De forma trabajosa y más lenta, por la ausencia de mi ordenador de sobremesa, he ido redactando un artículo sobre los aspectos técnicos/tecnológicos de mis fotografías del viaje a Italia que hice a principios de octubre de este año. Lo podéis encontrar en Por Italia, con digital micro cuatro tercios y mi cámara ya tradicional para película en blanco y negro. Aquí os dejo las fotografías con las que he ilustrado el artículo.
Hace tiempo, años, que un cierto objetivo para mis cámaras digitales más viajeras me había entrado por el ojo. Sin embargo, en el listado de pros y contras, que pasaré a comentar, no había un hecho decisivo que inclinase la balanza de la decisión hacia el platillo de la compra. Al final ha sucedido. Y comentaré el porqué, al mismo tiempo que en el enlace Sigma 56 mm f1,4 DC DN Contemporary para sistema Micro Cuatro Tercios os cuento las características técnicas de esta óptica, que creo bastante interesante.
Finalmente, una oferta de precio sustanciosamente inferior a su precio de salida al mercado y a lo que se veía en los últimos años, especialmente teniendo en cuenta que es nuevo, a estrenar, me ha decidido por su compra. Todavía lo he usado poco. Pero creo que no me arrepentiré. Es cómodo de usar y las fotos salen muy bien.
Ciertamente, en las últimas semanas se me han acumulado un montón de marcadores de páginas sobre fotografía susceptibles de aparecer entre mis recomendaciones fotográficas que intento traeros los domingos. Pero entre viajes y otras cosas… no he podido ir comentando. Veremos qué tal me queda esta entrada con tanta diversidad. De momento, mientras me organizo… me como un par de mandarinas, que hoy domingo he salido pronto a caminar un rato y estoy famélico.
En Lenscratch están sacando semanalmente de vez en cuando series de artículos temáticos que están muy interesantes. Por ejemplo, la que dedicaron en la última semana de octubre a los fotógrafos contemporáneos surcoreanos. Voy a mencionarlos, con el enlace al artículo y a su página web si la tienen. Pero no los voy a comentar individualmente, para no eternizarme. Pero recomiendo vivamente que les echéis un vistazo. Estamos hablando del artista visual Hwang Gyutae (artículo), de Koo Bohnchang (artículo) y sus armas silenciosas, del retratista Byun Sooncheol (artículo), de los paisajes alterados de Han Sungpil (artículo) y una fotógrafa, Kim Oksun (artículo). Hay para todos los gustos.
Y esta misma semana, la primera de noviembre, en la misma revista en línea, nos encontramos con una serie de artículos dedicados a la fotografía de naturalezas muertas, aunque con estilos muy diversos y distintos de los bodegones tradicionales, y con un concepto de naturaleza muerta amplio, como corresponde a los tiempos, así como de técnicas audiovisuales diversas. Así, podemos conocer el trabajo del israelí Ori Gersht (artículo), la asiático-americana Stephanie Shih (artículo), la artista visual basada en San Francisco Nicole Morrison (artículo; interesante su cuenta en instagram), el también norteamericano Daniel Gordon (artículo) y el coreano Lee Sunjoo (artículo). Corea del Sur está de moda en muchos frentes últimamente.
En Clavoardiendo nos trajeron hace unos días un artículo dedicado a Bego Antón, una de las fotógrafas españolas con mayor proyección internacional, y que vengo siguiendo desde hace unos años, cuando apareció, si no recuerdo mal, en un número de British Journal of Photography. Aquí nos hablará de las cazas de brujas en su País Vasco natal.
Cuando hablamos de desnudo en las artes, fotografía incluida, lo más frecuente es que tengamos modelos relativamente jóvenes, con cuerpos que, se ajusten o no a los cánones comerciales de belleza, tienen una armonía estética. Pero siempre hay excepciones. O quizá no tales excepciones a lo de la armonía estética, aunque la mayor parte de los espectadores se lo parezca. No sé dónde encontré la referencia al trabajo de Jocelyn Lee, creo que en alguna entrada en Tumblr,… no me acuerdo, pero Lee ha dirigido su mirada hacia los cuerpos de las personas mayores. Encontrando un equilibrio entre el físico gastado por los años y esa armonía estética que no todos reconocerán.
