[Recomendaciones fotográficas] Clásicos y contemporáneos mezclados

Fotografía

Son ya las diez y media de la mañana. Hoy he dormido más de lo que pensaba, lo cual está muy bien para un domingo, pero también me hace ir muy justo de tiempo respecto a todo lo que quería hacer esta mañana. Así que intentaré contar mis recomendaciones fotográficas con cierta agilidad.

Inge Morath aparece con frecuencia en mis páginas. La austriaca es una de mis fotógrafas favoritas. Y además todo indica que fue una persona, una mujer, elegante e íntegra a nivel personal. El siempre interesante blog Cartier-Bresson no es un reloj le dedica un artículo. Con fotos suyas y con fotos de ella… es decir, donde sale ella. Me ha encantado. Y me gusta que observen que fue una pionera del color.

Sigo con fotos de la Olympus Pen F, con el carrete de Ilford Pan F Plus. Que me está gustando más de lo que pensaba, a pesar de que con sólo ISO 50, menos el paso que se come el filtro amarillo, es un poco precario para callejear. Pero a cambio, un grano finísimo, estupendo para un negativo que es ligeramente inferior a la mitad de un 24 x 36 mm.

Bruce Davidson es uno de los mejores fotógrafos documentalistas del siglo XX y uno de mis favoritos. Especialmente tras visitar la exposición que se le dedicó en Madrid hace poco más de tres años. Y en Magnum Photos nos comentan cómo se hizo unas de las fotografías que más me han atraído de este fotógrafo y que habla mucho de la naturaleza de la adolescencia.

Otro clásico de la fotografía documental, en esta ocasión japonés, es Daido Moriyama. Muy importante también. Y en Albedo Media nos cuentan que se ha abierto una exposición sobre él en Barcelona. Si estuviese o pasase por allí, no me la perdería.

Los de Fujifilm la han liado parda. La marca japonesa hace tiempo que me despierta sentimientos ambivalentes. Concibe algunas de las cámara más interesantes del mercado actual, aunque siempre con un puntito que ha impedido que me haya hecho pleno consumidor de la marca, y al mismo tiempo manifiesta ciertos modos empresariales bastante ariscos e inconsecuentes. Recientemente han presentado su quinta iteración de su X100, la X100V. Una bella cámara, casi “perfecta”. Y para promocionarla, han filmado a varios de sus fotógrafos en nómina, X ambassadors les llaman, para promocionarla. Uno de ellos es Tatsuo Suzuki (instagram). Hace tiempo que conozco la obra de Suzuki. Visualmente heredero de Moriyama y otros fotógrafos de Provoke, aunque conceptualmente creo que no. Fotógrafo de calle, street photographer le llaman ahora a este tipo de fotógrafo documental, que es muy directo en su aproximación a la persona que va a la suya por la calle, provocando una reacción que es lo que aparece en sus fotografías, más que la propia naturaleza de la persona. Recuerda a Bruce Gilden. Pero al ver el vídeo, muchos han protestado. Y Fujifilm ha repudiado al fotógrafo y ha retirado el vídeo. Que se puede ver en otros sitios.

Lo de Fujifilm me parece pura hipocresía. Muchísima gente conocía como trabajaba. Y es como lo hacen muchos hoy en día, muy agresivos con el peatón. A mí mismo en Berlín me asaltó un tipo para hacerme una foto en los morros, de forma muy agresiva. No me atrae demasiado, aunque tiene fotos interesantes, y sigo su cuenta en instagram, pero es una opinión que formé y sostengo con razonable coherencia. Conozco su obra y no me llamo a engaño. Que después de haberlo aceptado y llevar bastante tiempo apoyándose mutuamente entre el fotógrafo y la marca, ahora lo pongo de vuelta y media por las quejas de los que no se coscan en las redes sociales, me parece una falta de criterio absoluta. Una falta de una línea y una ética empresarial definidas. Una hipocresía, porque uno de los argumentos de la marca para vender esta cámara, es que sirve para hacer este tipo de fotografía. Suzuki, independientemente de que nos guste o no su forma de hacer fotos, es un promotor activo de la fotografía, editando revistas y sosteniendo salas de exposiciones. Y muchos de los comentarios negativos incluían, de personas occidentales, incluían un trasfondo racista bastante clara, escondido en “lo políticamente correcto”. Lo han comentado en 35mmc.

En Photography of China (instagram), me ha gustado la obra de Cheng Huanfa (instagram). Habla sobre todo de su relación con su pareja, de su familia, que va documentando desde 2013, un año después de conocerla. E implica cambio y evolución. Y mucha devoción y ternura.

[Recomendaciones fotográficas] Un variado en unos tiempo de poca atención

Sin categorizar

Que últimamente estoy muy liado y tengo mi cabeza muy dispersa, o muy concentrada en cosas que no son las que realmente me importan, se nota en muchas cosas. Que no me concentro en la lectura. Que veo menos series, o no me centro mucho en si mi interesan o no. Que hace 10 días que tengo un carrete para revelar y no encuentro tiempo para ello, incluso si ayer me pasé la mañana echando una mano en el revelado de carretes de otros. Que no encontramos un momento para suspender “oficialmente” nuestro programado viaje a China, no por miedo al coronavirus, sino por miedo a las restricciones de movimientos que se les ocurran a las autoridades chinas. Y porque no consigo hacer selecciones semanales de recomendaciones fotográficas tan coherentes como antes. Pero bueno, algo hay…

Otro signo de que voy poco centrado, es que hace ya unos días que tengo este carrete de Kodak ColorPlus 200 expuesto a través de un Carl Zeiss Jena Tessar 50/2,7 DDR y a aún no he encontrado momento para revisarlo a conciencia y comentarlo.

Francesca Woodman es una fotógrafa de la que he hablado en diversas ocasiones. E, independientemente de que esté de moda, lo cierto es que conforme voy entrando en su obra, cada vez me dice más cosas. Quizá por ello he seleccionado un artículo de Feature Shoot que nos habla de las fotografías de la fotógrafa que ayudan a conformar un retrato sobre la artista. Tanto las que ella dejó sobre sí misma, como las que el fotógrafo George Lange, amigo suyo y poseedor de obra de Woodman puede aportar. En un tiempo en el que abundan los autorretratos y retratos banales y vanidosos, resulta refrescante mirar a los años 70 y comprobar que es un género que puede adquirir notable profundidad e introspección.

