[Cine] La gran familia española (2013)

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La gran familia española (2013), 13 de septiembre de 2013.

El día que vimos el avance de esta película durante la proyección de otra, hace unas semanas, lo último que se nos ocurrió fue que la veríamos. Aquel avance mostraba indicios de la típica comedia española de la que ya estamos bastante escarmentados, con un reparto sacado de las producciones televisivas nacionales, que no es precisamente garantía de calidad últimamente, y para colmo ambientado en el fútbol, en la final del Mundial de Sudáfrica, que yo particularmente, recién llegado de vacaciones, y con mucho que pensar en la cabeza, no vi. Después nos enteramos que el director es el de aquella pequeña maravilla que nos ha quedado en el recuerdo, Azuloscurocasinegro, Daniel Sánchez Arévalo, lo que nos empezó a animar. Bien es cierto que entre medias ha hecho dos comedias, una que empecé a ver en televisión y que no terminé, y otra que sí terminé que tenía sus momentos. Sin más. Y luego, las críticas positivas que han aparecido por todos lados, con inclusión en la «terna» de cuatro oscarizables, aunque ya he mencionado en alguna ocasión que la crítica española no parece muy fiable en lo que ha productos nacionales se trata.

Si os he de ser sinceros, tengo pocos recuerdos del Mundial de Sudáfrica. No me interesa el fútbol; me aburre. Mucho. Y la subcultura en torno a este deporte tampoco es que me parezca muy edificante tampoco. A eso hay que añadir que durante buena parte de aquel campeonato estuve de vacaciones en Alsacia. Con una escapada a Baden-Baden, en cuya Trinkhalle está tomada la fotografía.

La cosa va de que un chaval de dieciocho años, que pertenece a una familia numerosa donde son todo chicos, cinco, con los nombres de los hermanos de Siete novias para siete hermanos, se va a casar el día de su cumpleaños con las chica a la que pidió matrimonio cuando tenían diez. Y coincide que ese día es el de la final del mundial mencionado. Y que su madre les dejó tiempo atrás. Y que su padre (Héctor Colomé) está enfermo, y sufre una crisis cardiaca el día de la boda. Y que en ese día salen a flote todos los problemas que la aparentemente ideal familia carga. El hijo mayor, Adán (Antonio de la Torre), un depresivo divorciado con problemas económicas y que tiene una hija Fran (Sandy Gilberte), una niña más madura que él. Un hijo segundo, Ben (Roberto Álamo), con discapacidad intelectual y que ya ha llegado a los cuarenta. Un hijo tercero, Caleb (Quim Gutiérrez), el médico de éxito guapo que se fue a África dos años antes, dejándoles a todos con un palmo de narices, y especialmente a su novia, Cris (Verónica Echegui). La cual se lo monta ahora Dani (Miquel Fernández), que lleva la carga de la familia y que está inseguro ante el regreso de Caleb, ante quien siempre se sintió inferior. Y el novio Efraín (Patrick Criado), mucho menos seguro de sí mismo a pesar de su alegre compromiso con su rubia y embarazada novia de toda la vida, Carla (Arantxa Martí), especialmente por la desconcertante presencia de la morena y guapa hermana de esta, Mónica (Sandra Martín).

Fue un día de calor, hasta que tras comer se nubló parcialmente. Fue el momento en el que visitamos el casco antiguo de la ciudad. Que estaba absolutamente desierta.

Casi me da miedo comentar lo que me ha parecido la película. El nivel del cine español que he podido ver en los últimos años en pantalla grande me parece bajo. Este verano he ido grabando para ver en televisión todos los estrenos españoles de Canal Plus con el fin de comprobar si en su momento hice bien pasando de ellos, o si mis prejuicios me han impedido ver buen cine nacional. Todo ha sido de una flojedad tremenda. Varias de las películas no las he terminado de ver. Incapaz. Y para colmo, en las dos últimas películas he recibido comentarios o correos insultantes por dar una visión desfavorable en mis reseñas de las películas vistas. Muy desagradable. Con todo este panorama, triste, tampoco esperábamos gran cosa del filme.

Además de nosotros cuatro, poca gente nos encontramos en los agradables jardines por los que subimos hacia el castillo.

El principio del mismo tampoco nos animó mucho. Nos dio por pensar que nos iban a ofrecer lo que vimos en el avance. Una comedia más o menos descerebrada, con gracia sólo para los consumidores de «comida rápida» cinematográfica. Tuvimos a la salida una severa discusión sobre si el numerito musical del comienzo de la boda es una genialidad o una chorrada monumental. A mí no me convencieron del todo del aspecto positivo del asunto. Y en cualquier caso, parecía que la influencia de la comedia norteamericana actual era notable, lo cual tampoco es algo muy bueno que decir. Lo que pasa es que el avance de la película engaña, y el inicio de la película también. Poco a poco nos vamos dando cuenta que Sánchez Arévalo nos está contando un drama considerable disfrazado de comedia, que además se va centrando conforme avanza el partido de fútbol, y es capaz de arrancarnos sonrisas y alguna serena carcajada. Especialmente por el trío conformado por Antonio de la Torre, el muy meritorio Roberto Álamo y la jovencita Sandy Gilberte, simpática y convincente de principio a fin del metraje. Al final nos quedamos con la impresión de que nos han contado una historia con bastante, bastante miga, que da que pensar, sin superficialidades, pero de fácil digestión inicial y lento procesado posterior. No voy a decir que estemos ante las maravillas de las maravillas, pero sí que salgo con buen sabor de boca de la sala de cine.

Ya de bajada, las calles estaban desiertas, apenas animadas por alguna bandera alemana en los balcones y ventanas. El motivo,… la selección germánica se jugaba una importante eliminatoria si no recuerdo mal contra Argentina. Y todo, todo, todo el mundo menos cuatro turistas despistados estaba viendo el partido.

Las interpretaciones me parecieron muy desiguales. No coincido con muchas de las críticas que ensalzan al conjunto del reparto. Creo que los hay muy inspirados como el trío cómico que ya he comentado, creo que la principal figura femenina, Echegui, como ya me había parecido en trabajos anteriores va justita, creo que varios de los hermanos cumplen con su trabajo sin más, creo que los dieciochoañeros son los más flojos, salvando a la prácticamente debutante, Sandra Martín, que tiene detalles que prometen. Y sobre todo lamento que a Héctor Colomé me lo tengan dormido casi toda la película, porque lo poco que actúa en vivo lo hace muy bien, y me quedo con unas ganas tremendas de ver algo más de la parte de la fiesta que tan apenas nos cuentan. La familia de la novia, que nos deja algunos flashes muy divertidos, y que están muy desaprovechados. Ahí hay una segunda película escondida, una excelente comedia, que merecería la pena ser contada también. La escena en la que los jóvenes cuentan la realidad de su relación me parece muy divertida.

Alemania ganó el partido y nos divertimos viendo la tremenda celebración que montaba la gente en las calles de Baden-Baden.

Como veis, no debería haberme dado tanto miedo comentar la película. Frente a lo negativo que encontré en películas españolas anteriores de este año, aquí he encontrado muchas cosas positivas, que hacen que en general me parece una película recomendable. Pero no me parece ni de lejos la genialidad que me quieren vender los medios y la crítica española. Hasta cierto punto es una de esas situaciones de «en el país de los ciegos el tuerto es rey». No. No creo que Sánchez Arévalo esté tuerto. Creo que nos ha estado todo el rato guiñando el ojo. Y quizá por eso no le ha salido tan redonda como aquel drama que he mencionado al principio de la reseña.

