[Fotos] Por el Canal Imperial a La Cartuja

Fotografía, Fotografía personal

Hace un par de semanas lo vi en un autobús. Y hace pocos días, un miembro muy activa del grupo Fotograf@s en Zaragoza en Flickr, Nati Almao, lo comunicó a todo el grupo. El ayuntamiento de Zaragoza ha publicado una guía con 15 recorridos periurbanos en la ciudad. Para quien se quiera dar un amplio paseo sin pisar demasiado asfalto.

El caso es que ayer por la tarde había intenciones de quedar a tomar unos chismes y quizá ver una película. Pero no pudo ser. El plan se arruinó. Con suerte, lo de la película queda para esta tarde. Así que me encontré en casa, sin muchas ganas de atocinarme en el sofá ante la tele, o haciendo cualquier otra actividad que justamente en ese momento no me apetecían. Así que repasé las rutas, y decidí que había una de ellas que prácticamente sale de al lado de casa, y que yo ya he recorrido en varias ocasiones en parte. Es la ruta 5, Canal – La Cartuja, que yo en varias ocasiones en caminado hasta las esclusas de Valdegurriana. Así que decidí que era el momento de hacerlo al completo. Cogí una cámara de fotos con un par de objetivos, y salí a las siete y cuarto de la tarde. Os lo cuento con fotos.

La primera parte del recorrido me la sé de memoria, y apenas encuentro motivos fotográficos novedosos, como en la pasarela del barrio de la Paz.

Encima, en esta época del año, con los calores, en cualquier momento, por ejemplo sobre el Tercer Cinturón, te puedes encontrar con un ejemplar de pecholobo aragonés,… que siempre me dan mucho miedo.

Para cuando llego a las esclusas de Valdegurriana, aproximadamente la mitad de camino desde mi camino, algo menos según la ruta del ayuntamiento, el sol ha ido bajando, y aunque todavía intenso, es apto para iluminar los bloques de piedra con las marcas de los canteros.

Siempre he sabido que la única forma de fotografiar las esclusas de Valdegurriana con una luz suave es madrugar. Lo cual no acaba de pasarme. Así que por las tardes se encuentran sumidas en un potente contraluz, que pone a prueba las cualidades de los objetivos para evitar las luces parásitas.

Canal tras las esclusas de Valdegurriana

A partir de ahí, el canal queda reducido al tamaño de una acequia normalita. Y además el paisaje se vuelve más desolado. Pero aún surgen oportunidades para pararse a pelearse con la luz, como en este desnivel cerca de las antiguas esclusas de Valmadrid.

Ya próximo a La Cartuja, voy paralelo a la vía del AVE, y en un momento dado pasa a gran velocidad uno de estos trenes formado por dos ramas unidas, en sentido Madrid – Barcelona.

¿Y que pinta un barco varado en La Cartuja?

Llegando a La Cartuja me sorprende la visión de un barco varado entre unos pinos. ¿Cómo habrá ido a parar a ir?

Tras dos horas caminando desde mi casa, llego a La Cartuja, donde sólo me queda esperar a que venga el autobús de la línea 25, que malhadadamente se me escapa cuando estaba llegando. Veinte minutos de espera.

[Fotografía] Recomendaciones semanales; encontrado en la web

Fotografía

Después de dos semanas de ausencia, vuelve al Cuaderno de ruta esta sección dominical sobre fotógrafos que me han llamado la atención de los que aparecen por internet aquí y allá.

Cine

Si empezaba la semana recomendando vivamente Moonrise Kingdom, la última película de Wes Anderson, no puedo dejar de recomendar las fotografías del rodaje del filme realizadas por Niko Tavernise, fotógrafo fijo de la película, que recomendaban en el blog de Flickr, y de las cuales algunas se pueden encontrar en su cuenta en esta servicio para compartir fotografías. En sus fotografías sabe conservar el estilo con el que está filmada la película.

Niños y adolescentes

En Lenscratch nos hablaban de las fotografías de Cynthia Henebry dedicadas a los niños. Una infancia no tan idealizada como la que solemos encontrar habitualmente en los clichés fotográficos y en los mentales.

Por otro lado, en el blog dedicado al autobombo leicaista, The Leica Camera Blog, aparecía una entrada dedicada a Claudine Doury, explorando la adolescencia desde la fotografía. Nuevamente con imágenes más destinadas a exponer las inseguridades de la edad que las adolescentes de todo el mundo padecen.

Hoy traigo una pequeña serie de paisajes de los Pirineos navarros, muy minimalistas, desde los alrededores de la cueva de Zugarramurdi.

Desde Brasil

En Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red nos recomendaban hace unos días la obra del brasileño Miguel Rio Branco. Fotografía documental, con colores intensos, saturados, contrastados, para unas imágenes muy directas con pocas concesiones. Interesante.

Desde Berlín

Está de moda en estos tiempos que corren, en que cada donjosé tiene una cámara de fotos siempre encima, fotografiar lo cotidiano, lo que encontramos en nuestro entorno inmediato. Lo banal. El problemas es que si no tenemos cuidado sólo conseguimos más banalidad, fotografías que no dicen absolutamente nada. Quizá por ello, cuando en Time Lightbox nos presenta un vídeo sobre el trabajo que desarrolla la alemana Jessica Backhaus, podemos entender que es posible desarrollar una estética propia e interesante a partir de lo cotidiano. El vídeo es de Foam y relacionado con su último número, Wonder. Hace un tiempo llegaba esta revista a Zaragoza, pero últimamente,…

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Desde Japón

Desde hace un tiempo entiendo que los fotógrafos orientales tienen una estética y una visión diferenciada, aunque muy variada, con respecto a sus colegas occidentales. Y lo cierto es que me suelen gustar. En esta semana, Rafael Roa nos ha presentado a dos que puede merecer la pena conocer. Por un lado, las sensuales fotografías de modelos desnudas bajo el agua de Tomohide Ikeya. Por otro lado, los desasosegantes retratos de Hirosi Watanabe. Merecen la pena el desvío.

Un clásico

Rafael Roa nos habla de Stephen Shore, de quien hace poco vi algunas imágenes expuestas en PhotoEspaña, en la exposición dedicada a The Factory de Warhol, y cuyo catálogo compré. Se ha dicho que es el fotógrafo que continuó el trabajo de Walker Evans pero en color. Yo tengo además un libro suyo, The Nature of Photographs, en el que sobre la obra de otros fotógrafos además de la suya, nos enseña como mirar una fotografía. Aunque yo tengo la versión en inglés, sé que posteriormente se editó en español por la misma editoria, Phaidon, con el título Lección de fotografía: La naturaleza de las fotografías. No tiene sitio propio en internet, pero 303 Gallery le dedica espacio en el suyo.

