oeste

[Cine] The power of the dog (2021)

Cine

The power of the dog (2021; 77/20211216)

Con un estreno limitado en salas de cine y un estreno amplio en plataforma en línea, nos llega el último trabajo de la directora Jane Campion. La directora neozelandesa se prodigo poco, muy poco; pero su trabajo siempre es interesante. No siempre me ha convencido el resultado del mismo, pero siempre me resulta interesante. Y además viene acompañado de un reparto no menos interesante. En la temporada de premios ya ha recibido varios premios de la crítica en varias ciudades norteamericanas. Así que había cierta expectativa por verla.

Algunos de los paisajes de la película me recordaron al paisaje estepario que a veces encontramos en la provincia de Zaragoza y otras comarcas de Aragón.

Estamos literalmente ante una de vaqueros en las primeras décadas del siglo XX. En algún lugar de Montana (aunque la película está rodada en Nueva Zelanda), dos hermanos llevan un próspero rancho ganadero; el viril de personalidad arrolladora Phil Burbanks (Benedict Cumberbatch) y el más apocado y menos carismático George (Jesse Plemons). Cuando este último se case con una atractiva viuda (Kirsten Dunst), con un hijo joven que acaba de comenzar en la universidad (Kodi Smit-McPhee), Phil los acoge con desagrado y comienza a acosarlos con sus comentarios y actos. Lo que provocará una depresión en la mujer. Pero el hijo, conocedor de un secreto del rudo vaquero terrateniente, comenzará poco a poco un acercamiento al mismo de consecuencias imprevistas.

Campion con sobriedad y excelente oficio nos cocina un drama que se cuece a fuego lento, muy lento, pero sin desperdicio, durante las poco más de dos horas que dura el largometraje. Dos horas en la que toda la información que se suministra, visual o dialogada, en un ejercicio magnífico de efectividad y eficiencia narrativas, es importante para dar forma al relato, y a las consecuencias de la interrelación de estas personas, que viven a caballo entre el espíritu de la frontera del siglo XIX y de la modernidad del XX. Relato que además se apoya en un trabajo interpretativo de primer orden.

La película exige atención y la participación activa del espectador. Y es más propia de la concentración que se puede conseguir en la sala de cine que del entorno menos controlado y con más distracciones del salón de casa. Tampoco entra en explicaciones superfluas, tan habituales en el cine de consumo rápido actual, pero toda la información necesaria está ahí, para que al final toda la historia encaje perfectamente y con gran coherencia. Una muy buena película, absolutamente recomendable, aunque pueda quedar fuera de los hábitos y costumbres de los espectadores más acostumbrados a entretenimientos vacuos que a otra cosa.

Como curiosidad, Plemons y Dunst son matrimonio en la vida real. Y en la ficción lo fueron también en la segunda temporada de Fargo.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: *****
  • Valoración subjetiva: ****

[Cine] First cow (2019)

Cine

First cow (2019; 35/20210526)

Seguimos con una cartelera cinematográfica absolutamente estorbada por la pandemia, a la que hay que añadir que, tradicionalmente, estas fechas del año, suelen ser temporada baja de estrenos, por lo que si sumas los dos efectos… es difícil la tarea de plantearse salir de casa para ir a las salas de cine. Muy difícil. Si sumas otras restricciones, como las limitaciones a la hora de elegir una versión original, a mí cada vez me cuesta más tragar con los doblajes, o las inconveniencias en los horarios… la cosa llega casi al imposible. En cualquier caso, el viernes llegó a la cartelera esta película de Kelly Reichardt, directora de quien no había visto nada hasta la fecha, que está fechada en 2019, aunque parece que tuvo una limitada vida comercial en su país de origen, Estados Unidos, hasta que la pandemia la condenó a las plataformas digitales. Ninguna de las cuales la ofrecen en nuestro país, al parecer, lo que ha favorecido su estreno en salas. En Filmin tiene página, pero no está disponible en estos momentos. Quizá se pudo ver algunos días cuando se mostró en el Festival de Gijón hace unos meses,… pero no soy consciente. No me cosqué.

La película nos traslada a lo que hoy en día es el estado de Oregón en los EE.UU., en los años 20 del siglo XIX, cuando era una región de frontera, donde confluían los buscadores de fortuna, exploradores, aventureros y nuevos colonos con los nativos de aquellas regiones. Un cocinero (John Magaro) llega hasta allí trabajando para una pequeña partida de mineros, y en el camino conoce a un fugitivo chino (Orion Lee), que huye de unos rusos que lo quieren matar. Y se unen para una curiosa empresa comercial. A la región ha llegado una vaca. La única vaca del lugar, para que el representante comercial de la compañía instalada en la zona (Toby Jones) pueda poner leche en su té. Ellos la ordeñan a escondidas, y con las habilidades del cocinero, venden una rica repostería que les reporta buenos beneficios. Aunque las cosas acabarán por torcerse.