Nos divertimos hasta que caímos en que la estación de ferrocarril estaba a seis kilómetros, y la celebración había interrumpido el servicio de transporte público hasta la misma.

Valoración

Dirección: ***. A pesar de que no todo me parece redondo, gracias por contarnos una historia familiar realmente interesante, un drama bien travestido de comedia.
Interpretación: ***. Pagan justos por pecadores, algunos merecen más valoración pero otros se quedan más justos. Creo que las producciones televisivas están haciendo mucho daño a los intérpretes jóvenes españoles.
Valoración subjetiva: ***. Teniendo en cuenta las expectativas ajustadas, y que me ha costado entrar en el filme, al final salgo con buen sabor de boca, pero sin muchas más alegrías.

Llegamos a la estación, cansados, pero bien, y allí pudimos constatar una vez más, las estaciones son adecuadas para ello, que en medio de las celebraciones siguen sucediendo dramas, grandes o pequeños, que es un poco de lo que va la película de hoy. Aquellas son unas vacaciones que recuerdo con un cariño tremendo, pero que también terminaron con nuestro pequeño drama. Así que el 11 de julio de 2010, lo que pasará en aquel campo de fútbol sudafricano, sinceramente, me importaba un pimiento.

[Cine] Sightseers (2012)

Cine

Sightseers (2012), 21 de junio de 2013.

Esta película la he visto en versión original y por eso conservo su título original en inglés. En la cartelera española puede aparecer con el título traducido al castello de Turistas.

El viernes fuimos al cine casi de casualidad. De hecho, pensaba que me iba a quedar toda la tarde en casa. Liado con asuntos domésticos, compras cotidianas y un poco cansado. Pero mira, al final,… y entramos en esta película casi por exclusión. Yo no sabía nada de ella, y quien sabía había visto críticas tibias y poco entusiasmos en los comentarios. Pero bueno, lo que nos decía que era una comedia negra británica… Quién sabe lo que podía dar de sí estos 88 minutos dirigidos por Ben Wheatley.

Chris (Steve Oram) quiere llevar a su novia Tina (Alice Lowe) de vacaciones. Un recorrido por Inglaterra sobre las cosas que le interesan que no son necesariamente los monumentos y localizaciones más habituales de los turistas. Pero pronto mostrarán trazas de no ser un pareja habitual. A sus treinta y tantos muestran signos claros de inadaptación social. Y cuando Chris tenga un encontronazo con un grosero visitante de un museo de tranvías, y este último acaba bajo las ruedas de la caravana en la que hacen sus vacaciones Chris y Tina, descubriremos que la pareja tiene ciertas tendencias homicidas que no se calmarán con el relax de las vacaciones.

Los protagonistas recorren el país, Inglaterra, en su caravana. Yo en alguna ocasión lo he recorrido pero alojándonos en «Bed & Breafasts», más cómodos. Este por ejemplo era una granja dedicada a la crianza de ovejas y cabras de mohair, no lejos de York.

Reconozco que no sabía muy bien dónde me estaba metiendo al ver esta película. Y lo que nos encontramos es una comedia negra, negrísima, sobre dos personas sin rumbo que viven una relación que parece más el resultado de su propia exclusión social que de una auténtica atracción. Todo ello en el marco de una campiña inglesa próxima al mito edénico que los propios británicos tienen de su propia tierra. Bellos paisajes y localizaciones rurales adornan una road movie salpicada de rojo aquí y allí por los motivos más peregrinos, en una escalada que parece conducir a una tragedia que por momento nos recuerda a ciertas Thelma y Louise, pero que no. O sólo parecido…

La película, además de lo que aporta el entorno en el que está rodado, se sostiene en la buena interpretación de sus dos protagonistas, que creo que están muy bien. Convincentes en sus roles de gentes sin lugar aparente en el mundo.

No voy a decir que esta película sea una obra de arte, o esté a la altura de las muchas grandes comedias británicas, muchas de ellas con un humor peculiar que no pocas veces he apreciado, pero realmente la podemos considerar como una pequeña sorpresa, razonablemente divertida, y que nos hizo evadirnos un rato.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

En aquel viaje, en 1996, nos dirigimos hacia Escocia, cosa que haré también en próximas fechas si nada se tuerce; y al igual que los protagonistas visitamos algunos tranvías de museo. Los de la película cerca de Londres, nosotros en Glasgow.

[Cine] The Trip (2010)

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The Trip (2010), 24 de mayo de 2013.

Manda narices que en estos momentos estemos viendo en cartelera un largometraje de hace 3 años; largometraje que además se rodó también para que funcionase como serie de televisión, luego comentaré como se adapta a televisión la cosa. El caso es que ha Zaragoza ha llegado en estos finales de mayo, en una sola copia, y en versión original. Dirige Michael Winterbottom.

Una revista encarga al actor Steve Coogan (que se interpreta a sí mismo) que haga un artículo sobre una serie de los mejores restaurantes de la campiña del norte de Inglaterra. Estando en un bache en su relación con su novia Mischa (Margo Stilley) con quien iba a ir y de quien fue la idea, y siendo que esta se ha ido por trabajo a Estados Unidos, elige como compañero a su amigo el cómico Rob Brydon (que también se interpreta a sí mismo). A partir de ahí tendremos un viaje de reflexión y de redescubrimiento personal, de dos personas, especialmente el personaje protagonista, que habiendo entrado en la cuarentena, se tienen que replantear muchas cosas sobre cómo deben abordar la vida.

Esta película me ha servido de excusa para rescatar entre mis diapositivas algunas tomadas en el norte de Inglaterra, cerca de Durham.

No pasa mucho tiempo desde que comienza la película para que nos recuerde a aquella fenomenal Sideways (Entre copas). Dos hombres ya en su madurez con distintos planteamientos en relación al compromiso, a la familia, a la profesión y a la relación con las mujeres, muy distintos entre sí, que se embarcan en un road-movie que les permitirá descubrirse más a sí mismos. También recuerda en su estructura a aquel aburrido experimento del propio Winterbottom en el que introducía lo pornográfico, la relación sexual explícita y real, en la historia de una relación amorosa que fue 9 Songs. Si en aquella los episodios de la relación venían marcados por los conciertos con las nueve canciones del título y los encuentros sexuales de la pareja, en esta son los distintos alojamientos, las comidas en los restaurantes, y los distintos paisajes los que van marcando el ritmo. Esta marcada división en episodios es lo que permitió que la película, supongo que con un poquito más de metraje, no mucho porque es larga, se convirtiera en miniserie de televisión, en el que cada episodio es un día de viaje. Ambas películas tienen en común también a Margo Stilley, aunque en esta mucho más recatada. Aunque más guapa. Esta chica gana con la edad.

