[Fotografía] Recomendaciones semanales; pasado y futuro de la película de 35 mm, y alguna cosa sobre las series fotográficas

Fotografía

Parece ser que han decidido que este 2014 sea año de aniversarios. Ya irán llegando. Pero esta semana ha habido diversas noticias anunciando el 100º aniversario de las Leitz Camera (Leica). Sería en 1914 cuando Oskar Barnack creo su primer prototipo de cámara ligera, la Ur-Leica, para obtener negativos sobre película cinematográfica de 35 mm con una superficie aproximadamente el doble que el fotograma usado para las imágenes en movimiento proyectadas. Si queréis que os diga la verdad, creo que va a haber un montón de 100º aniversarios al respecto, puesto que tardaron casi una década más en sacar realmente el producto al mercado, y algunos años más en estandarizar una serie de aspectos, como la montura de los objetivos, que les permitió obtener el prestigios y el éxito comercial que ya conocemos. Pero bueno… hace 100 años alguien decidió, sin saberlo, que hoy muchos fotógrafos digitales suspirarían por las cámaras “full format” de sensor de 24 x 36 mm, el que Barnack estableció en aquel momento por una cuestión de conveniencia, y que entonces era conocido como “little format” si se le comparaba con el resto de material negativo que se usaba en fotografía, o “double format” si se comparaba con el tamaño del fotograma cinematográfico. Todo es relativo… ¿no? Puntos de vista.

Leica CL

Con los años, he ido haciendo una pequeña colección de Leicas, que uso de vez en cuando. Mi primera Leica fue esta Leica CL que compré en una feria de material fotográfico clásico y de ocasión en Huesca.

Sin embargo, por otro lado nos llega un anuncio más sobre el declive de la película de 35 mm, la que sirvió de base para aquellas legendarias LeicasParamount Pictures ha anunciado que va a dejar de distribuir sus largometrajes, según nos informan en Quesabesde, en forma de película de celuloide. A partir de este momento, y para mejorar la versatilidad y disminuir los costes de proyección, la distribución se realizará exclusivamente por medios digitales. Se supone que otras distribuidoras, una vez abierta la caja de los truenos, se sumarán al carro con rapidez. Esto no significa que la película de 35 mm no siga siendo una opción para filmar cine,… pero no son buenos tiempos. Y el desarrollo de las películas para fotografía fija siempre ha estado a remolque de las de cine… No son buenas noticias para los amantes de tecnologías tradicionales, entre los que me incluyo de vez en cuando.

Y si seguimos mezclando fotografía y cinematógrafo, me entero en Petapixel, no lo sabía, que en tres ocasiones, en 1941, 1942, 1947, hubo premios óscar a la foto fija de las películas de cine. En cine se distinguen dos tipos de fotografía. La importante para ellos, el director de fotografía y sus colaboradores del área de luces y eléctricos, que se encargan de la fotografía principal en movimiento de las producciones cinematográficas. Pero también está el “foto fija”, el fotógrafo convencional que documenta y realiza las imágenes de promoción de las producciones cinematográficas. En los tiempos del “star system” y el sistema de estudios, las fotografías de promoción, especialmente los retratos de las estrellas, alcanzaron niveles técnicos y artísticos de nivel considerable. ¡Cuantas personas coleccionaban postales con las fotografías de promoción de sus artistas y películas favoritas!

Y mientras la película fotográfica tradicional lucha por sobrevivir, algunos se empeñan en afirmar que “la película no ha muerto” y nos muestran cómo se puede desarrollar la creatividad con este medio. Por ejemplo, con la fotografía titulada 1 kilopixel de Jefferson Chang. Imagen formada por una matriz de negativos de 24 x 36 mm, 29 rollos de 36 exposiciones, lo cual hace 1044 fotogramas, para formar una única imagen. Un trabajo original, que exigen una cuidadosa planificación.

Leica IIIf

Por su belleza, y por su contribución a la historia de la fotografía, me hice en su momento, traída de Viena, con una Leica con montura de rosca, en concreto una IIIf con su Elmar 5 cm 1:3,5.

