[Libro de fotografía] Suite Venitienne

Arte, Fotografía

Hay quien considera a Sophie Calle como fotógrafa. A mí me cuesta más. Pero de lo que no me cabe duda es que es una artista conceptual que utiliza con ventaja el medio fotográfico para sus intervenciones sobre la realidad, para sus peculiares performances, para su personal forma de observar y modificar el mundo.

Entrenando la regata en el canal de Cannaregio - Venecia

Con el tiempo, Venecia ha supuesto para mí una ciudad que trasciende a su condición de icono turístico; he generado lazos más profundos emocionales con la ciudad. Por ello no me faltan fotografías para ilustrar esta entrada.

Creo que la primera vez que me enfrenté cara a cara con la obra de la artista francesa fue con su proyecto L’Hôtel, en una exposición colectiva en la que se mostraban algunas fotografías del proyecto. Durante un tiempo, Calle se empleó como trabajadora en un hotel de venecia, personal de limpieza y habitaciones, las personas que mientras el cliente está haciendo sus cosas en la ciudad se encargan de arreglar la habitación, hacer las campas, limpiar los baños y dejarla en orden para cuando vuelva a pasar la noche. Pero mientras hacía su trabajo, creo que con un nombre falso, habría los equipajes de los clientes los extendía y los fotografiaba. Recuerdo que me dejó una sensación de inquietud tremenda. Cuando uno viaja y se hospeda en un hotel o similar, lo hace bajo una asunción de confianza, que si no existiese haría imposible la actividad. Y Calle rompía por completo esta asunción. Incómoda.

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Luego fui conociendo otras obras de la artista. En las que siempre interacciona con una realidad, que luego plasma en fotografías o en filmaciones, una realidad sobre la que siente una curiosidad y sobre la que nos quiere mostrar algo. Pero esto es algo como en la física cuántica; el acto de realizar una observación, una medición, altera la realidad que estamos observando.

En su Suite Venitienne, que nos viene en un librito, una nueva edición publicada por Siglio Press, recogemos una experiencia que vivió en 1979 y que fue publicada por primera vez en 1983. En un momento dado, ve a una persona, un hombre, que le llama su atención en las calles de Paris. Le llama Henri B. Lo sigue durante un tiempo. Luego lo pierde. Esa misma noche se lo encuentra en una fiesta, son presentados y conversa con él. Allí se entera de que el hombre está a punto de partir hacia Venecia en un viaje. Ni corta ni perezosa, Calle se desplaza a Venecia, tras unos días buscando consigue encontrar el lugar donde se aloja Henri B., y comienza a acecharlo, a seguirlo, a fotografiarlo. Nuevamente, interviene en una realidad, aunque sea de forma inadvertida para el sujeto de la observación. Pero moviliza en su entorno a muchas personas que, de forma inadvertida en la mayor parte de las ocasiones, colaboran en el proyecto de acecho.

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El libro, que tiene la desventaja de resultar un poquito caro, nos presenta las fotografías del proyecto así como los textos con el diario y la minuta de la acción, en la que se nos describen las acciones de Calle, así como sus pensamientos.

La verdad es que estoy disfrutando con su lectura. Pero como ya he comentado, no deja de representar la materialización de algunos de los miedos que todos tenemos de invasión de nuestra intimidad.

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[Recomendación fotográfica] Siguen viniendo de Asia

Fotografía

Hace unos días, el domingo, subí a este Cuaderno de ruta una entrada de recomendaciones fotográficas dedicadas a fotógrafos de Extremo oriente. La pujanza de la fotografía en aquellos países es importante, y en ocasiones con propuestas más interesantes tanto en estética como en contenido que lo que se ve en Occidente. Y curiosamente, en los siguientes días he seguido encontrando artículos interesantes de fotógrafos orientales.

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Entre la modernidad y la tradición, la clave del trabajo de Kubota para tratar de entender el Japón de las últimas décadas.

