[Cine/CineTren] Days of Heaven (1978)

Cine

Days of Heaven (1978), 22 de febrero de 2013.

Estos días intentaré sacar alguna entrada más cada día, para ponerme al día con mis novedades cinematográficas. Por ejemplo, este viernes pasado, invitados por una cinéfila de pro acudimos algunos aficionados a la fotografía de FeZ a ver esta película de Terrence Malick dentro del ciclo que ha organizado para ~~una asociación sociocultural~~. Esto lo entendí mal, es el propio centro de educación de adultos, CPEPA Concepción Arenal, quien promociona los ciclos de cine, y se puede encontrar la información adecuada en «Sin edad digital»… el blog del Concepción Arenal. En concreto, de la película de este viernes se puede encontrar la información oportuna.

He conservado el título original en inglés porque la vimos en versión original subtitulada; en España se conoce con el título de Días del cielo. Como no la había visto y no la tenía incluida en mi base de datos, y la vimos en una pantalla grande, la reseño. El ciclo de películas está dedicado a la dirección de fotografía en el cine, y esta película es elegida, además de por sus indudables virtudes cinematográficas, por que meritoriamente consiguió un óscar a la mejor dirección de fotografía, que fue a parar al español exiliado Néstor Almendros. Pero además de eso, la película presenta un indudable interés ferroviario, por lo que es añadido a mi colección sobre el ferrocarril en la historia del cine, donde la podréis encontrar en su correspondiente reseña.

Cuando camino por la ciudad, en este caso camino del centro de educación de adultos donde proyectaron el filme, siempre llevo una cámara a cuestas. Y voy tomando imágenes. Es como un entrenamiento. Viene bien. Como Néstor Almendros (que iluso me he vuelto), aprovechando la luz natural del entorno.

Estamos en la segunda década del siglo XX, en 191… lo que sea. Bill (Richard Gere) se ve obligado a dejar su trabajo en una industria, y con su novia Abby (Brooke Adams) y su hermana Linda (Linda Manz), se trasladan a las plantaciones de cereales de Tejas, donde serán contratados para la temporada de la cosecha. Bill y Abby se harán pasar por hermanos para evitar problemas. El terrateniente (Sam Shepard) se fijará en la chica, y ambos amantes, en la creencia de que el granjero está gravemente enfermo y morirá pronto, deciden dejar que corteje a Abby y al final se case con ella. Pero la estrategia mostrará debilidades que complicarán la historia.

Aunque celebrada por la crítica, apenas tuvo éxito comercial en su momento. Las películas de Malick no son de fácil digestión. Con frecuencia están llenas de metáforas, de simbolismos que no siempre son evidentes. Tienen siempre un tono poético independientemente de la trama argumental. A pesar de que parece un drama romántico, con el típico triángulo amoroso, lo cierto es que la película tiene mucho de reflexión moral. Las diferencias sociales y económicas de la muy liberal Norteamérica de principios de siglo XX, la pobreza mezclada con el deseo de libertad, provocan decisiones éticas difíciles de juzgar desde otros puntos de vista. Pero no desdeñemos la parte romántica de la película. Los sentimientos confusos y los celos van a condicionar el desarrollo de la trama.

Vuelvo a usar la cámara tras la proyección; tienen la bondadosa ocurrencia de invitarme a unirme a una cena y velada con una gente muy agradable, vinculada a la organización del ciclo, en un bar cercano.

Evidentemente, uno de los grandes atributos de la película es la fotografía de Almendros. Formado con prestigiosos directores de la nouvelle vague, partidario acérrimo de la luz natural, de la fotografía sin artificios, la iluminación de la película, influenciada por el estudio de grandes pintores de todas las épocas es de un virtuosismo que ya por sí misma justifica la visualización del filme.

Desde luego, no hace falta decir que le pongo una nota alta, aunque quizá la interpretación, que no es mala, está un escalón por debajo del resto del filme. La recomiendo vivamente.

Valoración

Dirección: *****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ****

Y acabamos jugando para demostrar quien ha estado más atento a la película y a los debates. En la fotografía el equipo «contrario», «perdedor» a la postre, reflexiona sobre una de las cuestiones planteadas. Muchas gracias por la agradable velada.

[Cine] Los óscars están aquí

Cine

Llevo un total y absoluto caos con mis comentarios cinematográficos. Llevo un retraso de varios días para comentar un drama adolescente que insospechadamente acabé viendo, así como la película que ayer tuve oportunidad de ver dentro de las actividades de una asociación sociocultural. Una velada estupenda por cierto. También me encuentro con que para este fin de semana se estrena una película que lo debió hacer hace dos años, y que ante la incertidumbre ya vi por mi cuenta. Y luego se quejan los del cine, porque la gente consigue las películas donde las consigue. Y la adaptación de Cloud Atlas, libro que me gustó mucho y que os comenté hace unos días. Y mañana se fallan los Premios Oscar. Lo dicho un lío. Bueno. Pues me detendré en esto último, y ya veré como salgo adelante con lo demás. Igual hago alguna hora extra «gracias» al frío que se anuncia para este fin de semana.

Por cierto, hace días que no os recuerdo que tengo actividad en Tumblr, y las fotos que hoy ilustrarán la entrada vendrán de las últimas que aparecen por ese mi fotoblog viajero.

Paisaje cerca de Bagüés, Aragón (España), en julio de 2004.

En cuanto a los Premios Óscar, hago hoy una declaración final sobre mis preferencias. Que no sobre quien pienso que va a ganar. Que son dos cosas muy distintas. En mi caso, la correlación entre lo que más me gusta y lo que se lleva al eunuco dorado es más bien baja. No comentaré todas las categorías. Sólo las que me interesan.

Mejor película

En general, de las películas candidatas, me gustan casi todas. Y las que me gustan menos, pues me parecen entretenidas. Las que más me han impresionado son Life of Pi, Amour, y Les Misérables. A la hora de elegir una favorita absoluta, me cuesta mucho elegir entre las dos primeras. Y casi como echándolo a cara o cruz, me decido por Life of Pi. Quizá porque supo sorprenderme, mucho y muy gratamente en un momento dado de la película. Me parece que no cuenta con posibilidades reales de ganar, pero creo que es mucho más interesante que los dramas de espías que se han puesto de moda últimamente.