La película, basada en una novela tiene un planteamiento original. Al principio, en los tiempos actuales, una mujer camina con un perro por el campo, y se encuentra dos esqueletos, de dos hombres, semienterrados uno junto a otro. Y a partir de ahí… de alguna forma, retrocedemos hasta la época pasada. La película está rodada con un sencillo equipo en formato cuadrodote, 1,37:1, sacrificando el bello paisaje de las montañas del oeste americano cerca del Pacífico con encuadres muy cerrados que se centran en los personajes, sean seres humanos o vacas, y en sus cuitas. En cualquier caso, tiene una bella cinematografía. Y buen trabajo de sonido, aunque tiene una banda sonora muy muy parca. El ritmo es pausado y se toma más de dos horas para contar una historia mínima.

Uno de los fuerte de la película son las competentes interpretaciones, con la peculiar química de los dos marginados protagonistas. Salvo Toby Jones, los nombres del reparto no son especialmente conocidos, y sin embargo hacen un excelente trabajo, mostrando que muchas veces los grandes nombres en el reparto son más un reclamo comercial que una necesidad para obtener unos resultados óptimos.

Mi valoración general… pues es un excelente trabajo en muchos aspectos, y no me extraña que haya tenido tan buena recepción por la crítica y en diversos festivales. Sin embargo, es poco comercial y eso la penalizará de cara al gran público. Yo he disfrutado sus buenas cualidades técnicas, aunque a mí, las del oeste, tienen que ser muy especiales para que me entusiasmen. Pero es una muy buena película. De verdad. Eso sí… si eres de los que te gustan los espectáculos palomiteros, tipo superhéroes y esas cosas… pues igual no es lo tuyo. Probablemente no. Aunque deberías dar sus oportunidades a estas películas, que muchas veces cuentan cosas mucho más interesantes sobre el ser humano.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

[Cine] The Ballad of Buster Scruggs (2018)

Cine

The Ballad of Buster Scruggs (2018; 53/20181121)

Decididamente nos tendremos que acostumbrar a considerar de forma habitual los estrenos de películas de nivel cinematográfico a través de las plataformas de vídeo bajo demanda. Porque poco a poco, el nivel de estas producciones van subiendo. Y si bien añoramos no poder verlas en la gran pantalla, porque algunas de ellas lo merecen, por lo menos las podemos ver y disfrutar.

Cierto es que la última película de Ethan y Joel Coen, en esta ocasión firman ambos como directores, y también ambos como guionistas, no siempre es así, por su naturaleza se podría, se puede, ver como una serie. Antología de seis relatos cinematográficos cortos ambientados todos en el viejo y lejano Oeste, para quien no disponga con facilidad de las dos horas y cuarto seguidas necesarias para su visualización, puede acomodarse a la duración de los seis relatos.

No son las Montañas Rocosas ni los Apalaches, pero los parajes de Zuriza y Taxeras nos servirán y son igualmente bellos, aunque estén más cerca de casa, en los Pirineos Occidentales aragoneses.

Los Coen, con esta colección de cortos de ficción agrupados, realizan sin complejos su particular homenaje al western, utilizando con desparpajo los temas y los lugares comunes que le eran propios. Fieles a su estilo más personal, que algunas veces han abandonado sin éxito, introducen un tono de absurdo, un tono dadá, en el estilo de western crepuscular que se impuso una vez que pasó la época gloriosa del género, cuando parecía que estaba muerto, que ya no interesaba a los espectadores. Oscilando entre la comedia negra, por blanca que sea la ropa del protagonista, y el drama más oscuro, repasan los tipos más tópicos del género; el pistolero, el ladrón de bancos, el cuatrero, el charlatán de feria, la prostituta de saloon, el buscador de oro, el trampero, la caravana de nuevos colonos, la mujer que necesita la ayuda del apuesto veterano de las praderas, los «indios», la diligencia, los cazarrecompensas,… Todos ellos adecuadamente dosificados y ajustados, para que un muy plural elenco de actores, muchos, y actrices, poquitas, de un recital de buen hacer. Desde los nombres más conocidos hasta los secundarios más incógnitos para la mayor parte de los espectadores. Mencionaré algunos que me sorprenden especialmente… Tim Blake Nelson encarnando al Buster Scruggs del título, James Franco como uno de los más desafortunados cowboys a aquel lado del Misisipí, el duelo interpretativo, en cierto modo sin palabras, entre Liam Neeson, Harry Melling y un gallo, un estupendo y entrañable Tom Waits, sí, el cantante, y Grainger Hines y una extremadamente entrañable pero desafortunada Zoe Kazan enfrentándose a los «indios» en las praderas del medio oeste.

Además,… hasta caballos tenemos.