El más notable es el dedicado en Magnum Photos al fotógrafo japonés Hiroji Kubota. Kubota, miembro de la prestigiosa agencia, en algún lugar he leído que el único japonés de la misma, es un fotógrafo ya muy veterano, con décadas de fotografía documental a sus espaldas, especializado en Extremo oriente. No sólo ha documentado sucesos en su país natal, también estuvo en Vietnam, y ha recogido con su cámara los cambios que se han producida en el gigante chino y en otros países del Sudeste asiático. O es de los fotógrafos que en su momento fueron pioneros en romper las rígidas restricciones impuestas por el régimen de la República Popular de Corea, Corea del Norte, y trae imágenes de lo que sucedía tras las herméticas fronteras de aquel país. Pero el artículo que hoy nos ocupa trata de su país natal, Japón. Porque este 2018 es el 150º aniversario de la Restauración Meiji, cadena de sucesos históricos que llevaron a un cambio fundamental de régimen político en el País del Sol Naciente, que se tradujo en su entrada galopante en la revolución industrial a partir de un pasado reciente de carácter feudal, y a un impulso creciente a convertirse en una de las naciones que querían y tenían algo que decir en el orden mundial. Cierto es que con el tiempo desembocó en el sinsentido de la política militarista y expansionista que dio lugar a una serie de guerras que culminaron con las primeras bombas atómicas que cayeron sobre territorio nipón. Ha sido una constante en las distintas formas de expresión cultural y artística la reflexión sobre las contradicciones que la rápida evolución del país planteó durante décadas. Un país que lleva muchas de esas décadas a caballo entre la más moderna y avanzada tecnología y la tradición más ancestral. Quizá mereciera una entrada en algún momento en este Cuaderno de ruta. De momento, quedémonos con las fotografías de Kubota.

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Y de Japón, pasamos a Corea del Sur. Corea, por cierto, es uno de los países que más crudamente sufrió las ambiciones imperialistas niponas. Un país que también ha sufrido cambios estructurales y sociales muy profundos en un periodo de tiempo todavía más corto. Hace unos días me llamaban la atención un par de fotografías del coreano Park Sung-jin en el fotoblog La beauté de Pandore. Park también es un fotógrafo documental, pero con un tono muy distinto al de Kubota. Este fotógrafo coreano es más de recorrer las calles de Seul, fijándose en las gentes que las pueblan o las ocupan. Puede ser gente sin hogar. Y puede ser, especialmente, los adolescentes, alumnos de instituto en su mayor parte, con sus uniformes escolares, que posan ante la cámara analógica del fotógrafo en formato cuadrado con una actitud entre desafiante e insegura, trasladando una sensación que el fotógrafo etiqueta como nostalgia. Aunque su estilo es muy distinto, y quizá sus objetivos, no deja de recordarme en algunos aspectos al trabajo del español Miguel Trillo cuando trata de reflejar los distintos estilos de las tribus urbanas juveniles, primero en España, luego en todo el mundo, especialmente también en Asia, como hemos visto en sus últimos trabajos.

Finalmente, para quien esté interesado en conocer más de la fotografía oriental, en concreto de la japonesa, recientemente se ha publicado, como nos recuerdan en AnOther Magazine, un libro que recorre visualmente la historia de la fotografía nipona y sus principales fotógrafos desde 1945 hasta nuestros días. Dándole vueltas estoy a su adquisición. Pero primero tengo que decidir si me aporta algo nuevo a lo que ya tengo en mis estanterías.

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[Fotos] Un paseo más por los suburbios de Zaragoza

Fotografía

Es una constante fotográfica, y casi vital, mis paseos por una determinada de los suburbios de Zaragoza comprendida entre el río Ebro y el camino de Miraflores, con el Tercer Cinturón y la carretera de Castellón como ejes. Incluyo ahí la huerta de las Fuentes y el soto de Cantalobos. El sábado pasado hacía una tarde excelente. Había quedado a cenar más adelante, pero decidí pasar la mayor parte caminando y haciendo algunas fotos con película tradicional en blanco y negro. Los detalles técnicos en Bergger Pancro 400 en 35 mm con Canon EOS 650. A continuación os dejo algunas de las fotografías.