Mejor director

Vuelvo a encontrarme aquí ante el dilema entre las mismas dos películas. Y aunque considero que los dos grandes olvidados de esta categoría, Affleck (Argo) y Bigelow (Zero Dark Thirty) hubieran merecido encontrar un hueco entre los candidatos, tampoco sería ellos mis preferidos. En cualquier caso, tras darle muchas vueltas, creo que aquí preferiría ver la estatuilla en manos del austriaco Haneke (Amour) que del chino Lee (Life of Pi).

Los almacenes Liberty de Londres, Reino Unido, en septiembre de 2004.

Mejor guion original

Una de las películas que considero más injustamente de las candidaturas de estos premios es Moonrise Kingdom. Una deliciosa historia agridulce, entrañable, con una presentación visual y musical maravillosa y con magníficas interpretaciones. Así que no me lo pienso, y que le den por lo menos el premio al mejor guion original.

Mejor guion adaptado

En esta categoría, lo que me pasa es que si no conoces la obra original, pues es imposible saber si han hecho un buen trabajo o no. Sólo puedes valorar si cinematográficamente la historia funciona o no. Y aquí sí que me quedo con la bien contada peripecia, aunque con imprecisiones históricas, de los norteamericanos atrapados en la teocrática Teherán de los tiempos de Jomeini. Argo, pues, es la que prefiero.

Tomando unos chismes en el cabo de Creus, España, a la caída de la tarde, en un agradable día de diciembre de 2004.

Mejor actor protagonista

Una colección de interpretaciones muy profesionales y apañadas, con mucho oficio, pero en las que no consigo ver un papelón de los de para siempre, aunque a alguno se lo han puesto a huevo. Así que me quedo con el que más me conmovió, y que además canta. Sea pues, desde mi punto de vista, para el «miserable» Jean Valjean que compone Hugh Jackman.

Mejor actriz protagonista

Aquí es más fácil de decidir mis preferencias. El comentario podría ser similar al de la categoría anterior, interpretaciones con mucho oficio y muy apañadas, salvo porque creo que hay una que destaca especialmente. Y esta no es otra que, oh Hiroshima amor mío, Emmanuelle Riva por su papel en Amour. El caso es que si su partenaire Jean-Louis Trintignant hubiera estado entre los candidatos a la categoría anterior, también lo hubiera considerado seriamente.

Mejor actor de reparto

Aquí no me lo pienso ni un momento. El cascarrabias representante norteamericano, que debería haber sido el protagonista de esta historia que ya no se llamaría Lincoln y no el honrado Abe, Tommy Lee Jones. El personaje más interesante de la película, y una interpretación memorable. Incluso protagoniza el momento en el que debería haber terminado la película. Para siempre.

Mejor actriz de reparto

Volvamos a lo de los actores y actrices protagonistas. Mucho oficio y buen hacer, sin que haya interpretaciones antológicas, salvo los cuatro o cinco minutos de Anne Hathaway cantando I dreamed a dream en Les Misérables. Así que no le demos más vueltas.

Accediendo al castillo de Peracense, Aragón (España), en abril de 2005.

Mejor dirección de fotografía

Mi amor por las artes de la luz hace que sea esta la única categoría de las llamadas técnicas, a mi me parece perfectamente encuadrable entre las artísticas, que considero en mis valoraciones. Ciertamente, podemos hablar de gran igualdad entre las proposiciones, que son muy distintas entre sí. Entre la mezcla de la luz natural y la digital de Claudio Miranda (Life of Pi) y el preciosismo de la teatral adaptación en la que trabaja Seamus McGarvey para Anna Karenina. Pasando por propuestas más discretas pero meritorias. Finalmente, y decidiéndome por los pelos sobre el trabajo de Miranda, me quedo con Janusz Kaminski y su estupenda iluminación de Lincoln.

Bien. Ahí queda eso. Mi porcentaje de aciertos suele ser bajísimo. Pero tampoco pretendo ganar quinielas. Sólo expresar mis preferencias y mis opiniones. Que al menos son tan respetables como las de muchos de los que votan para estos premios, influenciados por las campañas de promoción que algunos agresivos productores. Lo cual podría acabar dando la victoria a la comedia de la noche. Que no esta mal, pero… De cualquier modo, ¿acaso no ganó Shakespeare in Love en 1998 por encima de Saving Private Ryan o The Thin Red Line? Pues cualquier cosa puede pasar.

Puesta de sol sobre Dublín, Irlanda, en julio de 2005.

[Cine] Dos días en Nueva York (2012)

Cine

Dos días en Nueva York (2 Days in New York, 2012), 15 de mayo de 2013.

Fin de semana de flojera cinematográfica general. Tras el fuerte ritmo de estrenos oscarizables en enero, en estos momentos da la impresión de que los nuevos estrenos están más flojos. O por lo menos no encontramos propuestas realmente atractivas. Ha sido el fin de semana de los premios Goya, pero hace tiempo que he entendido que el cine español y yo vamos por caminos y tendencias dispares. La película española que más me ha gustado en el 2012 tan apenas ha recibido la atención ni de los medios, ni de los académicos, ni del público. Tras una serie de conversaciones con compañeras de trabajo, y tras conocer durante unos segundos a la directora del filme, veo en casa esta semana una película de producción no sólo española sino aragonesa, y que en su momento no fuimos a ver por la floja impresión que le produjo a una amiga. No es una catástrofe, pero tampoco me dice gran cosa. Así que entre todo este panorama, decidir qué ver no es fácil. Y por la simpatía que nos ha merecido en otras ocasiones la francesa Julie Delpy, tanto en su faceta de actriz como de directora, nos decidimos por esta secuela de otra película suya anterior que, aunque con defectos, no nos disgustó. Es cierto que cuando la vimos despertó un entusiasmo en nuestro grupo que luego se ha visto tremendamente atemperado. No era para tanto. Pero no nos disgusto. Y la tengo en mi colección de películas sobre la fotografía en el cine.

Si en la primera entrega conocíamos a la fotógrafa Marion Duprés (Julie Delpy) llevando a su novio de entonces a conocer a su excéntrica e imposible familia a la capital francesa, años más tarde la encontramos instalada en Nueva York con un hijo de aquella relación, y conviviendo con otro hombre, Mingus (Chris Rock), con quien planea montar un hogar. También ha avanzado en su carrera como fotógrafa y, además de trabajar para una revista, ha hecho sus pinitos en la fotografía conceptual, y va a inaugurar su primera exposición importante. Con este motivo, su familia vendrá de Francia a pasar unos días, poniendo toda su vida de patas arriba.