La última versión de Little Women no ha rascado gran cosa en la temporada de premios. Vestuarios y esas cosas. Y lo cierto es que la película está bastante bien, tiene alguna gran interpretación que ha pasado más desapercibida de lo que sería justo, y lo único que le falta es un poco de atrevimiento de la directora para ser más rompedora y directa en su mensaje. No está mal fotografiada. En Emulsive publicaron hace unos días un artículo sobre el trabajo del fotógrafo Wilson Webb (instagram), fotógrafo de rodaje que, saliéndose de lo habitual, el uso de la fotografía digital, se lleva también sus Hasselblad XPan y Mamiya 7II con una provisión de películas Ilford al rodaje, y ha realizado una serie de retratos del reparto usando la técnica del colodión húmedo, devolviendo a los personajes a la época en la que se basan. Lo cual,… me parece estupendo.

Oscar en fotos siempre es una página interesante, inspiradora y altamente informativa. Y recientemente publicó una galería y minibiografía del fotógrafo fiestero por excelencia, aunque su mirada hacia las fiestas de las clases privilegiadas contengan no poco sentido crítico. Se trata de Larry Fink, y hace mucho tiempo que me gusta.

Y tres recomendaciones menores, pero interesantes:

[Recomendaciones fotográficas] Auschwitz y algunas cosas más

Fotografía

Fue noticia en muchos medios hace unos días. Este año es el 75º aniversario de la liberación de los campos de concentración de Auschwitz, entre ellos el de exterminio de Birkenau, que se llevó por delante la vida de más de un millón de judíos, además de miembros de otras minorías mal vistas por la “blanca y rubia” Alemania nazi. Sí, Alemania. No sólo el NSDAP, vulgarmente conocido como Partido Nacionalsocialista. A veces parece que hay “olvidos” voluntarios entre los líderes de la Alemania actual, que tan superiores se creen a otros países europeos. Pero los nazis subieron al poder con el apoyo de los votos de otros partidos de centro derecha, entre ellos el Partido de Centro, partido católico que se puede considerar antecesor de la CDU actual, partido adscrito a la Democracia Cristiana. Aun estamos esperando las disculpas y las compensaciones alemanas por el apoyo de ese país al fascismo español, mientras se creen con derecho a decirnos cómo tenemos que organizar nuestras cuentas.

Yo también tengo mi propia visión de los infames campos de concentración alemanes. Aquí traigo el de Birkenau, o Auschwitz II. Pero también he visitado el de Struthof, que Erich Hartmann reflejó en su trabajo de los años 90.

El case es que en medio de un invierno infernal, un 12 de enero de 1945 el ejército soviético inició su gran ofensiva definitiva sobre Alemania, que lo llevaría hasta Berlín, y por el camino se encontró con el horror de Auschwitz en la población polaca de Oświęcim. Han sido varios los artículos que han recordado el hecho desde el punto de vista fotográfico. Magnum Photos nos ofrecía la siempre compleja visión de Antoine d’Agata sobre el campo, tal y como lo percibió en 2002.

En Cartier Bresson no es un reloj, mientras tanto, nos ofrecían la visión de Erich Hartmann, alemán judío que consiguió escapar a Estados Unidos, en cuyo ejército se alisto para la liberación de Europa, donde pudo asistir a la visión de los campos de concentración que se iban liberando. En los años 90, regresó a Europa y a los campos de concentración, en esta ocasión armado con una cámara fotográfica. Sus fotografías también merecen mucho la pena ser contempladas y reflexionar a partir de ellas.

Pero no todo fue negativo en la Alemania de entreguerras. Aunque la República de Weimar fue un experimento fallido, y en ese fracaso no se puede culpar sólo a los alemanes, fue una verdadera coctelera cultural que dio lugar a grandes innovaciones estéticas y artísticas. Entre ellas la Neue Sachlichkeit o Nueva Objetividad, que surgió como rechazo a ciertos excesos del expresimiento alemán, y que como movimiento fotográfico busca obtener imágenes fieles a la realidad, aunque con logros estéticos notables, y que influyó notablemente en la fotografía de posguerra, especialmente en la escuela de Dusseldorf. Nos lo contó Oscar en fotos.

Conocí las fotografías del sudafricano Pieter Hugo durante una visita al Musée de l’Elysée en Lausana hace unos años. En Creative Boom nos hablan de La cucaracha. Este es un trabajo de Hugo en el que se va a Méjico y hace un extenso ejercicio de documentación, observación y reflexión sobre la violencia, la sexualidad, la vida cotidiana, en ocasiones precaria, y la fuerte espiritualidad, siempre presente en las población que sufren traumas o problemas cotidianos. Las fotografías de Hugo son claras, directas, con pocas concesiones, para lo bueno y para lo malo. A mí me parece uno de los fotógrafos contemporáneos más interesantes, con un punto de vista personal.

Y por último, para rebajar la intensidad de los temas un poco, terminemos de nuevo con una visita a los archivos de Magnum Photos, que nos mostrado otro artículo de su serie On set, en los que nos muestran el trabajo de sus fotógrafos en los platós de rodaje de algunas de las más conocidas películas de la historia del cine. En este caso, Limelight (Candilejas) de Charles Chaplin, vista a través de los ojos y la cámara del genial aunque complejo W. Eugene Smith, con unas fotografías en las que podemos apreciar perfectamente la distintiva visión de este fotógrafo que marcó una época de la fotografía documental norteamericana y mundial.

[Recomendaciones fotográficas] Tragedias, realidades y ficciones

Fotografía

Por razones de “agenda” he decidido que mis recomendaciones de esta semana van en sábado y no en domingo como de costumbre. Si tengo tiempo, mañana, cine. Tampoco tengo mucho esta semana, así que… la cosa irá rápida. Creo…

Esperando a probar mi reciente adquisición de hace 50 años, unas cuantas fotografías de 2013 con la Canon Demi EE17

En Cartier-Bresson no es un reloj nos cuentan la historia de una famosa fotografía de Robert Wiles. Es mucho más famosa que el propio fotógrafo. Wiles fotografió en la primavera de 1947 el cadáver de una mujer, aparentemente suicida, que saltó del Empire State Building con solo 23 años y cuando se acababa de comprometer en matrimonio para casarse unos pocos meses después. Nunca se supieron las razones de este acto. Cuando Wiles tomó la fotografía, el cadáver de la chica estaba todavía en el lugar en el que calló, en la calle, sobre un coche destrozado por el impacto. Y la fotografía es extrañamente bella. No diré más. Leed el análisis de Leire… que lo explica mucho mejor de lo que yo podría hacer.

