Unas cuantas fotos realizadas con la pequeña, pero interesante, Olympus de medio formato (que no de formato medio). Dípticos que intentan presentar contrastes en un medio natural muy alterado por el ser humano, o incluso entre el paisaje natural y el paisaje enteramente humano.
Los detalles técnicos en Dípticos en medio formato. Pulsad en las imágenes para verlas más grandes.
Las Minox 35 son una cámara pequeñitas, no aptas para tontos, como ninguna cámara por simple que sea, y que durante años fueron importantes en mi afición fotográfica. Recientemente, he revivido mi Minox GT-E y he paseado con ella abundantemente en las últimas semanas.
Mis experiencias desde un punto de vista más técnico en Poniendo en marcha de nuevo la Minox GT-E. Para los no interesados, os dejo con unas cuantas fotos… en blanco y negro y en color.
Echo de menos la existencia en España de museos de fotografía. Sólo tengo localizados dos, que no he tenido oportunidad de visitar. Uno es el Museo de Fotografía de Huete en la provincia de Cuenca, no es fácil llegar, no pilla de paso a casi ningún sitio,… y el otro es el Photomuseum de Zarauz, que no existía cuando visité esta villa guipuzcoana hace… veintiocho años en abril. Así que lo más probable es que uno acabe visitando este tipo de establecimientos cuando viaja por el extranjero.
He visitado varios en Europa. Todos tienen características similares. No suele haber exposiciones permanentes, al estilo de los museos de bellas artes tradicionales. Puede que tengan una exposición temporal con obras extraídos de sus fondos propios, y basan su oferta expositiva en la obra invitada de diversos artistas u otras instituciones. Los conozco en Suiza, Francia, Holanda, Suecia,… en una diversidad de lugares. Casi todos tienen alguna cuenta en redes sociales, más o menos activa. Y es frecuente que, si tienen cuenta en Instagram, inviten a artistas a seleccionar obra propia o de otros artistas para la cuenta del museo durante unos días. Vamos a hacer un repaso de los recientes.
Fotografiska, en Estocolmo (Suecia). Un lugar estupendo. El mejor, o de los mejores. Estos días atrás tenía como artista invitada a Jens Johnsson, con fotografías que reflexionan sobre la paternidad. También a Alison Jackson
También han tenido a Alison Jackson, reflexionando fotográficamente sobre lo que es verdad o mentira, o lo que parece verdad sin serlo.
El Museum für Photographie Braunschweig no deja en manos de los fotógrafos su cuenta de Instagram, pero no deja de anunciar oportunamente a los que exponen en sus salas. Como todos los demás, claro. Este no lo he visitado todavía. La próxima vez que vaya por Alemania, si me pilla de paso… Ahora que caigo, yo he transbordado alguna vez de tren en la estación de Braunschweig… pero no tengo ni idea de cómo es la ciudad.
En la Maison Européenne de la Photographie han confiado su cuenta de instagram a la española Coco Capitán… que según creo está establecida en Londres. Como otros. Muy multidisciplinar esta artista… y un poco demasiado comercial en algunos aspectos para mi gusto. Pero es muy apreciada en no pocos ambientes artísticos.
Photography of China no es exactamente un museo. Más bien una revista en línea. Pero también cede su cuenta en instagram a los artistas invitados. Últimamente se ha tratado de @dengzhang456… no han publicado todavía el artículo sobre este artista en sus páginas virtuales, así que no sé como se llama exactamente. ¿Deng Zhang? Supongo.
Si en un futuro voy incorporando nuevos museos o instituciones con prácticas similares, la de ceder sus cuentas en redes sociales a los artistas, los iré trayendo aquí. Pero hay más cosas.
Magnum Photos nos ha trasladado de la mano del fotógrafo taiwanés Chien-Chi Chang, residente en Austria, al plató de rodaje de Alfonso Cuarón para Roma. Una película cuya dirección de fotografía se atribuye al propio Cuarón, premiado por esta categoría en los Oscar de este año. Pero que se ha rodeado de polémica, por el no reconocimiento de Galo Olivares como codirector de fotografía de la película, a pesar de que en algunas hojas técnicas del rodaje aparecía como tal. En los créditos aparece como operador de cámara. Si es verdad que su labor fue más allá, una cutrería por parte de Cuarón, que anda sobrado de prestigio como para no repartir un poco los méritos.
