Match Point (2005): Directed by Woody Allen

Realmente notable, muy notable es esta nueva película del personalísimo Woody Allen, con la colaboración inestimable de un excelente elenco de actores entre los que destacan algunos jóvenes como Jonathan Rhys-Meyers, el cual lleva el peso del filme, Scarlett Johansson, dando una más que adecuada contrarréplica en un papel que se antoja escaso, y un conjunto de británicos como Emily Mortimer, Matthew Goode, Brian Cox y Penelope Wilton, todos ellos conformando la acomodada familia Hewett.

La película va bordeando constantemente diversos géneros, como la comedia romántica, el drama romántico, la tragedia, el thriller, y en ciertos momentos, incluso con la comedia bufa. Pero resumiendo, se trata de un thriller sobre un drama romántico, en el que abundan las eferencias tanto cinematográficas como literarias, siendo especialmente importantes estas últimas. Podemos detectar alusiones a Dostoievski (Crimen y castigo, El idiota), Stendhal (El rojo y el negro), e incluso al ibérico Don Juan, probablemente otras que la limitada cultura de quien esto escribe no identifica. Todo ello sazonado con una banda sonora basada en algunas de las más hermosas y célebres óperas clásicas. Allen abandona el jazz por el género lírico.

El tema de la película, el azar que impregna nuestros destinos, independientemente de los esfuerzos que hagamos para controlar nuestras vidas. La película no tiene la estructura típica del cine del director, pero sí que están presentes los temas habituales en su trayectoria fílmica, siendo la muerte y el sexo, como de costumbre el fondo sobre el que se estructuran la historia y la resolución del drama. Resolución que resulta sorprendente y, sobretodo, un ejemplo de lo rico y lo creativo que puede ser el cine cuando es libre, cuando está atado a las convenciones maniqueas que dominan a la industria cinematográfica norteamericana, la dominante, desde hace ya una buena cantidad de años.

Siempre me siento generoso a la hora de juzgar las películas de Woody Allen. Por supuesto, la recomiendo a los aficionados a sus filmes; pero en esta ocasión, también la recomiendo a cualquier persona que quiera disfrutar de buen cine. Y le planto un nueve.

Alguno de los momentos importantes de la nueva película de Woody Allen, Match Point, transcurre aquí, en el interior de la Tate Modern Gallery.

No había seguido yo la carrera de Jim Jarmusch, director de este Flores rotas, la película que hoy nos ocupa. Con fama de excéntrico, realizador de películas de carácter fuertemente independiente, minoritario, nos ofrece aquí y ahora un recorrido por el interior de los EE.UU., acompañando la crisis existencial de un Don Juan cincuentón, interpretado de una forma absolutamente hierática por Bill Murray, que eleva al paroxismo interpretativo la aparente apatía depresiva que exhibía en Lost in Translation.

Acompañando al personaje de Bill Murray, y a su dinamizador amigo Winston, interpretado por Jeffrey Wright, encontramos un plantel de actrices femeninas con pequeños papeles, realmente cortos algunos aunque de gran trascendencia, que representan a sus antiguos ligues, así como a otras mujeres que encuentra por el camino. Sharon Stone, Frances Conroy, Jessica Lange, Tilda Swinton y Julie Delpy, salpican esta road movie en la que el personaje de Murray busca… lo que tenga que buscar.

La historia es lo de menos. De lo que se trata es de entrar en los sentimientos de Don, el personaje de Murray, y tratar de comprender lo que le pasa, conociendo a las mujeres que conformaron un cierto pasado.

No me atrevo a recomendársela a todo el mundo. Desde luego, no a los partidarios del cine de acción. Pero para quien se sienta interesado por un cine más visual, con menos importancia en los diálogos, y enfocado en las personas y no en la acción, es una opción bastante recomendable. Especialmente por el cuidado trabajo de dirección que lleva consigo la película. Yo le planto un siete.

Mientras redacto esto sale en la TV una actriz portuguesa de cuyo nombre no me acuerdo aunque me gustaría (Lucía Moniz, viva el IMDb.com). Un encanto. Así que coloco a estos serios señores del Monasterio de Batalha en Portugal.

