Cine

[Cine] Bon appétit (2010)

Cine

Bon appétit (2010), 17 de noviembre de 2010.

No era mi primera opción para esta semana. De hecho, para esta semana no tenía una primera opción clara para ir al cine. Creo que este otoño ha traído una de las carteleras más pobres y menos motivadoras para el época de los últimos… muchos años. Pero bueno,… venga que hay que apoyar al cine español,… que está rodada en Suiza y será bonita,… que ya vale de dramas y vamos a ver un poco de romanticismo buenrollista,… Pues nada. Vamos a ver que ha dado de sí la ópera prima como director de largometrajes de David Pinillos.

Sinopsis

Daniel (Unax Ugalde) es un chico de Bilbao que llega a Zurich para trabajar en un prestigioso restaurante en su carrera para convertir en un cocinero de pro. Y en el restaurante, pronto hará amistad con el segundo de abordo del chef, un italiano llamado Hugo (Giulio Berruti) que es muy majo y esas cosas, y se quedará prendado de la sumiller del restaurante, una chica bávara, Hanna (Nora Tschirner), que está como un queso, ya que nos ponemos gastronómicos. Pero que está liada con el chef (Herbert Knaup), y además muy enamorada, para desesperación del bilbaino. Tras unos escarceos romanticones iniciales, pronto decidirán el chico de Bilbao y la muniquesa que van a ser buenos amigos, siendo el chico el paño de lágrimas de la moza ante las borderías del chef. Pero claro, los sentimientos del chaval no se apagarán fácilmente, y el camino hacia el drama está abierto.

Dirección y producción

Lo cierto es que la sinopsis anterior es la historia tal y como creo que nos la quiere transmitir el director. Porque se podría resumir de otro modo. Algo así.

Un bilbaino que es un poco panoli y acomplejado, empieza a trabajar en un restaurante de alto standing de Zurich, donde todos son muy guapos y pijos. Le entra a la sumiller del restaurante que es muy mona, pero esta pasa de él porque está enrollada con el chef y dueño del restaurante, que tiene una pasta que no veas. Hasta se deja hacer un bombo, a ver si el tipo, ya añoso, deja a la legítima y se queda con ella. Y ella con su pasta. El caso es que el pobre bilbaino acaba de pagafantas de la sumiller, a la que tampoco le va muy bien con el chef, que es un cabrón de tomo y lomo.

Como veis, es una historia parecida pero no igual. El problema es el punto de vista. Y el problema es que el director nos plantea una historia a la que le falta un poco de alma, muy edulcorada, con unos dramas un poco postizos, y con alguna situación un poco marciana. Porque la amistad casta entre los dos protagonistas no siempre es creíble. Y pierde mucho tiempo en retratar postales de la ciudad de Zurich, con nieve, sin nieve, al atardecer, al manecer, el lago por aquí, el münster por allá, tranvías por todos los lados, la sorpresa del chico por encontrar un sitio alucinante de la ciudad cuando es un mirador que sale en todas las guías de turismo,… La persecución de unas imágenes bonitas con muy bonita fotografía le hace perder el calor y la rasmia que las relaciones humanas con algo dentro exigen.

El colmo de la escena absurda es cuando el chef lleva a cenar a su legítima al restaurante y la sumiller tiene que servirles el vino. ¿Alguien se cree que la esposa de un chef no va con cierta frecuencia al restaurante pijo de su marido a cenar con los amigos y a presumir de papeo estupendo y que el encuentro con la sumiller/amante del marido no es un hecho relativamente frecuente? Probablemente uno de los puntos bajos de un guion flojo.

Por supuesto, para irse a rodar por media Europa, y con un reparto internacional, supongo que habrá contado con un buen presupuesto y, por lo tanto, la producción tiene una apariencia pulcra y cuidada, con una buena fotografía y una banda sonora un poco pastelosa, a base de pop modernillo en inglés.

Interpretación

No están mal pero tampoco están muy convincentes. Supongo que hacen lo que pueden con la historia y los personajes, quizá demasiado estereotipados que les han buscado. Cada vez me siento más intolerante hacia los doblajes, que en este caso creo que están muy mal buscados. El chico no se dobla a sí mismo, y la chica seguro que en su alemán natal tiene una voz más interesante y menos mema. Pero es que, además, la película es plurilingüe, y por lo tanto, los cambios idiomáticos son o pueden ser importantes. Así que desde mi punto de vista es un error el doblaje.

Conclusión

Una película de novato con un presupuesto razonable, que se pierde entre tópicos y postales bonitas. La historia no es especialmente original, se puede considerar un refrito de otras muchas comedias y dramas románticos que parte del presupuesto de la amistad entre chico y chica con tensión sexual no resuelta. Pero además el guion flojea. Se deja ver hasta cierto punto, pero al final, la verdad es que te deja un poco indiferente lo que le pasa a esta gente.

Calificación

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

Zürich desde el lago

Zurich se convierte en uno de los personajes importantes de la película, quizá más preocupada en sacarla bonita que en profundizar en los motivos de los personajes - Pentax K10D, SMC-M 200/4

[Exposición] Quinquis de los 80 en el Centro de Historia

Cine, Política y sociedad

Periódicamente me doy una vuelta algún domingo por la mañana por el Centro de Historia de Zaragoza, un lugar para la cultura que me agrada mucho, para ver que exposiciones hay en activo. Y es fácil que alguna de ellas me interese. Y este domingo pasado, además de una muestra de instrumentos tradicionales aragoneses, visité una exposición sobre el fenómeno de los quinquis en los años 80. Fundamentalmente, de principios de los años 80.