Difícil es establecer una preferencia, creo que depende más del estado de ánimo del momento que de otra cosa. Pero realmente he disfrutado de esta película de los Coen como hace tiempo que no lo hacía. Y lo que es más, el recuerdo y el agrado crecen conforme pasa el tiempo, que siempre ayuda a ser mejor juez en cuestiones cinematográficas. Y os lo dice alguien a quien pocas veces a entusiasmado el western… salvo cuando sí lo ha hecho.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****
Nos faltan las pepitas de oro…


[Cine] The Hateful Eight

Cine

The Hateful Eight (2015; 042016-0117)

Hace muchos, muchos, muchos, muchos años un amigo al que frecuentaba entonces y que ahora hace tiempo que hemos perdido el contacto dijo un día al salir de una película «Cuando la gente sale del cine diciendo que qué bonita es la fotografía, es que la película no es tan buena como dicen». Más o menos.

En los últimos tiempos se habla bastante de las películas que se están rodando con película tradicional en lugar de recurrir a cámaras digitales. Que si unos cuantos directores han pactado con Kodak para seguir rodando con este tipo de tecnología,… Que si el estupendo y orgánico aspecto de la nueva de Star Wars, mucho más agradable que el frío esteticismo digital de la segunda trilogía de la saga perpetrado por su creador,… Que si lo digital es un recurso para pobretones que no se pueden permitir el lujo de varios kilómetros de película y por eso tiran de chips, que si no ya veríamos con que rodaban,… Por supuesto, no faltan los partidarios de los 0 y 1. Quentin Tarantino y esta su octava película que comentamos hoy han venido a poner su grano de arena a la discusión. Rodada en el lujoso formato de película de 70 mm. Para quienes vengan del mundo de la fotografía, es decir como si estuviese rodada en formato medio. Para los más modernos, el 70 mm sería la «high definition» de la película cinematográfica tradicional…

Hoy, paisajes nevados, como en la película. Aunque con sol, como en Ojos Negros.

Hoy, paisajes nevados, como en la película. Aunque con sol, como en Ojos Negros.

Al final, ¿para qué? Creo que en España hay una única sala capaz de proyectar películas en 70 mm. En el resto, o son proyecciones digitales, que como mucho son en 4K, lo mismo o menos que las mejores cámaras de cine digitales, o proyecciones con película de 35 mm, tras la oportuna conversión. Y encima, con 20 minutos menos. Aunque eso algunos lo pueden considerar una bendición. A mi me huele que todo este rollo de los rollos de película de 70 mm es una estrategia comercial como otra cualquiera, que el excéntrico director se puede permitir. Al fin y al cabo, la mayor parte de la película se la pasan en interiores, o en diálogos al aire libre donde este lujoso formato poco aporta. Por cuatro espectaculares paisajes nevados en las Rocosas, tampoco es para tanto.

Y es que el entrar en el debate sobre la forma nos lleva a olvidarnos del debate sobre el fondo. ¿Qué aportan estos ocho odiosos personajes del lejano oeste norteamericano? Ocho… que a mí a ratos me salen nuevo o diez. Tarantino, al igual que Picasso, ha presumido de ser un artista que roba. Toma elementos de obras del pasado, algunas obras maestras, otras propias de los gustos propios del director, y los incorpora a sus propias películas y sus historias. Y en esta ocasión hace lo mismo. Toma elementos múltiples de clásicos del «western» y organiza su propia historia.

Aceptaré que el director tiene un cierto virtuosismo a la hora de rodar. Pero me cuesta mucho aceptar que esta historia que nos ha contado aporte algo realmente a la historia del cine en general y del «western» en particular. Películas del oeste en las que no hay buenos y malos, sino que son todos malos junto a algunas víctimas sobre cuya catadura moral no podemos opinar, las hay varias. Nada nuevo bajo el sol. Y encima, desde hace unos años, los antaño ingeniosos diálogos que salpicaban las películas de Tarantino, se me hacen eternos y en ocasiones aburridos, alargando con sus peroratas innecesariamente unas historias cuyo nivel de complejidad no es para tanto. En esta ocasión, incluso nos mete con calzador un «capítulo» extra en «flashback» que es absolutamente superfluo, y cuyo contenido ya habíamos deducido, simplemente para introducir la presencia de un «odioso» añadido que también habíamos deducido necesariamente… a balazos.

O con unas nubes moderadas, como aquí en Formigal, que si no las fotos quedan muy planas.

O con unas nubes moderadas, como aquí en Formigal, que si no las fotos quedan muy planas.

Lo reconozco. Aunque la única película del director que me he perdido fue aquella en la que pretendieron tomar por tontos a los europeos dividiéndola en dos partes para hacer caja por duplicado, hace tiempo que he ido perdiendo la sintonía con el amigo Quentin.

El reparto,… lo consultáis en el IMDb, os he puesto el enlace al principio, son gente capaz, pero a los que Tarantino dota de una verborrea incontenible. La que más me gusta es Jennifer Jason Leigh,… quizá porque es la que menos discursos suelta. Y por algún otro detalle más.

