[Cine] Bon appétit (2010)

Cine

Bon appétit (2010), 17 de noviembre de 2010.

No era mi primera opción para esta semana. De hecho, para esta semana no tenía una primera opción clara para ir al cine. Creo que este otoño ha traído una de las carteleras más pobres y menos motivadoras para el época de los últimos… muchos años. Pero bueno,… venga que hay que apoyar al cine español,… que está rodada en Suiza y será bonita,… que ya vale de dramas y vamos a ver un poco de romanticismo buenrollista,… Pues nada. Vamos a ver que ha dado de sí la ópera prima como director de largometrajes de David Pinillos.

Sinopsis

Daniel (Unax Ugalde) es un chico de Bilbao que llega a Zurich para trabajar en un prestigioso restaurante en su carrera para convertir en un cocinero de pro. Y en el restaurante, pronto hará amistad con el segundo de abordo del chef, un italiano llamado Hugo (Giulio Berruti) que es muy majo y esas cosas, y se quedará prendado de la sumiller del restaurante, una chica bávara, Hanna (Nora Tschirner), que está como un queso, ya que nos ponemos gastronómicos. Pero que está liada con el chef (Herbert Knaup), y además muy enamorada, para desesperación del bilbaino. Tras unos escarceos romanticones iniciales, pronto decidirán el chico de Bilbao y la muniquesa que van a ser buenos amigos, siendo el chico el paño de lágrimas de la moza ante las borderías del chef. Pero claro, los sentimientos del chaval no se apagarán fácilmente, y el camino hacia el drama está abierto.

Dirección y producción

Lo cierto es que la sinopsis anterior es la historia tal y como creo que nos la quiere transmitir el director. Porque se podría resumir de otro modo. Algo así.

Un bilbaino que es un poco panoli y acomplejado, empieza a trabajar en un restaurante de alto standing de Zurich, donde todos son muy guapos y pijos. Le entra a la sumiller del restaurante que es muy mona, pero esta pasa de él porque está enrollada con el chef y dueño del restaurante, que tiene una pasta que no veas. Hasta se deja hacer un bombo, a ver si el tipo, ya añoso, deja a la legítima y se queda con ella. Y ella con su pasta. El caso es que el pobre bilbaino acaba de pagafantas de la sumiller, a la que tampoco le va muy bien con el chef, que es un cabrón de tomo y lomo.

Como veis, es una historia parecida pero no igual. El problema es el punto de vista. Y el problema es que el director nos plantea una historia a la que le falta un poco de alma, muy edulcorada, con unos dramas un poco postizos, y con alguna situación un poco marciana. Porque la amistad casta entre los dos protagonistas no siempre es creíble. Y pierde mucho tiempo en retratar postales de la ciudad de Zurich, con nieve, sin nieve, al atardecer, al manecer, el lago por aquí, el münster por allá, tranvías por todos los lados, la sorpresa del chico por encontrar un sitio alucinante de la ciudad cuando es un mirador que sale en todas las guías de turismo,… La persecución de unas imágenes bonitas con muy bonita fotografía le hace perder el calor y la rasmia que las relaciones humanas con algo dentro exigen.

El colmo de la escena absurda es cuando el chef lleva a cenar a su legítima al restaurante y la sumiller tiene que servirles el vino. ¿Alguien se cree que la esposa de un chef no va con cierta frecuencia al restaurante pijo de su marido a cenar con los amigos y a presumir de papeo estupendo y que el encuentro con la sumiller/amante del marido no es un hecho relativamente frecuente? Probablemente uno de los puntos bajos de un guion flojo.

Por supuesto, para irse a rodar por media Europa, y con un reparto internacional, supongo que habrá contado con un buen presupuesto y, por lo tanto, la producción tiene una apariencia pulcra y cuidada, con una buena fotografía y una banda sonora un poco pastelosa, a base de pop modernillo en inglés.

Interpretación

No están mal pero tampoco están muy convincentes. Supongo que hacen lo que pueden con la historia y los personajes, quizá demasiado estereotipados que les han buscado. Cada vez me siento más intolerante hacia los doblajes, que en este caso creo que están muy mal buscados. El chico no se dobla a sí mismo, y la chica seguro que en su alemán natal tiene una voz más interesante y menos mema. Pero es que, además, la película es plurilingüe, y por lo tanto, los cambios idiomáticos son o pueden ser importantes. Así que desde mi punto de vista es un error el doblaje.

Conclusión

Una película de novato con un presupuesto razonable, que se pierde entre tópicos y postales bonitas. La historia no es especialmente original, se puede considerar un refrito de otras muchas comedias y dramas románticos que parte del presupuesto de la amistad entre chico y chica con tensión sexual no resuelta. Pero además el guion flojea. Se deja ver hasta cierto punto, pero al final, la verdad es que te deja un poco indiferente lo que le pasa a esta gente.