Curiosamente, alguien rescató un entrada publicada en Y- Not Magazine hace algo más de un año en la que se hablaba de la tragedia como objeto estético. Y lo hacía a propósitio de las fotografías de Enrique Metinides. Este mejicano de ascendencia griega comenzó en la fotografía tomando imágenes de accidentes automovilísticos. Y luego, de sucesos violentos en general. La cuestión es que no pocas de sus fotografías son bellas, como la de la suicida del Empire State Building. No es nueva esta asociación entre muerte y belleza; se puede explorar en distintas disciplinas artísticas a lo largo de la historia del arte.

Nan Goldin saltó a la fama fotográfica por su estremecedora Ballad of sexual dependence. Pero previamente había publicado un ensayo, The Other Side, había participado en el ambiente de los homosexuales y trans de Nueva Inglaterra, fotografiando sus glamourosas y divertidas vidas. Con un triste colofón,… la mayor parte de aquellas personas fallecieron jóvenes por culpa del sida, las drogas u otros eventos. Goldin es una gran cronista de un momento determinado de la historia social del siglo XX. Nos lo han contado en Feature Shoot.

En Lenscratch, a partir del trabajo de siete artistas, Stephanie Dinkins, Trevor Paglen, Leo Selvaggio, Maija Tammi, José Orlando Villatoro, Xu Bing y Liam Young, nos hablan de los límites que está alcanzando la tecnología en los que es casi imposible diferenciar el retrato de una persona real del generado por un programa informático, reciba o no el rimbombante apelativo de inteligencia artificial. A mí, el trabajo que más me impresiona es el de Maija Tammi, One of them is a Human. Estos artistas no son estrictamente hablando fotógrafos… pero…

[Recomendaciones fotográficas] Géneros diversos, de ayer y de hoy

Fotografía

Mucha diversidad en los marcadores coleccionados durante esta semana. Vamos a ver si los presento con un poco de coherencia. Y concisión. Que no ando sobrado de tiempo. Aunque los “morros” que traía el tiempo cuando me he asomado a la ventana al saltar de la cama no eran muy prometedores.

Sigo con fotografías del mismo carrete que comenté ayer, realizadas con la Canon EOS 650 y el objetivo EF 28-135/3,5-5,6 IS USM. Advertir, porque ayer comprobé una confusión, que la cámara es la que inició la serie EOS en 1987, para película tradicional, y no la EOS 650D, cámara de captura electrónica, mucho más moderna.

En On this date in photography dedican una de sus entradas a la fotógrafa húngara Rózsa Klein, también conocida como Rogi André, que se estableció en París en 1925 y se convirtió en vecina de André Kertész. Y después en su esposa. Hasta que se separaron en 1932. No muy conocida en lo absoluto, especializada en retrato, autorretrato y desnudo, fue tutora de gente como Lisette Model y Dora Maar. Pero es una fotógrafa que me parece muy interesante en sí misma.

En algunos textos, Sophie Calle aparece como fotógrafa… lo cual es un simplismo absoluto. Artista contemporánea conceptual que ha enfocado su visión artistas de formas muy diversas, especialmente mediante complejas performances y acciones, ha utilizado la fotografía para reflejarlas. Creo que es interesante el artículo que han publicado en Lenscratch recientemente sobre esta artista para comprenderla mejor.

Desde hace ya un tiempo, sigo en Instagram a la fotógrafa Valerie Chiang, porque me gusta y por su uso de película tradicional como medio habitual. Es elegante y mezcla cierto clasicismo innovador con conceptos más modernos. Esta semana le han dedicado un artículo en Booooooom.

Si algo satura las redes sociales es la modernamente denominada street photography, que antaño hubiese sido simplemente fotografía documental, en las calles o donde fuese. Pero también ha hecho que todo el mundo se apunte a la moda, se copien todos hasta el aburrimiento o se hagan bodrios tremendos con ignorancia absoluta del buen gusto y del respeto hacia el otro en nombre de… bueno, cada cual busca sus excusas para ser un zafio. Por eso, cada vez le presto al “género” menos atención. Pero esta semana, en Lensculture, he podido conocer el trabajo de Jens Krauer (Instagram), un fotógrafo suizo que trabaja en el área metropolitana de Zúrich, y que con sus retratos urbanos callejeros recupera una buena parte de la elegancia y virtudes estéticas que alguna vez se conoció en este ámbito.

Muchas veces hago referencia en estas páginas a los artículos de Cartier-Bresson no es un reloj. Detrás de este excelente blog está la periodista y fotógrafa Leire Etxazarra, que en un artículo reciente se sincera sobre su trayectoria en la fotografía y sobre el siempre costoso proceso de aprendizaje, en este caso de aprender a mirar y ver las fotografías, diferenciando claramente lo que nos gusta de lo que tiene miga e interés, nos guste o no. Me ha gustado.

[Recomendaciones fotográficas] Algún vídeo y curiosidades fotográficas varias

Fotografía

Las nieblas que han cubierto Zaragoza durante prácticamente dos semanas han alterado considerablemente mi actividad fotográfica, especialmente con películal tradicional. Así que hay una serie de entradas en este Cuaderno de ruta que no han sucedido. Al mismo tiempo, para compensar el tiempo que no he dedicado a algo, mi actividad cinematográfica ha sido más alta… pero publicar de seguido entradas sobre cine… pues prefiero alternar un poco los temas. Así que voy a adelantar un día mis recomendaciones fotográficas. Suelen ser los domingos,… pues en sábado.

Algunas fotos de las nieblas de final de año para acompañar las recomendaciones de hoy.

Un vídeo, de Smarthistory. Este es un canal de Youtube dedicado a la historia del arte, en el que periódicamente comentan una obra artística de cualquier periodo de la historia humana. Esta semana dedicaron un de los vídeos a una fotografía, que podríamos denominar clásica, de Sebastião Salgado. De los obreros que apagaron los fuegos de los pozos petrolíferos en Kuwait tras los ataques de la primera guerra del Golfo. Os dejo el vídeo.