Cueva de Zugarramurdi y alrededores (4024)

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[Fotos] Paseando por la playa un día de nublado

Fotografía personal

No fueron pocos los que se lamentaban el sábado pasado en San Juan de Luz de que las nubes hubieran cubierto la bonita playa de la coqueta localidad vascofrancesa. Sin embargo, a la hora en que nos dimos el paseo por la misma, un día despejado hubiera significado una playa con demasiada gente y una luz muy dura. Quizá las condiciones climáticas fueran una bendición fotográfica. En cualquier caso, opté por un acercamiento al blanco y negro para conservar un testimonio gráfico del paseo.

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[Libros de arte y fotografía] Graciela Iturbide, la Factory de Warhol y Hopper

Arte, Fotografía

Como colofón a las entradas dedicadas a mi viaje del pasado viernes a Madrid, hoy os voy a hablar de libros. Esta es una manía que tengo cuando viajo a Madrid o Barcelona. Incluso a alguna otra ciudad europea. Visito ciertas librerías que me gustan especialmente, de las que hacen que me dé mucha envidia no vivir en esas ciudades, y me traigo algún libro. Esta es una actividad de riesgo. Merma tanto tu cuenta corriente, como el espacio siempre escaso en las estanterías de casa. En las dos ciudades españolas mencionadas hay librerías cuya especialización está en la fotografía. Kowasa en Barcelona, La Fábrica en Madrid. Son dos tiendas muy distintas, de aspecto y orientación muy diferente. Pero no me atrevería a elegir una sobre otra.

El libro de Graciela Iturbide me ha hecho pensar en blanco y negro, y os traigo algunas fotografías tomadas el domingo pasado, con la Canon EOS 5D Mk II y el EF 50/1,4 USM. Cerca de casa. En el entorno del camino de Miraflores.

En años anteriores, cuando he visitado PhotoEspaña, he organizado la visita de modo que la última exposición visitada coincidiera con alguna de aquellas que incluyen la librería oficial del festival. Bien en el Teatro Fernán Gómez, bien en el Jardín Botánico. Estas librerías son gestionadas La Fábrica, como muchos aspectos del festival. Esta empresa no sólo es editorial y librería, sino que en su conjunto es una actividad de gestión de actividades y bienes culturales. Y en esa librería, y según lo visto, escoger algún recuerdo del festival de ese año. Este año incluía también la visita a MadridFoto que en años anteriores también tenía puestos de las librerías antes mencionadas y alguna otra, o alguna editorial especializada. Este año no ha sido así. El caso es que en fechas recientes recibí un correo electrónico de La Fábrica en la que se me anunciaba la reforma de su tienda física, también tiene tienda en internet, y como iba bien de tiempo, me pasé a visitarles. Y piqué como no podía ser de otra forma.

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The Factory

Fotografías de Andy Warhol y otros fotógrafos de The Factory;
texto introductorio de Catherine Zuromskis
Editorial La Fábrica – PhotoEspaña; Madrid, 2012
ISBN: 9788415303725

Este libro es el catálogo de la exposición que se está celebrando en la sala de exposiciones del Teatro Fernán Gómez. Cuando escojo los libros que en ocasiones como esta me voy a llevar, lo hago bajo criterios muy subjetivos. Seguro que había otros catálogos que mostraban obras fotográficamente más interesantes. Pero tengo debilidad por la historia. La historia en general, o la historia de lo que sea. Y este libro, básicamente fotografías, nos presenta un fragmento de la historia de la cultura de la última mitad del siglo XX, que me parece muy interesante. Apasionante. Y ese es el motivo fundamental por el que lo elegi. Y no me arrepiento en absoluto. Lo estuve hojeando ya en el tren de vuelta, y todos los días desde entonces he encontrado un rato para dedicarle.

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No hay nadie/There is no one

Graciela Iturbide (fotografías)
Editorial La Fábrica; Madrid, 2011
ISBN: 9788415303176

La editorial La Fábrica tiene diversas colecciones de libros, en los que presentan la obra fotográfica de formas diversas. Unas con más intensidad, de forma total, otras de formas más parciales,… hay para todos los gustos. El año pasado comenzaron a publicar libros de la colección Álbum, en la que reúnen trabajos concretos y escogidos de autores de reconocimiento internacional. En este caso de la mejicana Graciela Iturbide, cuya obra me había llamado en otras ocasiones la atención, pero de quien no tenía ningún libro. Cuando lo hojee someramente en la tienda, decidí comprarlo. Fotografías en blanco y negro, en formato cuadrado, en la que se nos muestran entornos humanos, pero sin la presencia explícita del ser humano. Gran maestría en el manejo de la tonalidad, las formas, la materia y sus texturas y la composición. Y por supuesto, en los conceptos que transmiten estas imágenes carentes de personas, pero en las que sentimos constantemente su presencia. Una buena compra, por un precio razonable. Van a publicar dos libros al año de esta colección.

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Edward Hopper – Pinturas y dibujos de los cuadernos personales

Edward Hopper (pinturas y dibujos); Deborah Lyons y Brian O’Doherty (ensayos)
Editorial La Fábrica – Museo Thyssen-Bornemisza; Madrid, 2012
ISBN: 9788415303794

Nada de fotografía en esta ocasión. Cuando vi este libro en una mesa de novedades, imaginé que se trataba del catálogo de la exposición que sobre el pintor Edward Hopper se habrá abierto al público hoy mismo en el Museo Thyssen-Bornemisza. Pero parece que no es así. Que la exposición tendrá su propio catálogo. En cualquier caso, hay que considerar que Hopper es uno de los pintores que más me gustan, si no mi favorito. Esto es difícil de decir, depende de otros factores y del momento. Ya tengo algún otro libro sobre el pintor. Y tengo otro titulado Edward Hopper & Company sumamente interesante en el que se analiza la influencia del pintor en los fotógrafos americanos del siglo XX, con abundancia de imágenes y fotografías. El libro que aquí nos ocupa nos presenta algunas de las obras del pintor, entre ellas algunas muy conocidas, junto con los dibujos y bocetos que el artista realizó en sus cuadernos como preparación para las mismas. Siempre me han atraído mucho los libros de arte que más allá de presentar la obra de los artistas, nos hablan de los elementos del proceso creativo. Tan interesante en muchas ocasiones como el resultado final.

Y bueno… ya vale. Habrá que contener gastos durante el resto del mes. Pero creo que merece la pena la compra realizada.