Los aficionados a Quentin la consideraran una obra maestra. Algunos ya auguran el afortunado renacer del «western», como sucede de vez en cuando desde hace un par de décadas. Para muchos será una película más o menos entrenida; afortunadamente la versión normalita tiene 20 minutos menos que la de 70 mm. Para quienes nunca hayan gustado de la casquería y los diálogos que impone el director, puede rayar la insoportabilidad. Hay para todos los gustos. Yo me quedo cómodamente en el terreno de los medios. Y va a ser verdad que este año la cosecha de los óscar va a ser flojita.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

En cualquier caso, pese a que muchos listos del cine se obnubilan con estas películas,... como estos paisajes,... a mi me dejan un poco frío.

En cualquier caso, pese a que muchos listos del cine se obnubilan con estas películas,… como estos paisajes,… a mi me dejan un poco frío.

[Cine] The Homesman (2014)

Cine

The Homesman (2014); vista el 20 de noviembre de 2015.

Versión original subtitulada para la segunda película para la gran pantalla de Tommy Lee Jones, un Jones que como buen Juan Palomo, forma parte también del equipo de guionistas que adapta la novela de Glendon Swathout, y se reserva un papel coprotagonista en el filme. Filme que es posible encontrar también en la cartelera española doblado al castellano con el título de Deuda de honor. En cualquier caso, estamos ante un reparto muy interesante, y a lo que se nos anunció previamente como una aproximación alternativa a las tradicionales al western.

La película nos habla de cómo Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), una colona pionera en el territorio de Nebraska, se compromete tras un duro y nefasto invierno a llevar a un hogar seguro más al este a tres mujeres que han perdido la razón por los terribles acontecimientos que les han acontecido. Arabella Sours (Grace Gummer), una joven esposa de 19 años cuyos tres hijos han muerto por la difteria, Theoline Belknap (Miranda Otto), una madre que sacrifica a su bebé por no poder mantener a todos sus hijos tras la muerte de todas sus vacas, y Gro Svendsen (Sonja Richter), una noruega que sufre el maltrato de su marido y cuya madre ha muerto recientemente. Para recorrer las desoladas llanuras que separa el asentamiento de Loup en el territorio hasta la ciudad de Hebron en el estado de Iowa, contará con la colaboración, reluctante al principio de George Briggs (Tommy Lee Jones) un solitario aventurero a quien salva de un linchamiento.

Estamos ante lo que muchas veces se denomina un western crepuscular. Este término lo he escuchado o leído referido a dos conceptos distintos. Por un lado, referido al western que se desarrolla en una época histórica tardía, cuando buena parte de la exploración y el sentido de aventura ha desaparecido, y nos encontramos ante unos estilos de vida que desaparecen. El segundo sentido del término se refiere al western revisionista, en el que desaparece el aura de heroísmo y aventura del tradicional, para ofrecernos un ambiente más real, mostrando la dura vida de los pioneros y los colonos, las dificultades y las miserias que hubieron de sufrir para llegar a domeñar el bello pero duro medio natural de las grandes praderas, los desiertos o las montañas que más allá del Misisipi o del Misuri esperaban a los europeos que acudían para apropiarse de las tierras y hacer fortuna. En este caso, nos encontramos ante esta segunda acepción.

A falta de fotografías de las grandes praderas del oeste americano, me iré a otros paisajes duros, mucho más cercanos.

A falta de fotografías de las grandes praderas del oeste americano, me iré a otros paisajes duros, mucho más cercanos.

Loup, que existe en la actualidad en el estado de Nebraska, se nos muestra como un pequeño asentamiento de personas luchando duramente para hacer prosperar sus granjas y sus negocios. De origen europeo, inmigrantes del este o incluso de la vieja Europa, con fuertes convicciones religiosas y una moral muy conservadora, viven en un entorno duro. En las grandes llanuras de Norteamérica encontramos un clima continental extremo, donde los veranos pueden ser muy calurosos con temperaturas por encima de los 30 ºC mientras que los inviernos se acompañan de fuertes nevadas y temperaturas de bastante grades bajo cero. Ha esto hemos de sumar las temporadas de tormentas, encontrándose en el llamado «callejón de los tornados». Sumemos a esto los problemas de adaptación de cultivos, del ganado, la amenaza de los nativos cabreados por el espolio de sus tierras por parte de los europeos y la presencia de aventureros forajidos que pueden aprovecharse del relativo aislamiento en el que viven muchos granjeros. Añadamos la ausencia de servicios que nos parecen básicos hoy en días como médicos, farmacias, escuelas adecuadas, etcétera.