Si en la primera parte Delpy conseguía alcanzar cierto equilibrio entre la comedia y la reflexión dramática sobre los problemas existenciales y de pareja de los protagonistas, en esta segunda parte ese equilibrio no se consigue. Predominan las situaciones cómicas, pero sin que el humor que desarrolla sea especialmente brillante. En ocasiones es vulgar. Algunos personajes son realmente bufos, y creo que no aportan nada a la situación. Y el desarrollo de la parte dramática del filme, que sigue un paralelismo con la parte parisina, no consigue alcanzar el mismo nivel.

Dicho lo cual, las interpretaciones del conjunto tampoco son cosa del otro mundo sin que estén realmente mal. Quizá el problema es que a veces parecen personajes sacados de una enciclopedia de tópicos sobre franceses, yanquis y las relaciones entre ambos.

Lamentablemente, y a pesar de las simpatías que sentimos por Delpy, ver esta película nos ha parecido una pérdida de tiempo. Una producción prescindible que no añade nada a lo que ya nos contó hace cuatro o cinco años. En cualquier caso, esta película también va a mi colección de películas sobre la fotografía en el cine.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

Sigo sin haber viajado a Nueva York, así que me quedaré en el lado parisino de la historia, en la plaza de los Vosgos. Hermosísima plaza en el Marais parisino.

[Cine] Hitchcock (2012)

Cine

Hitchcock (2012), 7 de febrero de 2013

Cuando hace ya un tiempo anunciaron esta película, simplemente el elenco del filme y el tema a tratar, el rodaje de la mítica Psycho (Psicosis), hacía que fuera una opción atractiva para ir al cine. Es cierto que el director, Sacha Gervasi, prácticamente es novel. Y luego, pues las críticas que la han precedido han sido mas bien tibias. Pero bueno. En un momento dado, nos hemos decidido y la hemos visto.

Como digo, la película trata del rodaje de Psycho, desde que es concebida hasta que se convierte en el gran éxito que es, película mítica del director inglés Alfred Hitchcock (Anthony Hopkins). Junto al genial director encontramos a su esposa, Alma Reville (Helen Mirren), que tuvo una gran influencia en los procesos creativos del excéntrico autor. Y siendo dos caracteres fuertes, no faltarán los dimes y diretes en la relación.

Vamos a ver. No me voy a extender. No hay profundidad alguna en esta película. No nos descubrir nada realmente importante sobre la figura de Hitchcock, ni siento que plantee cuestiones realmente importantes en su relación con Alma. Ni tampoco hay tesis alguna notable sobre el proceso creador del director. Lo que aprendemos sobre el rodaje de Psycho es anecdótico o ya es sabido. Tampoco hay una interacción especial con el resto de los personajes que te lleve a plantearte nada. Lo único que tenemos es un relato, salpicado de alguna nota de humor aprovechando los aspectos más grotescos del personaje, correctamente realizado, pero sin mucha más enjundia.

En cuanto a las interpretaciones, pues Mirren está bastante bien. Hopkins está sobrecaracterizado, pero en un momento dado ni le vemos a él ni vemos al personaje. La presencia de Scarlett Johansson como Janet Leigh y de Jessica Biel como Vera Miles pues,… no rechinan, pero se limitan a estar más o menos simpáticas y muy guapas. En el resto del reparto hay otros nombres bien conocidos, pero que quedan anecdóticos como el conjunto del filme.

Y eso es lo que podemos decir de esta película. Es una anécdota a partir de un tema al que claramente se le podía haber sacado algo más de partido. No molesta, pero puede haber mejores alternativas en la cartelera en estos momentos. Se puede ver,… y se puede esperar a que salga en vídeo o la pasen por la tele. No pasa nada. Y precisamente, a mí, subjetivamente me ha supuesto una total y absoluta decepción dados los materiales de los que partía.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

Esta película no ha afectado en absoluto a mis valoraciones de cara a los premios óscar,… porque nadie ha pensado en ella para tal cuestión. Claro.

Y ya que cinematográficamente ha sido una entrada poco relevante, os dejo unas cuantas fotos del carnaval infantil de Zaragoza, que se ha celebrado este pasado fin de semana.

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[Cine y libros] Me regalan un lector de libros electrónicos y revisito a Wong Kar-wai en un centro público de educación de adultos

Cine, Literatura

Dejo atrás la nostálgica entrada que in extremis publiqué ayer sobre los ochos años en los que vengo contándoos cosas en el Cuaderno de Ruta, y cuya redacción me produjo un ataque de morriña en parte debido también a algo que me pasó por la mañana.

Cuando llegué de trabajar a casa me encontré con un regalo vía Amazon. Por mi recientemente pasado cumpleaños. Un Kindle, un lector de libros electrónicos, en su modelo más básico y simplón. No soy extraño al hecho de leer libros en formato electrónico. Ya hace una década larga, cuando uno manejaba alguna ahora obsoleta PDA, leí mucho en estos dispositivos. Fue la época de la enfermedad de mi madre, en la que pasábamos muchas estancias en el hospital, y era una forma cómoda de llevar lectura en el bolsillo. También he leído ocasionalmente en el iPad, pero así como he considerado que este es un medio absolutamente ideal para reemplazar a las revistas de prensa tradicionales, con los libros no estaba tan convencido. Me resulta pesado, y su brillante pantalla no me parece la más adecuada para leer cómodamente. Así que en estas estamos cuando me llega este objeto, lector básico de la gama de Amazon, y que hasta el momento no le encuentro más que dos problemas, que probablemente se solucionen con modelos más avanzados. La pantalla no es táctil y necesitas luz ambiental para poder leer. Ayer ya me leí el 20% (aquí ya no me sale hablar en número de páginas) de La mecánica del corazón de Mathias Malzieu. Que de momento me está gustado bastante. Ya os contaré.