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[Fotografía] En PhotoEspaña 2012

Fotografía

PhotoEspaña (PHE) es un festival de fotografía que se celebra todos los años en Madrid entre los meses de junio y julio. Aunque algunas de las exposiciones pueden haber comenzado antes, y otras prolongarse hasta un par de meses después. Lo primero que me he cuestionado siempre es,… con el calorazo que hace en la capital en verano,… ¿qué clase de masoquistas piensa la organización que somos los aficionados a la fotografía para escoger estas fechas?

Claro que probablemente el mejor planteamiento para afrontar el festival no es ser un tipo de Zaragoza que se escapa un día, dos si tiene suerte, a ver cuantas más exposiciones mejor. Lo suyo es ser o vivir en la capital. Ir viendo exposiciones a lo largo de todo el período que dura el festival. Incluso te da tiempo a cogerte el cercanías y lo que sea e irte a ver a Chema Madoz en Alcobendas, a más de 15 kilómetros del centro de Madrid. Cosa que si estás en mi situación es poco práctica.

El arte, en primer plano, y el capital, en segundo,… dos elementos que sienten entre sí una relación de amor/odio. Este año el festival ha dispuesto de menos capital, pero creo que han salido bien parados. A mí, lo que he visto, me ha resultado en su conjunto más interesante que otros años.

Así que nada. Uno se apaña como puede, y aprovecha que en la T formada por Recoletos-Prado y Alcalá tienes un porcentaje elevado de contenidos de la sección oficial. Y que luego, para el tiempo que te pueda quedar, pues todo es cuestión de priorizar. Este año he repetido este esquema, empezando por las exposiciones en el Teatro Fernán Gómez, en Colón, donde me deja el tren de cercanías tras llegar en AVE a Puerta de Atocha, que son las únicas que están abiertas a las 10 de la mañana, para ir avanzando a partir de ahí. Aunque ya advierto que para organizarse, conviene visitar la web del festival y descargarse los folletos de las exposiciones (no lo hagáis en la página que reúne todos los enlaces, ya que hay errores; optad por descargarlos a través de los enlaces de la ficha de cada exposición). Ausentes en formato físico en las mismas. No sé si es una medida de ahorro, o que al ser los primeros días del festival no habían llegado a tiempo.

El festival suele tener un tema, que aquí no he encontrado claramente explicitado en ningún lugar. Pero en general podemos decir que este año se dedica a reflexionar sobre lo que somos, en el momento y en el mundo actual, y como hemos llegado hasta aquí. Y ahora sí, las exposiciones que he visitado.

Teatro Fernán Gomez

Asia Serendipity – Exposición colectiva. Un repaso a la obra de fotógrafos contemporáneos del continente asiático, desde oriente medio hasta japón. Muy diversa. En general me ha gustado, aunque como es propio en toda colectiva no todo me ha interesado.

De la Factory al mundo. Fotografía y la comunidad de Warhol – Exposición colectiva. A las gentes que convivían en la Factory de Warhol les gustaba tirar de cámara de fotos y documentar lo que pasaba alrededor. A partir de ahí, tenemos una crónica de quienes fueron y qué hicieron. Aunque tiene más interés documental que artístico, a mí me ha parecido muy interesante.

Reproducción del ambiente de la Silver Factory de Warhol en las salas de exposiciones del Teatro Fernán Gómez.

Casa de América

La tierra más hermosa. Cuba – Exposición colectiva. Algunos muy destacados fotógrafos españoles dan su visión de Cuba, con miradas que van desde los meramente estético, hasta lo comprometido políticamente. Nuevamente diversa en interés por la diversidad de los autores, pero simpática.

¿No encontráis una contradicción esencial entre algunos eslóganes de la dictadura castrista?

Suele pasar con todas las dictaduras.

Instituto Cervantes

Esquizofrenia tropical – Exposición colectiva. Tradicionalmente, en el Cervantes se acoge la obra de fotógrafos emergentes de la América latina, con una fuerte orientación hacia la fotografía documental y el reportaje social. El tema es que todos los años te da la sensación de estar viendo las mismas fotos, o los mismos temas. Pero bueno, siempre encuentras algo interesante.

Hay formas de exponer las obras, como esta en el Instituto Cervantes, que son un auténtico coñazo. De verdad. Yo paso. Advierto a los autores y comisarios de exposición.

Círculo de Bellas Artes

Mar de afuera – Manuel Vilariño. No me queda claro que esta exposición pegue del todo con el conjunto del festival. Pero me han gustado mucho los paisajes de Vilariño, tan sencillos en su composición, que no simples, con la importancia que le da a las texturas y las materias. Menos me han interesado sus bichos.

Aquí estamos – Richard Avedon, Richard Billingham, Paz Errázuriz, Lilla Szász. Mezcolanza de de retratos o documentos sobre personas entre cuatro fotógrafos muy distintos, pero que se supone que nos pueden dar una visión de lo que es el ser humano. Como algunos otros más entendidos que yo, a pesar de que parece que estamos mezclando peras con melocotones, el caso es que la cosa funciona, y la exposición se ve con mucho interés. Las fotografías más llamativas, el famoseo de Avedon, que desde luego era un retratista excepcional. Lo más interesante para mí, la mirada de Lilla Százs, una fotógrafa húngara joven que tiene una mirada muy irónica pero sin mala leche hacia la gente que le rodea.

Caballeros de Bacongo – Daniele Tamagni. Tamagni, que se encontraba presente en la sala y dispuesto a responder cuestiones, nos presenta unas bellas y paradójicas imágenes de los sapeurs, miembros de la SAPE (Societé des Ambianceurs et des Personnes Elégants) en Brazzaville, capital de la República del Congo. Contrasta la vistosidad de los trajes de estos dandis africanos con las condiciones de miseria que les rodea. Pero todo ello visto con empatía y sin regodeo en los aspectos sórdidos. Como le dije a Tamagni, no necesité explicaciones. Las fotografías hablaban por sí mismas.

Exposiciones en el cículo de bellas artes

La sala Minerva del Círculo de Bellas Artes siempre acoge alguna exposición teóricamente menor, pero que suele ser muy interesante. Como la de los «sapeurs» de Tamagni.

Comunidad de Madrid – Alcalá 31

Ansiedad de la imagen – Exposición colectiva. Una exposición ambiciosa, pero al mismo tiempo compleja. Un conjunto de fotógrafos y artistas de la imagen visual de todo el mundo que en su conjunto proponen una reflexión sobre las complejidades y complicaciones de la globalización y sus efectos sobre las personas. Interés diverso en las imágenes que se han visto, desde cosas que me han gustado mucho hasta otras que me han dejado muy frío. Las obras de Matteo Basilé y algunos artistas asiáticos lo que más me ha impresionado.