En un entorno de tal dureza, y con una sociedad fuertemente conservadora, el punto de partida del filme es que la mujer es fácilmente una víctima fácil de las desgracias. El maltrato, la condición de ciudadana de segunda categoría, la mortalidad infantil, la convención del matrimonio… una mujer de 31 años no casada ya es una solterona… Así nos encontramos con las tres mujeres que han perdido la cordura, y el personaje principal del que pronto nos ponen en antecedentes que, aunque es mucho lo que tiene comparado con sus vecinos, también ha perdido mucho por el camino desde su infancia en Nueva York, sin alcanzar a realizar muchas de las aspiraciones que una mujer joven tiene en ese entorno. La película es básicamente feminista, en el sentido de reivindicar el papel de las mujeres en una época difícil de la historia norteamericana, que pocas veces ha salido a la luz. En la mayor parte de los westerns tradicionales, la mujer es simplemente el descanso del guerrero. Bonita, dispuesta, con la cena preparada y los calzones del macho lavados.

Me refiero al paisaje estepario de los Monegros en Aragón.

Me refiero al paisaje estepario de los Monegros en Aragón.

Todos estos elementos están en la odisea particular que afrontan los cinco personajes principales, los dos protagonistas y las tres compañeras que no dialogan. Una odisea de varias semanas de duración por las llanuras inhóspitas, y diversos peligros humanos, para un recorrido que hoy en día son 450 kilómetros, casi cinco horas, por una carretera interestatal de los Estados Unidos. No todos llegarán al final del viaje.

Técnicamente, la película es irreprochable, con una fotografía que aprovecha perfectamente las condiciones atmosféricas del entorno, lo amplios espacios, jugar con la pequeñez del ser humano ante una naturaleza que puede ser apabullante. La película tiene momentos muy notables. Episodios que por su intensidad emocional te dejan pegado a la butaca y te conmueven o estremecen. Sin embargo, como conjunto tiene algún problema de ritmo y de enlace entre unas situaciones y otras. Nada grave. Probablemente reflejando la dificultad de trasladar al cine una novela que quizá sea densa y más compleja en sus descripciones y relato de situaciones. Tras momentos muy dramáticos, como el que se da acampados en el soto junto al rito tras dejar atrás las llanuras, viene el momento del hotel que tiene momentos casi esperpénticos tanto en su desarrollo como en el terrible desenlace. El final, con canciones y danzas, tiene sin embargo tonos de desasosiego y de desesperanza.

Jones deposita de todos modos su confianza en la capacidad de los intérpretes para trasladar al espectador las emociones necesarias. Y el reparto es suficientemente sólido como para llevar a cabo el encargo con nota. Tanto Swank como Jones son intérpretes que han mostrado sobradamente su capacidad y no decepcionan. Pero las tres mujeres que han perdido la razón, que parece que sean un complemento sin más, nos ofrecen momentos también de dramatismo y solidez; a veces creo que están algo desaprovechadas. Diversas apariciones breves de ilustres jalonan con solidez el desarrollo de la película, John Lithgow o James Spader por poner unos ejemplos, para terminar con dos breves actuaciones de otras mujeres. Que pueden simbolizar el pasado o los valores tradicionales, en el caso de Meryl Streep que tiene la ocasión de coincidir con su hija, Gummer, en una escena, o el incierto futuro de la mujer de la frontera, en el caso de la joven Hailee Steinfeld, que vuelve al género que le dio fama en su momento con solo 13 o 14 años. Aunque sea brevemente.

Estamos ante una película que me ha hecho pensar bastante, como veis por la longitud de la entrada. No es una película redonda. Al público votante en IMDb no le apasiona, pero la respuesta de los críticos, aunque variada, es más positiva que negativa. Yo digo que se deja ver sin problema, aunque quizá se ha perdido la ocasión para hacer una película mucho más redonda. Quizá ha faltado ambición. O algo de capacidad, más allá de las habilidades técnicas, para trasladar la historia a la gran pantalla.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

Quizá las temperaturas no sean tan extremas, pero la notable aridez del clima le dan un ambiente especial a esta comarca aragonesa.

Quizá las temperaturas no sean tan extremas, pero la notable aridez del clima le dan un ambiente especial a esta comarca aragonesa.

[Cine] Django Unchained (2012)

Sin categorizar

Django Unchained (2012), 20 de enero de 2013

Esta película ha sido vista en versión original subtitulada en español, y por eso conservo su título original en inglés. Es posible encontrarla también en la cartelera española con su título literalmente traducido al castellano, Django desencadenado.

Hace tiempo que Quentin Tarantino dejó de entusiasmarme. Y mira que me gustaron sus primeras películas. Pero luego ya,… qué queréis que os diga. Hace tiempo que me parece un director de los de mucho ruido y pocas nueces. Y le reconozco su saber cinematográfico. Pero no necesariamente su capacidad para contar historias, o para llevarlas por el buen camino. Escéptico era antes de ver esta su última obra, que opta a algunos premios en las próxima ceremonia de los Óscar, lo cual nos ha llevado a verla.