[Recomendación fotográfica] Despidiendo a Ara Güler (1928-2018) e Inge Morath en España

Fotografía

Me percaté ayer del fallecimiento del fotógrafo turco de origen armenio Ara Güler (1928 – 2018) mientras me desplazaba por mis suscripciones en Tumblr. De repente, me encontré con una entrada de How to see without a camera con unos cuantos retratos del fotógrafo, a distintas edades, posando con sus Leicas. Bueno… también con un teléfono móvil moderno. Venían las fotos con un escueto «RIP Ara Güler»; desconozco si el «RIP» es por requiescat in pace o por rest in peace. Pero es lo mismo; sit tibi terra levis, que la sierra te sea leve, amigo Ara, epitafio tradicional de la Roma republicana y precristiana. Unas horas más tarde, Magnum Photos daba la noticia del fallecimiento de quien fue uno de sus más destacados miembros, aunque quizá no tan conocido como otros.

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Con un tono crepuscular y algo melancólico, unas cuantas fotos de hace unos días en el ocaso en Zaragoza.

Tengo un libro de Güler dedicado a Estambul, o más bien dicho a la vida en las calles de Estambul. Güler era un fino fotógrafo documental, con gran dominio de la luz y con gran capacidad para reflejar el detalle significativo en sus fotografías, despojándolas de lo superfluo. Siempre con un tono que nos lleva más a pensar en una ciudad laboriosa, pero melancólica, más que la ciudad luminosa y mediterránea que en otras ocasiones se nos quiere transmitir. También pude contemplar algunas de sus fotografías en el 2010 en la ciudad húngara de Pécs, en una exposición sobre fotógrafos turcos en el marco de la capitalidad cultural europea que esta ciudad ostentó durante aquel año. En cualquier caso, es uno de los fotógrafos que cualquier fotógrafo documentalista, de los que ahora un poco pedantemente se denominan así mismos siempre en inglés como street photographers, debiera conocer. Especialmente para que entiendan que uno puede reflejar la realidad de las calles y el espíritu de quienes las habitan sin ser intrusivo, sin soltar flashazos a diestro y siniestro y sin ir asustando al persona plantándole la cámara a un palmo de la nariz. Muy elegante en sus composiciones.

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Para que todo no sea fúnebre, aprovecharé para comentar otra publicación reciente en Magnum Photos, en esta ocasión dedicada a Inge Morath. También fotógrafa documental, también asociada a la famosa agencia de fotografía, es una de mis fotógrafas favoritas, por lo que la menciono frecuentemente en mis recomendaciones fotográficas. Y en esta ocasión, me viene al pelo porque es la primera vez que la menciono en relación con su trabajo en España. Aprendiz de Cartier-Bresson con quien mantuvo una relación que fue más allá de lo profesional hasta que la fotógrafa se casó con Arthur Miller en 1962. Y como aprendiz de Cartier-Bresson viajó con él por el mundo. También España, un país en el que ambos realizaron abundantes y significativas fotografías, que muestran la visión que los ajenos al país tenían de ese país gris que era el del franquismo de posguerra. Sin que eso signifique que la visión de Morath fuera pesimista o deprimente. Al contrario, no dudó en fotografiar los momentos de alegría, de fiesta, o a retratar personas dando lo mejor de sí mismas. Y no le faltaron pretendientes españoles a la fotógrafa austriaca, que aunque siempre la vemos austera y sencilla, no debía carecer de atractivo ni mucho menos. En cualquier caso, como he dicho, en 1962 se casó con Arthur Miller, tras el divorcio de este de Marilyn Monroe. Y si Miller estuvo algo más de cuatro años con Marilyn, lo estuvo después durante cuarenta con Morath… hasta el fallecimiento de esta. Ya lo decía la canción, «que no hay que llegar primero sino que hay que saber llegar«.