No conocía al fotógrafo Hal Fischer, del cual nos han hablado esta semana en el canal de youtube del San Francisco Museum of Modern Art. Sobre su impresionante serie dedicada al mundo gay de la ciudad californiana en los años 70, un época relativamente feliz para este colectivo antes de que en 1981 los Centers for Disease Control de Atlanta identificaran el síndrome de inmunodeficiencia adquirida, o sida. Relativamente… que los prejuicios estaban (están) ahí todavía. Os dejo el vídeo también, claro.

Es una gozada como nos ilustran desde Cartier-Bresson no es un reloj sobre la historia grande o pequeña, los grandes hechos o las anécdotas, de la fotografía. En esta ocasión iremos desde la reflexión que un fotógrafo de ficción hace sobre la fotografía en una conocida película romántica, hasta la intrahistoria de uno de los más potentes retratos de Richard Avedon, que es mucho decir porque todos sus retratos eran muy potentes. En concreto, el que le hizo a June Leaf, la esposa de otro gran fotógrafo, Robert Frank. Que nos dejó recientemente. Y aprovecha también para dar algún que otro zasca por todas aquellas mujeres que, siendo muy buenas en lo suyo, han acabado siendo sólo conocidas por ser “mujeres de… “. Gran injusticia. Leaf, pintora, una de ellas.

Y por último, una de cine y fotografía. En Magnum Photos, Magnum on Set, nos han hablado de las fotografías que realizó Bruce Davidson, grandísimo Davidson, durante el rodaje de Zabriskie Point, Michelangelo Antonioni. Y que acabaron teniendo que ver con muchas cosas distintas de la propia película.

Y aunque tenía alguna cosa más preparada, lo que no tengo es tiempo, así que lo dejo por esta semana.

[Recomendaciones fotográficas] Entre resúmenes y repasos al año/década, pocas cosas

Fotografía

Es curioso. Esta semana he estado de fiesta. El lunes próximo sí que trabajo. El último día laboral del año. Estaremos poca gente. Pero esta semana he podido dedicarme a muchas cosas. Por lo tanto,… he dispuesto de poco tiempo para casi todo. Es lo malo cuando haces excesivos planes. Acabas haciendo todo a medias. Y cuando pensaba que las recomendaciones fotográficas de esta semana podrían tener más calado, más cuando hace dos semanas que no hablo de ellas por dedicarme la pasada a los libros, resulta que la lista que había preparado me decía pocas cosas realmente.

Algunas de las últimas fotografías que he realizado en estos últimos días de 2019, paseando por la ciudad. En concreto, en la mañana del día de Navidad, con un sol y unas temperaturas que contradecían la fecha que indicaba el calendario.

Además, en estas fechas, la gente se dedica a hacer resúmenes; las fotografías del año, los libros de fotografía del año, los reportajes del año, los fotógrafos emergentes del año… esas cosas. Pero encima, como el tercer dígito del año cambia, del 1 al 2, todo lo anterior se multiplica por dos, cambiando “del año” por “de la década”. Lo cual, para mí es absurdo. Soy un chico de ciencias, sé que, de forma lógica por la naturaleza del tiempo, no hubo año 0, y por lo tanto las décadas naturales empiezan con años que terminan en 1 y terminan en años que terminan en 0. Siempre considerando que el sistema de numeración en base diez es un puro arbitrio derivado del hecho de que tenemos diez dedos en las manos. Pero que en la realidad de las cosas, no tiene ningún otro significado. Bueno… no me hagáis muchos casos. Cuando llega la Navidad y hasta que llegan los días soleados y más tibios de febrero, entro siempre en un periodo de cierto pesimismo y depresión. Hace “décadas” que me sucede. Vamos con algunas recomendaciones que he seleccionado.

Maria Svarbova (instagram), una fotográfa eslovaca, se ha convertido en mi “fotógrafa de la década”. No es que sea ni mejor ni peor que otros u otras. Simplemente que hace unos cuantos años me llamó la atención en 500px (hace meses que no se actualiza en esta red social), la empecé a seguir… y ahora me la encuentro por todas partes. La joven, y guapa, fotógrafa eslava a triunfado. Lo cierto es que sus coloridas imágenes llenas de simetrías y orden basadas en las construcciones del realismos socialista que quedan en su país me han generado siempre una extraña tranquilidad y relax. Veremos que pasa con sus fotos ahora que empiezan a rifársela las revistas de moda y parece que se ha convertido en “maestra” y “heroína” de una prestigiosa marca de aparatos fotográficos.

Dos artículos de Lensculture me han llamado la atención recientemente.

El primero de ellos está dedicado a la fotógrafa Liza Ambrossio (instagram). La todavía más joven fotógrafa mejicana instalada en París nos lleva a otros extremos estéticos, muy distintos a los de la eslovaca del párrafo anterior. Ambrossio abraza lo extraño, lo deforme, lo “bizarro” que dicen muchos, aunque no era este el concepto que aprendí en mi niñez que representaba esta palabra que aparecía con frecuencia en los tebeos de héroes franquistas,… Fotógrafa precoz, que cuenta en la actualidad con sólo 26 años, y ya lleva diez moviéndose en el medio. Habiendo despegado con fuerza en los dos últimos años. Sus fotografías son poderosas, tnato estética como éticamente hablando.

Y el segundo artículo está dedicado al último libro de uno de mis actores-fotógrafos favoritos, Jeff Bridges. También está en instagram, aunque sólo de vez en cuando publica una de sus fotografías. Que tienen de particular que son fotografías panorámicas, sobre soporte fotoquímico, la película tradicional, con una cámara de obturador de barrido, una Widelux. Lo que aprovecha para otorgarles una estética y unos efectos creativos muy especiales. Ofreciéndonos además un documento único de sus rodajes, y de las personas que le rodean en los mismos. Siempre me ha encantado.

Y ahora… los próximos días, los tres que nos quedan de este 2019 sin contar este sábado, los dedicaré a mi personal repaso del año.

[Recomendaciones fotográficas] Irving Penn y algunos más

Fotografía

Como la semana pasada ni hice recomendaciones fotográficas porque dediqué el espacio a hablar de las exposiciones que visité en mi escapada a Madrid, se me habían acumulado muchas. He eliminado la mayoría y he dejado unas cuantas que me han parecido más interesantes por motivos diversos. Tampoco ando con mucho tiempo. Así que igual soy un poco esquemático.