Y nos cuenta la historia de Django (Jamie Foxx), un esclavo en los estados del sur de los EE.UU. a mitad del siglo XIX, liberado por un cazarrecompensas alemán, Dr. King Schultz (Christoph Waltz), quien se compromete que si le ayuda a coger a unos criminales, le ayudará a su vez a liberar a su esposa, Broomhilda (Kerry Washington), una joven a quien de niña su ama enseñó a hablar alemán, bastante rebelde, y que ahora es propietaria de un rico terrateniente aficionado a las peleas de esclavos, Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), cuya casa gobierna un viejo esclavo que le es muy fiel, Stephen (Samuel L. Jackson).

No perderé mucho tiempo en el comentario de este filme. Tiene los mismos defectos y algunas de las virtudes de la película anterior de Tarantino. Se hace larga, con diálogos interminables que pretenden ser ingeniosos pero que resultan pedantes o sin interés, nada que ver con los de sus primeras películas, y que sólo se ve salpicada por algún momento de brillantez. A ratos juega a espagueti western. Luego imita la estética de ciertos westerns crepusculares. Para finalizar en una larga estancia en la hacienda de Candie, larga por lo que dura en el metraje, no por lo que dura en el tiempo interno del filme, y cuya duración difícilmente viene justificada por las cuatro cosas que pasan. En el plano técnico no está mal hecha, pero… qué se yo. Realmente no sé si me interesa mucho lo que tiene que contar y cómo lo cuenta.

Las interpretaciónes son correctas, incluso buenas algunas de ellas. Siempre competentes Walt y Jackson, a DiCaprio se le ha dado más bola de la que realmente creo que tiene su interpretación. Pero bueno. Probablemente, salvo porque se ven obligados a unas parrafadas interminables en sus diálogos, es de lo mejor del filme. Las interpretaciones.

Una película que no está del todo mal como entretenimiento, pero que desde luego no justifica que la hayan calificado como una de las mejores del director, ni la expectación que está levantando. Por lo menos desde mi humilde punto de vista. No ha progresado mucho desde el anterior filme. Que quizá me gustó más. Y soy consciente que con esta opinión parece que me sitúo a contracorriente de la opinión general que se intuye por ahí.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

En lo que se refiere a mis preferencias en la carrera a los Óscar, he colocado a sus candidatos en su posición, que en ningún momento es ganadora. No porque esté mal, sino porque otros están claramente mejor.

La Churrería

Típica churrería ambulante, de las que se encuentran en las calles de Zaragoza en invierno. No voy a decir que la película sea un churro, ni mucho menos. Pero tampoco es para tanto como dicen…

[Cine] True Grit (2010… y 1969)

Cine
Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian integramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

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True Grit (2010), 13 de febrero de 2011; True Grit (1969), 14 de febrero de 2011 (en vídeo)

Sí, hoy toca un dos en uno. Porque tras ver la última película de los hermanos Coen, Joel y Ethan, este domingo pasado, decidí que antes de comentarla quería ver también la primera adaptación cinematográfica de la novela de Charles Portis, dirigida por Henry Hathaway en 1969. Lo cual ha sido una experiencia curiosa. Así que comentaré ambas películas en paralelo. Conviene decir que he puesto el título en su idioma original, puesto que he visto las versiones originales subtituladas en ambos casos. Y que también en ambos casos, el título en castellano que se dio a las películas es Valor de ley, un título aproximativo, pero que pierde algo del significado de ese genuinos arrojo, agallas o derterminación a las que se refiere el título original.

Sinopsis

Antes de redactar la sinopsis, que es coincidente para los dos filmes, haré un cuadro con los personajes principales y sus intérpretes en ambas versiones:

Personaje


1969


2010


Rooster Cogburn     
John Wayne
 
Jeff Bridges
 
Mattie Ross
 
Kim Darby
 
Heilee Steinfeld
 
LaBoeuf
 
Glen Campbell     
Matt Damon
 
Tom Chaney
 
Jeff Corey
 
Josh Brolin
 
Ned Pepper
 
Robert Duvall
 
Barry Pepper

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En el último cuarto del siglo XIX, algunos años después del final de la guerra civil americana, todavía no se ha completado la conquista del oeste americano. Y mientras que unas ciertas formas de civilización van llegando, todavía abundan los pistoleros. Uno de estos, Tom Chaney, asesina al padre de Mattie Ross, una adolescente de 14 años que decide vengar la muerte de su progenitor, pero por la vía legal. Para ello, contrata un miembro del Cuerpo de Alguaciles de los Estados Unidos (U.S. Marshals), Rooster Cogburn, tuerto, cínico, bebedor y de gatillo fácil, pero que según todas las referencias tiene el auténtico coraje y determinación para llevar a cabo la persecución del criminal por territorio indio, donde se ha refugiado con la banda de «Lucky» Ned Pepper. A esta particular asociación entre el cínico alguacil y la peculiar adolescente, se une un ranger de Tejas, LaBoeuf, que busca al mismo malhechor por el asesinato de un senador en su estado de origen. Y aquí, comienza una aventura en la que averiguaremos quien tiene ese genuino coraje al que hace referencia el título, y en qué consiste este coraje.