Quiero participar en un concurso de fotografía, y tengo fotografías que se ajustan al tema del mismo, pero realizadas con cámaras de película fotoquímica tradicional. Pero las bases indican que es concurso de fotografía digital. Mentiría si no reconociese que es algo que me tiene ligeramente «rayado»… ligeramente, nada grave. Al fin y al cabo, cada concurso es libre de organizarse como crea conveniente. En Lenscratch, mientras tanto, nos ofrecen los premiados de un concurso reservado exclusivamente para la fotografía con película tradicional, con algunas fotografías absolutamente excelentes. Pero soy de los que piensan que fotografía sólo hay una, y lo demás son técnicas fotográficas. Y cada uno se expresa con la que cree conveniente.
Finalmente, en el canal de Youtube de The Art Assignment han dedicado su último vídeo a un análisis de una obra de arte. Y esa obra de arte es una fotografía de August Sander. Y han hecho un trabajo magnífico. Lo he visto ya cuatro veces, y estoy emocionado. Os lo dejo puesto.
Los volúmenes de la revista Exit, que va por su número 73, y parece que celebrando su vigésimo año, son verdaderos libros de fotografía sobre los distintos géneros que esta disciplina artística puede abarcar. En esta ocasión, en el número recientemente publicado, y que gentilmente me reservan cada tres meses en la Librería Cálamo de Zaragoza, el género es el Retrato de grupo/Group Portrait. Con una portada en la que vemos un peculiar retrato de grupo, un retrato de su familia, realizado por el japonés Masahisa Fukase, nos introducimos en un mundo que es mucho más rico de lo que podíamos llegar a imaginar. Desde el retrato con posado tradicional, que podemos encontrar como recuerdo familiar, en una reunión de amigos, en un lugar de trabajo, hasta grupos de personas que escenifican para nosotros un momento, una situación, o grupos espontáneos recogidos en las calles, en sus quehaceres. Otros nombres que encontraremos en este número son los Seydou Keita, Helen Levitt, Francesco Jodice, Rineke Dijkstra, Nicholas Nixon, o los españoles Germán Gómez y Carmen Calvo, esta última más artista conceptual que fotógrafa propiamente dicha, aunque se sirva de la fotografía. Y no soy exhaustivo. Sólo he mencionado a algunos que me han llamado la atención a primera vista. Lleva unas semanas sacarle jugo a todo un número de esta revista.
Desde hace unos años, sigo el canal de Youtube del chileno (si no me equivoco) Eduardo Pávez Goye (instagram). Cuando yo conocí este canal lo hice atraído por su especial dedicación a la fotografía con película tradicional. Fundamentalmente, fotografía documental de calle. Y en sus vídeos nos muestra fundamentalmente cómo afronta esta tarea, con distintos modelos de cámara y distintos materiales sensibles. Lo conocí en 2016, cuando esta en medio de un proyecto personal, 30 rolls in 30 days, que desarrolló durante el mes de agosto de ese año. Su canal está fundamentalmente en inglés, aunque subtitula al castellano. Durante la mayor parte de este tiempo lo he conocido residiendo en Inglaterra, aunque ahora se ha mudado a Nueva York. Os dejo como muestra uno de sus pocos vídeos en castellano.
El caso es que ha publicado un par de pequeños libros, prácticamente revistillas. Una de ellas, A Parade of Strangers, contiene una selección de fotos de ese proyecto de exponer 30 rollos fotográficos en 30 días. El otro, Several Hours Ahead, es una selección de los 23 carretes de película que expuso durante una estancia de dos semanas en Tokio. Sus fotos me gustan. Aunque en principio quizá no tanto como para comprar estos dos libros. Pero hace unos días anunció que iba a hacer una liquidación de su tienda en Etsy radicada en el Reino Unido, debido a su traslado a EE. UU., y que por lo tanto hacía un importante descuento en ambos libros. Y me pareció interesante, porque además me ayuda a tomar ideas para mis futuros libros de fotografía. Aunque sean para mi uso personal.