Encuentro muchas referencias últimamente al japonés Hosoe Eikō (escrito por los americanos, y ya por muchos más por lo tanto, Eikoh para señalar al «o» larga), un fotógrafo con un blanco y negro fuertemente expresionista. El artículo que aquí traigo apareció en AnOther Magazine, y creo que es buen ejemplo de la fotografía de este interesante autor nipón, fuertemente influido por la guerra del Pacífico y la subsiguiente posguerra. Un fotógrafo a conocer por todo aficionado al arte fotográfico.
Pen ペン Magazine también es una fuente habitual de recomendaciones fotográficas para mí últimamente. En estas semanas tenemos algunas, siempre relacionadas con Japón, como Kikuji Kawada y su mirada al cielo y al cosmos, contemporáneo del anterior, los trípticos del italiano Alex Liverani, en los que se mezclan distintos aspectos de la realidad japonesa, y el análisis de la evolución de la sociedad japonesa a través de su madre y los objetos de su madre según Miyako Ishiuchi.
Y finalmente, países del Asia Central en evolución, no siempre positiva. En Blind, Patrick Wack explora los problemas del Turkestán chino con los conflictos entre los habitantes originales del lugar y los inmigrantes de la etnia china dominante, los han. En Photography of China podemos contemplar la visión del japonés Shinya Arimoto sobre la vida en el Tibet. Y en Aesthetica Magazine, el coreano Lee Daesung hace su peculiar mirada a través de sus instalaciones fotográficas a los procesos de desertización en Mongolia.
En fin… como veis. Mucho para digerir.
Hacía mucho que no fotografiaba con una cámara de formato medio. Prácticamente, durante todo el verano sólo he usado cámaras para rollos de película de 35 mm biperforada, sea en su formato habitual de negativo de 24 x 36 mm, bien en el medio formato, 17 x 24 mm. Pero durante el mes de septiembre volvía coger la Hasselblad 500CM durante dos sábados.
Junto con la 500CM el objetivo Carl Zeiss Sonar 150/4 C T*. Porque originalmente la idea era hacer una serie de retratos con película Kodak Portra 160, y esta es una buena combinación. No voy a mostrar fotos de esas sesiones de retratos, porque las personas retratadas prefieren no aparecer en publicaciones en internet. Y mucho menos en redes sociales. Y con razón dadas sus circunstancias personales. Tendréis que creerme si os digo que quedaron bastante bien. Y que las personas retratadas quedaron satisfechas, e incluso van a utilizar los retratos para ampliarlos a gran formato para regalos y otros menesteres. Contento.
El caso es que esos dos sábados en los que salimos a hacer los retratos, cogí dos respaldos para la Hasselblad. Uno en el que cargué un par de rollos de Portra 160, uno cada día. Y otro en el que cargué un par de rollos de Kodak Ektar 100, para hacer paisaje urbano, también uno cada día. Estas dos películas de Kodak tienen características muy distintas. Los detalles técnicos en Volviendo al formato medio con Hasselblad – Teleobjetivo corto y Kodak Ektar 100.
De lo último que publiqué en estas páginas, antes de irme a Andalucía unos días, fue sobre mis primeros contactos con mi recién llegada Olympus Trip 35, una cámara con la que cada vez estos más encantado. Cuando me lleguen las fotos que hice con ella en Sevilla, os contaré más despacio. Pero por supuesto, también quise saber cómo se comportaba la óptica de la cámara con película negativa en color. Las cámaras de cierta edad no siempre tienen las mismas bondades sobre película en blanco y negro que sobre película en color.
En el calo de la Trip 35, tenía pocos miedos. Aunque siendo un objetivo muy sencillo de diseño, está construido con calidad y ofrece fotografías nítidas, con una calidad, en la práctica, limitada por las habilidades del fotógrafo y, en mucha menor medida, por la sencillez conceptual de la cámara, pensada para el gran público, incluso los no aficionados a la fotografía. Los detalles técnicos los podéis leer en Olympus Trip 35, nuevamente – probada, esta vez, con Kodak ProImage 100. Aquí os dejo unos ejemplos, con el más célebre cabezón aragonés de todos los tiempos como invitado especial.