Exposición: Quinquis de los 80

El cine fue uno de los medios donde más se transmitió el fenómeno de la delincuencia juvenil; una mezcla de delicuentes y "sexploitation" nutrió las carteleras, en producciones de bajo presupuesto y calidad dudosa, salvo honrosas excepciones - Panasonic Lumix LX3

El final de los años 70 y el principio de los 80, lo que se ha dado en llamar desde el punto de vista histórico «la transición«, me pilló en plena adolescencia. Y recuerdo que por aquel entonces se pusieron de moda los «macarras«.  Este apelativo es como otros, por ejemplo rufián, que siendo en origen un sinónimo de proxeneta, especialmente lo de baja estofa, acaban aplicándose a los maleantes de todo tipo, o a individuos chulescos desagradables y con tendencia a la violencia. Cualquier adolescente con pinta de pardillo corría el peligro de ser atracado y de recibir algún sopapo si no se andaba con cuidado por parte de algunos individuos coetáneos o ligeramente mayores. El caso es que eso sólo era un aspecto más de un fenómeno que se dio en el país como un efecto más de la situación económica y social heredada del nefasto régimen franquista; la delincuencia juvenil.

Exposición: Quinquis de los 80

Rock duro y urbano y gramolas en los bares eran dos elementos característicos de la época; hay de ti como algún fanático de alguna canción cogiera sitio junto a la ranura de las monedas,... así acabé odiando yo el "Gitanitos y morenos" del Gato Pérez - Panasonic Lumix LX3

Exposición: Quinquis de los 80

El cómic y las "ping-ball", otros dos elementos culturales de la época - Panasonic Lumix LX3

Nunca sabré hasta que punto fue algo realmente importante o preocupante, o simplemente fue la sensación que se produce cuando algo, que ya existía, de repente se conoce por mor de la recién llegada libertad de prensa. El franquismo tuvo muchas miserias que no salían a la luz por la mordaza que imponía el régimen. Pero lo que sí que es cierto es que tuvo una fuerte repercusión en la prensa, en la literatura y, sobre todo, en el cine de la época. Películas más bien malas, que tiraban de actores no profesionales que salían del propio mundillo que querían reflejar, y que alcanzaron cierta popularidad. Pues de todo esto nos habla esta interesante exposición. Así que, los que viváis por Zaragoza, ya sabéis.

Exposición: Quinquis de los 80

Me llamó la atención ver pasar en el vídeo la noticia de la muerte de Sonia Martínez; presentadora de un programa infantil de la mañana de los sábados, el Sabadabadá, era visto en algún rato por algunos que nos pasábamos de niños,... pero es que cómo nos gustaba la presentadora, que acabo víctima de la adicción a la heroína y del maldito virus que también se puso de moda en aquella época... - Panasonic Lumix LX3

[Cine y foto] Distopía y una cámara Agfa en Alphaville de Godard

Cine, Fotografía

Hoy toca comentar una curiosa película francesa de Jean-Luc Godard, que ha sido definida como perteneciente al género de la ciencia ficción filosófica. Sea lo que sea eso. El caso es que la vi programada hace unos días en TCM clásico, y a su vez, programé su grabación para verla con tranquilidad cuando llegase el caso. Una tarde de domingo otoñal y lluviosa proporcionó el momento adecuado. Y contra todo pronóstico, la repetida aparición de una Agfa Iso-Rapid IF en manos del protagonista, haciendo fotos como un descosido, planteó una relación del filme con la fotografía que yo no había aventurado.

Evidentemente, Alphaville tiene mucha más enjundia que todo eso. Es una obra muy particular, dentro de la llamada nouvelle vague, con unas propuestas tanto estéticas, como filosóficas, como cinematográficas. Lo cual en hace de este filme muy recomendable para el aficionado al séptimo arte, aunque por sus características, no tanto para el que sólo busca el mero entretenimiento.

En cualquier caso, queda añadida al listado de películas de la fotografía en el cine, donde podréis encontrar el enlace a la reseña de esta película francesa.

Arc de Triomphe

En todo momento, durante la película, tenemos la sensación que Alphaville es una difuminada París - Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH.

[Obituario] Ante todo Luis García Berlanga; pero también Dino De Laurentiis

Cine

Llevaba unos días pensando en cuándo encajar en este Cuaderno de ruta una entrada dedicada a Dino De Laurentiis. Creo que normalmente hubiese salido mañana. Es una figura digna de comentar si te gusta el cine, pero había otras prioridades. Pero la noticia del fallecimiento de Luis García Berlanga, ha cambiado las prioridades. Evidentemente. Si te gusta el cine. Así que será hoy cuando recuerde ambas figuras.