Con un par de días espléndidos, pudimos disfrutar de la campiña británica, no tan salvaje como la que aparece en el filme. Pero muy agradable

El caso es que aunque íbamos a la sala de cine con cierto escepticismo, lo pasamos muy bien. Realmente, bien. Los diálogos son interesantes agudos, con la mezcla de comicidad que dan los piques entre los dos protagonistas, especialmente a costa de las imitaciones que hacen de actores famosos, y los momentos más dramáticos de reflexión. El tono general es de comedia, pero con un grano de melancolía en cada momento. El final marca muy notablemente la tesis del director sobre lo que conviene o no conviene llegada cierta edad. Las interpretaciones, que son fundamentales, son de muy buen nivel y convierten el viaje en verosímil y muy, muy divertido. Hay momentos como la comida en L’Enclume en que me entró la carcajada tonta. Hay que decir que aunque los dos protagonistas se interpretan a sí mismo, hemos de asumir que la historia es ficticia, no son sus auténticos yos.

Y disfrutamos también de la ciudad de Durham, bonita y agradable. Y de sus pubs y restaurantes.

Para terminar decir que disfrutamos de la película. Que no entendemos por qué ha tardado tanto tiempo en llegar a la cartelera, y por qué va a pasar tan desapercibida, con lo floja que está esta en estos momentos. Y está claro que hay que verla en versión original, porque si no todos los gags relacionados con las imitaciones no tienen sentido. Claro que si no conoces las voces originales de los actores imitados,… pues a lo mejor también pierde parte de la gracia. Yo me divertí.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Y tengo que recordar cómo se llamaba la magnífica casa de huéspedes en la que nos alojamos. El rolls de la entrada no era nuestro coche, como habéis podido comprobar en la primera de la serie.

[Cine] Los amantes pasajeros (2013)

Cine

Los amantes pasajeros (2013), 10 de marzo de 2013.

Comentábamos el sábado mientras tomábamos unos chismes un grupo de amigos sobre el cine de Pedro Almodóvar. Y algo en lo que en general estábamos de acuerdo es que, dentro de lo que es el cine español, internacional incluso, nos pareciese mejor o peor la película de turno del manchego, siempre ofrece algo distinto, algo personal, algo que estética o éticamente hablando se distinguiese del resto del cine. Hay muchas cosas muy cuidadas en el cine de Almodóvar. Siendo conscientes que a lo largo de su carrera ya le había dado para perpetrar algún truño. El caso es que, en este ambiente y en este parecer, con otro grupo de amigos me dirigí ayer en sesión matinal a ver la última de Almodóvar, con cierta ilusión, aunque también con cierta precaución porque los avances que la habían precedido no nos acababan de convencer.

En esta ocasión nos cuenta la historia de un vuelo. Un vuelo en un avión de línea, cuya tripulación podemos calificar cuando menos de peculiar. Especialmente el grupo que forman los dos pilotos y los tres tripulantes de cabina de clase preferente. Clase en la que viajan un curioso grupo de pasajeros. Que tendrán que convivir durante unas horas en una situación particular, puesto que se detecta una avería en uno de los trenes de aterrizaje, como consecuencia del olvido de unos calzos unidos a una de las ruedas. Y este grupo de pasajeros y tripulantes realizará una catarsis de sus miedos y sus desazones. De sus relaciones con novias y amantes, de sus relaciones familiares, de sus negocios turbios, de sus mitomanías, de sus influencias políticas, de sus temores sexuales,…

Desde luego, he de reconocer que visto su argumento y sus posibilidades, así a posteriori nos encontramos ante un tipo de película que no es nueva. El grupo de extraños obligados a convivir y a relacionarse durante un tiempo, dejar salir sus miserias, y volver luego a la realidad renovados. Pero no sé que le ha pasado esta vez a Almodóvar en su vertiente de guionista, pero el ganador de un premio de la Academia, nos ofrece uno de los peores guiones que le he visto. Incluidas aquellas películas iniciales e iniciáticas de la época de la «movida». Se supone que es una vuelta a la comedia loca, pero no me arranco ninguna risa, y apenas alguna tímida sonrisa. Los personajes no te importan nada, no hay empatía ni simpatías por ninguno de ellos. Más que revisitar temas lo que hace es inundarnos de tópicos… No sé. En esta ocasión, ni sus habilidades estéticas y cinematográficas me bastan para salvar esta película. Que pasa a la categoría de truño almodovariano. Quizá no sea una caída a los infiernos tan tremenda como Kika, pero floja, floja, floja.

En el apartado de la interpretación, la comedia es coral. Aunque quizá como protagonista podamos situar a Javier Cámara, lo cierto es que hay una variedad de personajes cada uno con sus minutitos de «gloria». La única que en algún momento me llega a divertir, recordando que quien tuvo retuvo, es Cecilia Roth. El reparto en su conjunto está irregular, y esta película me confirma que las nuevas generaciones salidas de las series de televisión son gente muy mona, pero intérpretes tirando a regular. O malos. Véase la guapa Blanca Suárez, que poco más tiene aparte de guapa. Pequeños papeles, poco más que cameos con alguna línea de guion para tres «exiliados» a Hollywood, Antonio Banderas, Penélope Cruz (cuya presencia planea, nunca mejor dicho, constantemente en la cola del avión), y Paz Vega.

En resumen, película fallida del manchego. No veo ningún interés en recomendar este filme a nadie. De verdad. Ni a los amantes, ni a los que odian a Almodovar. De forma pasajera o definitiva. Nada. Insustancial. Vaya par de semanas mas chungas que llevamos.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

Esta película es en calidad al resto de las de su director, lo que Ryanair a otras compañías aéras. Pues eso, aquí volando a Londres.

[Cine] Dos días en Nueva York (2012)

Cine

Dos días en Nueva York (2 Days in New York, 2012), 15 de mayo de 2013.

Fin de semana de flojera cinematográfica general. Tras el fuerte ritmo de estrenos oscarizables en enero, en estos momentos da la impresión de que los nuevos estrenos están más flojos. O por lo menos no encontramos propuestas realmente atractivas. Ha sido el fin de semana de los premios Goya, pero hace tiempo que he entendido que el cine español y yo vamos por caminos y tendencias dispares. La película española que más me ha gustado en el 2012 tan apenas ha recibido la atención ni de los medios, ni de los académicos, ni del público. Tras una serie de conversaciones con compañeras de trabajo, y tras conocer durante unos segundos a la directora del filme, veo en casa esta semana una película de producción no sólo española sino aragonesa, y que en su momento no fuimos a ver por la floja impresión que le produjo a una amiga. No es una catástrofe, pero tampoco me dice gran cosa. Así que entre todo este panorama, decidir qué ver no es fácil. Y por la simpatía que nos ha merecido en otras ocasiones la francesa Julie Delpy, tanto en su faceta de actriz como de directora, nos decidimos por esta secuela de otra película suya anterior que, aunque con defectos, no nos disgustó. Es cierto que cuando la vimos despertó un entusiasmo en nuestro grupo que luego se ha visto tremendamente atemperado. No era para tanto. Pero no nos disgusto. Y la tengo en mi colección de películas sobre la fotografía en el cine.

Si en la primera entrega conocíamos a la fotógrafa Marion Duprés (Julie Delpy) llevando a su novio de entonces a conocer a su excéntrica e imposible familia a la capital francesa, años más tarde la encontramos instalada en Nueva York con un hijo de aquella relación, y conviviendo con otro hombre, Mingus (Chris Rock), con quien planea montar un hogar. También ha avanzado en su carrera como fotógrafa y, además de trabajar para una revista, ha hecho sus pinitos en la fotografía conceptual, y va a inaugurar su primera exposición importante. Con este motivo, su familia vendrá de Francia a pasar unos días, poniendo toda su vida de patas arriba.