El último número fuera de serie de Réponses Photo está dedicada a las series fotográficas. Además de poder ver espléndidos ejemplos de este concepto, hay una reflexión sobre el significado de lo que es una serie fotográfica. Y hoy traigo algunos ejemplos recientes que han aparecido por la red de redes.

En Lens Culture han estado premiando trabajos que han aparecido entre sus páginas. Y creo que son destacables los tres trabajos que aparecen en la categoría porfolio o serie fotográfica. Que ya han ido apareciendo por aquí, pero que no pasa nada por mencionarlos de nuevo.

Creo que este último es el único que no había sido mencionado, pero dada mi afición a la pintura de Edward Hopper, me ha hecho “perder” un buen rato comparando “original” y “copia”.

En Lenscratch nos proponen hacer un recorrido por la obra de Frank Armstrong, un fotógrafo norteamericano que con los años ha sabido adaptarse a los tiempos y modificar el tono y la forma de sus imágenes. Y así, podemos ver cómo comenzó con bellos y técnicamente perfectos paisajes en blanco y negro tomados con una cámara de gran formato, tanto naturales como en medio urbano, allá por los años 70 del siglo XX. Pero dos décadas más tardes lo teníamos fotografiando, con su serie Main Street, las calles principales de diversas localidades norteamericanas, a todo color y en formato panorámico. Y en épocas más recientes, en la primera década de este siglo, lo tenemos haciendo una serie en blanco y negro sobre los visitantes de Liberty Island… aquí ya en modo reportaje con una cámara de  formato más modesto.

Conocí a Max Pam cuando compré un libro, catálogo de una exposición, que hizo mano a mano con Bernard Plossu. En L’Oeil de la Photographie nos hablan del último trabajo de este viajero empedernido. Con un título muy sugerente, Supertourist, basado en su visión de la India. No me importaría echarle un vistazo detallado.

Leica M2

Aunque la CL admite los objetivos de bayoneta M, no se considera como parte de esta prestigiosa serie. Así que un momento dado, me hice con la bonita y significativa Leica M2, que tantas emblemáticas fotografías ha dado a lo largo de su historia.

En L’Oeil de la Photographie dedicaron su edición de este jueves pasado a las últimas tendencias. Cada cual tendrá sus preferencias al respecto, pero yo me quedo con los trabajos This is not a Map #2 de Ronan Guillou, y Road Movie de Nicolas Dhervillers.

Y ya sólo me quedan un par de recomendaciones relacionadas con el paisaje. Una con el paisaje social, el de Groenlandia tal y como lo ve Ciril Jazbec y nos lo traen desde las páginas de Lens de The New York Times, una tierra bella pero dura, especialmente para sus habitantes, que llevan varias décadas desorientados sobre su razón de ser y su futuro, tanto individual como colectivo. Y finalmente, desde las páginas de Feature Shoot, las técnicas mistas de fotografía y diseño digital de Mark Dorf, que me parece que aportan algo distinto a los espléndidos paisajes que toma para su serie //_PATH.

Creo que hoy ha quedado clara la idea de la importancia de tener, una idea, un proyecto y reflejarlo en un serie fotográfica.

Leica ME

Y para celebrar mis propios aniversarios personales, me regalé hace unos meses con una Leica M-E, modelo digital derivado de la M9. Como a cada cual hay que darle lo suyo, he de decir que yo me inicié en serio en la fotografía con una cámara Pentax, y estas fotografías están tomadas con una Pentax MX con objetivo Pentax-M SMC 50/1,7, cargada con negativo en blanco y negro Ilford FP4 Plus revelado en Rodinal 1+50 a 20ºC durante 12 minutos. Las fotos, salvo corrección de polvo y otras motas, no han sufrido correcciones de tonos o contrastes, y están tal cual han salido del escáner.