Luis García Berlanga
(Valencia, 12 de junio de 1921 – Madrid, 13 de noviembre de 2010)

Qué se puede decir del director de películas como Bienvenido, Mister Marshall, Calabuch, Los jueves, milagro, Plácido, El verdugo,… y otras muchas, quizá no tan inspiradas, pero que han marcado una época en el cine español. Fue el mayor crítico de la sociedad que impuso la dictadura franquista, sorteando al mismo tiempo la censura gracias a su fina utilización del humor y a la propia estulticia de los censores franquistas. Su capacidad para empatizar con la triste situación del españolito medio, imbuido en la sinrazón del régimen totalitario, sobrellevando con humor las profundas deficiencias de una sociedad que nunca debió ser, al mismo tiempo que daba unos palos notables a los responsables de esa sociedad, pero no mediante la crítica política directa sino a través de lo ridículo de muchas de las consecuencias de la política del momento.

Siempre he pensado que la transición y la democracia no le sentaron bien. Que no supo cambiar su perspectiva para ser capaz de ver los nuevos motivos para la crítica social que la llegada de la democracia trajo a España. Muchos autores se quedaron en una continua referencia al pasado, lo cual no está mal en dosis adecuadas. Pero se olvidaron de acompañar con su mirada la nueva sociedad. Y los nuevos autores decidieron olvidarse del humor y la ironía, y nos han ofrecido varios lustros de dramones sociales, que estuvieron bien en su momento, pero que han producido el hartazgo y la desensibilización en el espectador español actual, cada vez más desafecto al cine español.

Es necesario recuperar la crítica social, pero con capacidad para divertir, de ironizar de ridiculizar a la sociedad y a las instituciones, pero salvando a las personas, sintiendo la necesaria simpatía,… porque somo todos nosotros.

En cualquier caso, valga mi recuerdo para siempre para este director que tanto nos ha enseñado y que tan buen cine hizo en una época tan difícil para la creación.

Lateral Palacio de las Artes

El Palacio de las Artes en Valencia, ciudad natal de Berlanga - Pentax *ist DS, SMC-DA 21/3,2 Limited

Dino De Laurentiis
(Torre Annunziata, 8 de agosto de 1919 – Los Ángeles, 11 de noviembre de 2010)

Hubo una época, en los años 70, que tuve la impresión de que todo estaba producido por De Laurentiis. Su nombre, como productor, estaba muchos de los filmes más publicitados que se proyectaban en las pantallas de cine. También es cierto que muchos de estos filmes, en estos momentos me parecen relativamente infumables. Bueno, al fin y al cabo el productor de cine es el hombre del dinero. El responsable de que con la inversión monetaria suficiente, necesario o mínimo, según los enfoques, las cajas de quienes apoquinan se rellenen con nuevos ingresos derivados de las taquillas y otras fuentes de ingresos derivados de la comercialización de la película. Si somos conscientes, para un productor no es importante que la película sea buena; es importante que se venda. Y si alguien piensa que ambas cuestiones están íntimamente relacionadas, es que no se ha enterado «de qué va la película».

Peor a pesar de todo, es posible encontrar películas muy interesantes en la filmografía del productor que justifican su recuerdo no sólo por la cantidad sino también por la calidad. Qué decir de Arroz amargo, La Strada, o Las noches de Cabiria. O en su etapa americana, Sérpico y alguna otra.

Pues eso. Un nombre a tener muy en cuenta en la historia del cine, y del que probablemente también guarde recuerdo durante muchos años.

Villa de Popea - Oplontis

Interior de Villa Popea, en la antigua ciudad de Oplontis, actualmente Torre Annunziata, la ciudad natal de De Laurentiis, al pie del Vesubio en las región de Nápoles, Italia - Canon EOS 40D, Tokina AT-X Pro 12-24/4

[Cine] La Bohème

Cine, Música

La Bohème (2008), 8 de noviembre de 2010.

No es una película al uso la que comento hoy aquí. La representación cinematográfica de un ópera completa no es algo que se vea habitualmente. Y no hablo de adaptar el argumento de una ópera a un guion cinematográfico. Hablo de cantantes en lugar de actores y actrices y de escuchar las voces y la música de la ópera en lugar de unos diálogos y una banda sonora al uso. No hay muchos de estos filmes. O por lo menos yo no he visto muchos. Alguno sí. Por ejemplo, hace un tiempo me regalaron el DVD de La flauta mágica, dirigida por Kenneth Branagh, como otro de los intentos recientes de fusionar ambos tipos de espectáculos, el escénico y musical de la ópera con el cinematográfico. Aunque fue una apuesta muy distinta puesto que optó por cantantes-actores que resultasen perfectamente creíbles en sus papeles, frente a la que hoy comentamos que según veremos pueden presentar alguna objeción al respecto. Una objeción a la película de Branagh es que no respetó el libreto original en alemán, sino que utilizó una traducción al inglés.

Nota: Dado que los intérpretes de la película son cantantes de ópera, los enlaces correspondientes los dirigiré a Wikipedia cuando estén disponibles en lugar de a IMDb como es habitual.

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Sinopsis

Nos encontramos en París, durante el reinado de Luis Felipe de Orleans, entre las llamadas gentes de «vida bohemia«. Cuatro amigos, escritor, pintor, músico y filósofo, comparten una buhardilla y viven con grandes estrecheces. Uno de ellos, Rodolfo (Rolando Villazón, tenor), escritor, conoce a Mimi (Anna Netrebko, soprano), una costurera vecina suya, y entre ambos surgirá el amor. Amor que también siente, como conoceremos en el segundo acto, Marcello (George von Bergen, barítono) por la alegre y descarada Musetta (Nicole Cabell, soprano). Sin embargo, las relaciones entre los dos protagonistas se estropearán por los celos de Rodolfo. Sólo la enfermedad de Mimi volverá a reunirlos antes del trágico final.