Si en la primera parte Delpy conseguía alcanzar cierto equilibrio entre la comedia y la reflexión dramática sobre los problemas existenciales y de pareja de los protagonistas, en esta segunda parte ese equilibrio no se consigue. Predominan las situaciones cómicas, pero sin que el humor que desarrolla sea especialmente brillante. En ocasiones es vulgar. Algunos personajes son realmente bufos, y creo que no aportan nada a la situación. Y el desarrollo de la parte dramática del filme, que sigue un paralelismo con la parte parisina, no consigue alcanzar el mismo nivel.

Dicho lo cual, las interpretaciones del conjunto tampoco son cosa del otro mundo sin que estén realmente mal. Quizá el problema es que a veces parecen personajes sacados de una enciclopedia de tópicos sobre franceses, yanquis y las relaciones entre ambos.

Lamentablemente, y a pesar de las simpatías que sentimos por Delpy, ver esta película nos ha parecido una pérdida de tiempo. Una producción prescindible que no añade nada a lo que ya nos contó hace cuatro o cinco años. En cualquier caso, esta película también va a mi colección de películas sobre la fotografía en el cine.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

Sigo sin haber viajado a Nueva York, así que me quedaré en el lado parisino de la historia, en la plaza de los Vosgos. Hermosísima plaza en el Marais parisino.

[Cine] Silver Linings Playbook (2012)

Cine

Silver Linings Playbook (2012), 25 de enero de 203.

Esta película fue vista en versión original subtitulada en español y por ello conservo su título original en inglés. Es posible encontrarla en la cartelera española con un título castellano, El lado bueno de las cosas, que no es traducción literal en inglés, lo cual sería difícil manteniendo el significado del título. Así que han hecho lo que han podido. Que comparado con los desastres de otras películas no es poco.

Tenía muchas expectativas por ver este filme dirigido por David O. Russell. Que hasta ahora no era uno de mis directores favoritos. Pero hay tenemos entre los protagonistas a Jennifer Lawrence, a la que gustosamente le hubiera dado el óscar hace un par de años, y a otros ilustres de la cosa de la interpretación. Y encima, osa competir a los premios óscar siendo una comedia, cuando lo normal, aunque excepciones no faltan, es que estos premios tengan preferencia por los dramas. Veremos que me ha parecido.

Pat (Bradley Cooper) ha estado ingresado ocho meses en una institución psiquiátrica por agredir al amante de su mujer. Si no fue a la cárcel fue por que se le diagnosticó un trastorno bipolar. Y ahora su madre, Dolores (Jacki Weaver), se compromete ante la administración de justicia a velar en su domicilio por su tratamiento y rehabilitación. Domicilio en el que también encontramos al padre, Pat Senior (Robert De Niro), que pone en riesgo constantemente la economía familiar con sus apuestas. Pat está obsesionado con recuperar a su exmujer, pero tiene una orden de alejamiento. Y la adaptación a la sociedad está siendo difícil. En una cena, conocerá a la hermana de la mujer de uno de sus amigos, Tiffany (Jennifer Lawrence), una joven viuda de un policía, que tras la muerte en accidente de este cayó en una adicción al sexo de la que también está en recuperación. Ambos llegan a un trato, Pat será pareja de baile de Tiffany en un concurso y, a cambio, esta servirá de correo burlando la orden de alejamiento en sus comunicaciones con la ex. Pero las cosas se van a complicar en semejante cuadro de personas con la salud mental tocada.

Al final de la proyección acepté la calificación de «comedia» de este largometraje. Pero no sin reticencia en diversos momentos del filme. Porque en las vidas de los personajes de esta historia hay mucho drama. Hay mucho daño personal. Incluso tragedia, o tendencia a la tragedia. Partimos de situaciones relativamente difíciles. Y es una opción el enfocarlas por el lado del humor. Un humor que en ningún caso va a ser de risa. Ya que no podemos dejar de lado los dramas personales que viven los protagonistas, que en ningún caso, a un espectador con un mínimo de posibilidad le van a inducir una carcajada. Con estas premisas, la película se desarrolla con fluidez. El espectador, conforme pasan los minutos, va empatizando con todos los caracteres, asume sus virtudes y sus defectos, y empieza a sufrir alegrías y tristezas con ellos. Quizá el principal defecto del desarrollo de la historia sea su excesiva previsibilidad en el tramo final, en el que supones con facilidad por donde van a ir los tiros.

Y luego está, en efecto, la gran virtud del filme que es la interpretación. Aunque hay dos protagonistas principales, Pat y Tiffany, especialmente el primero, la película tiene un cierto grado de coralidad. Y las interacciones con el resto de los personajes, especialmente con el padre y la madre, DeNiro y Weaver, pero también otros, son fundamentales para el desarrollo de la historia, incluso claves para desencadenar las reacciones de los protagonistas. De todos ellos, quien más alabanzas y más opciones de premios tiene es la joven Jennifer Lawrence, que da muestras de una gran versatilidad en sus capacidades interpretativas. Esta chica siempre me ha gustado, pero hasta ahora solo la había visto fina en papeles fundamentalmente dramáticos. Aquí la vemos loca, la vemos seria, la vemos trágica, y la vemos bailar. No es cómica, pero no carece de capacidad para la comedia. Weaver y sobretodo DeNiro son los otros grandes del filme, que roban cualquier escena en la que se encuentren.

Película muy recomendable, que te hará salir de la sala de cine con una sonrisa y con buen humor, sin por ello haber caída en la simpleza o en la superficialidad de la que hacen gala la mayor parte de las comedias hoy en día. No la veo yo ganando un óscar al mejor filme, pero fíate tú de la capacidad de sus productores, que llevaron al premio a algo como Shakespeare in Love que, siendo maja, era inferior a la de hoy y se impuso a uno de los peliculones de Spielberg.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: *****
Valoración subjetiva: ****

En lo que se refiere a mis preferencias en la carrera a los Óscar, he colocado a sus candidatos en su posición, que en ningún momento es ganadora. Aunque como no creo que osen darle el óscar a Emmanuelle Riva, y habiendo colocado a Lawrence en segunda posición, declaro que si no se lo va a dar a la francesa, que se lo den a esta joven, guapa y cada vez más versátil actriz. Por otra parte, he tenido muchas dudas sobre si preferir a DeNiro por encima de Tommy Lee Jones o no. De momento me decanto por este último. Aunque estoy pensando en cambios globales en las clasificaciones ahora que voy teniendo una visión amplia de la oferta. Sólo me quedan por ver tres de las películas con candidaturas a los premios, y pienso verlas antes del día de la ceremonia de entrega de los mismos. De hecho, una ya está vista. Ya la comentaré en su momento. Otra está al caer… Y la tercera, tendré que hacer trampa porque no la estrenan hasta marzo.

Por leer. Al protagonista masculino de la película le da por leer. Los libros que le recomendaba su ex. Aunque se enfada con el final de alguno. En cualquier caso, no son los libros de derecho de esta antigua biblioteca en el Palacio de Larrinaga de Zaragoza.

[Cine] Amor es todo lo que necesitas (2012)

Cine

Amor es todo lo que necesitas (Den skaldede frisør, 2012), 22 de diciembre de 2012.