Furtiva instantánea de un momento de la proyección de una obra de reproducción continua en película de Super 16, tomada a escondidas del fiero guarda de seguridad de Alcalá 31.

Museo ICO

La fotografía como intervención – Carlos Garaicoa. El cubano Garaicoa explora las miserias del medio urbano empezando por su Habana natal, pero extendiéndose por otras urbes del mundo. Obra variada en la que la fotografía puede ser el medio de partida pero sobre la cual interviene y añade elementos que modifican los significados de las imágenes que vemos. Nos cogió un poco fríos, a primera obra de la tarde, pero salimos con la sensación de haber visto algo interesante.

La fotografía no es la única forma que tiene Carlos Garaicoa de exponer sus conceptos.

Real Jardín Botánico

Espacio compartido – Exposición colectiva. Una diversidad de imágenes de una diversidad de autores contemporáneos sobre el mundo de los últimos 20 años. Había de todo, algunas cosas interesantes y otras menos. Me dejó un poco frío.

air_port_photo – Exposición colectiva. Aena nos trae una selección de piezas de su colección de arte fotográfico en una exposición que se aparta un poco de lo que es el tono del conjunto de lo visto, pero que es simpática de ver. Bueno, supongo que si patrocina y pone dinericos para la organización, tiene derecho como empresa a hacerse visible de esta forma.

Entre las fotos de AENA (Jardín Botánico)

La fotografía de Daniel Torrelló que contempla ese ciudadano no tenía título, pero es el interior y el reloj del Museo de Orsay en París. Muy característico.

Matadero Madrid

Nuestro trabajo nunca se acaba – Exposición colectiva. Exposición muy conceptual que busca reflexionar sobre el medio y la forma de desarrollar su trabajo los artistas. Para mis gustos y conocimientos, más curiosa que interesante. Me pilló porque estaba al lado del pabellón de MadridFoto, evento del que os hablé ayer.

Aspecto de la Nave 16A del Matadero Madrid, con los audiovisuales de la exposición «Nuestro trabajo nunca se acaba».

Rosas – Marinella Senatore. Un grupo de gente, aficionados fundamentalmente, se va a dedicar a crear una ópera popular durante unas semanas dirigidos por Senatore. Todo esto será grabado para que quede constancia audiovisual. El público puede entrar y contemplar los trabajos. También me pilló por estar de paso hacia MadridFoto.

Rosas - Marinella Salvatore (PHE en el Matadero)

Un grupo de niñas y adolescentes se preparaban para ensayar sus danzas bajo las órdenes de Marinella Senatore, en el espacio Abierto X Obras (antigua cámara frigorífica) del Matadero Madrid.

Y esto es lo que dio de sí para mí el día, además de comprar algunos libros que comentaré otro día. Hay cosas que se me han quedado en el tintero y que me gustaría haber visto. No sé si podrá ser lo de recuperarlas más adelante. Tal vez con el aliciente de la próxima exposición sobre Hopper en el Thyssen-Bornemisza. Lo que pasa que con el calor del verano, me va a dar una pereza ir a la capital…

En la terraza del Círculo de Bellas Artes

Finalizado el recorrido, lo único que me queda es recordaros que además de ver fotos también hay que hacer fotos. Como este señor en la terraza del Círculo de Bellas Artes de Madrid. O como yo mismo en ese mismo momento. Uy,… que recursivo.

[Fotografía] Un fotógrafo minutero en MadridFoto

Fotografía

Hace unos días comentando la película The Cameraman (El cameraman) hablaba de los fotógrafos minuteros. Pues bien, ayer en MadridFoto, patrocinado por una conocida y sobrevalorada marca de cerveza holandesa, había un minutero ejerciendo su labor a la vista del público. Conversé un poquito. E hice algunas fotos.

El proceso que sigue es sin película negativa, aunque sí que interviene un doble proceso negativo-positivo. Sobre una hoja de papel sensible toma una imagen negativa del objeto en cuestión, generalmente una persona que se quiere retratar. Sobre la marcha, revela, fija y lava la fotografía obtenida. Como es un negativo, mediante un aplique de la cámara, la sitúa a una determinada distancia del objetivo y la vuelve a fotografiar sobre otra hoja de papel sensible. Que nuevamente revela, fija y lava, obteniendo ya en este caso un positivo.

Actualización del lunes 11 de junio de 2012: No encontraba los datos del fotógrafo minutero en MadridFoto, pero ya han aparecido. Se trata de Michi Rodríguez, y podéis saber de él en www.fotografiaminueteracanaria.com.

El fotógrafo minutero ajusta la cámara que básicamente es una maleta que duplica su función como cámara fotográfica y como cuarto oscuro para revelar y fijar el papel sensible.

Una vez obtenido la primera copia en papel, en negativo, y con la imagen invertida, procede a fotografiarla de nuevo con la cámara.

No necesité esperar los tres o cuatro minutos necesarios para completar el proceso para conocer el resultado. Cómodamente en casa, gracias a los medios digitales, puedo conocer el aspecto de la fotografía final, a partir de la anterior imagen.

[Fotografía] Feria internacional de fotografía MadridFoto ‘4

Fotografía

Cuarta edición de esta feria de fotografía, que desde hace tres años se viene celebrando en la capital del reino. A ver si nos entendemos con los más profanos en estas materias. Estos no es una exposición de fotografías. Esto es una feria. Y como la antiguas ferias de los pueblos, aquí a lo que vienen los más interesados es a comprar y a vender. Fotografía. Como inversión. Por coleccionismo. Para adornar la pared del salón con una fotografía original en lugar del típico póster en un marco mono. Por los motivos que sean. Esto es MadridFoto. Un mercado.

Contemplando obra,… o las obras os contemplan (MadridFoto)

Este retrato era una de las obras, de buen tamaño, sería cara, que más atraían la atención de los visitantes.

A mí me gusta la fotografía. Soy aficionado a la fotografía. Pero reconozco que a la hora de poner precio a una fotografía, soy un absoluto negado. Sólo algunas de las galerías que montan chiringuito en estas ferias ponen el precio en la etiqueta. En la mayor parte de las ocasiones tienes que entrar en diálogo con el galerista y tras una conversación que muestre que tienes interés, por cortesía, pues preguntas. Y esto, ¿cuánto cuesta?

¿Interactúan las obras y los espectadores? Esos cruces de miradas…

Evidentemente hay algunos criterios «objetivos». Que yo he deducido.