Hay cámaras en la historia de la fotografía que son emblemáticas. Que, independientemente a quién se dirijan, profesionales, aficionados avanzados, aficionados entusiastas o simplemente a la gente en general que quiere guardar recuerdos de donde va o de la gente que quiere, independientemente de que se hicieran muchas o pocas, independientemente de su precio… se han convertido en emblemáticas porque eran un acierto pleno para el uso por las personas a las que estaban dirigidas.
Una de ellas es la Olympus Trip 35, fabricada entre 1967 y 1984, de la que se fabricaron más de diez millones de ejemplares. Muy sencilla de uso, el papel que jugaba en el mundo de la fotografía en estos momentos lo cubren las cámaras incorporadas en los teléfonos móviles. Que usa todo el mundo para sus cosas, incluso si no es aficionado a la fotografía. La cuestión es que, al igual que en estos momentos hay teléfonos móviles que tienen cámaras estupendas, aquella cámara, a pesar de sus limitadas pretensiones, su sencillez de manejo, y de ser asequible, tenía una calidad muy muy buena, en su fabricación y en su óptica, proporcionando fotografías de mayor calidad que muchos aparatos similares del momento y de las siguientes décadas.
Recientemente, he adquirido una, totalmente revisada, en perfecto estado y totalmente funcional. Que pienso usar con frecuencia a partir de ahora. Los detalles técnicos los podéis encontrar en Olympus Trip 35, la original, una cámara que siempre quise – Probada con Ilford FP4 Plus 125. Las fotos de hoy son de los primeros rollos de película que he expuesto con ella, para probarla, y comprobar sus limitaciones y peculiaridades. Que ya suponía, pero que conviene confirmar. Estoy encantado.
Antes de entrar en materia, las fotografías que ilustran la entrada proceden de uno de los rollos en color que hice en el mes de septiembre. Y que esta misma mañana he comentado en sus aspectos técnicos de forma mucho más amplia en En color de medio formato (que no formato medio) – Olympus Pen EE3 con Kodak Portra 400. Son fotografías urbanas realizadas con la pequeña Olympus Pen EE3, que nos ofrece más de 72 fotogramas en un rollo de los habituales de 35 mm biperforado de 36 exposiciones. Llevo un retraso notable a la hora de ir comentando los rollos de fotografía que voy haciendo, y se me hecha encima un viaje corto a Andalucía y la llegada del revelado de los rollos que hice en el viaje a Italia. Pero ya no doy más de mí.
Recientemente me llegó un librito que me ha gustado mucho. De la editorial Another Place Press. Ya he comentado en varias ocasiones que se trata de un pequeña editorial británica que se dedica a publicar el trabajo de fotógrafos que trabajan el paisaje con un componente humano y de una forma que se aleje por los senderos trillados de las redes sociales y lo «saturadamente» vistoso. El libro de esta ocasión se titula Black Dots y su autor es el fotógrafo inglés Nicholas J. R. White (instagram), de quien ya he comentado alguna cosa previamente. Me gustan sus paisajes.
En esta ocasión, durante tres años se pasea por remotos paisajes de Inglaterra en los que de vez en cuando se encuentran pequeños refugios de pastores, que en inglés se denominada bothies, generalmente en zonas de montaña, abiertos permanentemente para que cualquiera que por allí pase pueda refugiarse si lo necesita. Estos pequeños refugios son los puntos negros (black dots) a los que se refiere el título del libro, ya que muchas veces apenas se perciben en la inmensidad de los paisajes, especialmente en el norte de Inglaterra. Los paisajes son realmente bellos. Eventualmente presenta también fotografías de los interiores de estos refugios, así como retratos ambientales de personas asociados a los mismos. La verdad es que es un trabajo que me parece interesante e inspirador.