Dirección y producción

Este coproducción germano-austriaca, adaptación cinematográfica de la ópera La Bohème de Puccini, dirigida por Robert Dorhelm, está filmada en decorados de plató cinematográfico, lo cual permite un movimiento de cámara, unos planos y secuencias, que no son posibles en un escenario teatral, lugar para el cual están pensadas las óperas. La producción es elegante, con grandes medios, buscando crear un espectáculo del nivel que tiene la ópera adaptada. Sin embargo, no abandona del todo el estilo teatral, que es especialmente notable en la interacción entre los cantantes, que se mueven y se relacionan entre ellos más como si estuvieran en un escenario. Fundamentalmente en color, tiene algunas escenas rodadas en blanco y negro. Obviamente, el ritmo de la acción viene determinado por los cuatro actos de los que se compone la ópera. Y en mi opinión, esto no le hace necesariamente un favor desde el punto de vista cinematográfico.

Desconozco si la voz de los cantantes corresponde al momento de la filmación o si esta se ha añadido sobre la imagen filmada, habiendo sido grabada en estudio. Me inclino por esta segunda opción, pero no estoy seguro.

Interpretación

Como ya he comentado, la interpretación está a cargo de cantantes de ópera y no de actores que cantan o que simulan cantar. Y esto es un riesgo. Especialmente porque se han buscado cantantes de ópera de primer nivel. Nombres conocidos de primera fila en este mundo, que por su carácter actoral pudiesen ser aptos para el papel. Lo cierto es que está bastante conseguido. Los personales masculino y el personaje de Musetta funcionan bastante bien. Sin embargo, el papel principal femenino no me lo he terminado de creer en ningún momento. La austro-rusa Netrebko no me cabe la menor duda de que es una cantante excepcional. Y que puede tener aptitudes interpretativas. Y además es muy guapa. Pero ya no da el pego de un joven costurera parisina, es una mujer hecha y derecha y se nota. Y mucho menos resulta convincente como personaje romántico tuberculoso, que es lo propio del romanticismo; con el físico tan lozano y de aspecto tan saludable que gasta. El maquillaje no ayuda tampoco al efecto buscado. No lo sé; no me ha acabado de convencer. Supongo que desde este punto de vista, es más adecuada la aproximación de Branagh cuando optó por cantantes menos conocidos pero con un físico y unas características más adecuadas a su papel.

Como anécdota contaré lo siguiente. La ópera nunca ha sido un género que me haya atraído. He asistido a alguna. E incluso en alguno he disfrutado. Pero salvo escuchar alguna obertura o determinadas arias o coros, nunca me he sentido inclinado a escuchar óperas. Y a veces cuento lo siguiente. Cuando en mi adolescencia RTVE 2 comenzó a retransmitir óperas enteras con el fin de aumentar el nivel de su programación y al mismo tiempo desasnar un poco, sin mucho éxito, a la población española, una de las obras seleccionadas fue Salomé de Richard Strauss. Y la protagonista del drama era Montserrat Caballé. Todos mis respetos para la magnífica soprano catalana, pero su danza de los siete velos ante el malvado Herodes, no sólo no resultaba creíble sino que en mi adolescencia me pareció ridícula. Hoy lo vería con otros ojos; sin duda. Pero eso me hizo rechazar durante un tiempo la ópera como un género dramático digno de tener en cuenta. Obviamente, para quien va por la música, son detalles que puede pasar por alto. Son otras cosas las que importan.

Pero aquí estamos hablando de cine, y sí que tiene importancia la adecuación del reparto al espectáculo que presenciamos.

Conclusiones

Este tipo de producciones me parecen loables. Y me parecen dignas de ser tenidas en consideración y que las personas inquietas culturalmente se acerquen a ellas. Al fin y al cabo puede ser una forma de traer a un mayor número de personas el género operístico, lo cual está bien. Pero creo que todavía no está bien desarrollada la forma de hacerlo conjugando las necesidades que impone también el medio cinematográfico. Recomiendo ver esta película por las razones expuestas, pero reconozco que todavía hay camino por recorrer. Y supongo que es difícil recorrerlo por la escasez de empresas de este tipo que pongan unas bases sólidas a este género. No obstante, quien se aburra escuchando música, que se quede en casa, o busque otra cosa.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: **
Valoración subjetiva: ***

Tertre

La place du Tertre en Montmartre, paradigma, más o menos real, más o menos montaje turístico, de la vida bohemia en la capital de Francia - Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH.

[CineTren] La gran evasión, y adiós a Jill Clayburgh

Cine, Trenes

Hace unos días, pasaba yo la tarde en el apartamento de unos amigos en un pueblo del Pirineo. Habíamos salido a dar un paseo por el bello espectáculo de las montañas vestidas con los colores del otoño, pero ya oscurecía, y como había tomado algo de vino en la comida y un chupito de orujo, decidí esperar para más seguridad hasta que se eliminasen los vapores del alcohol etílico para más seguridad en la conducción de vuelta a Zaragoza. El caso es que alguien conectó el televisor, y allí estaba, una de las películas más emitidas por la caja tonta. Las aventuras de los aviadores aliados en un stalag luft alemán, tratando de burlar las barreras del campo para iniciar la huida. En un principio, no se me ocurrió pensar en este filme como en una película ferroviaria, pero cuando los prisioneros han escapado, muchos de ellos utilizan el ferrocarril como medio de evasión, y empecé a fijarme en las incongruencias que se veían en la película. Y al final, tras pensarlo unos días, he decidido incluirla en mis listado de películas relacionadas con el ferrocarril.