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[Libro] Auggie Wren’s Christmas Story

Literatura

Hace ya unas semanas, publicaba una entrada en este Cuaderno de ruta en la que sugería cómo aprender a leer fotos viendo la película Smoke, dirigida por Wayne Wang y Paul Auster, e interpretada por Harvey Keitel y William Hurt. Esta es una de mis películas favoritas, no sólo con temática fotográfica, sino de la historia del cine. Me conmueve de forma extraordinaria.

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Nueva York, cómo no, en una obra de Auster.

Al preparar la entrada, aprendí que esta película fue precedida por una cuento, un relato cortito de Auster titulado Auggie Wren’s Christmas Story, y existe traducido al castellano bajo el título literalmente traducido de El cuento de Navidad de Auggie Wren. Pero si os defendéis con el inglés, y dado que la extensión del cuento es muy pequeña, yo os recomiendo esta. La versión en castellano en formato electrónica está por encima de los nueve euros, mientras que la versión en inglés la podéis conseguir por algo más de seis euros. Ambas me parecen excesivas, porque realmente el cuento se lee en un ratito. Ni en una tarde; menos. Un caso claro de cómo se exceden las editoriales con sus políticas de precios, especialmente en un entorno especialmente protegido para estas empresas, pero que desprotege y desincentiva al lector, como el español y otros países europeos. O si incentiva algo es esa piratería de la que luego tanto protestan, porque hay gente a la que le gusta leer, pero para la que convierten la lectura en un lujo. Una demostración de lo poco que respetan la educación y la cultura la mayor parte de las opciones políticas que dicen representarnos, pero que no.

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El corto relato se divide en dos partes; básicamente reproduce las dos escenas que mencionaba en la entrada de principios del mes de septiembre. Cómo Auggie explica a Paul el porqué de sus fotografías y su significado, y finalmente la historia de cómo consiguió su cámara de fotos. Nada nuevo. Pero me ha agradado mucho leerlas. En ese estilo tranquilo y directo de Auster que cada vez me gusta más.

Consideraría totalmente recomendable la lectura de este cuento si no fuera por su desmesurado precio. Ahí, cada cual verá en qué gasta su dinero. Yo lo disfruté. Los personajes están basados en la realidad. El auténtico Auggie fue el dueño de un bar de jazz de Nueva York que ya cerró, y Paul no es más que un trasunto de ficción del propio escritor.

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[Recomendación fotográfica] Premios, Niágara y vídeos del SfMOMA

Fotografía

Me enteraba durante mis viaje a Taiwán, no me acuerdo muy bien por qué vía, supongo que cuando entraba a Facebook para subir unas fotos del viaje, pero sí que me llegaba un enlace a Exit-Express que daba la noticia de que Leopoldo Pomés es el nuevo Premio Nacional de Fotografía, correspondiente al año 2018. Fotógrafo ya veterano que ha oscilado entre la fotografía documental, el retrato y la publicidad, sus fotografías, algunas realmente muy interesantes, tienen siempre un sabor añejo, a escenas y fotografía de otros tiempos. Esto no es bueno ni malo; desde mi punto de vista, es. Quizá, quien se quiera iniciar un poco más, además de acceder a algún libro de su obra o visitar alguna exposición si le pilla a mano, podrá descargarse el número 3 de Impresiones de Fotocolectania (PDF), dedicado a la obra de este fotógrafo.

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Hoy también acompaño la entrada con fotografías del carrete en color realizado con la Zenit 3M en el entorno del Tercer Cinturón y la huerta de las Fuentes de Zaragoza, mientras trabajaba con mis fotografías estenopeicas.