Por otra parte, hace unas semanas recibimos en nuestro CaFeZico habitual la invitación por parte de una nueva contertulia para asistir al ciclo de cine «Maestros de la luz». Tres películas en el que el denominador común y motor para el debate era el excelente trabajo de dirección de fotografía. Una en blanco y negro, a la que no pude asistir, The Third Man, pero que casi me la sé de memoria. La de ayer, con predominio en la iluminación de interiores, In the Mood for Love, de la que ahora os comento un poco. Y la de dentro de dos semanas, en la que admiraremos la magia de la luz natural, Days of Heaven, una de las pocas que no he visto de Terrence Malick y que habrá que hacer por ir a ver.

Ya que no tengo fotografías de Hong Kong, antigua colonia británica en China, pondré alguna de la «Little China» en el Soho londinense.

Según mi base de datos de películas, que comprende lo que he visto en pantalla grande desde el 28 de diciembre de 1997 hasta la fecha, vi esta película el 10 de marzo de 2001. Recuerdo que fue en los desaparecidos Multicines Buñuel de Zaragoza. Y fue una película que me impresionó mucho, y me pareció tremendamente triste. Su título original es 花様年華, que vendría a ser algo así como «la época de la floración», siendo In the Mood for Love el llamado título internacional que les clavan a las películas asiáticas para facilitar su venta, y Deseando amar las traducción aproximada que se le dio al título internacional en España. Dirigida magistralmente por Wong Kar-wai, está emotivamente interpretada por Maggie Cheung y Tony Leung. La meritoria dirección de fotografía está compartida por Christopher Doyle y Mark Lee Ping Bin (*). Es una película que he visto tres veces. La original en el cine, cuando hace unos años compré en DVD el conjunto que forma con otra película de su director, 2046, y la de ayer. Cada vez que la veo aumenta mi consideración y mi apreciación sobre el filme, que en estos momentos considero uno de los más bonitos que he visto en mi vida. Pero de la misma forma, me sume en una profunda melancolía de la que me cuesta salir después; emocionalmente no me acaba de sentar bien. Quizá por eso, a pesar de disponer de ella en casa en cualquier momento, la he visto en pocas ocasiones. Pero desde luego la recomiendo sin ambages a cualquiera que se interese por el buen cine.

(*) Nota sobre los nombres chinos en esta película:

La convención habitual para los nombres de personas en china es citar primero el apellido y después el nombre propio. Así, el director de la película, nacido en Shanghái, aunque afincado en Hong Kong, tiene como apellido Wong, y su nombre de pila es Kar-wai. En algunos lugares, como en IMDb, alteran este orden y lo ponen a la occidental, es decir, Kar-wai Wong. Si os entra alguna duda, si una de las dos partes del nombre es bisílaba, esa es el nombre propio.

Para enredarla más, los artistas cuyo origen está en la antigua colonia británica de Hong Kong suelen adoptar un nombre artístico que incluye un nombre inglés y su apellido chino, ocultando su nombre de pila china. Así, Maggie Cheung tiene como nombre real Cheung Man Yuk, apareciendo en ocasiones como Maggie Cheung Man Yuk. El apellido siempre será Cheung, o algo similar según el sistema de transcripción a los alfabetos occidentales y según se considere el nombre en mandarín, Zhāng, o en cantonés, Jeung, que es el idioma propio de la antigua colonia. De forma similar, Tony Leung puede ser encontrado en algunos títulos de crédito como Tony Leung Chiu-Wai, ya que existe otro actor chino con el nombre de Tony Leung. El nombre real del actor es, como podréis deducir, Leung Chiu-Wai, siendo Leung el apellido (Liáng Cháowĕi en mandarín).

Por terminar este repaso, el segundo director de fotografía de la película aparece en los créditos como Mark Lee Ping Bin. Dejo a quienes leáis esto que deduzcáis cual es el papel de cada una de las partes del nombre.

En la película hay objetos que tienen una importancia simbólica notable: corbatas, zapatos y zapatillas, relojes, vestidos,… Y también la comida, especialmente los wantán y los tallarines, incluso algún chuletón… No los patos laqueados de la foto de un restaurante londinense.

[Cine] El vuelo (2012)

Cine

El vuelo (Flight, 2012), 1 de febrero de 2013.

Esta película, con lo que tenía oído de ella, no me interesaba demasiado a priori. Sin embargo, una floja entrada de nuevas películas en cartelera este fin de semana, y el hecho de que tenga una candidatura para los premios Óscar, en concreto para su actor protagonista, Denzel Washington, nos hizo ir a verla. He de decir, que para poder apreciar adecuadamente la interpretación, he buscado la posibilidad de visualizarla también en casa en versión original. Y lo he hecho. Por otra parte, la película tiene un director de cierto prestigio, Robert Zemeckis, aunque hay no pocas de sus películas que a mí no me gustan nada.

Estamos ante la historia de un piloto de líneas aéreas comerciales que, gracias a su pericia y mediante maniobras poco usuales, consigue salvar a la inmensa mayoría de los pasajeros y tripulantes de un accidente fatal. Convertido en un héroe, pronto irá saliendo a la luz algo que el espectador conoce desde el principio. El piloto tiene problemas con el alcohol y las drogas. Lo cual afecta profundamente a su vida personal, y queda la duda siempre de si, a pesar de la gesta en el vuelo maldito, no está poniendo constantemente en peligro a mucha gente en su actividad profesional.

Esta película tiene dos partes. Una breve introducción inicial, de acción, en la que asistimos al malhadado vuelo y al accidente. Muy bien rodada, es espectacular sin caer en la inverosimilitud. Es de esas situaciones que te deja pegado a la butaca. Pero una vez sucedido el accidente, entramos en una segunda película, donde todo gira alrededor del problema de las adicciones del protagonista. No está mal, pero no aporta nada realmente nuevo a otras películas que han tratado el mismo tema y que la superan ampliamente en diversos aspectos.

La película está muy interpretada tanto por su protagonista, que acapara muchísimos minutos, como por los diversos secundarios que están todos en muy buen tono.

Una película que se deja ver, quizá excesivamente larga, ya que lo que tenía que contar de original lo cuenta muy pronto. Pero que tampoco quedará como una película memorable ni mucho menos. Lo mejor, la secuencia del vuelo y las interpretaciones.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

En lo que se refiere a mi opinión sobre los premios Óscar, Washington lo hace muy bien, pero no inquieta la posición de otros candidatos, más carismáticos, con mejores papeles. Aunque es uno de los protagonistas con más porcentaje de protagonismo a sus espaldas en su película.