El nombre del artista es importante. Claro. Los fotógrafos conocidos o consagrados cuestan un ojo de la cara. Si yo voy y el pido a un galerista que me intente vender un paisaje que he hecho que me parece mono, y este accede, a mí que no me conoce nadie,… pues unas decenas de euros o unos pocos pocos cientos en la mejor de las situaciones. No va a ser el caso. Mis fotos son una afición, no una dedicación y no me meto en esos asuntos, suponiendo que tenga calidad para ello, que también es mucho suponer.

La técnica utilizada. Cuanto más laboriosa, artesanal, o exija la intervención del fotógrafo, más cara. Claro. Más tiempo a dedicado. Además, según la técnica, puede ser una obra única no reproducible y por lo tanto hay que sacarle rendimiento.

Junto a esta minimalista obra fotográfica, había un soldadito de juquete…

… muy germánico. ¿Formará parte de la obra? ¿Un toque de humor? Evidentemente,… un toque de corneta.

Derivado de la anterior, el tamaño de la tirada. Siendo una fotografía una obra reproducible, cuantas menos copias circulen de una obra, si esta tiene prestigio, más caras. Claro, si no te conocen, no tienes todavía «prestigio», igual tienes que hacer tiradas algo más grandes, para compensar con volumen de ventas los precios bajos. El mercado en acción.

El tamaño de la foto es realmente un aspecto que parece importar mucho. Uno pensaría que tratándose de obra artística, habría otros parámetros más importantes… pero no sé oye… a veces me cuesta… Pero bueno, yo soy poco más que un «analfabeto» en estas cosas. Seguro.

Diferencias, por supuesto, y estas sí que las entiendo, entre copias de época y copias actuales. Esto especialmente se nota con los autores ya fallecidos.

En todas las ediciones ha habido espacio para proyectos diversos, más populares o alternativos. En este caso, uno solidario con la infancia en la India.

Ayer descubrí que quién sale en la foto es importante. Si una galería vendía fotografías con retratos de gente famosa, pues no es lo mismo que el retrato sea de Marilyn Monroe, en cuyo caso el tema rondaba los 6.000 euros, que si es Miles Davis, que se queda en 2.000 euros. Sin que eso, desde mi modesto y probablemente equivocado punto de vista, tenga que ver con la calidad de la fotografía como tal fotografía (valores estéticos, valor documental, técnica empleada, etcétera).

Y entonces, un tipo que se siente atraído por el tema, pero que no va a comprar, ¿qué pinta en este sarao? Pues básicamente, para mí sí que es ir a una exposición. Me olvido por completo del mercadeo, y me dedico a disfrutar de las fotografías que me gustan, a horrorizarme con las que no, a extrañarme con las que no entiendo, y a intentar desasnarme un poco más en esta disciplina artística. Lo cual probablemente sea una empresa titánica… pero…

Date prisa con la foto que coge (MadridFoto)

Que miedo me dio. Pensaba que la mano iba a atrapar a la señora de la camarita antes de que esta terminase de hacer la foto.

[Revistas de fotografía] Exit, en papel, Hors Série de Réponses Photo, en digital

Fotografía

En los últimos días, dos revistas interesantes han llegado a mis manos sobre fotografía. Una, en tradicional formato de papel. La otra, en formato electrónico, para leer en la tableta o en el ordenador personal. Os las cuento.

Exit 46 – En el estudio / In the Studio

No es la primera vez que comento esta publicación periódica, a caballo entre la revista y el libro de aparición periódica, que con una definición temática en cada número, nos ofrece trimestralmente lo que la fotografía contemporánea tiene que ofrecernos. Impresa con una excelente calidad, eso también repercute en el precio, para el número actual 25 euros.

El número 46, como su título indica, está dedicado a la fotografía en estudio. Siempre desde un punto de vista amplio de lo que quiera decir «en el estudio». Y así, enganchándonos al tema con las imágenes del fotógrafo Jalón Ángel, navarro asentado en Zaragoza, de principios de siglo, en la que nos muestra lo que tradicionalmente el público ha considerado la fotografía en el estudio, o los boxeadores y vedettes de Foto Ramblas, o Sander, o Stein, o Julia Margaret Cameron,… acaba mostrándonos una amplia variedad de propuestas actuales. Muchas de ellas dedicadas al retrato, como género que se relaciona con la fotografía de estudio por excelencia. Pero también cuando el propio estudio fotográfico es el sujeto principal, vacío del elemento central que habitualmente lo ocupa, como en las fotografías de Catherine Leutenegger.

Realmente son muchos los fotógrafos con obra representada en este número, por lo que es difícil hacer una selección. Las abstracciones de Barbara Kasten, quizá. El kitsch de Pierre et Gilles, más moderado en la obra de Pablo Pérez-Mínguez. Algún clásico como las Bettie Page de Sam Menning, y nombres tan cosagrados como Helmutt Newton o Juergen Teller. O por qué no, las elegantes poses de los sujetos de los africanos Seydou Keïta o Malick Sidibé. Hay más que merecerían ser nombrados, pero que resultaría prolijo, en un número realmente interesante.

Como novedad respecto a otros números, en esta ocasión la página web de la revista sí que está actualizada al último número. Aunque probablemente será más práctico seguirles en Facebook.

Ayer por la mañana acompañé a una amiga forastera a visitar San Pablo. Lugar que yo mismo no visitaba desde,… ni me acuerdo.

Réponses Photo – Hors Série 14

Comenté hace unas semanas la publicación en formato electrónico para su lectura en tabletas u ordenadores personales de diversas publicaciones francesas a través de Relay.com. Entre ellas algunas dedicadas a la fotografía. Réponses Photo es una de las publicaciones importantes sobre este tema, siendo la principal competidora de Chasseurs d’Images, la revista de fotografía de más difusión en Europa, o por lo menos así lo era hasta hace no muchos años. Cuando conocí Réponses Photo me parecía que estaba un paso por detrás en calidad con respecto a Chasseurs… Sin embargo, últimamente no lo percibo así. Creo que ha variado algunos planteamientos, y en muchas ocasiones la encuentro más interesante.

Una de las variantes que tiene con respecto a Chasseurs… es los dos números fuera de la serie habitual, monográficos, que publica anualmente. No he visto que llegaran a Zaragoza nunca, los números mensuales habituales sí, y si los he conocido ha sido en mis viajes por el extranjero, y me han gustado bastante. Ahora es posible disponer de ellos a través de Relay.com.