[Libros de fotografía] Una reedición y una exposición que me perdí

Fotografía

En uno de los últimos boletines de la librería Kowasa me encontré con un par de libros que suscitaron mi interés. Uno es una reedición de un trabajo que ya se ha convertido casi en un clásico, el otro es el libro-catálogo de una de las exposiciones que no me dio tiempo a ver de PhotoEspaña a pesar de mi interés por ella.

Berlin Freidrichstrasse

Necesariamente, hablando más adelante de Bernard Plossu, hoy tengo que irme a la fotografía en blanco y negro. De mi último viaje a Berlín. Como la entrada en Berlin-Fridrichstrße del RE con destino Magdeburg que estamos a punto de coger para luego enlazar con otros trenes hasta Wernigerode.

The Ballad of Sexual Dependency – Nan Goldin

Nan Goldin es una fotógrafa que produjo un cambio tanto en la forma como en el objeto de la fotografía documental en los años 70 y 80. Este libro fue publicado por primera vez en 1986, y lo que me ha llegado a mis manos es una reedición de Aperture del año 2012. En el la fotógrafa documenta, nos muestra y reflexiona sobre la vida de su grupo de amigos y familiares en esas dos décadas. Y lo hace destapando las intimidades de las interrelaciones de este grupo, que vivieron una época en la que se mezcló la libertad personal, con algunas amenazas que derivaron de ciertos estilos de vida. Drogodependencias, sida, maltrato… Combina imágenes de combinan una sensación de cercanía e intimidad interpersonal con otras terribles, sobrecogedoras. Todo ello con una cercanía y una estética, mucho más cuidada de lo que parece, que nos hace integrarnos en el grupo.

Hoy en día son más frecuentes las series fotográficas de personas que toman como objeto de su trabajo sus propias personas y sus entornos más próximos. Más con la flexibilidad de los medios digitales. Pero a Goldin la podemos considerar como una precursora, y una de las más autoras que más intensidad ha puesto siempre en su trabajo.

Diversidad destruida

O los cilindros en los que se recuerda la diversidad perdida en Alemania por culpa del nazismo en el Lustgarten.

Pam – Plossu

Bernard Plossu es un fotógrafo por el que tengo cierto cariño, y que ha aparecido en diversas ocasiones en estas páginas. Con un equipo sencillo, una cámara mecánica para película tradicional y un 50 mm, recorre el mundo y recoge su mirada en sus fotografías de forma muy personal. En esta pasada edición de PhotoEspaña, dentro de la sección OpenPhoto, se celebró en la EFTI una exposición conjunta de este fotógrafo francés y del australiano Max Pam. Este es un fotógrafo del que había oído hablar, pero del que conozco poco. Me apetecía ver la exposición, pero no la pudimos encajar en el único día que le pude dedicar al certamen este año. La fórmula de la exposición es la de diálogo entre dos fotógrafos. Una forma de exponer la obra de determinados autores en contraste con otros que pueden ser similares, o contrastar por sus diferencias, o por un diferente aproximación a un mismo tema. En esta misma edición de PhotoEspaña pudimos asistir también a otra exposición diálogo entre Edward Weston y Harry Callahan de la que ya hablé, y que fue uno de los platos fuertes de la visita.

En esta ocasión, a falta de visitar la exposición, me he hecho con el libro-catálogo de la misma. Y en ella podemos comprobar como dos fotógrafos de dos países distintos, que se dedican a recorrer el mundo, son capaces de percibir las mismas situaciones incluso si escenas muy similares están tomadas a miles de kilómetros de distancia o separadas por el tiempo. Nos hablan de una comunidad de visión y pensamiento, pero también de la universalidad del ser humano, viva donde viva, o sea cual sea la cultura de la comunidad que lo envuelve. Excelente libro, no muy caro, de buena fotografía documental.

Holocaust Mahnmal

Y Plossu nos recordaba que un fotografía podía quedar algo borrosa, pero que no importa, porque el alma a veces también está borrosa. Y que lugar más adecuado para recordarlo que el memorial por los judíos asesinados en Europa.