Finalmente, hace un par de semanas me llegaron noticias de un libro de la fotógrafa checa Jitka Hanzlová. Conocí la obra de esta fotógrafa por su exposición en la sala de exposiciones Azca de la Fundación Mapfre en Madrid, hoy en día cerrada en favor de la situada en la calle Bárbara de Braganza. Y la verdad es que me gustó mucho; compré el catálogo de aquella exposición. Pues bien, el libro que me llamó la atención es Cotton Rose, y tiene ya sus años, puesto que se publicó en 2009 en un original en francés. Forma parte de una iniciativa, un proyecto llamado European Eyes on Japan/Japan Today. En este proyecto se va invitando a una serie de fotógrafos para que capten con sus cámaras lo que entienden que es la esencia de las distintas prefecturas en las que se divide el país nipón. Gifu es la prefectura en la que, en estancias en los años 2004 y 2006, la fotógrafa checa desarrolló su trabajo. El libro que he comprado es una edición actualizada en 2017 de la editorial Steidl con textos en inglés y en alemán. Fotografía en color, preferentemente en formato vertical, que incluye paisajes, tanto naturales como urbanos, como retratos de las personas que los habitan. Fotografías poco llamativas, pero que en su conjunto nos hablan de un paisaje natural y humano.
Empiezo estas recomendaciones fotográficas, que sé a qué hora comienzo pero no a qué hora terminaré este domingo. Y empiezo con una nueva visita a la exposición Cierta luz. De fotógrafas aragonesas. Recordaremos que esta exposición, que se celebra en la Lonja de Zaragoza hasta el 23 de abril, recoge la obra de más de 50 fotógrafas nacidas o relacionadas con Aragón de alguna forma. Está comisariada por el Colectivo 4F (instagram), colectivo de fotógrafas, también relacionadas de una forma u otra con la comunidad autónoma.
No es el primer comentario que hago de ella. Pero hay que destacar que en esta ocasión fue una visita colectiva realizada desde la Asociación Fotógrafos de Zaragoza AFZ, y que fue guia por dos miembros del Colectivo 4F y otras fotógrafas, todas ellas con obra en la exposición. Por parte del Colectivo 4F tuvimos a Lara Albuixech (instagram) y Lorena Cosba (instagram). Entre las fotógrafas participantes tuvimos a Teresa Grasa, Arancha Benedí (instagram) y, por supuesto, la presidenta de nuestra asociación Beatriz Orduña (instagram). Gracias a todas por las explicaciones y la atención que nos prestasteis. Aunque no quería destacar especialmente hoy a ninguna de ellas ni otras fotógrafas de la exposición, el intercambio de impresiones durante la visita, y algún despiste mío, llevó a que Beatriz me remitiera un vídeo donde Lorena Cosba explica su obra, que realmente me ha llamado mucho la atención todas las veces que he visitado la exposición.
En esta semana me han surgido varios artículos de fotógrafas clásicas, ya que estamos con mujeres fotógrafas. Fotógrafas que cualquier aficionado a la fotografía debe conocer desde mi punto de vista.
En COOPH, un sitio más bien comercial, que vende cosas, de vez en cuando sacan algún artículo interesante, y en esta ocasión nos han hablado de la botánica de la época victoriana Anna Atkins, que usó la cianotipia para documentar las formas y características de las algas. Todo un clásico.
Y Oscar Colorado ha dedicado dos de sus artículos en profundidad a hablarnos de dos de las más importantes fotógrafas norteamericanas. En primer lugar, la pictorialista Gertrude Käsebier. El pictorialismo no será mi estilo favorito con carácter general, pero la obra de Käsebier me parece tremenda. En el segundo, se nos habla de una fotógrafa que fue discípula de la anterior en algún momento, pero que claramente la trascendió convirtiéndose en uno de los nombres claves de la historia de la fotografía universal, no sólo de la norteamericana. Me refiero a Imogen Cunningham, longeva y activa, representa por sí misma a una buena parte de lo que la fotografía fue en el siglo XX.