El último Hors Série, el número 14, está dedicado a la fotografía argéntica. Adjetivo que me parece más apropiado para definirla que «analógica». Al fin y al cabo, mayoritariamente está basada en la reactividad a la luz de las sales de plata. El caso es que estoy disfrutando como un enano de este número. Tanto por los porfolios que nos muestran los trabajos de gente que sigue utilizando este medio fotográfico como expresión fundamental, como por las recomendaciones para iniciarse o mantenerse en el mismo, en medio de la omnipresente invasión digital. Un hecho está claro. Aunque dejan abiertas todas las opciones, parece claro que hacerse con un aparato de formato medio, nuevo o de segunda mano, puede ser el abordaje de calidad más adecuado y diferenciador. Lo cual me anima más a seguir utilizando mi Yashica Mat 124G.

Eso sí, para disfrutar de esta revista, imprescindible saber francés. Idioma cada vez menos conocido en nuestro país por el dominio del idioma del imperio, el inglés. La revista no tiene página web, pero sí que es muy activa en Facebook.

Poquita luz. Obligado a tirar a 3200 ISO con mi Pentax K-x.

[Foto, arte, música] Viernes pasado, en la Aljafería por la mañana, en el IAACC Pablo Serrano por la tarde

Arte, Fotografía, Música

Muy cultural me salió el viernes. Había oído hacía unos días que en el Palacio de la Aljafería, sede de las Cortes de Aragón, se había inaugurado una exposición de fotografías de la ciudad de Zaragoza, realizadas en el siglo XIX por la estudio francés J. Lévy et Cie. Decidido a hacer ejercicio esa mañana, hacia allí me dirigí caminando. Y bueno, no es que hubiera gran cosa, unas treinta fotos, copias modernas realizadas por medios digitales a partir del material antiguo, pero estaba bien.

Copias modernas, bien presentadas y de buena calidad, en un espacio expositivo no muy grande pero cómodo y bien iluminado.

Más de un siglo después de su demolición, la Torre Nueva sigue siendo el monumento más añorado por los zaragozanos, que ya no la conocieron.

La visita a la exposición es gratuita, y te dirigen directamente, sin pasar por las dependencias del castillo, cuya visita cuesta 5 machacantes; pero en el patio aún me entretuve fotografiando algunas columnas y capitales.

El viernes por la tarde, como comenté el sábado, me acerqué al IAACC Pablo Serrano, no sin antes vocear el asunto, sin mucho éxito. Ellos se lo perdieron. Así que visité el museo, con especial atención a la instalación de Frank Stella y Santiago Calatrava conocida como The Michael Kholhaas Curtain. Obra en la que se combina la estructura toroidal del arquitecto español que sujeta en suspensión la pintura del norteamericano, y que ha estado expuesta en la Neue Nationalgalerie de Berlín. Después, tras tomar una cervecita muy agradable en la terraza, que se fue ambientando poco a poco, música a cargo de Ludmila Mercerón y su trío. Y ade allí a cenar. Habrá más de esto a lo largo del mes de junio. Pero no sé si tendré muchas ocasiones de repetir.

FRANK STELLA & SANTIAGO CALATRAVA:THE MICHAEL KOHLHAAS CURTAIN

La instalación de Stella y Calatrava, vista desde su interior.

Entre los nervios del toroide de Calatrava que forma parte de la estructura de la instalación, vemos a la amable empleada del museo con quien departí un ratito con muy buen tono.

Algo de calor, pero una buena tarde, coronada por un poderoso menguante, en la terraza del IAACC Pablo Serrano.

Ambiente en la terraza previo al concierto

Mucha gente y ambiente en los minutos previos al concierto, disfrutando de la puesta de sol, de las vistas y de la cafetería abierta al público.

Ludmila Mercerón, vocalista y lider del grupo de música cubana y caribeña.

Forzándome a hacer maravillas por la escasa luz, el resto de los miembros del grupo.

[Fotografía] Recomendaciones semanales: encontrado en la web

Fotografía

Estoy un poco espeso esta mañana, así que hoy no esto por la literatura. Directo a los fotógrafos que me han interesado esta semana de los que proponen distintos sabios de la cuestión por ahí por internet.

Uno de mis pintores favoritos es Edward Hopper, y Rafael Roa nos recuerda las similitudes tanto formales como conceptuales de Philip-Lorca DiCorcia con la obra de ese pintor. Así que me lo apunto para considerarlo de vez en cuando.

También Roa nos presenta la serie de Chen Jiagang en la que nos presenta obras faraónicas abandonadas en China, un país que nos asombra y nos atemoriza por igual. Especialmente mientras siga siendo una dictadura del tipo que es. Página web del autor.

Hasta hace poco proclamaba que la fotografía de moda no me interesaba, pero tambien de la web de Rafael Roa conozco algo más de la obra de Peter Lindbergh y me quedo encantado con las fotografías que veo. Ya son varias las recomendaciones de Roa en esta materia que me demuestran que no hay que dejarse llevar por prejuicios y etiquetas.

Ayer estuve un rato entretenido fotografiando naturalezas muertas con la Yashica Mat 124 G como objeto principal; y también hice fotografías a través de su visor.

En Flavorwire nos redirigen hacia una serie de fotografías de antaño, vintage se dice ahora a las cosas antiguas como si fuesen vinos, sobre el trabajo infantil en American Suburb X. Muy interesantes. Lamentablemente, hoy en día se siguen produciendo imágenes similares en muchos países del mndo.

En Lenscratch no hablan de las fotografías de Jean Laughton que demuestran que el far west de los cowboys (y cowgirls en los tiempos que corren), todavía existe. Me gustan las panorámicas en blanco y negro. Página web de la autora.

Cuentan en La Lettre de la Photographie que en el Bronx exponen la obra de Sylvia Plachy. Y yo considero que es adecuado conocer a esta fotógrafa húngara.

Esta revista en internet también nos informa de la presentación de la obra de otra fotógrafa húngara, Eva Besnyö, en el Jeu de Paume parisino. Ya me gustaría ir a visitarla yo mismo.

Mientras, parece que por Pekín se exponen las fotografías de Hamid Sardar que nos introducen en los paisajes de los pueblos nómadas de Mongolia. Siempre he tenido la sensación que lo más parecido que conozco al centro del mundo, Asia central, es justo uno de las regiones más desconocidas y salvajes que existen todavía. Página web del autor.

Cuando salí al final de la tarde me volví a llevar el Leica Elmar-C 90/4 atado a la Panasonic Lumix GF1; ideal para fotografiar a la gente abstraida en sus asuntos.