Afortunadamente, son escasos los vuelos que se vienen abajo de los muchos que sobrevuelan nuestras ciudades.

[Cine] Bestias del sur salvaje (2012)

Cine

Bestias del sur salvaje (Beasts of the Southern Wild, 2012), 27 de enero de 2013.

No ha llegado esta película a la cartelera zaragoza en versión original, y eso nos jorobó, pero fuimos. Luego he solventado la negligencia de las distribuidoras y los exhibidores por esos medios que a ellos tan poco les gusta. Pero, así son las cosas… En cualquier caso, los comentarios sobre esta película venían siendo que es la sorpresa de cara a los próximos premios Óscar. Por su calidad, por su profundidad, y por sus interpretaciones a cargo de intérpretes desconocidos.

Dirigida por Benh Zeitlin nos cuenta la historia de una niña, Hushpuppy (Quvenzhané Wallis), que vive en una de las islas del delta del Misisipi al sur de Luisiana, amenazados por la erosión, por las mareas, por el aumento del nivel del mar debido al cambio climático, y por las diques que protegen las zonas industriales, y que impiden que drenen las aguas de la región. Vive con su padre, Wink (Dwight Henry), colérico y enfermo, aunque quiere a su hija. Conoceremos como sobreviven con una pequeña comunidad de habitantes de la isla a una gran tormenta y como, ante el agravamiento del padre, Hushpuppy va a la búsqueda de la madre, que puede o no ser una camarera de un prostíbulo flotante no lejano. Durante la película, los míticos uros ya extinto aparecen en las fantasías de la niña como una amenaza procedente de los deshielos árticos.

Músicos callejeros cantan (mal) canciones de Amaral en la pza. José Sinués

Acompaño la entrada con algunas fotos tomadas en la fiesta de San Valero de Zaragoza, como este grupo que con gran dedicación destrozaba las canciones de Amaral en la plaza de José Sinués, detrás del Teatro Principal.

Película realizada con medios muy básicos, rodada modestamente en película de 16 mm, y que sin embargo goza de una espléndida fotografía y realización. Todo ello acompañado de una historia conmovedora, con unos paisajes que te trasladan a lo más profundo del profundo sur, en los bayous del Misisipi, y que nos lanza un mensaje fundamentalmente ecológico, y defensor de formas alternativas de vida que son a la vez símbolo de libertad pero también de la pobre marginalidad de nuestra aparentemente opulenta sociedad. Todo ello rodado en un ambiente que mezcla realidad y un cierto grado de fantasía, la de la niña protagonista.

Pero el gran hallazgo del filme son el reparto de desconocidos, que con gran naturalidad encarna a los habitantes de la isla. Se ha hecho especial incidencia en la niña protagonista que ocupa la mayor parte del minutaje del filme, pero todos y cada uno de los intérpretes, incluido especialmente el padre, cumplen sobradamente con lo que se espera de ellos.

Los niños disfrutan con el Tragachicos en la plz. del Pilar

Está de moda el Tragachicos en todas las fiestas populares. Ayer, situado en lugar preferente ante el Ayuntamiento de la ciudad.

Estamos por lo tanto ante una película distinta. Una de esas joyas del cine independiente que se asoman ocasionalmente a la cartelera e incluso a los brillantes focos de los fastos de Hollywood, supongo que sin esperanza alguna. Aunque ya es suficiente indicativo de su notable calidad el hecho de que estén ahí presentes. Desde luego yo la recomiendo totalmente. La lástima es que no se proyecte en pantalla grande en versión original. Cosa que uno puede resolver en su casa con un poco de habilidad.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: *****
Valoración subjetiva: ****

Por una desierta calle del Temple transita un ciclista

Gran animación en la plaza del Pilar, calles vacías en el resto del casco viejo.

En lo que se refiere a mis preferencias sobre los candidatos a los premios Óscar, pues me lo he estado pensando y he cambiado algunas opciones que tenía planteadas hasta ahora.

Como película sigo manteniendo como preferida Life of Pi, aunque me cuesta mucho no pensar en Amour como mejor película. Es curioso que Argo, que está recibiendo muchos premios, no consigue convencerme para que la sitúe entre los primeros puestos de mis preferencias.

La niña de la película de hoy lo hace de maravilla, pero me resulta muy difícil situar su interpretación entre las realizadas por las actrices adultas protagonistas. No la situaré de las primeras, pero he decidido que tampoco la voy a dejar la última de mis preferencias. Y decididamente, creo que la mejor es Riva.

Entre los hombres protagonistas, es más difícil escoger, pero sigo decantándome por el Valjean de Hugh Jackman. Aunque todavía no la he reseñado aquí, podréis comprobar que ya he situado en su lugar a las candidaturas de Flight que ya he visto,… vamos a decir que en un visionado previo. Y el trabajo de Denzel Washington ya advierto que no me ha disgustado.

De todas las películas que tienen candidaturas en las categorías que he seleccionado para su seguimiento, sólo me queda comprobar la dirección de fotografía de Anna Karenina. Difícil de hacer antes de los premios, porque no se estrena en España hasta marzo. Y no se si es justo valorarla haciendo trampa, viéndola en vídeo…

Ya dejan hacer fotografías (sin flash) en el museo Pablo Gargallo

Y museos gratis todo el día, y por lo tanto más animados que de costumbre. En el Pablo Gargallo dejan hacer fotos sin flash. Me parece bien, leñe. Que la cultura es de todos. Lo único es que hay que evitar molestar a los demás o dañar lo expuesto al evolucionar con la cámara. Mucho cuidado.

[Cine] Silver Linings Playbook (2012)

Cine

Silver Linings Playbook (2012), 25 de enero de 203.

Esta película fue vista en versión original subtitulada en español y por ello conservo su título original en inglés. Es posible encontrarla en la cartelera española con un título castellano, El lado bueno de las cosas, que no es traducción literal en inglés, lo cual sería difícil manteniendo el significado del título. Así que han hecho lo que han podido. Que comparado con los desastres de otras películas no es poco.