Me compré en Viena hace unos años una caja que contenía unas cuantas láminas con fotografías de Alec Soth, y los facsímiles a tamaño reducido de cuatro de sus libros más reconocidos. De ellos, los más interesantes me parecieron Sleeping by the MississippiNiagara. Ambos me he planteado comprarlos a su formato natural, pero hasta ahora no me he decidido. Recientemente, en Magnum Photos nos han recordado uno de estos trabajos, Niagara, y no vendrá mal un repaso al artículo para saber porque me interesó.

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El San Francisco Museum of Modern Arts (SfMOMA) sigue publicando excelentes vídeos sobre fotografía en su canal de Youtube. En las últimas semanas, dos de ellos:

Muy interesante por ser muy didáctico el dedicado a Abelardo Morell que trabaja con el principio de la cámara oscura, convirtiendo habitaciones de domicilios, oficinas u hoteles en cámaras que luego fotografía, generando un efecto particular. Ahora que estamos con un proyecto de fotografía estenopeica, no deja de ser un aporte conceptual interesante.

En otro vídeo, el japonés Eikō Hosoe nos habla de su colaboración con Kamaitachi, el danzante Tatsumi Hijikata, fundador de la danza butō, un performer; ya he comentado en otras ocasiones cómo la performance y la fotografía son aliados naturales, ya que esta última permite inmortalizar un evento artístico por lo demás efímero.

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[Fotos] Paisaje periurbano con una cámara soviética de hace 50 años

Fotografía

Tenía pendiente de mostrar resultados con película negativa en color de fotos realizadas con la cámara Zenit 3M y el objetivo MIR-1 37/2,8, ambos de fabricación soviética en los años sesenta. La cámara es de 1967; el objetivo, de 1965. Los aspectos técnicos los podéis encontrar en Zenit 3M + MIR-1 37/2,8 con película Fujifilm Superia XTra 400. Aquí os dejo unas fotos tomadas en el entorno del Tercer Cinturón y la huerta de Las Fuentes en Zaragoza, y algún otro lugar de la ciudad.

[Recomendaciones fotográficas] En Taiwan o de Taiwan

Fotografía

Hoy no está siendo el día como yo pensaba. Desde hace siete días nada está siendo como pensaba. Pero un maldito accidente odontológico me ha permitido/obligado a recostarme en el sillón de una fenomenal profesional, muchas gracias una vez más, y he salido de ahí con cierto sosiego de espíritu. Aparte de salir con el chandrío odontológico bien apañado. Así que he empezado a pasar de agobiarme por una serie de cosas, he recordado que desde ayer a las tres menos cuarto de la tarde estoy de vacaciones. Y que pronto emprenderé un viaje. Que no tenemos ni la mitad de planificado de lo que pensábamos, pero que me da igual. Desde el viaje a Japón en 2014, muy medido por las circunstancias familiares, nos hemos vuelto una catástrofe planificando viajes. Yendo sólo en alguna ocasión, o acompañado las más de las veces. Y no hemos dejado de disfrutarlos tomándonoslo con tranquilidad y un flema.

El destino lo habréis podido deducir del título de la entrada. Nos dirigiremos a la que los portugueses llamaron en el siglo XVI «isla Formosa», la isla hermosa. Por favor, no digáis que la «descubrieron». Que ya estaba descubierta. Que ya había gente viviendo allí. En fin.

Templo Tenryu-ji - Kioto

Cuarta incursión al extremo oriente asiático tras Japón en el 2014…

Lo que sí podemos «descubrir» es que hay fotógrafos excelentes originarios de la isla o que han trabajado sobre el paisaje humano, urbano o natural del país, que no es un país según las rarezas del derecho internacional, aunque se comporta como tal a efectos prácticos. No entraré en eso.

Por ejemplo, tenemos a Anrong Xu, que en su página se define como fotógrafo nacido en China y residente en Nueva York, pero en un momento dado encontré información sobre él y especialmente sobre su trabajo en las calles de Taipei. No sé si al decir nacido en China se refiere a Taiwan o a la China continental, pero me da igual. Sus fotografías me parecieron interesantes. Especialmente para entender el ambiente general de las calles, y no las típicas visiones idealizadas de los instagramers, youtubers, 500pxers y demás fauna homogénea y homogeneizante.