Estoy hablando de La gran evasión (The Great Escape), cuya reseña podréis encontrar en mi página sobre el ferrocarril en la historia del cine, o directamente en este enlace.

También un pequeño obituario. Hace unos días mencionábamos a Jill Clayburgh en un papel protagonista en una de la película de mi lista de cine y ferrocarril, El expreso de Chicago. Hoy tenemos que mencionar que recientemente la actriz ha fallecido. Así que vaya desde aquí nuestro recuerdo.

Paisaje entre las ruinas

En Kaiseraugst, cerca de Basilea y a orillas del Rín, podemos ver cómo es exactamente el paisaje en la frontera entre Alemania y Suiza; no los montes alpinos que nos muestran en la película, más propios de la frontera entre Baviera y Austria, frontera que no era tal en aquellos momentos en que Austria estaba anexionada a Alemania - Panasonic Lumix LX3

[Cine y foto] Retratos del más allá

Cine

Película de terror norteamericana que no es más que una nueva versión de una película tailandesa previa. Es algo que se hace mucho ahora en los Estados Unidos, ante la falta ideas nuevas, o de ganas de pagar ideas nuevas. Se adapta una película que han hecho en otros países, adaptándola para una fácil digestión por parte del simple público norteamericano, y a vender, que son dos días. Ya adelanto que no tengo ninguna intención de ir a buscar y ver la película original. Si tal sucediese, por una lamentable concatenación de eventos, no creo que le dedicase una reseña propia, sino que la incluiría en esta misma de la forma más adecuada.

Podéis acceder a la reseña a través de la página principal de la fotografía en el cine, o directamente a su dirección.

Castiello de Jaca

Vista de Castiello de Jaca bajo las nubes otoñales; muchas casas conservan el estilo de las chimeneas tradicionales, con una piedra tallada en lo más alto, para espantar a las brujas y malos espíritus - Panasonic Lumix GF1, Leica DG Macro-Elmarit 45/2,8

[Cine] Copie conforme (2010)

Cine

Copie conforme (2010), 4 de noviembre de 2010

La posibilidad de ver a Juliette Binoche en versión original, en la primera película de Abbas Kiarostami de carácter occidental, en los paisajes y pueblos de la Toscana, y teniendo en cuenta que la crítica no había tratado mal del todo el filme, hacía que la incursión para verlo fuera segura. Así que a continuación os cuento de qué va este largo diálogo de hora y tres cuartos de duración.

Sinopsis

En Arezzo, ciudad de la Toscana, un escritor inglés (William Shimell) presenta su libro sobre el valor de las copias en el arte frente a la obra original. Entre el auditorio, hay una mujer (Binoche) con su inquieto hijo, inquieto él, inquieta ella. La mujer, que debe atender al joven preadolescente, entrega una nota al representante del escritor y se va a dar de merendar al chaval. Al día siguiente, un domingo, la mujer, que resulta tener una galería de antigüedades, se reúne en su tienda con el escritor para dialogar sobre el contenido del libro. Este propone salir a dar un paseo para aprovechar el buen día, y cogen el coche de ella y se dirigen al pintoresco pueblo de Lucignano. Allí pasearán entre los turistas y las muchas novias que se casan en esta población y seguirán conversando. En un momento dado, mientras toman un café, la intervención de la camarera, una mujer ya de cierta edad, hará que la conversación adopte nuevos derroteros. Derroteros que cambiarán nuestra imagen de la pareja, de su relación, de sus problemas y de lo que estamos viendo. En un momento dado, nos preguntamos cuál es la pareja original y cuál es la copia.

Dirección y producción

No es nuevo el esquema fílmico en el que dos personas durante el transcurso de la película, que representa un día, una tarde, una velada o el tiempo que sea, limitado, conversan sobre diversos temas, trascendentes en sus vidas, y en su relación si es el caso. Y he oído hablar de esta película como de un «remake emocional» de Viaggio in Italia (Te querré siempre), película que no recuerdo haber visto. En este caso, la cámara de Kiarostami decide acompañar directamente a las personas, fundamentalmente a los protagonistas y eventualmente a otros personajes con los que se encuentran, interaccionan, y provocan en ellos cambios que modifican sus percepciones y sus opiniones. Es una película de detalles, a los que hay que estar especialmente atento. Vemos poco de los lugares en los que transcurre la acción. Muchas veces intuimos como es el entorno, o lo vemos reflejado en el parabrisas de un automóvil, o en un espejo retrovisor y uno de pared simultáneamente. Y en esa atención a los detalles, cuando la mantienes, encuentras muchas de las claves de la historia que te están contando.