Además del libro mencionado, mencionaré también que se ha conocido la ganadora del Premio Nacional de Fotografía 2021. Me he percatado del asunto en una entrada en Instagram de Leire Etxazarra, la autora del estupendo blog Cartier-Bresson no es un reloj, donde supongo que en algún momento publicará algo sobre el tema, pero no de momento. En cualquier caso, luego he visto que otros medios dedicados a la fotografía en español también han comentado algo sobre el asunto.
La ganadora del premio de este año es Pilar Aymerich, fotoperiodista catalana, que ya cuenta con 78 años y se encuentra ya retirada, aunque tengo la sensación de que no inactiva. Su página web da la sensación de que hace mucho que no está actualizada. Tiene un diseño muy antiguo y no hay referencias a acontecimientos posteriores a 2013. En cualquier caso, es fácil que sus fotografías sean familiares para quienes tenemos unos años y tenemos la fotografía, en todos sus aspectos, como afición. No obstante, sin dudar en absoluto de sus merecimientos, ahora que he repasado su obra tiene fotos muy notables como fotoperiodista que trabajó desde el final de la dictadura, me parece que en esta ocasión es un premio muy tardío, y con un fuerte componente ideológico. Ya digo que eso no quiere decir que no sea merecido. Pero los premios, para que tengan el valor debido, hay que entregarlos a tiempo. Y no por la moda de rescatar del olvido a gente que en su momento se lo curró, pero adquirió poca relevancia entre el público general, quedando simplemente como profesionales de prestigio entre los medios y los pocos aficionados que nos intentamos enterar de lo que pasa en el mundo de la fotografía. Pero este país es así.
Fotos del mes de septiembre, paisajes urbanos con película negativa en blanco y negro, con un filtro rojo colocado sobre el objetivo de la cámara para mejorar los contrastes. O eso espero haber conseguido. Creo que sí. Los detalles técnicos en El filtro rojo y su influencia – Pentax MX, SMC Takumar 1:2 35 mm y Kodak T-Max 400. Como de costumbre, aquí, algunas fotos.
Confluencia de dos eventos que llevan a esta entrada de fotografía instantánea.
A principios de verano, en la sección de «productos reacondicionados» de Amazon, vi una oferta de película de «segunda mano» (concepto absurdo por demás), Instax Square Star Illumination, a un precio bastante más bajo del habitual. Así que lo cogí. Esta es una película Instax Square Color normal y corriente, pero el marco de la foto, en lugar del tradicional blanco, es negro con un punteado blanco como si fueran estrellitas. El segundo evento es que, tras el parón por las recomendaciones de distanciamiento social debidas a la pandemia del nuevo coronavirus, a finales de septiembre AFZ Asociación de Fotógrafos de Zaragoza comenzó de nuevo actividades colectivas, con un fotopaseo en torno a las riberas del río Ebro a su paso por la ciudad de Zaragoza.
Los detalles técnicos, que son pocos, en Instax Square Star Illumination para el primer fotopaseo AFZ tras la pandemia.
Claro está. Más preocupado por preparar un viaje en mis vacaciones, y viajar, lo de recoger recomendaciones fotográficas ha quedado un poco en segundo plano en las últimas tres semanas. Pero algo tengo recogido. Vamos con ello.
Quizá uno de los temas que más han dado que hablar ha sido la declaración del fotógrafo de Magnum Jonas Bendiksen confesando que su último trabajo, The Book of Veles, es falso. Veles es un pueblo de la antigua república yugoslava de Macedonia, creo que ahora le han dado finalmente el nombre oficial de Macedonia del Norte, donde por algún motivo se generan muchas noticias falsas, pero creíbles. Y Bendiksen se montó un reportaje y un libro, mezclando actualidad y antiguas religiones, que era todo mentira. Se ha montado un pollo. Lo han tratado en varios sitios pero yo os enlazo a Cartier-Bresson no es un reloj y a Blind Magazine. Eso sí, los medios no se ponen del todo de acuerdo sobre la actitud ética del fotógrafo. Para unos, su performance, por llamarla de alguna forma, es una denuncia de la facilidad con la que se cuelan las noticias falsas en nuestra sociedad, cosa que se está comprobando en política y prensa constantemente, sin que haya demasiados escándalos, y sería una acción legítima. Para otros, el fotógrafo ha tomado el pelo a todo el mundo y merece el desprecio y el destierro de la comunidad fotográfica y periodística. Hemos de recordar que acciones similares se han realizado en el pasado, aunque el autor ha procurado dejar claro en la comunidad de interés que estaba exponiendo una ficción, y denunciando las noticias falsas. La situación en esta ocasión no ha estado clara,… porque si no, no se hubiera levantado tanta polémica.