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… Hong Kong y Macao [foto del encabezado] en 2016…

También me parecieron curiosos los cabarés ambulantes del fotógrafo taiwanés Shen Chao-Liang, tal y como nos los presentaron en Clavoardiendo. Otra visión de las formas culturales y de la mentalidad del país. País muy poco conocido. Todo el mundo me habla de, «ah, te vas al país del madein…», como si fueran hoy en día una constante, cuando todo es «madeinchina», lo cual no dejan poner cuando realmente viene de la isla hermosa.

En fin,… simplemente un par de ejemplos. Que no nos llueva mucho. Y si ha de llover, que sea de forma tranquila. Que no nos lleguen ya ninguno de los tifones eso que han dado que hablar estas semanas atrás en Filipinas y Hong Kong. Y que pueda ir mandándoos algunas fotos para que os hagáis a la idea.

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… y Corea del Sur en 2017. En todas lo pasé fenomenal. Que siga la racha.

[Fotos y arte] Festival Asalto 2018

Arte, Fotografía

Como se me acercan las vacaciones, hoy he decidido hacer dos entradas en este Cuaderno de ruta, para dejar temas cerrados antes de pasar al modo «sólo fotos».

El domingo de la semana pasada recorrimos con la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ las obras del Festival Asalto 2018 de arte urbano. Y yo me llevé la Leica M2 con un Summicron 35 mm ASPH y un Elmar-C 90 mm, con un carrete de Fuji Acros. Os cuento un poquito mi experiencia. En lo que valga. Los detalles técnicos en Festival Asalto 2018 – Barrio Oliver, con Leica M2 y Fujifilm Neopan 100 Acros. Aquí os dejo unas fotos.

[Recomendación fotográfica] La luz de los viajes y la fotografía sin luz

Fotografía

Dentro de una semana comenzaré un nuevo viaje. Al oriente asiático. Ya os iré contando. Ahora estoy en esos días previos en los que, sabiendo que hemos hecho el esfuerzo razonable para planificar el viaje, queda la duda de que nos hayamos olvidado de algo o algo lo hayamos planificado mal. Siempre se genera algo de ansiedad previa, por mucho que hayas viajado.

También está la planificación del soporte fotográfico del viaje. No me preocupa mucho. Ahora tengo un equipo en el que confío mucho, por lo que dependerá de mí aprovechar las oportunidades que me surjan. No he decidido aún si me llevaré alguna camarita con película tradicional además de la cámara dígital. Quizá me lleve la Olympus mju-II con un par de carretes de Ilford XP2 Super. Que me ocupará muy poco en el equipaje, y es una cámara resistente a las salpicaduras. Seguro que nos llueve de vez en cuando.

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Aun tengo recientes las fotografías de mi último viaje, a tierras germanas y helvéticas, donde sí que usé ampliamente la película tradicional en blanco y negro.

Recientemente, en Cada día un fotógrafo/Fotógrafos en la red nos han hablado de Marie Takahashi, una fotógrafa japonesa que es incluida con cierta frecuencia en los listados de los mejores fotógrafos de viajes. Por ejemplo, en esta página donde es considerada la cuarta mejor de 25 seleccionados. No insisto con otras, puesto que en algún caso me ha dado la impresión de que se copiaban entre sí algunos de estos listados. Independientemente de esto, a mí es que me ha gustado el estilo de Takahashi. Es muy limpio, muy claro, muy centrado en el contenido, lejos de los artificios de los colores excesivamente saturados, de los HDR u otras técnicas que han surgido con el auge de la fotografía digital y que buscan más la imagen espectacular que la que transmite una historia o un sentimiento. A mí, las soluciones sencillas me atrae más que las espectaculares.