[Libros de fotografía] Desnudos, turistas y fotografía latinoamericana

Fotografía

A lo largo del mes de mayo he comprado algún libro de fotografía. Por no perder las buenas costumbres. Aunque empiezo a tener un problema de logística en casa. Dónde y cómo los guardo. El espacio. El eterno problema doméstico. Ya veremos. Dos de los libros son en realidad publicaciones periódicas. El otro es compra inducida por los recuerdos de hace unos años. Os lo cuento.

100 Photos of Martin Parr for Press Freedom

Tenemos con nosotros el número 39 de esta serie de Reporteros sin fronteras, que llevo coleccionando desde hace unos años. Buenas fotografías, a precio económico y por una buena causa. La libertad de prensa.

100 Photos of Martin Parr for Press Freedom
Martin Parr (fotografías)
Reportiers sans frontiéres – Secrétariat international; París, 2012
ISBN: 9782362200106

Este nuevo número presenta algunas novedades de diseño con respecto a los anteriores. En primer lugar, tiene un nuevo diseño en las cubiertas, con una textura y un aspecto general más agradable. En segundo lugar, tradicionalmente ha habido una edición en francés y otra en inglés. Según la cubierta, este número pertenece a la edición en inglés. Pero lo cierto es que en el interior, los textos y los pies de foto son bilingües. Lo cual es preferible. La publicidad que contiene es otra cuestión. Sí. Tiene publicidad. Es un libro, pero es una publicación periódica, que mantiene un precio ajustado porque se mantiene también con publicidad.

En cuanto a lo realmente importante, el contenido, tenemos una amplia selección de fotografías de Martin Parr, en color que es lo habitual en este fotógrafo desde hace treinta años, en la que con su mezcla habitual de humor, irónico en muchas ocasiones, y comprensión, nos acerca al mundo de los turistas. Tomadas las imágenes en muy diversas partes de todo el mundo, el fotógrafo se centra en las personas que visitan esos lugares turísticos, realizando un estudio de la naturaleza humana muy peculiar. Con sus tópicos, pero también con sus individualidades. Parr es un tipo que me parece simpático. Y aprecio su aproximación a la fotografía documental. Aunque no siempre me gustan sus resultados. No obstante, hay un número suficiente amplio de fotografías en esta selección de 100 que resultan ampliamente disfrutables.

Los libros de esta colección los recomiendo siempre. Porque es una forma barata de tener libros de fotografía. Porque su contenido suele ser de buen nivel. Porque colaboramos con una buena causa.

Ayer fuimos al cine. Me llevé conmigo la Panasonic Lumix GF1, y el Leica Elmar-C 90/4 con el adaptador correspondiente. Esta es una combinación que uso muy poco. Y quizá debiera utilizarla más. Aunque no es fácil enfocar con este objetivo en la pantalla LCD y a pulso. Os dejo con algunas fotos tomadas a la salida del cine.

C Photo 4 – New Latin Look / Nueva mirada latina

Cuarto volumen de esta serie que está anunciado que llegará hasta el número 10, dedicado en esta ocasión a los nuevos fotógrafos de lo que se da en llamar América latina. Con textos en español e inglés, como curiosidad diré que uno de los textos introductorios está escrito por Martín Parr.

C Photo 4: New Latin Look – Nueva mirada latina
Varios autores
Ivorypress; Madrid, 2012
ISBN: 9788493949846

Siempre he mantenido un gran escepticismo sobre ese interés en meter en un mismo saco a todas las gentes que forman eso que se llama América Latina. Si nos fijamos bien, comprobaremos que el único elemento común real que une a toda esta gente es que hablan idiomas derivados del latín, confrontándolos de alguna forma a los americanos que hablan en inglés. Pero en mi modesta experiencia, encuentro muchas veces más cosas en común entre los habitantes de Madrid, por poner un ejemplo, y los de determinadas capitales del cono sur como Buenos Aires o Asunción, que entre estos y las poblaciones indígenas de Bolivia o Guatemala, o las poblaciones de origen africano de Haití, por poner algún ejemplo. Así que cuando me acerco a una compilación que como esta u otras pretende dar una visión de conjunto, lo hago siempre con gran escepticismo.

No obstante, el volumen en su conjunto es interesante. Se trata de fotógrafo jóvenes, de países en su mayor parte emergentes. No voy a decir que todos los autores mostrados me hayan gustado por igual. Pero en su variedad encontramos elementos interesantes, y aunque no sé si considero este volumen como una recomendación universal para los amantes de la fotografía, sí que tiene un interés considerable como elemento de una colección así como reflejo de una realidad fotográfica.

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Jean-François Jonvelle: Les 100 plus belles photos

Durante la década de los 90, en las revistas francesas que en aquel momento constituían buena parte de mi suministro de conocimiento sobre fotografía, cuando todavía internet no había desarrollado todo el potencial que exhibe en estos momentos, con cierta frecuencia aparecían las mujeres del fotógrafo Jean-François Jonvelle. Fotógrafo que falleció en 2002, a los 58 años. La sensualidad y limpieza formal de sus imágenes llamaban la atención. Recientemente, vi en el catálogo de la Librería Kowasa este libro y decidí comprarlo.

Jean-François Jonvelle: Les 100 plus belles photos
Jean-François Jonvelle (fotos)
Gourcuff-Gradenico; París, 2012
ISBN: 9782353401123

Básicamente, Jonvelle es conocido por sus fotografías de mujeres, en desnudos, vestidas con lencería o ropas vaporosas, en un medio doméstico, poco sofisticado, y con una técnica básica que no necesariamente sencilla. Una cámara réflex, un 50mm o un 85mm muy luminosos, luz disponible, sin ayuda de iluminación artifical, profundidad de campo la justa, blanco y negro, contrastes suaves y tendencia hacia la clave alta. De este modo, obtenía imágenes muy sensuales de mujeres muy bellas, pero siempre elegantes. Nunca chabacanas.

Sin embargo, el tener 100 fotografías con grandes similitudes estilísticas reunidas en un solo volumen, produce algo parecido a una sensación de hartazgo. Es una sensación de continuo déjà vu, de cierta monotonía. Cada una de las fotografías por separado gustan, todas juntas cansan. Por ello, es un libro recomendable sólo a quienes sean entusiastas de este tipo de imágenes. Y aun así, recomendaría su consumo en pequeñas dosis. Bueno, claro. Y gustará a quien lo compre porque las chicas fotografiadas están muy buenas y que pase de la fotografía como tal arte. Pero eso es otra cuestión.