Tenía muchas expectativas por ver este filme dirigido por David O. Russell. Que hasta ahora no era uno de mis directores favoritos. Pero hay tenemos entre los protagonistas a Jennifer Lawrence, a la que gustosamente le hubiera dado el óscar hace un par de años, y a otros ilustres de la cosa de la interpretación. Y encima, osa competir a los premios óscar siendo una comedia, cuando lo normal, aunque excepciones no faltan, es que estos premios tengan preferencia por los dramas. Veremos que me ha parecido.

Pat (Bradley Cooper) ha estado ingresado ocho meses en una institución psiquiátrica por agredir al amante de su mujer. Si no fue a la cárcel fue por que se le diagnosticó un trastorno bipolar. Y ahora su madre, Dolores (Jacki Weaver), se compromete ante la administración de justicia a velar en su domicilio por su tratamiento y rehabilitación. Domicilio en el que también encontramos al padre, Pat Senior (Robert De Niro), que pone en riesgo constantemente la economía familiar con sus apuestas. Pat está obsesionado con recuperar a su exmujer, pero tiene una orden de alejamiento. Y la adaptación a la sociedad está siendo difícil. En una cena, conocerá a la hermana de la mujer de uno de sus amigos, Tiffany (Jennifer Lawrence), una joven viuda de un policía, que tras la muerte en accidente de este cayó en una adicción al sexo de la que también está en recuperación. Ambos llegan a un trato, Pat será pareja de baile de Tiffany en un concurso y, a cambio, esta servirá de correo burlando la orden de alejamiento en sus comunicaciones con la ex. Pero las cosas se van a complicar en semejante cuadro de personas con la salud mental tocada.

Al final de la proyección acepté la calificación de «comedia» de este largometraje. Pero no sin reticencia en diversos momentos del filme. Porque en las vidas de los personajes de esta historia hay mucho drama. Hay mucho daño personal. Incluso tragedia, o tendencia a la tragedia. Partimos de situaciones relativamente difíciles. Y es una opción el enfocarlas por el lado del humor. Un humor que en ningún caso va a ser de risa. Ya que no podemos dejar de lado los dramas personales que viven los protagonistas, que en ningún caso, a un espectador con un mínimo de posibilidad le van a inducir una carcajada. Con estas premisas, la película se desarrolla con fluidez. El espectador, conforme pasan los minutos, va empatizando con todos los caracteres, asume sus virtudes y sus defectos, y empieza a sufrir alegrías y tristezas con ellos. Quizá el principal defecto del desarrollo de la historia sea su excesiva previsibilidad en el tramo final, en el que supones con facilidad por donde van a ir los tiros.

Y luego está, en efecto, la gran virtud del filme que es la interpretación. Aunque hay dos protagonistas principales, Pat y Tiffany, especialmente el primero, la película tiene un cierto grado de coralidad. Y las interacciones con el resto de los personajes, especialmente con el padre y la madre, DeNiro y Weaver, pero también otros, son fundamentales para el desarrollo de la historia, incluso claves para desencadenar las reacciones de los protagonistas. De todos ellos, quien más alabanzas y más opciones de premios tiene es la joven Jennifer Lawrence, que da muestras de una gran versatilidad en sus capacidades interpretativas. Esta chica siempre me ha gustado, pero hasta ahora solo la había visto fina en papeles fundamentalmente dramáticos. Aquí la vemos loca, la vemos seria, la vemos trágica, y la vemos bailar. No es cómica, pero no carece de capacidad para la comedia. Weaver y sobretodo DeNiro son los otros grandes del filme, que roban cualquier escena en la que se encuentren.

Película muy recomendable, que te hará salir de la sala de cine con una sonrisa y con buen humor, sin por ello haber caída en la simpleza o en la superficialidad de la que hacen gala la mayor parte de las comedias hoy en día. No la veo yo ganando un óscar al mejor filme, pero fíate tú de la capacidad de sus productores, que llevaron al premio a algo como Shakespeare in Love que, siendo maja, era inferior a la de hoy y se impuso a uno de los peliculones de Spielberg.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: *****
Valoración subjetiva: ****

En lo que se refiere a mis preferencias en la carrera a los Óscar, he colocado a sus candidatos en su posición, que en ningún momento es ganadora. Aunque como no creo que osen darle el óscar a Emmanuelle Riva, y habiendo colocado a Lawrence en segunda posición, declaro que si no se lo va a dar a la francesa, que se lo den a esta joven, guapa y cada vez más versátil actriz. Por otra parte, he tenido muchas dudas sobre si preferir a DeNiro por encima de Tommy Lee Jones o no. De momento me decanto por este último. Aunque estoy pensando en cambios globales en las clasificaciones ahora que voy teniendo una visión amplia de la oferta. Sólo me quedan por ver tres de las películas con candidaturas a los premios, y pienso verlas antes del día de la ceremonia de entrega de los mismos. De hecho, una ya está vista. Ya la comentaré en su momento. Otra está al caer… Y la tercera, tendré que hacer trampa porque no la estrenan hasta marzo.

Por leer. Al protagonista masculino de la película le da por leer. Los libros que le recomendaba su ex. Aunque se enfada con el final de alguno. En cualquier caso, no son los libros de derecho de esta antigua biblioteca en el Palacio de Larrinaga de Zaragoza.

[Cine] Tabu (2012), y el «resurgir» del blanco y negro y los formatos clásicos en el cine actual

Cine

Tabu (2012), 23 de enero de 2012.

No. No es una falta de ortografía. Sé que la palabra «tabú» lleva acento en castellano. Pero no en portugués. Y la película ha sido vista en versión original, por lo que respeto el título original en la lengua lusa. No es frecuente encontrar en cartelera filmes del país vecino, que sin embargo siempre ha tenido una filmografía de cierto interés, con nombres de reconocido prestigio. Y aquí nos encontramos con una película de Miguel Gomes que parece que se apunta a las modas recientes de rodar en blanco y negro, y volviendo al antiguo estándar académico en lo que se refiere al formato del fotograma. Pero vamos a ver un poco de que va esta película.

Consta de dos historias relacionadas entre sí y un prólogo. En el prólogo se nos habla de un explorador portugués en África, cuya motivación por la exploración parece más relacionada con su duelo por la pérdida de la esposa que por su afán de conocer. Después tendremos las dos historias principales de la película.