Un artículo en Lenscratch sobre la fotógrafa norteamericana contemporánea Lydia Panas (instagram), me ha recordado que esta fotógrafa ya ha llamado mi atención en varias ocasiones, especialmente con sus retratos. Otro artículo en Lens Culture, me ha permitido conocer el trabajo de la rusa Maria Dupovkina, basado en autorretratos ante un espejo, en solitario o con familares y amigos, en los que intenta aclararse en cuanto a su identidad personal y sexual, siendo una persona que no encuentra su lugar en la clasificación binaria de la identidad sexual. Especialmente en un país tan poco tolerante a la diversidad como es el suyo.
Y por hoy, nada más. Como suponía he empezado este artículo pronto por la mañana, a las diez de la mañana, y lo termino a las… (esperad que ponga las fotos)… seis y diez de la tarde.
Ya he comentado en un par de ocasiones que a finales de enero hicimos una excursión por Albarracín y los Montes Universales, al sur de la comunidad autónoma de Aragón. También llevé una pequeña cámara de plástico, de las que dicen «de juguete» o toy cameras, con un carrete de película en blanco y negro.
Los detalles técnicos os los dejo en el siguiente enlace: Una cámara «de juguete» en Albarracín y los Montes Universales – Lomography ActionSampler con Rollei Superpan 200.
Para quienes no estéis interesados en ellos, os dejo unas fotos.
Ya comenté en su momento que el día 30 de enero lo pasé de excursión por Albarracín y los Montes Universales. En Albarracín me dio para exponer un carrete de 36 exposiciones de película tradicional en color, y aquí os dejo unas muestras. Si queréis conocer los detalles técnicos podéis seguir el siguiente enlace: Canon EOS 650 y Fujicolor Superia X-tra 400 en Albarración – a propósito del EF 70-210/3,5-4,5 USM.
Recibí hace unos días mi primer libro de la fotógrafa Rinko Kawauchi [川内倫子], Illuminance, Ametsuchi, Seeing Shadow [照度 あめつち 影を見る]. Esta fotógrafa japonesa nacida en Shiga, no lejos de Kioto, y establecida en Tokio, hace tiempo que abandonó cualquier intento de uso documental de la fotografía. Con sus paisajes, en el campo o en la ciudad, en los que inevitablemente percibimos la presencia o la acción del ser humano, busca más los significados que la descripción de la realidad. Y lo consigue. El libro agrupa fotografías de distintas series de la fotógrafa, muchas de ellas realizadas con la sencillez que proporciona el formato cuadrado de una Rolleiflex, y tiene muchas capas de significados. Para dedicar muchos ratos desentrañando el mensaje de la fotógrafa, una de las más significativas de la fotografía contemporánea nipona.
Muchas veces he manifestado que Inge Morath es una de mis fotógrafas preferidas, una de las mujeres fotógrafas más importantes de las primeras épocas de Magnum Photos. Lo que muchos no saben es que Morath, en 1962, se casó con el escritor Arthur Miller, que no hacía mucho que se había divorciado de Marilyn Monroe, y con quienes coincidió en el rodaje de The Misfits (1961) cuando este divorcio no se había consumado. Y permanecieron casados durante 40 años. Y optaron por una vida tranquila, en una comarca rural de Connecticut. Que Morath documentó fotográficamente, y que Miller glosó con palabras. Y ahora Magnum nos habla de ello.
Siguiendo con la famosa hacienda, nos ha ofrecido un repaso a la obra del fotógrafo chino Lu Nan, que ha presentado recientemente un libro con la obra de quince años reflejando realidades diversas de Tibet y China. Tres realidades en concreto, la difícil vida de los pacientes psiquiátricos en China, la vida diaria de los católicos en China, y la crónica de los campesinos en el Tibet. Quien no sienta algo, quien no se emocione con las fotografía de Lu Nan… es que está hecho de piedra.
Conforme me voy poniendo en disposición mental de que el 28 de mayo volamos a Shangái, para visitar esa región china, me siento más interesado por la realidad del país vista por los fotógrafos. Uno de los fenómenos más marcados de la realidad del gigante asiático es la fuerte migración de personas del campo a la ciudad, de las provincias más excéntricas a las grandes ciudades de las regiones orientales. El fotógrafo Christopher Anderson busca reflejar a través de su trabajo Aproximate Joy, que también nos han mostrado en Magnum Photos, la melancolía, la sensación de soledad que asalta a las personas que viven en estas megaurbes, a través de retratos callejero llenos de melancolía.
