humana que se sobrepone hasta en los peores momentos. Por lo tanto, en la actualidad no son pocos los que ven esta exposición como un punto de vista paternalista, colonialista, cuando no racista, de las sociedades humanas. Algo de eso hay, aunque también hay que tener en cuenta que toda expresión artística es fruto de un lugar y un momento, elementos a considerar a la hora de juzgarla.

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Inspirada por el sentido crítico hacia “The Family of Man”, este año hay una iniciativa en Arles Cosmos 2018 bajo el título “The Family of No Man”. En ella hay un llamamiento a las mujeres fotógrafas y aquellas fotógrafas con género no definido, fluido o transgénero, con el fin de que aporten su visión fotográfica sobre la familia humana, buscando suplir las carencias en esta dimensión que la exposición original tenía.

“The Family of Man”, como cualquier empeño humano, no fue, no es, perfecta. Sufre las carencias propias de su tiempo y su lugar. Pero me parece un empeño encomiable. Una década después del final de esa catástrofe humana que fue la Segunda Guerra Mundial, y en medio de la Guerra Fría de la posguerra, buscó ofrecer una visión de comunidad, de parentesco, de valores compartidos entre todos los seres humanos. Y eso está bien. Podemos criticar sus carencias. Y en la actualidad, intentar suplirlas. Pero no podemos “odiar” la exposición como indica el artículo de FK Magazine. Debemos considerarla un primer paso en la dirección correcta. Aunque en ese momento insuficiente. Pero a veces los primeros pasos son los más complejos de impulsar. Y Steichen entró, había entrado ya, en el círculo de las figuras más influyentes en la historia de la fotografía.

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[Fotos] Visita a Barbastro con motivo del Festival BFoto

Fotografía

Ayer estuve en Barbastro en excursión organizada por la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ), para visitar el Festival BFoto (Barbastro Foto), con la Asociación fotográfica y de la imagen de Barbastro (AfiB) como excelentes anfitriones. El detalle lo encontraréis en Recomendaciones semanales – especial BFoto (y Capa en color). Aquí os dejo algunas fotos de la jornada.

[Fotos] Experimentando un poco con el color en fotografía digital

Fotografía

Inspirado por mi visita hace una semana al Museo Suizo del Aparato Fotográfico en Vevey, me he puesto a experimentar un poquito con los canales de color de la fotografía digital. El artículo con los detalles técnicos está en Imitando a los antiguos – recomponiendo una imagen a partir de sus canales de color.

Aquí os dejo algunas fotos del paseo de ayer por la tarde para obtener las imágenes para experimentar. Y algunas fotos tomadas en Vevey y su museo fotográfico.

[Fotos] El Mont-Blanc desde Chamonix

Fotografía, Viajes

En estos primeros días de la semana, me he puesto a procesar fotografías del viaje reciente de vacaciones por el sudeste francés y el lago de Lemán en Suiza. Y he empezado por lo difícil, por las difíciles condiciones de luz que tuvimos en los Alpes, en Chamonix. Los detalles técnicos los podéis encontrar en En los Alpes; un objetivo sencillo, y barato, unas condiciones difíciles, una herramienta de procesado digital.

Para los que no estéis interesados en la técnica fotográfica, simplemente os dejo unas fotos del macizo del Mont-Blanc, la Aguja del Midi y otras cimas alpinas vistas desde Chamonix.

[Fotos] Rebullida, gente y tiempo tormentoso

Fotografía

Para acompañar mis recomendaciones fotográficas de esta semana, que encontraréis en Recomendaciones semanales – del 27 de mayo al 3 de junio de 2018, he incluido algunas fotos de nuestro paseo de ayer, en el que paramos a ver las exposición del pintor Rebullida en la Lonja de Zaragoza, paseamos entre las casetas de la feria del libro, aunque me pareció más interesante la fauna humana de los alrededores que la poca expectación que la feria producía, y contemplamos el paisaje del Ebro mientras amenazaba una tormenta que descargó poco después,… pero ya nos pilló en el autobús camino de la cena.

Si alguien tiene la curiosidad, salvo el marco que las separa del fondo, las fotos son JPEGs directos de cámara, sin procesado posterior. Salvo dos panorámicas en las que he unido entre 3 y 8 fotogramas para conformarlas.