En la primera, situada en la Lisboa moderna, seguimos a Pilar (Teresa Madruga), una mujer madura, algo solitaria, que se ve envuelta en la historia de su anciana vecina, Aurora (Laura Soveral), una jugadora compulsiva y que parece estar empezando a perder su integridad mental, cuya hija vive lejos, y a la que atiende un criada, Santa (Isabel Cardoso). En la resolución de los problemas de Aurora, llegamos a conocer a Ventura (Henrique Espírito Santo), alguien a quien conoció en su juventud en las colonias africanas.

En la segunda, conocemos la historia de amor en la joven Aurora (Ana Moreira), casada y embarazada, que vive una historia de apasionado amor con el joven Gian Luca Ventura (Carloto Cotta), en las colonias africanas portuguesas, al pie de un ficticio Monte Tabú. Nombre que indica el conflicto moral de la pareja.

Los tres segmentos están rodados en blanco y negro. De los dos principales, el de la moderna Lisboa lo está con negativo de 35 mm, y está dialogada normalmente. La de la época colonial, está rodada en 16 mm, contribuyendo con su mayor grano y menor definición a dotar de atemporalidad y de ensoñación a la acción, y es narrada por el viejo Ventura, mantiene efectos sonoros, pero carece por completo de diálogos. Realmente, nos encontramos ante una película muy especial en su planteamiento, que nos retrotrae a lo que se conoció como cine de arte y ensayo. Una película con experimentación, que obliga al espectador a una actitud muy activa si quiere mantenerse conectado a lo que se nos está contando. Porque hay una historia detrás. Una historia pequeña en contenidos y sucesos, pero grande en sentimientos y emociones.

En los últimos años hemos visto como la filmación en blanco y negro ha vuelto con relativa fuerza en producciones de prestigio. La cinta blanca, The Artist, la versión española cañí de Blancanieves, la muy interesante y poco comentada El artista y la modelo, o el Frankenweenie de Burton. Pero salvo la primera de ellas, las demás han supuesto más homenajes a las formas de rodar y fotografiar de otro tiempo, que un uso actual del medio. En el caso que nos ocupa hoy, el uso del blanco y negro, y del formato más cuadradote, como las antiguas televisiones, también común a dos de las anteriores, o a la interesante pero desapercibida nueva versión de Wuthering Heights (Cumbres borrascosas), tiene un interés claramente expresivo, al servicio de la cualidad narrativa del filme.

A todo lo anterior hemos de sumar las excelentes interpretaciones del elenco, especialmente interesantes en el segmento carente de diálogos, donde las actitudes y las miradas han de bastar, acompañadas eventualmente por la voz del narrador, para transmitir el torrente emotivo que es la base de ese segmento.

No voy a recomendar este filme con carácter general. Para la mayoría de la población, que busca en el cine un mero entretenimiento más que otra cosa, puede ser difícil de digerir. Pero desde luego estoy de acuerdo con aquellos que han afirmado que es una de las apuestas más originales e interesantes del cine actual, mucho más que muchas de las que en estas semanas voy comentando en premio maratón por los premios óscar. A cuya valoración personal no afecta, por no ser candidata en ninguna categoría. Pero podría estar perfectamente si los académicos mirasen el cine con otros ojos.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

Lisboa, la praça do Comércio, en blanco y negro, de acuerdo al filme que hoy nos interesa.

Lisboa, la praça do Comércio, en 1990, en blanco y negro, de acuerdo al filme que hoy nos interesa.

[Cine] Lincoln (2012)

Cine

Lincoln (2012), 18 de enero de 2013.

Seguimos en plena temporada previa a los premios Óscar, y seguimos viendo películas candidatas a las preciadas estatuillas. Aunque claro, cuando Steven Spielberg estrena película, uno la va a ver independientemente de este hecho. O habitualmente. Siempre con la esperanza de comprobar que es uno de los grandes de la dirección cinematográfica actual, siempre con el miedo de que cometa una y otra vez los mismos fallos que hacen que yo me quede con frecuencia insatisfecho. Aunque algunos no los considerarán fallos sino virtudes… veremos.

Con semejante título, uno pensaría que estamos ante la biografía cinematográfica de uno de los presidentes más populares y más queridos de los EE.UU. Pero no. La acción se centra en las semanas que precedieron a la aprobación por la Cámara de Representantes de los Estados Unidos de la decimotercera enmienda a la constitución de este país, aquella en la que se declara fuera de la ley la esclavitud y cualquier forma de servidumbre involuntaria distinta de la que derive de un castigo judicial por una conducta criminal. Y en este filme, que debemos considerar una reconstrucción ficticia sobre hecho ciertos, vemos la determinación de Abraham Lincoln (Daniel Day-Lewis) por sacar adelante la enmienda, por encima de cualquier otra consideración, con la colaboración de su Secretario de Estado, William Seward (David Strathairn). Paralelamente, asistiremos a sus conflictos domésticos con su esposa, Mary Todd Lincoln (Sally Field), derivados de la muerte prematura de uno de sus hijos y del empeño de su hijo mayor, Robert (Joseph Gordon-Levitt), por alistarse en el ejército cuando la guerra civil no ha terminado todavía.

Bien. Vayamos por partes. La película está excelentemente filmada como no podría esperarse de otra forma, destacándose en el aspecto técnico la estupenda fotografía de Janusz Kaminski, director de fotografía de cabecera de Spielberg, y que ya ha demostrado sobradamente su valía. Todo perfecto en el aspecto técnico. Pero sin embargo la historia no me acaba de cuajar. Porque he encontrado algunos de los vicios que mencionaba del director. La película es morosa. A veces se pierde en detalles que desde mi punto de vista aportan poco a la historia. Y los diálogos resultan a veces pedantes, impostados, como si siempre tuvieran los personajes un cronista al lado para anotar lo que dicen y trasladarlo a los libros de historia. Lo cual es poco natural. Y como suele suceder con Spielberg, su mensaje ético o moral me parece dudoso. No me cabe duda de que el interés del director es el de elevar la figura de Lincoln, pero mostrando a su vez un lado humano. Sin embargo, por noble que fuera la iniciativa, difícilmente se puede llamar a sí mismo un régimen democracia si la esclavitud impera entre sus fronteras, los métodos que se proponen son cuanto menos cuestionables. En la historia doméstica, resulta notable la interacción entre los dos cónyuges de la Casa Blanca, pero me resulta más prescindible la historia del hijo que quiere ir a la guerra. Finalmente, como de costumbre en este director, la película no sabe terminar a tiempo. El final ideal es cuando un personaje secundario, pero que tal vez mereciera una película para sí solo, el del representante Thaddeus Stevens (Tommy Lee Jones), sale de la cámara. O poco más. A lo que es la esencia de la historia, el paseo a caballo por el campo de batalla de Petersburg, o la escena de la rendición de Lee en Appomattox, o el asesinato del presidente y su muerte final no son esenciales a lo principal de la historia, alargan innecesariamente la película, y simplemente tienen una finalidad hagiográfica que me sobra.