Me encanta Duane Michals. No hace mucho publiqué por aquí sobre un libro suyo que compré recientemente. En Blind Magazine me entero, a través de un artículo con algunas imágenes inéditas del autor, de una misma serie, Polaroids de una mujer en un apartamento variando su aspecto con un cambio de vestuario, que el autor está remitiendo desde algo más de un año pequeños librillos en formato pdf con trabajos y fotografías inéditas. Yo me he descargado muchos en este enlace. Lo que no me he enterado es de donde hay que subscribirse para recibirlos…
Ruth Orkin fue una fotógrafa norteamericana del siglo XX que merecería ser más conocida. Inspiró, desde mi punto de vista, uno de los personajes de una de las películas que más me gustaron en la pasada década. Y fue una observadora de la realidad bastante notable. En Blind Magazine nos ha recordado el trabajo de Orkin, fundamentalmente fotografía documental en la calle, tanto en blanco y negro, como en un excelente color que la incluiría como una precursora de la fotografía documental en color de gran calidad. Siempre me gusta ver el trabajo de Orkin.
Terminaré con una mirada al pasado, a la historia de la fotografía. A los primeros intentos serios de fotografía en color como fueron los de los pictorialistas que usaron los autocromos para obtener bellas imágenes fotográficas, con un aspecto próximo al del impresionismo, ya demodé a principios del siglo XX cuando el autocromo se puso, hasta cierto punto, de moda. Y en Blind Magazine nos han hablado del trabajo de Antonin Personnaz que se recorrió el valle del Oise con su cámara y su particular material sensible. Nunca he sido especialmente afecto al pictorialismo. Pero los autocromos me encantan. Mucho.
Justo hoy ha surgido una oportunidad para exponer con la Fujifilm Instax SQ6 un cartucho de película instantánea Instax Square en color. Pero el comentario sobre ese cartucho tendrá que esperar, porque esta semana, de vacaciones hasta dentro de dos más, tuve ocasión de exponer otro de Instax Square Monochrome con la misma cámara. Y esas son algunas de las fotos que voy a presentar aquí.
En esencia, algunos paisajes ferroviarios e industriales de los barrios de la margen izquierda del Ebro, y algunos «retratos» a los Goyas que el ayuntamiento de la ciudad ha colocado para conmemorar el 275º aniversario del nacimiento del pintor de Fuendetodos. Los detalles técnicos en Instax Square Monochrome para el entorno ferroviario industrial y para Goya.
Lo que son las cosas, estamos ya en el primer día de octubre y aun me queda por comentar un rollo que comencé en agosto y terminé el 1 de septiembre. Mi verano ha sido muy activo fotográficamente con la #CrappyCommieCameraParty, dedicada a la fotografía con cámaras (u otros equipamientos fotográficos en mi caso) fabricados en países comunistas. Pero aunque esta «fiesta» fotográfica estaba convocada entre el 1 de julio y el 30 de septiembre, a finales de septiembre estaba cansado y empecé a usar otros equipos más agradecidos en su diseño y manejo. Y por ello, en los últimos días de agosto decidí sacar a pasear la estupenda Olympus Pen F con su Zuiko 38 mm f1,8 al que le puse un filtro amarillo de Hoya para mejorar el contraste de las fotografías en blanco y negro.
Las Olympus Pen son cámaras en las que el fotograma tradicional de 24 x 36 mm está dividido en dos, por lo que de un rollo de 36 fotos se obtienen 72. O más, habitualmente. Los detalles técnicos en Último rollo de película de agosto – Olympus Pen F con Fujifilm Neopan 100 Acros II. Aquí os dejo unas pocas de esas más de 72 fotos.