Por algún motivo, la similitud del título con el de cierta canción de The Beatles tiraba para atrás. Pero cuando te enteras que el título original danés significa «la peluquera calva», te das cuenta que simplemente es que el maldito traductor de títulos, ese criminal contra la humanidad, está haciendo de las suyas otra vez. Considerando que es una comedia, lo que viene bien para una fiestas tan depresivas como las de estos días, y algún buen antecedente de la directora, Susanne Bier, decidimos que es una buen opción para este fin de semana.

Por un momento, pensaríamos que vamos a tener una película con paisaje nórdico, como las llanuras de la isla de Lolland, en Dinamarca.

Pero es la bella costa de la ciudad de Sorrento, con sus hoteles y mansiones, en la escarpada península al sur del golfo de Nápoles donde sucede casi todo.

Y la película nos cuenta la historia de una peluquera, Ida (Trine Dyrholm), que efectivamente está calva por haber sido sometida a quimioterapia por un tumor canceroso de mama, y cuyo pronóstico final todavía está en el aire. La hija de Ida, Astrid (Molly Blixt Egelind), se va a casar Patrick (Sebastian Jessen), tras un noviazgo relámpago, en una finca que tiene Philip (Pierce Brosnan) el padre de Patrick en Italia. Este es un viudo que no ha sabido encontrar la alegría de la vida tras la muerte de su mujer, y se refugia en el trabajo, donde recibe las descaradas proposiciones de su ordinaria cuñada, Benedikte (Paprika Steen). Por otro lado, Ida descubre que su marido, Leif (Kim Bodnia), le engaña con la rubia tonta de contabilidad de su empresa, Thilde (Christiane Schaumburg-Müller), mucho más joven y muy mona. El encuentro de todos en la idílica finca situada evidentemente en Sorrento, desatará todos los demonios personales y familiares.

En varios momentos, al principio de la película, tengo la sensación de que está rodada en Capri. Incluso cogen una barca para desplazarse a la mansión del protagonista. Pero supongo que simplemente hemos de asumir que en la ficción, el lugar es indeterminado.

En cualquier caso, las costas de Capri son como una continuación de las sorrentinas.

Disfrazado de comedia romántica, no de las de reír sino de las de sonreír, nos encontramos con un drama familiar, de gentes de hoy en día. La chica joven con ganas de vivir la vida y ser feliz, de forma un tanto ingenua. El chico joven con una homosexualidad latente que le cuesta dejar salir, y que toma los caminos más fáciles ante la ausencia de un padre emocionalmente negado por el duelo por su esposa hace tiempo desaparecida. La adolescente con trastornos de conducta alimentaria agobiada por una madre egocéntrica y ordinaria. El hombre maduro que se niega a envejecer y dispara sus últimos cartuchos con una mujer mucho más joven. Y el personaje central, una mujer madura pero atractiva todavía, que ve mermado su atractivo, de forma real o psicológica, por su enfermedad, cuyo futuro está por definir, y que de repente encuentra vacía su vida. Sin marido, con sus hijos que son independientes,… En todo esto, en el planteamiento de los personajes, en el potencial de los mismos y sus interrelaciones, está la gran virtud de la película. Su debilidad está en que es irregular en el desarrollo de las mismas, con momentos más acertados y otros menos. Quizá se pierde demasiado en mostrar bonitas postales de la bella costa sorrentina, el golfo de Nápoles y otros paisajes de la Campania, en esa fascinación que ejerce el Mediterráneo sobre los nórdicos, aunque luego nos hagan responsables de todos los males del mundo. Hipócritas luteranos, que les encantaría darse a la buena vida y no se atreven.

Mansiones y hoteles en primera línea de mar a las que no es posible acceder, con accesos particulares al agua. Así es el lugar donde transcurre el filme.

Que eventualmente se ve iluminado por el cálido sol de la tarde mediterránea.

Quizá, el principal atractivo de la película es el reparto, en el que destaca la protagonista, Trine Dyrholm, mujer muy atractiva en sí misma, pero que al mismo tiempo sabe transmitir con convicción los conflictos y las contradicciones internas que sufre en un momento de cambios intensos en su vida. No he podido evitar realizar en mi mente comparaciones con la Cathy de The Big C, aunque haya diferencias notables en las personalidad y en los planteamientos de ambas mujeres. Pero ambas propuestas no dejan de ser variantes de un mismo tema. El resto del reparto, con un razonablemente solvente Brosnan a la cabeza, contribuyen con oficio a componer tan disfuncionales familias bajo apariencia de normalidad.

Como conclusión, podré deciros que es una propuesta razonable para ir a la sala de cine aunque claramente un escalón por debajo de lo que podría haber sido. Además se estira en su duración un poquito más de la cuenta, aunque nada grave. Y por otra parte, siempre es una delicia contemplar los paisajes sorrentinos, ese Mediterráneo maravilloso, con los que además os adorno un poco esta entrada.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Y de vez en cuando, una panorámica del Golfo de Nápoles, con el durmiente Vesubio presidiéndolo.

[Cine/Fotografía] Dans la maison (2012) (y un comentario sobre la entrada de ayer)

Cine

Dans la maison (2012), 12 de noviembre de 2012.

Esta película ha sido vista en versión original, y por eso conservo su título original en francés. En la cartelera española también es posible encontrarla con el título En la casa.

El cine de François Ozon me gusta algunas veces más que otras. No es que haya tenido la oportunidad de ver todo lo que ha hecho, ni mucho menos. No llega con facilidad el cine francés a nuestras pantallas, pero lo poco que ha llegado de este director, aunque irregular, me ha parecido siempre que tienen su punto de originalidad e innovación que nos animó a ver esta película. Además, varias críticas hablaban bastante bien de ella.

Nos encontramos con el señor Germain (Fabrice Luchini), un profesor de un instituto francés, especializado en lengua y literatura francesa, que se plantea el anual de enseñar a sus desmotivados alumnos el uso adecuado del lenguaje, sin muchas esperanzas. Casado con Jeanne (Kristin Scott Thomas), que dirige una galería de arte cuyo dueño acaba de fallecer y cuyas herederas tienen intención de vender, está en la edad madura ya, y anda escaso de ilusiones. Tras un extraño principio de año en el que se vende como revolucionario la vuelta a los uniformes para los alumnos, un ejercicio de redacción de uno de sus alumnos, Claude Garcia (Ernst Umhauer), le llama la atención. Y comenzará a animarlo a seguir escribiendo reconociendo el potencial del chico. El problema es que todo lo que escribe el chico es sobre su progresiva y profunda intromisión en la casa de uno de sus compañeros Rapha Artole (Bastien Ughetto), en su vida y en sobre todo en las vidas de sus padres, Rapha (Denis Ménochet) y Esther (Emmanuelle Seigner). Y especialmente, en su obsesión por esta última. Esta intromisión no tardará en causar problemas a Germain y al conjunto de personajes que giran alrededor de la historia que, por entregas, nos va desgranando Claude.