Corpse Bride (2005): Dirigida por Tim Burton, Mike Johnson

Tim Burton, con La novia cadáver, nos transporta a ese mundo suyo en el que la muerte, lo oscuro y lo misterioso resultan, en realidad, mucho más vivos, coloridos y atractivos que la vida real, la vida cotidiana. El propio planteamiento estético del filme, resalta estas diferencias. Frente a la luz azulada y mortecina del mundo real, lleno de personajes merzquinos y tristes, encontramos un luminoso y colorido mundo «abajo» donde «viven» los muertos, que son solidarios, divertidos, hospitalarios y, sobretodo,… vivos.

La historia, basada en una leyenda de origen eslavo, nos lleva a las desventuras de un joven que acaba «desposado» con una novia muerta, que pena en el submundo por haber tenido una muerte violenta y traicionera. Las aventuras de ambos por volver al lugar al que respectivamente pertenecen, mientras transitan por el mundo de los muertos, nos hace reflexión más que otra cosa sobre el sentido de la vida.

Al ver la película doblada al castellano, uno no puede valorar la calidad de las interpretaciones/voces de los artistas originales (el inevitable Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Emily Mortimer, etc.). Y es algo que habrá que resolver cuando llegue la película a los videoclubes con la edición en DVD.

Técnicamente, para quienes sean aficionados al cine de animación, decir que ha sido rodada con la técnicas del stop motion, que consiste en ir fotografiando cada uno de los fotogramas con material fotográfico en lugar de cámaras cinematográficas. En este caso, se utilizó material Canon EOS digital.

Como resumen, la película es absolutamente obligatoria para los aficionados al cine de animación, y totalmente recomendable para el público en general. Yo le daré un ocho.
Hoy nos paseamos por Parliament Street en Londres, a bordo de un viejo autobús de dos pisos, pensando en bajar a refrescarnos con unas pintas en un caluroso día de finales del verano.

Lo cierto es que las expectativas, después de lo que me gustó Mi vida sin mí, eran elevadas. Dirigida por Isabel Coixet e interpretada por Sarah Polley y Tim Robbins, con algunos buenos secundarios para mí desconocidos, aunque también alguno ilustre como Julie Christie, haciendo un pequeño pero importante papel, y otros conocidos pero menos ilustres como el soso de Javier Cámara, que justifica la presencia íbera en el reparto de la película, española de nacionalidad pero rodada en inglés.

Los dos protagonistas están muy bien, convincentes en sus papeles. Personajes torturados con pasados difíciles, el de una mucho más atormentado y dramático que el del otro. Y de trasfondo el dolor. Físico para el lesionado personaje de Robbins, con su componente psicologíco. Psicológico para el introvertido papel de Polley, con su componente físico. El entorno, el limitado universo de una plataforma petrolífera en el Mar de Irlanda. No obstante, dicho intorno no resulta claustrofóbico. Más bien, es el entorno cerrado adecuado para el crecimiento de la intimidad entre los personajes.

La realización de Coixet, en un estilo muy similar a su anterior película, es más que adecuada a la historia que se nos quiere contar. Cercana a los personajes, pero con una buena presencia del ambiente.

La historia transcurre despacio. Realmente, es una historia mínima, pero en la que es necesario desarrollar los personajes para su adecuada comprensión. Ahora bien; mientras que el personaje de Robbins, queda razonablemente bien dibujado conforme vamos conociendo cosas de él, el personaje de Polley permanece hermético en sus motivaciones durante la mayor parte del filme, por lo que en ocasiones puede sufrir la incomprensión del público. La revelación de su pasado, ya muy avanzada la película, en una escena larga pero densa, llega en un momento en el que casi hemos perdido interés por el personaje. Algunas pistas sobre el mismo se podrían haber dado sin romper el climax de la película, que sin embargo para mí se hace obvio simplemente con el dato de la ciudad en la que residía el personaje en un momento dado. En ese momento, prácticamente sabes qué es lo que va a contar. Creo que es la parte más debil del largometraje.

No obstante, la pelícual se lleva un siete alto, sin llegar al nivel que me pareció que tenía su anterior realización, pero altamente recomendable para quien esté dispuesto a vivir y asumir los dramas personales que muchas veces decidimos ignorar… porque así es más cómodo.

Hoy, una vista al atardecer, en los alrededores del puerto de Barcelona.