Me parecen muy destacables, desde esta atención a los detalles, los trabajos de fotografía y de sonido. Constantemente acompañan a los personajes los sonidos del ambiente que les rodea, que complementan perfectamente la parca información visual que a veces se nos ofrece, al estar la cámara centrada siempre en los personajes. Y la iluminación, ya que es la luz del sol la que nos va a ir marcando los tiempos. La luz dura del mediodía cuando los personajes se trasladan por la mañana, la luz suave y dorada de la tarde… las campanas de las iglesias que nos informan también de la hora que es. Ningún detalle es superfluo.

Interpretación

Es el punto fuerte de la película, todo el reparto está muy bien. No sólo los dos protagonistas que casi monopolizan el filme. También las breves intervenciones del hijo (Adrian Moore), de la dueña de la cafetería (Gianna Giachetti) y del turista francés (Jean-Claude Carrière) son excelentes, siendo además trascendentes para la evolución y la comprensión del filme. Sin embargo, quien se apodera sin contemplaciones de la pantalla es Binoche. Una actriz que ya no puede ocultar su madurez, y probablemente tampoco lo pretende, nos ofrece una variedad de situaciones y sentimientos, que van desde las preocupaciones habituales de una «maruja» al cargo de su retoño, hasta la sensualidad de la mujer que ya con cierta edad aspira todavía a ser considerada como objeto de deseo y de atención, de amor por el hombre al que quiere. Una versatilidad tremenda, acompañada por el atractivo físico que todavía mantiene.

Ah, una cuestión fundamental. Es absolutamente necesario ver esta película en versión original. De hecho, el título de la misma tal y como lo he puesto es el original francés, ya que en castellano la han titulado Copia certificada. Pero es que los personajes de la misma hablan indistintamente en francés, en inglés y en italiano. Y los cambios de idioma son importantes. Y lo que se dice en cada idioma también.

Conclusión

Desde mi punto de vista, una película bastante recomendable por dos cuestiones. Por un lado, por la maestría del director, que es capaz de poner en escena de una forma muy sutil e inteligente una larga conversación que podría haber resultado bastante tediosa de otro modo, y que sin embargo nos atrae y nos interesa. Especialmente tras el giro presentado por la conversación con la dueña del café, momento en el que la película cambia radicalmente. Opto por dejar que el potencial espectador lo descubra por sí mismo. Por otro lado, como ya hemos comentado, por la espléndida interpretación de la que disfrutamos. Eso sí, aficionados al cine de acción o del cine «en el que pasa algo», abstenerse. Las cosas que pasan en esta película pasan en el interior de los personajes. Todo lo demás, no es más que un largo paseo por la Toscana. Que tampoco está mal.

Calificación

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

El escritor de la película toma la idea de su libro al contemplar una escena entre una madre y su hijo a los pies de la copia del David de Michelangelo que está en la Piazza de la Signoria de Florencia - Canon Powershot G6

Más CineTren y sobretodo Cine y Foto: Amélie

Cine, Fotografía, Trenes

Mi breve convalecencia del lunes por la tarde, asociada a mi breve enfermedad viral de ese día, tuvo dos consecuencias. Una, que me perdí la ocasión de ir al cine como hago casi todas las semanas. Dos, que a falta de ganas para hacer otras cosas, me dio tiempo a ver mucho cine en la televisión. Así que tras el comentario de ayer sobre una película apropiada para mi sección de cine y ferrocarril, va otro similar.

En primer lugar, reconocimientos y agradecimientos. Yo había olvidado por completo que Amélie tuviese que ver con la fotografía. Como explicaré más adelante, fue un filme que me defraudó en cierta medida, y lo dejé a un lado en un rincón de mi memoria. Sin embargo, recientemente, con un escueto pero clarísimo mensaje, alguien llamado Luis, y desconozco más datos de esta persona, me sugirió este filme para ser añadido a mi lista de películas sobre La fotografía en el cine. Lo que pasó también es que inmediatamente recordé que es apto para ser incluido en mi lista de películas de El ferrocarril en la historia del cine, así que, mato dos pájaros de un tiro. La mar de bien, ¿no?

Así que ya lo sabéis, tanto si os gusta el mundo y la historia de la fotografía, como si sois partidarios del ambiente ferroviario, podéis estar interesados en mi comentario sobre este conocido largometraje francés.

RER Saint-Michel Notre-Dame

Saint-Michel Notre-Dame, una de las múltiples estaciones de metro y ferrocarril que pueblan el subsuelo parisino - Panasonic Lumix LX3

CineTren: El expreso de Chicago

Cine, Trenes

Mirando un día la programación de la televisión por satélite me encontré con esta película, y deduje por la breve sinopsis que debía tener ambiente ferroviario, como así es, y la dejé a grabar. Después de más de un mes reposando el sueño de los justos en el disco duro del descodificador digital, aprovechando un día de ligera enfermedad,… pues la he visto y la he añadido a mi listado de filmes sobre el ferrocarril en la historia del cine. Con todo merecimiento. Mucho tren por las inmensidades geográficas de Norteamérica, lo que nos ofrece esta comedia disparatada dirigida por Arthur Hiller y protagonizada por Gene Wilder.

Podéis acceder a la reseña a través de la página CineTren, o bien directamente a través de este enlace.

Estación

No es el "expreso de Chicago", sólo el Sopianae IC entre Budapest y Pécs, a su llegada a esta última localidad - Panasonic Lumix LX3

La red social (2010)

Cine

La red social (The Social Network, 2010), 19 de octubre de 2010.