Esta es una de esas películas, que por cierto está basada en una obra del dramaturgo español Juan Mayorga, a la que es difícil coger el tono. Es cierto que tiene un punto de originalidad indudable. Que el desarrollo de la historia de Claude con los «Raphas» sea a través de sus redacciones, que van variando el tono y el punto de vista según las indicaciones de Germain está muy conseguido. Es esperable que lo que comienza como una comedia poco a poco se convierta en un drama que llega a adquirir tintes de tragedia. Pero no acabas de tener claro cuál es el tema que realmente importa al director. Es una discusión sobre el proceso de creación literaria por el contraste entre el atrevido adolescente y el fracasado escritor reconvertido a docente. Es una película sobre la iniciación en la sexualidad del adolescente a través de su fijación por la mujer madura pero de buen ver. Es una película de sociópata que invade y desequilibra una familia normal,… O todo eso a la vez. Lo cierto es que la historia comienza fuerte y con ritmo, pero en algunos momentos empieza a divagar o volverse más morosa sin que podamos percibir avances reales hasta el final, que no necesariamente resulta del todo satisfactorio.

En cualquier caso, conviene destacar la excelente actuación de todo el elenco, que realmente sostiene la película incluso en los momentos en los que la historia es más débil. Y no sólo los veteranos actores y actrices del cine francés (últimamente Kristin Scott Thomas parece más actriz francesa que inglesa), sino también los adolescentes, sobre todo el que personaliza a Claude, que resultan convincentes, este último realmente inquietante.

A pesar de los peros que le he puesto en algún momento, y aun por debajo de algunas buenas películas francesas que hemos podido ver últimamente, la considero una película razonablemente recomendable. En sus partes en las que flirtea con la comedia, incluso me arrancó alguna carcajada.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

En mis pruebas, que comentaré a continuación, fotografiando en determinadas condiciones, la trasera de un centro educativo en Zaragoza, menos vistoso que el moderno «lycée» francés de la película.

Añadido sobre fotografía:

Después de mi entrada ayer comentando el uso de algunos atípicos objetivos y la posible adquisición del objetivo-tapa de Olympus, recibí algún comentario intenso sobre la inutilidad de este objeto, especialmente porque según mi corresponsal, sólo es posible su utilización en condiciones de luz relativamente abundante.

Decidí ir al cine con la Panasonic GF1, que últimamente tenía en barbecho, y el G 14/2,5 ASPH de la misma marca que es muy parecido en longitud focal al objetivo-tapa. Ajusté el enfoque a 2 metros, y cerré el diafragma a f/8. Condiciones similares a las del objetivo-tapa de Olympus. Y cuando salí al cine, fui tomando algunas fotografías con la luz del crepúsculo. Con una ISO máxima de 1600. Sin estabilizador de imagen. Os las dejo aquí.

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[Cine] Sesión doble: Ruby Sparks (2012) – Hotel Transilvania (2012)

Cine

Este es para mí un fin de semana largo, de puente, aunque sin perspectivas lúdico-festivas más allá de lo que eventualmente surja. Hay cosas prácticas que hacer. No obstante, lo que ha surgido ha sido la posibilidad de ir dos veces al cine en dos días. Una con los amigos, y otra con la familia, a una infantil. Os las cuento las dos.

Ruby Sparks (2012), 31 de octubre de 2012

Jonathan Dayton y Valerie Faris, los responsables de la curiosa e interesante Little Miss Sunshine (Pequeña Miss Sunshine), vuelven a traernos otras película con sabor a cine independiente que buscar devolvernos las sensaciones de aquella aunque con un tema totalmente distinto. Confían para ello en uno de los actores de aquella comedia-drama-road movie familiar, Paul Dano.

La cosa va Calvin Weir-Fields (Paul Dano), un joven escritor que dio el pelotazo a una edad extraordinarimente precoz con una novela que le produjo fama y fortuna, pero que le ha impedido mantener unas relaciones personales adecuadas desde entonces, especialmente con las mujeres. Y para colmo de males está en una profunda crisis creativa, que le impide escribir una sola línea. En estas estamos cuando su terapeuta el Dr Rosenthal (Elliott Gould) le recomienda que escriba en un folio algo sobre una mujer sobre la que sueña con frecuencia. Y cuando lo hace, descubre que la mujer de sus sueños se hace realidad, que se llama Ruby Sparks (Zoe Kazan) y que aparentemente es ideal. Y lo es porque es capaz de cambiar sus comportamientos o sus características simplemente tecleando con su máquina de escribir lo que quiere de ella. Aunque probablemente el asunto no sea tan ideal como parece.

La historia que nos cuenta esta película, escrita por la propia Kazan, su protagonista femenina, va fundamentalmente de dos temas, desde mi punto de vista. Por un lado, del hecho de que cuando nos enamoramos de alguien nos enamoramos muchas veces de nuestra visión idealizada de esa persona y no de la persona real en sí misma, y de que queremos poseer esa visión idealizada de la persona… lo cual frecuentemente lleva al fracaso de la relación. Por otro lado, de la aventura creativa, de las dificultades para la creación artística, y de las consecuencias del éxito temprano conseguido con un esfuerzo escaso. En el plano técnico está bien rodada, como casi todo hoy en día, y la historia se sostiene razonablemente durante la hora y tres cuartos de metraje que tiene, aunque hay algunos altibajos. Es de las que tiene un buen planteamiento, se desarrolla razonablemente hasta cierto punto, en el que empieza a dar algún bandazo, y finalmente termina de una forma un tanto previsible. Muy previsible, en realidad.

Las interpretaciones son razonablemente adecuadas por parte de los dos protagonistas. Ella juega mucho con su imagen de chica joven, que sin ser una belleza, es resulta, mona, con encanto. El es el prototipo de joven un poco lelo y asocial que tan de moda está en el cine independiente. Resulta agradable la breve presencia en la película de Annette Bening como la madre del chaval, y Antonio Banderas como escultor algo pirado que es la pareja de la madre en ese momento.

Desde mi punto de vista, este filme no alcanza el nivel ni la profundidad de la anterior película de los directores, pero es agradable de ver, y puedes llegar al final con algún tropezón pero sin problemas. No sería mi primera opción en la cartelera actual, pero sí que puede merecer una oportunidad.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Pelirrojas. A pesar de la escasa proporción de la población que es auténticamente pelirroja, un número sorprendentemente alto de las chicas jóvenes con encanto de las películas de hoy en día son pelirrojas. Y Ruby Sparks no es una excepción.

Hotel Transilvania (Hotel Transylvania, 2012), 1 de noviembre de 2012.

Esta película no es de mi elección. Se trataba simplemente de pasar una mañana familiar con el sobrinillo, el peque de la familia, que aún no ha cumplido los cuatro años. Así que el comentario será breve. Es película de animación dirigida por Genndy Tartakovsky.

El Conde Drácula, tras perder a su querida esposa Marta, queda solo en el mundo con su pequeña Mavis y, ante la incomprensión de los humanos hacia los monstruos, decide construir un enorme castillo secreto en las montañas de Transilvania que sirva de hotel refugio para los monstruos de todo el mundo frente a la intolerancia humana. Cuando Mavis llega a los 118 años, mayoría de edad para los monstruos, se celebrará una gran fiesta con todos ellos, pero el Conde también está preocupado porque Mavis quiere conocer el mundo exterior, y aunque se lo ha prometido no quiere dejarla ir. Para ello organizará una farsa que demostrará que los humanos siguen odiando a los monstruos. Con lo que no contará es con la intrusión en el castillo-hotel de Jonathan, un joven mochilero de 21 años, entrometido, desenfadado y sin complejos, que además hará «tilín» en el corazón de Mavis.