En cuanto a las fotografías acompañantes, esta semana recibí de Carmencita Film Lab unos cuantos carretes de Fujicolor Superia XTra 400 que fui haciendo durante el mes de noviembre y en mis escapada madrileña. De estos dos últimos carretes os dejo algunos ejemplos, utilizando ya a pleno rendimiento el SMC-M 50/1,4 que adquirí a un señor japonés a través de eBay por un precio mucho más razonable que lo que encontré en países más cercanos. Mucho más razonable. Y en perfecto estado. Como nuevo.

Irving Penn. Uno de los grandes de la historia de la fotografía, especialmente en la segunda mitad del siglo XX. Con un estilo inconfundible, se dedique al retrato, a la moda, al bodegón, al desnudo,… que ha creado escuela, aunque pocos de sus discípulos a alcanzado su nivel. ¿El mejor fotógrafo del siglo XX? ¿De la historia? Algunos lo creen así. Por supuesto, entra el juego el gusto de cada cual. Pero si hubiera que designar un nombre para este “título”, habría de estar entre los finalistas. Para conocerlo mejor os sugiero que visitéis la entrada que le han dedicado en Cartier-Bresson es un reloj. Y luego le dediquéis tiempo a seguir conociendo su obra.

Muchas veces admiramos las fotografías de aquellos fotógrafos que nos gustan, pero es muy importante conocer también el proceso que llevó a su realización. No estoy hablando de los datos técnicos: cámara, objetivo, sensibilidad, velocidad, diafragma, material sensible… Nop. Me refiero al entorno, al ambiente, a los condicionantes, al sujeto, a las alternativas que se presentaron al fotógrafo. En la sección Theory & Practice de Magnum Photos nos muestran con frecuencia el cómo se llegó a la realización de una determinada fotografía por parte de uno de los muchos fotógrafos que han pasado por su nómina. Dos he seleccionado esta semana. La primera, una fotografía de Eve Arnold que siempre me ha parecido maravillosa a muchos niveles. Marilyn Monroe en medio del desierto de Nevada durante el rodaje de The Misfits (Vidas rebeldes). Si además cuentas que estoy leyendo una biografía novelada de la actriz escrita por Joyce Carol Oates… pues imagina. No era la primera vez que Arnold fotografiaba a Monroe.

La segunda es Mother and Daughter de Alec Soth. Perteneciente a una de sus series más importantes, Sleeping by the Mississippi, es uno de los retratos psicologicos y ambientados que realizó durante sus viajes a lo largo del curso del mítico río norteamericano. Y está realizada con las dos mujeres sentadas en un sofá de un burdel en Davenport, Iowa. Sólo con decir esto ya resulta evidente que existe una potente historia detrás de la fotografía. Y encima, en una situación así, fotografiaba con una cámara de gran formato de 8 x 10 pulgadas… El “ideal” de cámara de reportaje según los “listos”, ¿no?

Sistemáticamente las nuevas generaciones adolescentes y jóvenes piensan que son distintas, más “modernas”, más “avanzadas”, que las de sus padres, sus abuelos… quienquiera que hubiese nacido veinte o más años antes. Luego… si observas la realidad te das cuenta que, influjos tecnológicos aparte, las diferencias son cosméticas, están en el exterior, o simplemente se adaptan a la sociedad del momento. Que las actitudes no han variado tanto, salvo que actualmente las etapas “adolescencia” y “juventud” se han prolongado en el tiempo. Estas reflexiones me han surgido contemplando una entrada en Instagram de Tokyo Camera Style, en la que se muestran fotografías de la serie Party 1970-1985, del japonés Alao Yokogi, que simplemente se acercaba calmadamente a estos jóvenes con su Hasselblad y les pedía posar para una foto. Lo que digo, diferencias más cosméticas que de profundidad con lo que sucedería si el trabajo se hiciera hoy, cuarenta años más tarde.

Finalmente, entre los fotógrafos cuya obra todos los días nos muestran en Booooooom, me han llamado la atención dos de ellos, por las semejanzas y por los contrastes que se muestran en las series presentadas. En See Shore de Mackenzie Walker (Instagram), realizamos el recorrido por la costa oriental de Canadá. Lugar de vacaciones y de relax, las fotografías son bellas, relajadas. Y la presencia humana es evidente, pero no vemos a las personas. Sin embargo, en la serie que presentan the Yosigo (José Javier Serrano, Instagram), encontramos también la costa como lugar de vacaciones (también otros lugares), pero en esta ocasión en su versión más de “veraneo”, con sus bellezas, pero también con su kitsch, sus aberraciones urbanas/urbanísticas, y con más presencia de la figura humana. Dos visiones distintas de entornos a priori similares.

[Recomendaciones fotográficas] Extraña semana, con libro incluido

Fotografía

Pues sí… ha sido extraña. Fotográficamente hablando, en lo que se refiere a mi afición por la fotografía en su conjunto. No sólo a hacer fotos. Me llegó un libro… que no recordaba muy claramente haber pedido… Y bueno, ya llegaré a eso.

En primer lugar tenemos que hablar del fallecimiento de Carlos Jurado (1927 o 1929 – 2019), un fotógrafo que probablemente sea muy poco conocido para la mayor parte de los aficionados. La noticia la proporcionó su compatriota Óscar Colorado, y pocos medios más se han hecho eco. Y ¿por qué destaco a un fotógrafo que parece haber tenido poca repercusión? Pues porque fue uno de los impulsores de la fotografía estenopeica, modalidad que practico con no demasiada frecuencia, pero que me ha dado algunas alegrías importantes. Para conocer un poco más a este fotógrafo, podemos acudir a un artículo del propio Óscar Colorado, de hace ocho años, nada menos. Y que además profundiza en las razones y los modos de este tipo de fotografía. Al mismo tiempo que nos muestra que la fotografía de Jurado fue algo más.

Tengo pendiente de publicar una comparación entre dos películas negativas en blanco y negro de sensibilidad ISO 80. De momento, os muestro algunas de ellas realizadas con mi Leica M2 calzada con el Zeiss ZM Biogon-C 35/2,8 y el carrete de Rollei Classic 80S, una película pancromática con sensibilidad extendida al infrarrojo cercano.