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[Cine, fotografía, CineFoto] Películas con fotógrafos, sobre fotógrafos y de fotógrafos

Cine, Fotografía

Hoy os traigo breves comentarios sobre diversas películas relacionadas con la fotografía. Dos de ellas, de ficción, han pasado a formar parte de mi colección de películas sobre La fotografía en el cine. La una de forma premeditada, fui a por ella, la otra fue un encuentro casual y afortunado. Las otras dos están relacionadas con el fotógrafo Bert Stern, famoso entre otras cosas por ser quien realizó las últimas sesiones de fotografías para la revista Vogue de Marilyn Monroe pocas semanas antes de su muerte.

The Cameraman (El cameraman, 1928)

Con el estreno y el triunfo de The Artist, algunos dirían que se habrían puesto de moda las buenas películas de la época del cine mudo. Lo dudo. Que rima con mudo. Sin embargo, es bien cierto que hay muchas pequeñas joyas de aquella época, películas que merecen la pena ser rescatadas del olvido en el que la mayor parte de los aficionados al cine las tienen sumidas. En TCM Autor, recientemente comenzaron a programar esta película del genial y melancólico Buster Keaton. Que además tiene argumento relacionado con la fotografía y, por lo tanto, pasa a engrosar mi colección de películas sobre La fotografía en el cine. Y de paso todos nos enteramos de qué es un ferrotipo.

Eduardo Jimeno Correas (por Manuel Arcón)

La cámara para rodaje que acarrea Buster Keaton en The Cameraman no es muy distinta que la que muestra la escultura de Eduardo Jimeno (por Manuel Arcón) en la plaza de Ariño en Zaragoza.

La peau douce (La piel suave, 1964)

Hace unos años, una noche de verano mientras nos tomábamos unos chismes después de cenar, surgía una conversación muy divertida sobre la geometría de los romances. Y por supuesto hablábamos de los triángulos. Y básicamente reconocíamos dos tipos fundamentales, los rectángulos sometidos pitagóricamente a las relaciones de dos catetos con una misma hipotenusa, y los obtusángulos en los que un tipo era suficientemente obtuso para liarse con dos mujeres al mismo tiempo. Si además tenemos en cuenta que el obtuso tiene una cámara de fotos, y que estas las carga el diablo, el drama o la tragedia están servidos. Como nos lo muestra de forma excelente François Truffaut en este filme de mediados de los años sesenta, donde además tenemos el placer de ver el trabajo de la guapa y malograda hermana de Catherine Deneuve, Françoise Dorléac, fallecida en plena juventud pocos años después. En cualquier caso también pasa a mi colección La fotografía en el cine.

El caballito de Ángel Cordero - minutero de la Lonja (por Francisco Rallo)

El fotógrafo de ferrotipos de The Cameraman se puede considerar el antecesor de los fotógrafos minuteros. En Zaragoza, se recuerda con esta estatua de un caballito de juguete, a Ángel Cordero, que realizó durante décadas esta modesta profesión en los jardines de la Lonja de Zaragoza.

El caballito de Ángel Cordero fue reproducido por Francisco Rallo, escultor zaragozano que tenía su taller en la calle Madre Sacramento. Visité en varias ocasiones el taller, ya que mi padre, marmolista, le realizaba encargos de vez en cuando. Siempre me sorprendían los caballos de tiovivo que esculpía para luego hacer moldes con los que se reproducirían después, para su instalación en esta diversión de ferias.

Bert Stern: Original Madman (2011)

El sábado pasado Canal+ programó este documental sobre la vida y obra del fotógrafo norteamericano Bert Stern. Como ya he dicho al inicio de esta entrada, el fotógrafo es especialmente recordado por sus fotografías de Marilyn Monroe en el verano de 1962, pocas semanas antes de la muerte por envenenamiento farmacológico de la actriz. Se trataba de un trabajo para la revista Vogue, y se realizó en un hotel de Bel Air. Desde hace mucho tiempo pienso que son las mejores fotografías que conozco de la actriz. De las pocas en las que parece una mujer hecha y derecha y no una muñeca. En cualquier caso, el documental dirigido por Shannah Laumeister, que fue modelo y musa del fotógrafo, y con quien convive actualmente, nos habla de muchas más cosas. De sus relaciones con las mujeres, de su trabajo, de su bajada al infierno de las drogas, etcétera. Aunque realizado con una mirada muy benévola hacia el fotógrafo, de quien sospecho hay zonas oscuras tanto en su personalidad como en su vida, merece bastante la pena. Está bien realizado, con ritmo y te engancha.

El título del documental hace referencia con avaricia coyuntural a una famosa serie de televisión. Sin embargo, creo que el asimilar al fotógrafo a los personajes de la serie está pillado un poco por los pelos. Cierto es que comenzó su carrera profesional como ayudante de director artístico de una empresa, incluso como el director artístico de facto de la misma. Pero aunque mucha de su obra esté vinculada al mundo de la publicidad, Stern fue fotógrafo y no un creativo de publicidad. Que son dos cosas diferentes. Aunque indudablemente fue un fotógrafo extraordinariamente creativo, y no me cabe la menor duda que influyó mucho sobre las campañas que se desarrollaron alrededor de su obra. Pero son dos conceptos diferentes para una misma palabra.

En mi biblioteca tengo un monográfico de Bert Stern publicado por la revista alemana Stern.

Jazz on a Summer’s Day (1959)

Durante el documental anterior me enteré que Bert Stern hizo también sus pinitos en el cine documental. Y a finales de los cincuenta filmó este documental sobre el festival de jazz y las regatas que se celebraron en Newport en 1958. El Newport Jazz Festival, que lleva más de cincuenta años celebrándose con distintas denominaciones y localizaciones, es un clásico en la música de jazz, y ha producido algunas de las más prestigiosas grabaciones de la historia de este género musical. Tengo en mi discoteca grabaciones en este festival de Duke Ellington, Miles Davis y Thelonious Monk. En cualquier caso, en ese año de 1958, el fotógrafo cambio la cámara fija por la de rodar, y enfocó con su objetivo a figuras del jazz como Louis Armstrong, Dinah Washington, Gerry Mulligan, George Shearing, Thelonious Monk, Anita O’Day, Eric Dolphy, Art Farmer, Mahalia Jackson, Jim Hall,… entre otras muchas que sería excesivamente mencionar. Rodado con pocas palabras, mucha música, y un estilo de imagen que nace en su formación como fotógrafo, es una obra realmente notable que debería hacer las delicias tanto del aficionado a la música de jazz, como al cine, como a la fotografía.

Los primeros planos de los músicos con teleobjetivo es una de las características del documental sobre el Newport Jazz Festival de Bert Stern. Aquí, músicos de la Banda Sinfónica del Conservatorio Superior de Música de Aragón en la plaza del Pilar, el día de San Jorge de 2012.