A ver. Es fácil de resumir. Como muchísimas comedias de consumo fácil de hoy en día, una historia simplona, poco elaborada, y un montón de gags de los cuales, algunos hacen gracia y otro nos. Reconozco que me reí en unos cuantos de ellos, pero que si tuviera que calificar el guion diría que es muy pobre en su conjunto. Se puede tratar al público infantil con un poco más de inteligencia, creo. Curiosamente, en los títulos de crédito aparecen ¡¡¡cinco!!! guionistas. Parece que la inteligencia del guion está hoy en día en relación inversa al número de mentes que se aplican a la tarea.

De la interpretación diré poco. La película estaba doblada al castellano, y me pareció un doblaje horrendo, lleno de acentos regionales o extranjeros diversos, que pretenden ser graciosos pero a mí me chirrían muchísimo, y contribuyen a hacerme la cosa algo más pesada.

En fin, una película que si hay que llevar a un crío al cine pues tendrá que valer, y que se hace soportable a los adultos por alguna de las gracias que se sueltan. Pero nada más. En el cine actual, de donde no hay no se puede sacar. Aunque por comentarios oídos a mi alrededor, había muchos papás y mamás satisfechos. Supongo que sus expectativas son bajas… no sé.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: No aplicable
Valoración subjetiva: **

Vista desde las rejas de la ventana de un castillo. Pero no en Transilvania. Es el castillo de Chillon, a orillas del lago Lemán.

[Cine] Frankenweenie (2012)

Cine

Frankenweenie (2012), 19 de octubre de 2012.

En una de las tardes de viernes más extrañas de los últimos tiempos, acabo metiéndome en los cines Aragonia a ver la última película de Tim Burton, que realmente quería ver, por hacer tiempo y me venía a mano. No recuerdo la última vez que me meto al cine solo para hacer tiempo, y es absolutamente extraordinario que esas salas de cine me vengan «a mano». Pero así son las cosas, y así es como llego a ver la nueva versión de en forma de largometraje de una historia que el propio Burton nos contó ya en los años ochenta en forma de cortometraje. Aquella estaba interpretada por personas reales, la nueva es animación con muñecos bajo la técnica del stop motion.

Victor Frankenstein en un niño que vive con sus padres y su perro Sparky en una urbanización típica de los años 50 y 60 de los Estados Unidos, en una pequeña población llamada New Holland, cuyo paisaje está dominado por una colina con un molino, a cuyo movimiento de aspas constante atribuyen los locales el que todas las noches haya tormenta. Es un niño retraído, buen estudiante, buen chico en general, al que le gustan estudiar y las ciencias, creativo. Para sus padres, su único motivo de preocupación es que no tiene más amigos que Sparky. En estas estamos cuando en su vida suceden dos cosas, la llegada al pueblo de un nuevo profesor de ciencias, el sr. Rzykruski, que aunque de aspecto imponente les es cercano y les habla en forma de experimentos y conceptos científicos claros, y la muerte por atropello de Sparky. Un desolado Victor, con su creatividad espoleada por el dolor, no se resignará a la pérdida de su querida mascota, y aplicará los conocimientos sobre electricidad que ha aprendido para devolver la vida al perro. Lo cual tendrá consecuencias imprevistas e imprevisibles. Sobre todo cuando su compañero de escuela, Edgar «E» Gore, lo descubra y difunda la noticia entre el grupo de inquietantes compañeros, que querrán traer de vuelta también a sus fenecidas mascotas.

La historia base de la película es la misma que la del cortometraje de antaño, la cual es una variación de la historia clásica del Frankenstein de Shelley tal y como lo ha visto tradicionalmente el mundo del cine. Nunca viene de más recordar que Frankenstein no es el nombre del monstruo resucitado sino el del científico que lo crea, de nombre Victor, claro. Este se supone que tiene un ayudante, tradicionalmente descrito como jorobado, de nombre Igor, homófono con el «E» Gore del compañero de escuela. Y es la trama de este y otros compañeros de clase la que está añadida a la historia original, y que permite extender la película a la casi hora y media que dura. Porque por lo demás, poco aporta a los 30 minutos del Frankenweenie original.

A partir de este supuesto, la película goza de dos virtudes. La primera es que la animación, la ambientación, y la iluminación en blanco y negro son perfectas para el filme, y muy acordes con las tradiciones del director. La segunda es que el desarrollo y el ritmo de la historia, sin bien conocidos y hasta cierto punto previsibles, están bien llevados y la hacen realmente muy entretenidas. Con un tono en general más humorístico que tétrico. Hay que considerarla más una comedia de homenaje a un determinado tipo de cine, que una película de miedo. Homenaje que no hay que limitarlo exclusivamente a los Frankenstein originales, literario o cinematográfico, sino al conjunto del cine de terror, con sus dráculas, momias, godzillas, etcétera.

No hay interpretación propiamente dicha en la película, al ser de animación. Pero la película la vi en versión original, y pude disfrutar de la voz de algún ilustre como Martin Landau como el profesor de ciencias, o menos ilustres como Winona Ryder en la voz de la vecinita de al lado. En general, el aspecto de la interpretación, en lo que se refiere a las voces de la animación está muy bien.

Como conclusión, una película que sin ser una de las grandes del excéntrico director, sí que nos reconcilia en parte con él tras los relativos fiascos de sus últimas películas que nos hacían pensar que estaba en declive, pero con una pendiente pronunciada. No es que vuelva a sus grandes momentos, se muestra conservador en fórmulas ya utilizadas, pero alegra ver que toma riesgos como el de usar muñecos y stop motion en lugar de la sempiterna y menos orgánica visualmente aunque más perfecta animación digital. Cierto que en los últimos años hay películas en este tenor que la superan ampliamente, pero no viene mal. En cualquier caso, además me regalaron un vale para ir entre este lunes y el miércoles al cine por sólo 2 euros. Espero aprovecharlo.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Cuando en una película el protagonista es un perro, suele suceder que hay un gato que está en el lado de los malos,… o torpes y tontos. Y esta no es una excepción. Estos mininos del Parque Grande de Zaragoza, sin embargo, no parecen ni torpes ni tontos.

[Cine] To Rome with Love (2012)

Cine

To Rome with Love (2012), 23 de septiembre de 2012.

Esta película ha sido en versión original subtitulada en español, y por ello conservo su título original en inglés. La película está rodada bilingüe, en inglés e italiano, y de esta forma es realmente muy disfrutable. Quien prefiera una versión doblada, también se encuentra en la cartelera española con el título traducido, A Roma con amor.

Ayer era el equinoccio de otoño. Día y noche duraron las mismas horas. El sol salió por el este y se puso por el oeste. Y Woody Allen, como todos los años, llegó a las carteleras. Sigue con su periplo europeo. Después de sus tres películas londinenses, por cierto que me voy a Londres unos días a finales de la semana que viene, su publirreportaje turístico español, y su deliciosa postal parisina, se nos va a Roma.

No es fácil indicar el argumento de esta película. Algunos habrán visto algunas películas últimamente dedicadas a contar historias cortas más o menos románticas localizadas en una ciudad, como Paris, je t’aime y cosas así. Pues bien, Allen se ha montado algo así, pero con las historias no contadas de tirón, sino fragmentadas y mezcladas, aunque todas ellas son totalmente independientes.