Y termino con una de las fotógrafas que recientemente nos han recomendado en Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red. Gema Polanco Asensi es un fotógrafo joven, muy joven teniendo en cuanta que hoy en día lo de «fotógrafo joven» es un concepto que se extiende hasta casi los cuarenta año de edad. Pues no Mucho más joven. Y todas las pintas tiene de ser niña de una familia bien. Pero dirigiendo su cámara hacia las personas que componen esa familia, compone una visión del mundo propia, particular, más generalizable en ciertos aspectos de lo que parece al común de las personas, que ha hecho que me llame la atención muy positivamente. También ha jugado con otros temas, y con otras técnicas como el collage. Supongo que es una de esas fotógrafas emergentes que habrá que ir observando.
Fan Ho es un fotógrafo que en los últimos años ha suscitado mucho interés, aunque su trabajo se remonta al Hong Kong de los años 50 y 60 del siglo XX. Su trabajo se caracteriza por la elegancia de sus composiciones en las calles de la entonces colonia británica y por su dominio de la luz y la dimensión humana en las mismas. Pero lo no había visto nunca ejemplo de su trabajo en color. De hecho, parecía que sólo había fotografiado en blanco y negro. No tal. Un twit de Federico Italiano nos permitía descubrir recientemente algunos ejemplos de su obra en color. Con unas características básicas similares a las de su obra en blanco y negro, pero con la dificultad añadida de armonizar la dimensión extra que es el color. En Hong Wrong encontramos más ejemplos.
En Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red encontramos la propuesta de conocer la obra de Paolo Gioli. Es un artista multidisciplinar que además de fotografía trabaja con otras artes visuales como la pintura, el dibujo, el diseño gráfico o el cine en distintos formatos. Y en fotografía fundamentalmente usa procesos tradicionales fotoquímicos o procesos alternativos, con propuestas como la fotografía estenopeica, el uso de cámaras de photofinish, o la extracción de fotogramas de metrajes fílmico encontrados. También tiene obra sobre película polaroid, y el interesante proceso cibachrome… que prácticamente está desaparecido en la actualidad.
Una de las cuentas que sigo en Instagram es la de Rachael Talibart y sus paisajes marinos, especialmente sus fotografías semiabstractas a partir del oleaje de las costas que rodean la Gran Bretaña. Recientemente han publicado un artículo con entrevista incluida sobre su obra en The Luminous Landscape que creo que es bastante interesante.
Dos invitados recientes en las páginas de Photography of China, la obra de Alex Tsway [I am Tsway] o en haciéndose cargo de la cuenta en Instagram de esta revista en línea, la fotografía documental emocional de la fotógrafa Ma Te [The China Dream]. Poniéndome al día con el panorama fotográfico del gigante asiático, el cual visitaré si todo va bien a finales de mayo.
Recientemente recibí en casa un libro de la japonesa Rinko Kawauchi [Instagram]. Que todavía tengo que terminar de digerir. Fotógrafa muy prolífica, con una forma muy personal de fotografiar e interpretar el paisaje y las pequeñas cosas cotidianas. Encontré que hace unos meses se publicó un vídeo sobre su obra en el canal de Youtube del SFMoMA [San Francisco Museum of Modern Art]. Os lo dejo puesto.
Esta semana ha venido marcada en mi entorno fotográfico por la importante exposición inaugurada hace pocos días en La Lonja de Zaragoza, una exposición colectiva que agrupa a 52 fotógrafas, mujeres, aragonesas o vinculadas a Aragón de una forma u otra. Comisariada por el Colectivo 4F (Judith Prat, Lara Albuixech, Lorena Cosba, Tamara Marbán), se titula Cierta luz. De fotógrafas aragonesas.
Pero el concepto aragonesas es amplio. No es que hayan de haber nacido en esta comunidad. Puede ser que residan, habiendo nacido en otras partes. O que se hayan vinculado a la misma de forma significativa, especialmente a la vida cultural fotográfica de la comunidad. O por lo menos así lo he entendido yo. No asistí a la inauguración. No pude. Pero aunque hubiese podido, no sé si hubiera ido. En las inauguraciones nunca tienes la posibilidad de disfrutar realmente de las obras. Y se preveía mucha afluencia. Y cada vez me encuentro menos cómodo en lugares con mucha afluencia de gente. En cualquier caso, ya he pasado a verla un par de veces… y hasta el 23 de abril que está disponible, aún habrá más ocasiones. Ya comentaré más despacio algunas de las obras y fotógrafas que participan. Las fotografías que acompañan esta entrada son de una de las visitas que he realizado.