Río Gállego - desembocadura

Una de las escenas más características, y que muestra la fuerza de carácter de la protagonista del filme, es cuando cruza a con el caballo a nado un caudaloso río; en la imagen la desembocadura del Río Gállego en el Ebro, aguas abajo del casco urbano de Zaragoza - Canon EOS 5D Mk.II, EF 85/1,8 USM

Producción y realización

Aquí encontramos grandes diferencias entre los dos filmes. Si bien los dos guiones son coincidentes en gran medida en el transcurso de la acción y en los diálogos, que supongo extraídos tal cual de la novela original, el ritmo y el tono de la película es muy distinto. Esto también se ve apoyado en gran medida por el diferente aspecto visual de ambas producciones. Frente a los impresionantes paisajes de los parques nacionales de Colorado que sirvieron de escenario en la película más antigua, rodada en lo que debió ser primavera o verano, con todos los árboles muy verdes, con mucho sol, rodada a pleno día, con una iluminación más bien plana, mucho technicolor y con el recurso de la noche americana para las escenas nocturnas, la película actual tiene una fotografía muy cuidada, con tonos menos saturados, en un paisaje menos espectacular, en lo que podemos suponer que es el final del otoño y principios del invierno. Debemos decir que la fotografía de la película actual es candidata a un óscar, y que existen razonables expectativas de que se lo lleve.

El ritmo de la película, como he adelantado, es distinto. Los diálogos son más reposados, más reflexivos. La personalidad de los personajes varía. El Rooster de John Wayne era más pícaro, mientras que el de Bridges es más cínico. La  Mattie que ejecutó Kim Darby era más vivaz, mientras que Steinfeld resulta más reflexiva. Se echa algo en falta el colmillo afilado y la mala baba que los Coen despliegan habitualmente. Sólo la apreciamos en algunas escenas aisladas.

La ambientación también es muy distinta. La concepción estética del mundo del lejano oeste ha variado mucho en estas cuatro décadas, y nos encontramos con un intento de mucho mayor realismo a la hora de pintar cómo sería el vestuario, o los alojamientos de las personas. Siempre siguiendo, supongo, las descripciones del libro, ya que a pesar de las diferencias estéticas, hay coincidencias notables entre los dos filmes.

Interpretación

Quizá este aspecto de la película tenga también mucho que rascar. Ya he mencionado en el apartado anterior las diferencias de carácter que aprecio entre los dos personajes principales. Pero también es importante considerar a los intérpretes que les dan vida. Probablemente, las diferencias entre el Duque y Jeff Bridges sean menores de lo que parece. A parte de esos matices que diferencian el carácter de ambos, sus interpretaciones tienen más cosas en común de lo que parece. Y ambas son notables. John Wayne se llevó su único óscar por este papel,… un óscar que suena a compensación por toda su carrera, vista la competencia que tuvo ese año que, en mi opinión, pudo haber hecho más méritos para el premio que el veterano vaquero. Pero indudablemente fue una interpretación meritoria. E igualmente meritoria es la composición del personaje que hace el siempre sólido Bridges, quien no es la primera vez que se luce con los hermanos Coen.

Donde si que hay grandes diferencias es en el otro papel. En el de la chica. Para empezar, en 1969 colocaron en el papel de una adolescente de 14 años a una actriz de 22, a la que aniñaron con el vestuario y el improbable corte de pelo, corto, que lucía durante todo el filme. Entendámonos, no es que Kim Darby lo hiciera mal; es que no acababa de dar el tipo. En mi opinión. Sin embargo, para la película actual se ha buscado a una actriz de 13 años, con un aspecto físico más creible, y con una interpretación mucho más sobria, y al mismo tiempo más auténtica. Aunque es candidata al óscar en la categoría de mejor actriz de reparto, es claramente coprotagonista del filme, mientras que el mismo personaje en 1969 estaba supeditado a la presencia de Wayne. Supongo que los estrategas de los premios habrán considerado que es más probable que le concedan el galardón por esta categoría más modesta que por actriz principal, donde la competencia es más feroz. Y dada su juventud… Pero es su punto de vista el que está presente durante todo el filme. Son sus ojos los que viven las situaciones, y es ella, en el futuro, quien nos cuenta lo que pasó. Y lo hace muy bien. Tras su aspecto frágil, con sus trenzas y su cara de susto en ocasiones, sabe componer el personaje con el genuino arrojo y la genuina determinación de la que nos habla el título original del filme.

En el resto de los papeles, decir que todos cumplen, y que en particular, es agradable ver a Matt Damon con un registro muy diferente a los que nos tiene acostumbrados.

Como curiosidad, Dennis Hopper hace un pequeño papel en la película de 1969.