Ya lo he dicho. Para que veáis como llevo la cabeza. Recibí esta semana un libro que no recordaba haber pedido. Se trata de Yumi and the Moon, de Alexandra Leese (instragram). Hace ya un tiempo que seguía la cuenta en instagram de esta fotógrafa sinobritánica. Supongo que la idea de comprar el libro vino de esta entrevista a la autora que publicaron en Dazed hace unas semanas. En ella nos explicaba cómo el libro venía inspirado por una antigua leyenda japonesa, Taketori Monogatari (El cuento del cortador de bambú), donde se nos habla de una niña que viene de la Luna a habitar en la Tierra y cuyos padres adoptivos llaman Kaguya-hime, la princesa resplandeciente. Esta historia fue adaptada por Isao Takahata, uno de los directores del Studio Ghibli, en una de las más bellas películas de la productora, llena de poesía, y con un estilo visual diferenciados, aunque también de las menos comerciales. El libro que recibí me sorprendió por su formato, obviamente no leí las especificaciones del mismo, ya que tiene un tamaño que está en el orden de una Din A3, aunque no tenga estas exactas proporciones. No tiene texto en la práctica, y es una serie de retratos, muchos de ellos desnudos, de Yumi Carter, la artista que le contó la historia a la fotógrafa y que acabó posando para este libro-revista. Se complementa con fotografías y vistas diversas de la luna, y alguna otra de paisajes o lugares, complementaria. Todavía no sé si me gusta o no… creo que esperaba algo más parecido a los trabajos de Lena C. Emery… Bueno, la verdad es que no está mal. No confundir la leyenda que he mencionado con el cuento de Jinichirō Tanizaki El cortador de cañas. Es también muy bello, pero no tiene nada que ver. Yo lo leí dentro de la colección Cuentos de amor, donde se denominaba El segador de cañas.

La lectura de otro artículo de Óscar Colorado me llevó a reflexionar y a interesarme por el concepto de autoría de una fotografía. Que no siempre está vinculada al hecho de pulsar el disparador de una cámara. Al igual que en el cine el autor de la película es el director y no el director de fotografía, también denominado antiguamente el operador de cámara, también es posible que el autor de la fotografía, quien la idea, de quien nace el concepto, y el operador de la cámara fotográfica, quien pulsa el disparador, no sean la misma persona. Y nos propone dos ejemplos muy distintos.

El primero de ellos es Gregory Crewdson, un fotógrafo bastante conocido hoy en día por sus espectaculares puestas en escena de aspecto muy cinematográfico. Y para cuya realización Crewdson dispone de un potente equipo de iluminadores y operadores, actuando él como la persona que idea la fotografía, que coordina la puesta en escena, que cuida hasta los más mínimos detalles de la misma en su composición y en su iluminación, aunque al final sea un operador quien dispare el obturador de la cámara. Por lo tanto, las fotografías de Crewdson se corresponde en gran medida con el concepto de tableau vivant, en cierta medida. Óscar Colorado también le dedicó un artículo hace cuatro años.

Pero por espectaculares y perfectas que me parezcan las puestas en escena de Crewdson, me interesó más las propuestas de la surcoreana Nikki S. Lee. Aunque la presentemos como fotógrafa, la surcoreana afincada en Estados Unidos, su nombre original es Lee Seung-hee, es más bien una artista conceptual que busca reflejar en una fotografía una performance o un happening. Su largo primer trabajo, Projects, la llevó a integrarse de forma secuencial en las distintas subculturas neoyorkinas, modificando su identidad, su estilismo, su forma de comportarse, incluso el color de su piel o su peso corporal. Una vez conseguida la integración, entregaba una sencialla cámara compacta para que un amigo suyo o alguien que estuviese por allí y realizase fotografías que poco se diferencia de las que cualquier grupo de amigos se hace eventualmente. Por lo tanto, estamos ante un trabajo complejo, un estudio sobre la identidad o la pluralidad de identidades, pero que no pasa por la meticulosa planificación de la toma de Crewdson, sino que no deja de otorgar un papel al azar a la hora de entregar su cámara a otra persona que puede incluso ser un desconocido. Fotografía que pueden ser defectuosas técnicamente, pero que en su conjunto conforma un cuerpo de obra potentísimo. A mí, este trabajo que Colorado comenta también en su blog, me parece impresionante, y con mucho más impacto y significación que el de Crewdson, que por sí, también es estupendo.

Espero que os hayan interesado estas propuestas.

[Recomendaciones fotográficas] Obituario, análisis fotográfico y desastre ecológico

Fotografía

Nos comunican días atrás que ha fallecido el fotógrafo británico Terry O’Neill. Es uno de los fotógrafos que ascendieron a la fama y al reconocimiento en los medios fotografiando el Swinging London, aquel momento de los años sesenta en el que el panorama cultural de la capital británica era atrevido, progresista, transgresor en ocasiones, divertido, visualmente innovador e interesante,… mucho más interesante que el gris mediocre que nos llega ahora desde la islas británicas, que a pesar de todos todavía tienen inercia suficiente para ser polo de atracción a artistas diversos y para mover el mercado del arte contemporáneo. Junto con otros fotógrafos como Brian Duffy, David Bailey, Terence Donovan, y otros, nos legaron no pocas fotos todavía muy reconocibles, algunas icónicas, sobre las gentes (actores, modelos, artistas varios, diletantes,… ) que poblaron el panorama cultural británico de los sesenta del siglo XX, y marcaron tendencias que aun hoy en día se pueden identificar en no pocos fotógrafos contemporáneos.

Aunque al final llevé al taller de fotografía de paisaje fotos de viajes recientes, de este mismo año, contemplé la posibilidad de llevar alguna de las cataratas del Niágara, de hace cuatro años. Os dejo algunas fotos de aquel día.

Ayer estuve en un taller de fotografía de paisaje organizado por Asafona (Asociación aragonesa de fotógrafos de naturaleza) e impartido por el fotógrafo vasco Javier Alonso Torre. Básicamente, Javier dedicó la mañana a comentar las distintas dimensiones de la fotografía de paisaje, técnica, estética (compositiva) y emocional, y la tarde a realizar unos pequeños análisis críticos de las fotografías que los participantes aportamos con este fin. Especialmente en las dos últimas dimensiones. Estuvo bien. Curiosamente, esta semana había recogido un par de enlaces donde encontramos análisis de fotografía conocidas y que puede ser interesante conocer.