Una turista americana (Alison Pill) y un abogado laboralista italiano (Flavio Parenti) ligan y se van a casar. Invitan a los padres de ella (Judy Davis y Woody Allen) a conocer a la familia de él, y el padre, que es un promotor de ópera retirado con poco éxito en su profesión descubre que su futuro consuegro (Fabio Armiliato) canta arias de ópera como el mejor, pero exclusivamente debajo de la ducha. Y decide montarle una ópera.

Un tipo normal y corriente (Roberto Benigni), un oficinista más de traje gris, trabajo y familia corrientes y molientes, de repente se ve perseguido por los periodistas, es invitado a la televisión, liga con modelos y actrices, porque… es famoso. ¿Y por qué es famoso? Pues, porque es famoso.

Una pareja de jóvenes recién casados de provincias (Alessandro Tiberi y Alessandra Mastronardi), muy catetos ellos, llegan a la capital porque los tíos de él le van a ofrecer un trabajo. Pero se separarán por las circunstancias, y severán envueltos en una extraña relación con una prostituta (Penélope Cruz) y un «galán» de cine (Antonio Albanese).

Un arquitecto maduro (Alec Baldwin), que asegura padecer melancolía de Ozymandias*, se encuentra en el Trastévere, con un joven estudiante de arquitectura (Jesse Eisenberg) que convive en ese típico barrio con su simpática novia (Greta Gerwig), también estudiante. El maduro le dice al joven que tenga cuidado, que no se líe con la encantadora mejor amiga de su novia que viene a pasar con ellos una temporada, una actriz (Ellen Page) con una agitada vida amorosa.

Una aventura amorosa con alevosía y nocturnidad, y bajo la lluvia, se da en el filme entre las ruinas de las Termas de Caracalla.

Aunque las historias se cuentan mezcladas, insisto en que no están relacionadas unas con otras. No sólo eso, sino que alguna se desarrollan en el intervalo de días, o en el de semanas, o sólo en horas. No están sincronizadas. Sin embargo, esto no afecta al ritmo de la película que avanza con agilidad haciendo eslalon entre ellas, sin que chirríe. En ellas, Allen va retomando sus temas favoritos: el amor, las infidelidades, la muerte, la creatividad artística, la fama y celebridad, etcétera. Pero con humor. Y en muchas ocasiones rozando el absurdo. O sin rozar. De lleno en el absurdo. En más de una ocasión me arrancó alguna carcajada, cosa que últimamente pocas comedias románticas o de cualquier otro tipo consiguen. Todo ello, al igual que sucedía en sus anteriores películas europeas, en medio de una constante postal turística de la ciudad de Roma. Creo que pocos lugares típicos de la ciudad eterna dejan de ser retratados en el filme. Lo cual gusta al respetable. Esto viene de antiguo.

Las interpretaciones están en general bastante bien. O adecuadas a lo que se pide de cada uno de los intérpretes, que dan la impresión de que se lo han pasado bastante bien. Me costaría destacar a ninguno ni por arriba ni por abajo. Y me parece absolutamente fundamental el verla en versión original, más estando hablada en dos idiomas. Alguna de las situaciones más graciosas tienen que ver con este hecho.

Resumiendo, una película a la que nadie podrá acusar de ser de las más sesudas, importantes, trascendentes o magistrales del director neoyorquino. Pero que a mí me ha divertido mucho, se me ha pasado en un vuelo y además ha sido muy agradable de ver. Quizá no al nivel de Midnight in Paris, pero mucho mejor que la mayor parte de las comedias románticas que uno se puede merendar a lo largo del año.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

* Nota: La melancolía de Ozymandias no existe. El nombre deriva de un poema inglés de Percy Bysshe Shelley, en el que se trata de la ruina de la ruina de una estatua gran rey Ozymandias, nombre por el que conocían los griegos a Ramses II. Y por lo tanto tiene que ver con lo pasajero de la grandeza terrenal. El síndrome que padece Baldwin estaría pues relacionado con el estado depresivo al tomar conciencia de que todo lo que nos parece grande e importante tarde o temprano desaparecerá y se olvidará. Lo cual es cierto.

Típico rincón del Trastévere, donde transcurren también algunas escenas de la película, y donde me alojé yo en mi visita invernal, aunque no lo parecía, en 2004.

[Cine] El nombre (2012)

Cine

El nombre (Le prénom, 2012), 17 de septiembre de 2012.

Después de la mediocre ración de cine infantil de animación del domingo, había ganas de ver algo adulto, y a ser posible de calidad. Misión que no es fácil tal y como está la cartelera. Hay que fijarse bien. Que hay muchas trampas en la misma. Pero unas cuantas críticas positivas nos dirigieron a esta comedia francesa dirigida por Alexandre de La Patellière y Matthieu Delaporte.

España debe ser de los poco países en los que es posible encontrar algún Adolfo nacido con posterioridad al año 1945. El nombre quedó prácticamente proscrito después del devastador paso de Adolf Hitler sobre la faz de la Tierra. Así que puede que algunos espectadores españoles no acaben de entender la situación que desencadena la mezcla de comedia y drama que es esta reunión de amigos y parientes «cuarentañeros», que se juntan para cenar. Los anfitriones son Claude (Guillaume de Tonquedec) y Babou (Valérie Benguigui) que viene de Élisabeth, ella profesora en un instituto, él un intelectual universitario, ambos situados más bien a la izquierda del espectro sociopolítico. Los invitados son por un lado Pierre (Charles Berling), amigo íntimo desde la infancia de Babou, músico, soltero, muy educado, y algo amanerado. Por otra lado, están Vincent (Patrick Bruel), hermano de Babou, y su mujer Anna (Judith El Zein), que llegará con retraso. Más dedicados a los negocios, liberales de derechas, estos tienen algo que celebrar, y es que una ecografía ha mostrado que el bebé que esperan es un niño. Y Vincent, ante la incredulidad de sus amigos y hermana, les suelta la bomba de que le van a llamar Adolphe. Las discusiones comenzarán, y después, las revelaciones, los reproches, y las amistades y los cariños se verán puestos a prueba.

Esta comedia dramática puede ser comparada hasta cierto punto con una película reciente. Ambientada en Nueva York en lugar de París y con actores anglosajones en lugar de franceses. Me refiero a Carnage (Un dios salvaje). Pero ambas tienen en común estar basadas en obras teatrales de la escena francesa. Grupo de adultos de esa especie en vía de desaparición que llamamos clase media, que reunidos en el salón de una casa, acaban soltando todas sus miserias, dando rienda suelta a sus verdaderos pensamientos y sentimientos, y a veces a sus instintos. Con distintos planteamientos en su puesta en escena. Ambos adecuados a los matices que muestran. Y que nos divierten, al mismo tiempo que nos ofrecen una reflexión crítica sobre los defectos de la humanidad y su hipocresía.

Evidentemente, tratándose de una adaptación teatral, el trabajo de los intérpretes es fundamental para el éxito de la «función». Y he de decir que los cinco están espléndidos, cada uno en su momento. Quizá Patrick Bruel es el que consigue una interpretación más destacada, pero sin querer desmerecer en ningún momento el trabajo del resto. Como curiosidad he de comentar que el elenco es el mismo que representó la obra en su estreno teatral, y que los directores son los autores de la misma.

Desde mi punto de vista, una película muy interesante para el público adulto. Yo lo pasé realmente bien. Humor inteligente, con contenido.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

De gustos bohemios e intelectuales de izquierdas, los anfitriones de la cena parecen vivir no lejos de Montmartre.