Desde luego, el reparto, lleno de nombres ilustres, es de primerísimo nivel. No sólo en los papeles protagonistas, sino en muchos de los secundarios. Disfrutamos con los sinvergüenzas Bilbo (James Spader) y Latham (John Hawkes). Comprobamos lo bien que le sienta ser Ulyses S. Grant (Jared Harris) a un «mad men» de aspecto pusilánime. Simplemente por hablar de algunos de ellos. Los que están realmente bien son Day-Lewis y Field como el matrimonio Lincoln, pero sobretodo, a quien disfrutas en cada una de sus apariciones, el que quisieras que fuese protagonista de la función es Tommy Lee Jones que borda el papel del radical antiesclavista en la cámara de representantes. Fenomenal. Realmente.

Dicho todo lo anterior, y a pesar de las críticas que he vertido, que no son muy distintas como se puede deducir de las que haría en otras películas del director, estamos ante una buena película que conviene ver. Sin duda.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

En lo que se refiere a mis valoraciones sobre quien merecen los premios Óscar, siendo Lincoln una película con muchas candidaturas, se sitúa en muchas de ellas. Pero yo sólo la pondría como ganadora en dos: Mejor actor de reparto y Mejor dirección de fotografía. Y me entran dudas en la categoría de Mejor actor protagonista. Aunque finalmente he decidido que prefiero al Jean Valjean encarnado por Hugh Jackman.

Si Lincoln es una de las figuras política en los EE.UU., en este rincón de Europa que es Aragón, es el antiguo Justicia del Reino quien representa las libertades y derechos de los ciudadanos, incluso frente a los poderosos monarcas. Aunque fuera al final un rey absoluto quien decapitara, literal y figuradamente, la institución.

[Cine] Lo imposible (2012)

Cine

Lo imposible (The Impossible, 2012), 16 de enero de 2012.

En estas semanas tenemos previsto ver más cine de lo habitual, por dar un repaso a las candidatas a los premios óscar que se van estrenando. Pero no me imaginaba yo que iba a acabar viendo esta película que lleva un montón de tiempo en cartelera, y que no me había interesado en absoluto. Sin embargo, me dejo convencer para acompañar a unas amistades a verla. Para convencerme me dicen que es candidata a algún óscar. Más me mueve la oportunidad de tomarme unas cervezas después y charrar un rato que este filme español, dirigido por Juan Antonio Bayona, con ambiciones internacionales.

La película nos cuenta la odisea de una familia normal y corriente, los Bennet (en la película parecen norteamericanos o de algún país anglosajón, pero está basada en lo que le sucedió a una familia española, los Álvarez-Belón), que pasan unas vacaciones en algún lugar de playa del Océano Índico, donde son sorprendidos por el tsunami que asoló aquella región el 26 de diciembre de 2004. Así, la malherida Maria (Naomi Watts) y su hijo mayor Lucas (Tom Holland) quedan separados del marido, Henry (Ewan McGregor) y los dos niños pequeños. Y ahí comienza una lucha por sobrevivir y volver a reunirse.

No perderé mucho tiempo en comentar. Los presagios que tenía sobre el filme se confirman. Es una película efectista más que efectiva, con un guion que no está muy bien encadenado, y que se limita a presentar momentos que buscan conmover al espectador, ligados por ratos en los que realmente no pasa gran cosa. Esto se cuenta en un mediometraje de 45 minutos. Eso sí, es producción española sacando pecho en cuanto a gastos de producción.

Las interpretaciones, desde mi punto de vista son de aliño. Ambos protagonistas son intérpretes solventes que cumplen con lo establecido. Considero excesiva la nominación de Watts al óscar a mejor actriz protagonista. Su trabajo es correcto pero no extraordinario y, por otra parte, casi diría que su papel es secundario respecto al del chaval que hace de hijo mayor, Tom Holland, y que me parece el personaje más interesante del filme. Dicen los créditos que por ahí pasa Marta Etura, a la que no he reconocido mientras veía la película, y Geraldine Chaplin, que sí he reconocido, pero que no hace más que poco más que un cameo.

Película que he visto más por estar con la gente que por el interés que me despertaba, que no es que sea una catástrofe ni nada de eso, pero que no me parece que merezca la atención que ha recibido ni de los medios ni del público. Pero las cosas son así. Qué se le va a hacer.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

Hay modificaciones en mis valoraciones de Hacia los premios Óscar 2013, que afectan a la categoría de Actriz protagonista, situando a Watts provisionalmente la tercera de mis preferencias, aunque dudo que sostenga la posición.

Parece que las playas del mar del Norte, como la de Margate en Inglaterra, son menos idílicas, más borrascosas, pero dan menos disgustos que las de Tailandia.

[CineFoto] Un desequilibrado veterano de guerra y un paparazzi moderno

Cine, Fotografía

Hoy simplemente os comento que he añadido dos películas nuevas a mi colección de películas relacionadas con la fotografía.

Por un lado, nuevamente una recomendación de CSC Magazine. Y a priori interesante. Director “indie“, Tom DiCillo y protagonizada por Steve Buscemi. Este último haciendo de paparazzi. Se trata de Delirious.

Por otro lado, traigo una película que es un estreno reciente. Y, aunque no tiene una relación muy grande con la fotografía, hay un par de situaciones en el filme que me hacen traerla aquí. Aunque sea una de esas películas que traigo a la colección de la fotografía en el cine más por los pelos. En cualquier caso, mi reseña en profundidad sobre el filme la podéis leer en mi Cuaderno de ruta. Aquí copiaré algunos párrafos de aquella reseña, y comentaré su relación con la fotografía. No es otra que The Master.

Extraño hombre-cámara en el Tubo de Zaragoza.