En el canal de Youtube de Smarthistory, nos ofrecieron el análisis de una fotografía realizada en el Parque Nacional de Yosemite en Estados Unidos, desde el llamado Inspiration Point, lugar desde donde se han realizado paisajes muy conocidos de este bello lugar natural. La fotografía de Roger Minick, no obstante, incluye un primer plano de una mujer con un pañuelo comprado en una tienda de recuerdos del parque que modifica por completo la estética y los significados del lugar. Os dejo el vídeo porque me parece muy interesante. La fotografía está depositada en en el LACMA (Los Angeles County Museum of Art).

En el excelente blog sobre fotografía Cartier-Bresson no es un reloj, también nos ofrecen un excelente artículo de análisis de dos fotografías. Ambas son de Richard Avedon, uno de los fotógrafos más destacados de la historia del medio. No falta quien dice que es el mejor retratista de la historia de la fotografía. Una es un retrato de los duques de Windsor, en el que aparecen con un aspecto y una actitud muy distintos de los habituales en los retratos que se les hicieron a lo largo de su vida; el otro es el de un apicultor, Ron Fischer, que fue retratado con el cuerpo parcialmente cubierto de abejas. No voy a duplicar aquí los comentarios que tan bien explica Leire en su blog. Yo sería incapaz de hacerlo con ese conocimiento y esa habilidad. Seguid el enlace anterior y leedlo. Además de aportar conocimiento y reflexión es muy ameno. Sí, sí… ya se que en esta época de autosatisfacción inmediata con las tontadas que se publican en las redes sociales, pocos leen estos blogs con profundidad. Pero merece la pena.

Por último, en unos tiempos en los que cada vez es más urgente reaccionar ante los desafíos ambientales y climáticos que amenazan a la civilización humana, recomiendo un vistazo a las consecuencias derivadas de las obras públicas que han provocado la desecación del lago de Urmia en Irán. No muy distintas de las más conocidas del agotamiento del mar de Aral. Las fotografías son del alemán Maximilian Mann. Y han sido publicadas en The Picture Show de la NPR. A pesar de todo lo que se sabe de estos fenómenos, todavía tenemos que soportar a los partidos políticos que pretenden arreglar los problemas de las comunidades con obras públicas faraónica que crearan otros problemas peores todavía…

[Recomendaciones fotográficas] … para una jornada electoral que nunca debió ser

Fotografía

Hoy es día de elecciones generales. Nunca debieron convocarse. Ya hubo hace seis meses. Y con lo que resultó, un sentido de la responsabilidad y del interés general que no existe en los partidos políticos debieran haber bastado para trabajar durante cuatro años por el interés de los ciudadanos. Pero no es ese el objetivo real de los partidos políticos tal cual los conocemos en este momento. Están conformados por personas que buscan una posición de poder, su propio beneficio, o representar unos intereses bastardos y no declarados. Y encima, las personas que aparecen en las listas electorales son más o menos las mismas que han mostrado su manifiesta incompetencia durante estos seis meses. Y lo hacen, en una demostración de cinismo absoluto, sin el menor de los sonrojos. Y sin embargo habrá que ir a votar, porque sigo convencido que el no hacerlo es todavía peor. Nos plantaremos ante las papeletas, y aquellas que nos provoque menos náuseas, menos asco, esa será la que elijamos. Y a confiar que les entre el sentido común, o que la aritmética permita por uno de esos azares que alguien pueda formar gobierno.

Los restos del muro de Berlín convertidos en recordatorios de lo que no debe ser, aunque sigue siendo. En muchas partes del mundo, se siguen construyendo muros. No aprendemos nada.

El resto del día lo dedicaremos al descanso semanal, a la fotografía de una forma u otra. Por ejemplo, a aprender de los mejores o a conocer más del mundo de la fotografía considerada como una de las bellas artes.

No dejó de parecerme curioso que PetaPixel nos hablara a principio de semana de la dicotomía o la contraposición entre realismo y pictorialismo en fotografía. Ciertamente a principios del siglo XX hubo una cierta revolución cuando algunos importantes nombres en la historia de la fotografía se rebelaron contra la idea de que la fotografía como una de las bellas artes debía imitar a la pintura, puesto que una fotografía realista, según se concebía por algunos, no era artística sino meramente documental. Creo que a estas alturas hay que saber o comprender que los límites entre estos conceptos son difusos, que hay un continuo en las formas en las que se puede ejercer la fotografía. Pero no deja de ser interesante el artículo para desasnarse en algunas cuestiones de la historia de la fotografía.

Se ha celebrado el aniversario de la caída del muro de Berlín. Treinta años ya. Con unas consecuencias debatibles. Si supuso la caída de las dictaduras comunistas del este de Europa, lo que es bueno, también fue el punto de partida para una reaparición de los populismos de derechas y las nuevas expresiones del fascismo. Muchas veces muy ancladas en esos mismos países, aunque se haya extendido por todo el continente. Así que hay poco que celebrar. Muchos son los artículos que se han dedicado por los medios que se dedican a la fotografía a comentar el tema. Yo me quedo con uno de Creative Boom que nos habla de las fotografías del Nelly Rau-Häring en Berlín a lo largo de décadas durante la existencia del muro y un tiempo después. Una fotógrafa poco conocida, pero que tiene su interés.

Poca gente sabe o comenta que hay una tercera fotógrafa española vinculada a Magnum Photos, como candidata a asociada, además de las dos más conocidas. Se trata de Lua Ribeira, fotógrafa gallega que dio un empujón a su carrera cuando se trasladó al Reino Unido, y que tiene un estilo documental directo, sin máscaras, a veces un tanto descarnado, pero honesto. Sugiero echarle un vistazo a su obra. Un ejemplo más de talento nacional “exiliado” a otros países donde tienen oportunidades de desarrollo personal y profesional que en esta hoy absurda España no se dan.

Antes de ayer me apunté a un taller de fotografía de paisaje que celebrará Asafona (Asociación aragonesa de fotógrafos de naturaleza) dentro de un par de semanas. En los últimos tiempos pienso mucho en este género. Especialmente desde el enfoque del paisaje alterado por el ser humano. Ese es el tema que centra mi galería de fotos en Asafona. Pero por bien que pinte y pueda estar el taller, no es fácil que las propuestas que se expongan tengan que ver con los oscuros paisajes de Michael Schnabel, que adopta propuestas formales y estéticas para sus fotografías de montaña muy distintas de las que vemos habitualmente. Lo hemos podido ver en Lensculture. Y a mí me gustan

Y terminaré con otro fotógrafo de Magnum Photos, Guy le Querrec, que yo siempre he asociado a un cierto humanismo fotográfico que nos fue llegando a lo largo del siglo XX desde el país vecino. Y que también se caracteriza por haber fotografiado en dos de los ámbitos que más me gustan, los viajes y la música de jazz. En Photography of China nos han recordado los viajes que realizó en los años 80 del siglo XX al gigante asiático y que dejaron unos reportajes de gran valor humano, cultural y documental.