Lo cierto es que cuando vi el avance de este filme, lo último que se me ocurrió pensar es que acabaría viéndolo. ¿Y a mí que narices me importa la vida del pollo que se inventó feisbuc? Y además, ya se sabe que últimamente no hay como ver el avance de una película para que pienses que va de una cosa totalmente distinta de la que realmente va, y se te vayan las ganas de verla. Pero luego me he encontrado con un montón de críticas positivas y alabanzas diversas hacia este largometraje. Y me entero que es obra y gracia de David Fincher, a quien debemos algún clásico,… y otras cosas menos interesantes, por lo menos para mí. Así que… ¡qué narices! Las opciones era esto o ir a verle las tetas a la Pataky que, por interesante que parezca, hay que lidiar con el hecho de que es una actriz extremadamente limitada, por no ser crueles.

Sinopsis

La película es una biografía de Mark Zuckerberg, el fundador de Facebook, interpretado por Jesse Eisenberg, desde el momento en que se pone a ello, hasta un momento indefinido en el que el invento ha tomado carrerilla y tiene éxito. Lo cogemos inicialmente en un bar, donde mantiene una conversación con su novia Erica (Rooney Mara), la cual acaba rompiendo con él, básicamente porque se comporta como un gilipollas. Tras la ruptura, en colaboración con sus compañeros de cuarto en la Universidad de Hardvard, monta en un ratito una aplicación para internet que permite valorar a las chicas de la universidad y que resulta un éxito. Y tras una conversación con unos pijos clónicos que tienen una idea para una red social, se la monta por su cuenta y le sale Facebook. A partir de ahí se nos cuenta el resto de la historia, a partir de los recuerdos que se suscitan con motivo de las querellas que distintos personajes que se han cruzado por la vida del protagonista le presentan por distintos hechos sucedidos a lo largo de su corta vida.

Dirección y producción

La película es un goce para los que se quejan de lo de «las películas lentas». Constantemente van pasando cosas, saltamos de un escenario a otro, se nos apuntan cosas que sucedieron o pudieron suceder, vamos conociendo diversos personajes que muchas veces no permanecen mucho tiempo en la película. Es evidente que está rodada con ritmo, y que este ritmo no se hace pesado, no te echa fuera de la historia. El director sabe lo que se hace, tiene oficio, y con gran habilidad consigue encajar una historia de difícil encaje en los 120 minutos que dura la película. Nada que objetar en los aspectos técnicos de la producción

Interpretación

Aquí las cosas no las tengo ya tan claras. Cuando la actuación de un protagonista se basa en su inexpresividad, en esa insinuación permanente de una posible patología de fondo (¿síndrome de Asperger?), llega un punto en que no sabes si es que realmente lo hace bien, o es inexpresivo. En cualquier caso, dada la afición de hollywood para premiar a los actores que hacen personajes con enfermedades mentales o discapacidades psicológicas o sociales, supongo que es un candidato al óscar. Pero a mí no ha terminado de convencermer. El resto del reparto… pues es que están muy poquito en pantalla y hay muchos. La verdad es que parece que todos hacen de gilipollas. Los dos gemelos Winklevoss, emprendedores, deportistas y guapos, interpretados por Armie Hammer, parecen una caricatura. El amigo y compañero financiero de aventuras empresariales, Eduardo Saverin, interpretado por Andrew Garfield, queda como un tipo un poco tonto al que la aventura empresarial le queda grande. Justin Timberlake, interpretando a Sean Parker, el de Napster, pues también queda como un cretino. No sé si es que lo hacen bien y es lo que se pretendía, o es que no lo saben hacer de otra forma. El caso es que no conseguí empatizar con ninguno.

Los personajes femeninos tienen otro problema. Salvo de la novia inicial que ya hemos mencionado, y la ayudante del abogado (Rashida Jones), todas aparecen en la práctica como floreros sin cerebro, que solo buscan pillar al rico y famoso a base de polvos. De todo tipo de polvos. Me parece que tiene un puntito misógeno la película.

Conclusiones

Para mí, el principal problema de la película es que, tratando de personas, en ningún momento me he sentido interesado realmente por lo que les pasaba a estas personas. ¿Inadaptados o cretinos? ¿Genios o aprovechados? ¿Inteligentes o gilipollas perdidos? En cualquier caso, conforme pasaba el tiempo de película, aun sin aburrirme, me daba igual lo que pasara, no tenía ninguna curiosidad por saber dónde iban a parar. La película está bien hecha, sin duda, pero me ha dejado un poco frío. No obstante, es un producto razonable para decidirse ir al cine.

Como nota positiva, el final me gustó. Es el único momento casi del filme en el que sentí en mí lo que estaba sintiendo el personaje.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: *** (¿o **?; no sé)
Valoración subjetiva: ***

Sorpresa

Sigo poniendo fotos de mi viaje por Hungría; como esta cara pintada en las paredes de Esztergom - Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH.

Vuelven las rutinas, pero no el buen cine; a cambio, algo de buena televisión: Conspiracy (La solución final)

Cine, Televisión

Hasta cierto punto vuelve las rutinas. Es la primera semana de octubre. Definitivamente estamos en otoño, aunque hoy disfrutemos a las seis de la tarde de unos envidiables 24ºC. No es que hablemos de rutinas plenas. Al fin y al cabo, estoy de vacaciones. Me quedaban dos semanas. Y el jueves saldré de viaje por una semana. Ya os cuento mañana. Pero, poco a poco, las cosas de siempre están aquí de nuevo.