Conclusión

Hay que decir que ambas películas son muy entretenidas y están bien. Creo que la actual de los hermanos Coen es superior. O al menos, el lenguaje cinematográfico que utilizan me resulta más familiar, más cercano y más atractivo que el de Hathaway. Creo que también es muy superior técnicamente, así como en las interpretaciones. Pero ambas merecen la pena el desvío. Ambas son recomendables. Especialmente si te gustan los westerns, pero también si no son tu género favorito. En este segundo caso, seguro que prefieres la segunda. La primera tiene más tono de western tradicional, al uso de la época dorada de este género.

Calificación

La calificación corresponde exclusivamente a la película que he visto en pantalla grande, la de 2010:

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

Recomendación musical

La versión de 1969 optó al óscar a la mejor canción cantada por uno de los actores, Glen Campbell, aunque perdió contra una de las más célebres de la historia del cine, Raindrops Keep Fallin’ On My Head, de Dos hombres y un destino. Que era mucha canción, y muy recomendable en sí misma. La banda sonora de la versión actual no está mal, basada en el himno religioso Leaning On The Everlasting Arms, que es apropiado al carácter y mentalidad de la chica, y acompaña muy bien a la película; pero no deja de ser música incidental de buena calidad. Quizá, entre las bandas sonoras de las películas de los Coen me atreva a recomendar la de O Brother, Where Art Thou?, que si no optó a los óscar, sí que se llevó un grammy. Lamentablemente, en Spotify sólo se pueden escuchar tres temas de esta banda sonora.

Troncos finos

En las áridas tierras de Arkansas y Oklahoma, donde se produce la acción de la película, son frecuentes los sotos en las riberas de los ríos, al igual que en el valle del Ebro, como en esta vista del soto de Cantalobos en Zaragoza; allí les llaman "bosque" utilizando la palabra española dentro del idioma inglés, y este paisaje aparece en el filme - Canon EOS 5D Mk.II, EF 50/1,8

Libro: La estación de las flechas

Literatura

Como ya sabéis los que venís por estas páginas con alguna frecuencia, desde hace unos meses me estoy interesando en el género de la historieta. O cómic, o novela gráfica, o como sea que lo queráis llamar. A partir de ahora, aquí será historieta. Pero cuando me acerco a las estanterías no siempre me resulta fácil que elegir. El desconocimiento, supongo. Y aunque sigo algún blog en internet sobre el tema, tampoco se me aclaran las ideas. Ni me interesan mucho los super héroes, ni las cosas de japoneses, que parece que sí interesan mucho a la gente que escribe en estos sitios.

Pero el otro día en la FNAC me llamó la atención el título que hoy os traigo, y que estaba apilado en un aparte, lejos de los estantes dedicados al género. Veréis por qué.

La estación de las flechas
Samuel Stento (guion) y Guillaume Trouillard (ilustración)
Sins Entido, Madrid, 2009
ISBN: 9788496722552

Supongamos que en el último cuarto del siglo XIX, un emprendedor visionario se hubiese dado cuenta de una cosa. Los indios, los nativos americanos que más correctamente se dice ahora, tan abundantes en ese tiempo, estaban desapareciendo a marchas forzadas. Y en un futuro, como todo artículo escaso, serían un bien preciado. Supongamos que ese emprendedor ponga un negocio de conservas de indio. Sí, en bote, como las frutas en almíbar o el atún. Y que en nuestra época, una solitaria pareja de jubilados compra un bote de indios en conserva. Una familia, padre, madre e hijo, y los instala en su casa.

Éstas son las curiosas premisas de partida de esta historieta, con muy pocos diálogos y mucha acción. Desde el primer momento, nos sumerge en un particular surrealismo, en el que poco a poco, el modesto apartamento donde viven los jubilados se van expandiendo física y conceptualmente, hasta transportarnos a las vastas praderas del oeste norteamericano. De norte a sur. El frigorífico pueden ser las heladas tierras del lejano norte canadiense, mientras que el salón tal vez sean las cálidas tierras del sur de los Estados Unidos. A partir de ahí, se desarrollan una serie de aventuras donde se mezcla el divertimento con la crítica de determinados elementos de nuestra sociedad moderna.

La propuesta es curiosa, aunque encuentro algún problema. Los principales se deben a que obviamente los autores son de origen francés, y se ha realizado una adaptación donde se supone que los jubilados viven en Salamanca. Pero hay elementos que chirrían en esta adaptación puesto que determinados elementos culturales de la historia son claramente propios de nuestros vecinos del norte. No sé muy bien a qué fin no los dejan como estaban, si total no afecta a la esencia de la historia. Por lo demás, me ha parecido entretenida y original, con algunas imágenes estéticamente muy bonitas. Creo que esta obra da una idea de hasta que punto la historieta puede tener unas formas propias, alejadas de otros medios de expresión artística literarios y visuales.

No son las praderas del oeste en casa, pero son unas praderas cerca de casa, en la Plana de Zaragoza - Canon EOS D60, Tokina AT-X Pro 12-24/4