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Finalmente, hoy os traigo también otro vídeo del SFMOMA (Museo de arte moderno de San Francisco), recientemente publicado en su canal de Youtube. Alison Rossiter juega con la degradación de los papeles fotográficos, algunos de ellos realmente muy muy antiguos, muy muy caducados, para jugar con la luz o con la ausencia de la misma. Algunas veces, los embalajes de los papeles antiguos son tan bonitos que da pena que los abra para usar el papel…

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[Recomendación fotográfica] Tsunami

Fotografía

Una recomendación rápida para este domingo que quiero dedicar a cosas distintas que colgarme de internet para lo que sea. Una vez más nos llega del canal en Youtube del Museo de arte moderno de San Francisco (SFMoMA). La fotógrafa japonesa Lieko Shiga estaba establecida en la pequeña localidad de Kitakama, unos 70 kilómetros al norte de Fukushima, donde trabajaba y tenía su estudio, cuando llegó el tsunami de 2011 que arrasó con esta localidad y con el bello paisaje de bosques costeros en el que se inspiraba. Después ha seguido trabajando en la zona. Con otros enfoques, pero manteniendo el enraizamiento en la comunidad, en sus tradiciones, en su historia, en su miedos, en sus alegrías y en su relación con el paisaje.

Como fotografías acompañantes… bueno, ayer aproveché para pasear por las rosaledas del Parque Grande de Zaragoza, aprovechando la suave luz que nos ofrecía un ligero nublado que disfrutamos toda la mañana.

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[Recomendación fotográfica] Fotolatas y otros orificios diminutos

Fotografía

Desde hace unas semanas, inmerso en la preparación de mi participación en un proyecto colectivo de fotografía estenopeica, impulsado desde la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ, que si todo va bien, y no tiene porqué ir mal, acabará en una exposición en Zaragoza en algún momento de la primavera del año que viene.

En estos momentos, realizando algunas fotografías más para complementar y mejorar, en la medida de lo posible mi proyecto personal, del que ya hablaré algún día más adelante. No tengo decidido qué fotografías voy a presentar todavía, estoy en el proceso de decisión. Quizá alguna de las que hoy se ven pueda ir. Quizá no.

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Para quien no sepa, la fotografía estenopeica es la fotografía con una cámara que no dispone de un sistema óptico con lentes, más o menos complejo, sino que la luz entra en la cámara oscura a través de un pequeño orificio, suficientemente pequeño en relación a la superficie sensible a la luz y a la distancia entre el orificio y esta superficie, como para que haya una representación de la realidad razonablemente nítida. Aunque las imágenes nunca alcanzan la nitidez de la fotografía con objetivos con lentes, la estética de las misma puede ser mucho más expresiva. Aparte de abrazar la estética de las imperfecciones, derivada del hecho de que muchas de estas cámaras son de fabricación casera. El enlace anterior lo he dirigido al artículo correspondiente de la Wikipedia en inglés, Pinhole photography, porque el de la Wikipedia en español no me gusta.

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Coincide que hoy mismo, atención a los aficionados de Madrid o cercanías, las Fotolateras presentan en la capital su último trabajo dedicado a Japón. Tuve la oportunidad de conocer y conversar con Marinela Forcadell y Lola Barcia, las Fotolateras, en mayo del año pasado, cuando presentaron su proyecto Ciudades enlatadas en el contenedor de Enlatamus en Remolinos, cerca de Zaragoza. Quedamos sorprendidos por la gran calidad de los trabajos que hacen con sus pequeñas latas de café. No me importaría conocer este nuevo trabajo, aunque de momento no han actualizado su página web con fotografías del mismo. Apenas he podido ver un par de ellas en la noticia de Clavoardiendo Magazine en la que me he enterado de la presentación del trabajo. Tampoco la Galería Rizoma, donde presentan el trabajo está actualizada al respecto. Va a haber libro del proyecto. A ver si podemos echarle el guante. De momento, no sé donde… aunque se que lo edita Sin pereza books (en Instagram).

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