Por ejemplo, hoy es el primer martes de octubre. Eso quiere decir que vuelvo a jugar al tenis dos días a la semana. Si es que mi tendón de Aquiles lo permite; que lleva ya varios meses dándome la tabarra. Veremos. En cualquier caso, hoy me acercaré, dentro de un ratito, saludaré, diré aquí estoy, y si las cosas van bien jugaré un rato.

Otra de las rutinas semanales es ir al cine en lunes. Y el martes, en estas páginas comentar la película. No es que en verano no lo haga. Pero el día de la semana oscila más. Puede ser un martes, un jueves, rara vez un miércoles para evitar el relativo bullicio del día del espectador. Pero lo cierto es que, si se supone que con el otoño llega una temporada de estrenos, potencialmente interesantes, de momento estos brillan por su ausencia. Ayer, nos pegamos media hora mirando como idiotas la cartelera, para decidir que nos tomábamos unas cervezas charrábamos un rato y nos íbamos a casa. Un erial el cine actual.

Así que llegué por la tarde a casa relativamente pronto. Y me puse a ver algo que tenía por ahí grabado. Y os lo voy a contar. Como si fuese la película de todas la semanas. Aunque no sea lo mismo que ir a la oscuridad y a la gran pantalla de las salas de cine. No obstante, no es un largometraje realizado para la gran pantalla. Fue realizado para la televisión. Veamos.

Conspiracy (La solución final, 2001)

Uno de los episodios más horribles de la historia de la Segunda Guerra Mundial, y de la historia en general, fue el exterminio de judios, gitanos y otras minorías por parte de los nazis. Sin embargo, aunque el atropello que estas gentes sufrieron comenzó en los años 30, la decisión de aplicar toda la eficiencia de la ingeniería alemana a la tarea de exterminio fue algo que tardó en madurar, y la decisión y la planificación no se hizo realidad plenamente hasta 1942, cuando se convocó la Conferencia de Wannsee. Y esta coproducción británico-norteamericana de la BBC y la HBO, dirigida por Frank Pierson, nos cuenta precisamente esto. Lo que sucedió en aquella malhadada conferencia en uno de los lugares más bellos de Berlín.

Sinopsis

Adolf Eichmann (Stanley Tucci), el equivalente a un coronel de las SS, es el encargado de preparar una reunión de representantes de la administración civil, policial y militar de la Alemania nazi. Quince de ellos se van a reunir a orillas del lago de Wannsee en la capital alemana. Presenciamos cómo todo es detalladamente supervisado de forma precisa y perfecta. Pronto van llegando los distinto componentes de la reunión. El último de ellos, quien la presidirá, uno de los principales jerarcas de las SS, Reinhard Heydrich (Kenneth Branagh). Durante dos horas, se producirán las discusiones que llevarán a decidir no sólo qué se va a hacer con los judíos, algo que en realidad ya estaba decidido. Sino a quién se va a aplicar y el método.

Dirección y producción

En primer lugar hay que decir que la ambientación y la producción es absolutamente admirable. Esta es una de esas producciones donde se ve la mano y el estilo tanto de la BBC como de la HBO. Siempre cuidadas, pensadas hasta el último detalle. La realización es ligera, y presenta en algo más de hora y media con un gran ritmo y al mismo tiempo con rigor, lo que pudo ser la reunión. De las actas de la misma se conservó una copia a pesar de que había orden de destruirlas. Pero a pesar de ese conocimiento, también hay conciencia que no todo lo que se habló se reflejó en las mismas. Y ahí viene un esfuerzo dramatizador sobre cómo pudieron ser las discusiones que está meritoriamente conseguido, fuese como fuese la realidad.

Interpretación

Un grupo de actores británicos y norteamericanos, más o menos conocidos, pero todos ellos muy solventes dan vida a una serie de caracteres en los que están representados los principales vicios del régimen nazi. El fanatismo, el antisemitismo, por supuesto, la lucha por el poder, los celos interdepartamentales, la burocracia, el militarismo,… A los dos intérpretes mencionados se podrían mencionar todos los demás que se pueden ver en el enlace en IMDb que he puesto anteriormente. Quizá mencionar entre los más conocidos a Colin Firth (Wilhelm Stuckart) o a David Threlfall (Wilhelm Kritzinger). Pero en conjunto, el elenco es excelente.

Conclusiones

Aunque un producto obviamente realizado para televisión, se puede calificar como de cine de muy buena calidad. Interesará especialmente al amante del cine histórico, pero debería gustar a cualquiera que aprecie una buena dramatización y una buena interpretación. Tiene algo de teatro; tiene más de obra teatral adaptada al cine o televisión que otra cosa. Es ese tipo de producción. A mí me ha gustado. En principio no la voy a puntuar, porque no es una película habitual al uso de las que reseño por aquí. Pero supongo que si lo hiciera andaría cerca de las cuatro estrellas.

Memorial del Holocausto

Un joven se abre a la tarde sobre la estelas del Memorial del Holocausto en Berlín - Canon Digital IXUS 860IS