[Recomendaciones fotográficas] Del arte contemporáneo y otras cosas que interesan a los fotógrafos… o deberían

Fotografía

Estamos en el segundo día del que va a ser un puente muuuuuyyyy largo para mí. Porque como andaba sobrado de días de fiesta, lo he prolongado hasta el martes de la semana que viene, incluido. Y como ayer por la tarde le dio por ponerse a llover, dediqué un buen rato a explorar algunas cosas relacionadas con el arte moderno y contemporáneo, del que la fotografía forma parte de modo fundamental, bien sea como medio de expresión principal, bien sea como herramienta para inmortalizar aquellas formas de arte contemporáneo efímeras por su naturaleza.

Aunque muy tímidamente, los colores del otoño llegan a la ciudad de Zaragoza. Me temo que, como ha pasado en los últimos años, muchos árboles de hoja caduca pasarán directamente del verde al suelo, sin pasar por la gama de ocres. Pero bueno… menos es nada.

Por ejemplo… en el canal de Youtube de Smarthistory pude ver un vídeo dedicado a dos de las últimas pínturas de Katsushika Hokusai, habitualmente conocido por una de sus Treinta y seis vistas del monte Fuji, la llamada Bajo una gran ola en Kanagawa, y que se puede considerar como un gran precursor y un adelantado de muchos elementos del arte moderno y contemporáneo. Un vídeo que, en poco más de siete minutos, enseña más sobre arte que muchas disertaciones sesudas que sueltan los expertos. Os lo dejo puesto.

Pero además recibí un correo de parte del Museum of Modern Art MoMA de Nueva York anunciando algunas novedades y cambios en su página web, que permite disfrutar del museo sin necesidad de visitarlo. Una de las mejores webs sobre arte que conozco. Dos secciones me interesaron especialmente, en audio. Eso sí, en inglés. Por una lado, las distintas colecciones de audios que permiten escuchar lo que artistas, conservadores y otras personas tienen que decir sobre las obras conservadas y expuestas en el museo. Por otro lado, la colaboración BBC Radio 3 para realizar la serie The Way I See It, un podcast en la que distintas personas con distintos perfiles profesionales o académicos nos cuentan cómo ver las obras de arte del MoMA y lo que significan para ellos. De lo más interesante. Y no faltan fotografías entre las obras seleccionadas.

Un post en Instagram de José Garrido, fotógrafo del Museo de Zaragoza que me gusta seguir por su saludable mezcla de visión y sentido del humor, me hace darme cuenta que tenemos nuevo Premio Nacional de Fotografía 2019 desde hace unos días, que no me había enterado, estuve muy liado esos días, y que se trata de Montserrat Soto. Y si recorremos un poco su obra, volvemos a lo que decía en el primer párrafo de la interrelación de fotografía y arte contemporáneo. Porque Soto a veces parece más una artista que realiza instalaciones que traslada a fotografías, que una fotógrafa propiamente dicha. O que utiliza la fotografía en sus instalaciones. Todavía no he tenido tiempo a revisar convenientemente su página web. Estoy en ello.

No hace mucho vi un hilo en Facebook, una conversación sería más apropiado decir, que criticaba a determinados sitios que promocionan o dan a conocer la obra de fotógrafos contemporáneos. Especialmente criticaban, a veces con mucha acritud, a LensCulture. Parece que la línea editorial de este sitio no era del gusto de los que conversaban virtualmente. Sigo a LensCulture desde hace años. Y como siempre con estos sitios, a veces te interesan más las propuestas de las que habla y otras menos. Pero por ejemplo, en el boletín que recibí esta semana por correo electrónico, con obras de Bérangère Fromont (instagram), Daniel Szalai (instagram), Stacey Tyrell (instagram) y Elinor Carucci (instagram), había poco desperdicio. Y mucho compromiso. Ético y estético. ¿Seré yo el raro… o es que los listos de la fotografía española están anclados en un cómodo conservadurismo? No sé. Sinceramente.

Oscar Colorado sigue presentándonos fotógrafos soviéticos del grupo Octubre. Lo cual está muy bien. Esta semana ha sido el turno de Eleazar Langman, aunque sinceramente, como ha sido cosa de esta mañana, no he tenido tiempo de enterarme muy bien. Pero os lo dejo.

Por cierto,… he hablado bastante de museos hoy, y hace unos días un artículo de Magnum Photos nos hablaba de la afición de sus afiliados a hacer fotos en los museos. Siempre he pensado que es un sitio estupendo para ello, aunque luego la política “fotófila” o “fotófoba” de los museos es de lo más diversa. Esta semana Sarah Urist Green, la presentadora y alma del canal de Youtube The Art Assignment (Web, instagram), nos hablaba de sus 40 reflexiones sobre el arte, y una de ellas era que no dudáramos en fotografiar aquellas obras arte que nos interesaran, que luego nos servían de memoria y de continuación del disfrute. Eso sí… que no contemplásemos las obras de arte exclusivamente a través del visor de la cámara… lo cual es razonable y obvio… salvo para muchos, claro.

A la gente de Carmencita Film Lab no les hace gracia el anuncio de Ilford Photo de poner a disposición de los fotógrafos la película Ilford Ortho Plus 80. Creo que es la primera vez que les veo hablar contra algo… Estoy de acuerdo que algunas de las propuestas que ellos hacen estarían muy bien… pero ponerse en contra de una mayor disponibilidad de una película fotográfica… Y a mí sí que me gusta el aspecto de las películas ortocromáticas. Y la de Rollei sólo tiene un ISO 25. Y los controles de calidad de Rollei e Ilford no son comparables. A favor de los británicos claro. Aquí no han estado finos los “carmencitos”… De quienes estoy esperando que me digan que han recibido mis carretes de película negativa en color de octubre… para empezar a revelarlos.