Vamos con otras recomendaciones. Spencer Tunick (Instagram) es uno de esos fotógrafos espectaculares, cuyas propuestas son muy llamativas, despelotar a cientos de personas en lugares emblemáticos, pero que a menudo me pregunto si no están más vacías de fondo de lo que aparentan. En una de las cuentas de Instagram que sigo habitualmente, por mi afición a la fotografía fotoquímica tradicional, han aparecido recientemente unas series de Tunick que me han llamado la atención, no obstante. @Halfframeclub se dedica a la fotografía realizada con cámaras de medio formato. Son aquellas cámaras que sobre película de 35 mm biperforada producen fotogramas de 17 x 24 mm en lugar de los 24 x 36 mm habituales. No hay que confundir con el formato medio, que son negativos de tamaño superior claramente a esos 24 x 36 mm. En esta serie, Tunick reproduce visualmente obras de arte conocidas mediante su pequeña cámara en negativos en blanco y negro. Un ejemplo…
En esta serie, Tunick se aleja de la espectacularidad. Pero curiosamente, a mí me parece que genera en ocasiones mensajes mucho más potentes.
Otra recomendación que me llegó a través de Instagram. En concreto a través de la cuenta de Fotografiska (Instagram), la institución cultural en Estocolmo que se dedica al estudio y la difusión de la fotografía, y que ya he tenido la oportunidad de visitar en un par de ocasiones. Un lugar magnífico.
Y en una de mis visitas tuve la oportunidad de visitar una exposición de Nick Brandt (Instagram) que me impactó considerablemente, por su planteamiento a la hora de defender la diversidad natural de África y de denunciar los desmanes que los seres humanos realizamos con la medio ambiente y contras nuestros propios congéneres. Ahora tiene una nueva serie, This Empty World, en la que insiste en los temas, con fotografías formalmente distintas, aunque son una natural evolución de trabajos anteriores y con un mensaje igualmente potentes.
En alguna que otra ocasión he hablado de Robert Adams, un fotógrafo que conocí a fondo hace unos años con motivo de una exposición de su obra en el Museo Centro de arte Reina Sofía, y que se encuadra dentro del movimiento de la New Topographics; el paisaje alterado por el ser humano. Casi nunca para bien Me considero muy influido en mi visión fotográfica por este autor. Lo que me hace estar fuera de todas las modas presentes. Cosas que pasan. En cualquier caso, podemos considerar las fotografías de Adams como una denuncia por los destrozos en el paisaje, en la naturaleza, al mismo tiempo que la capacidad de encontrar un cierto tipo de armonía y mensaje en los paisajes más desolados o «feos». En el canal de Youtube del SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art), hemos podido escuchar un par de entrevistas al fotógrafo en las que lo explica muy claramente.
Así, a lo tonto modorro, las recomendaciones de hoy son más densas y con más miga de lo que había pensado en un principio. Propuestas muy interesantes y que pueden dar para muchas reflexiones y mucho aprendizaje.
Lo que era la reina de la fotografía hasta hace quince o dieciséis años, la película negativa en color, se ha convertido en un nicho marginal entre los aficionados a la fotografía. Sin embargo, sigue siendo un soporte muy agradable y agradecido de usar, siempre que dejemos su procesado a manos que sepan lo que hacen. En este principio de año, me he dado algún paseo por la ciudad con este tipo de soporte fotográfico. Los detalles técnicos en Paseos ciudadanos con Kodak Gold 200. Para quienes no esté interesados, os dejo unas fotos.
Si durante el invierno, aunque por la noche haga frío, por el día sale el sol y el aire está tranquilo, las tardes pueden ser muy agradables para pasear. Y una cámara de formato medio, como una venerable Hasselblad, puede ser un acompañante ideal. O dejo algunas fotos de muestra. Los datos técnicos en Ilford FP4 Plus forzada un paso (IE 200).
Cuaderno de Ruta V. 3.0 