Calificación

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

Zurich se convierte en uno de los personajes importantes de la película, quizá más preocupada en sacarla bonita que en profundizar en los motivos de los personajes - Pentax K10D, SMC-M 200/4

[Cine] La Bohème

Cine, Música

La Bohème (2008), 8 de noviembre de 2010.

No es una película al uso la que comento hoy aquí. La representación cinematográfica de un ópera completa no es algo que se vea habitualmente. Y no hablo de adaptar el argumento de una ópera a un guion cinematográfico. Hablo de cantantes en lugar de actores y actrices y de escuchar las voces y la música de la ópera en lugar de unos diálogos y una banda sonora al uso. No hay muchos de estos filmes. O por lo menos yo no he visto muchos. Alguno sí. Por ejemplo, hace un tiempo me regalaron el DVD de La flauta mágica, dirigida por Kenneth Branagh, como otro de los intentos recientes de fusionar ambos tipos de espectáculos, el escénico y musical de la ópera con el cinematográfico. Aunque fue una apuesta muy distinta puesto que optó por cantantes-actores que resultasen perfectamente creíbles en sus papeles, frente a la que hoy comentamos que según veremos pueden presentar alguna objeción al respecto. Una objeción a la película de Branagh es que no respetó el libreto original en alemán, sino que utilizó una traducción al inglés.

Nota: Dado que los intérpretes de la película son cantantes de ópera, los enlaces correspondientes los dirigiré a Wikipedia cuando estén disponibles en lugar de a IMDb como es habitual.

Sinopsis

Nos encontramos en París, durante el reinado de Luis Felipe de Orleans, entre las llamadas gentes de «vida bohemia«. Cuatro amigos, escritor, pintor, músico y filósofo, comparten una buhardilla y viven con grandes estrecheces. Uno de ellos, Rodolfo (Rolando Villazón, tenor), escritor, conoce a Mimi (Anna Netrebko, soprano), una costurera vecina suya, y entre ambos surgirá el amor. Amor que también siente, como conoceremos en el segundo acto, Marcello (George von Bergen, barítono) por la alegre y descarada Musetta (Nicole Cabell, soprano). Sin embargo, las relaciones entre los dos protagonistas se estropearán por los celos de Rodolfo. Sólo la enfermedad de Mimi volverá a reunirlos antes del trágico final.

Dirección y producción

Este coproducción germano-austriaca, adaptación cinematográfica de la ópera La Bohème de Puccini, dirigida por Robert Dorhelm, está filmada en decorados de plató cinematográfico, lo cual permite un movimiento de cámara, unos planos y secuencias, que no son posibles en un escenario teatral, lugar para el cual están pensadas las óperas. La producción es elegante, con grandes medios, buscando crear un espectáculo del nivel que tiene la ópera adaptada. Sin embargo, no abandona del todo el estilo teatral, que es especialmente notable en la interacción entre los cantantes, que se mueven y se relacionan entre ellos más como si estuvieran en un escenario. Fundamentalmente en color, tiene algunas escenas rodadas en blanco y negro. Obviamente, el ritmo de la acción viene determinado por los cuatro actos de los que se compone la ópera. Y en mi opinión, esto no le hace necesariamente un favor desde el punto de vista cinematográfico.

Desconozco si la voz de los cantantes corresponde al momento de la filmación o si esta se ha añadido sobre la imagen filmada, habiendo sido grabada en estudio. Me inclino por esta segunda opción, pero no estoy seguro.

Interpretación

Como ya he comentado, la interpretación está a cargo de cantantes de ópera y no de actores que cantan o que simulan cantar. Y esto es un riesgo. Especialmente porque se han buscado cantantes de ópera de primer nivel. Nombres conocidos de primera fila en este mundo, que por su carácter actoral pudiesen ser aptos para el papel. Lo cierto es que está bastante conseguido. Los personales masculino y el personaje de Musetta funcionan bastante bien. Sin embargo, el papel principal femenino no me lo he terminado de creer en ningún momento. La austro-rusa Netrebko no me cabe la menor duda de que es una cantante excepcional. Y que puede tener aptitudes interpretativas. Y además es muy guapa. Pero ya no da el pego de un joven costurera parisina, es una mujer hecha y derecha y se nota. Y mucho menos resulta convincente como personaje romántico tuberculoso, que es lo propio del romanticismo; con el físico tan lozano y de aspecto tan saludable que gasta. El maquillaje no ayuda tampoco al efecto buscado. No lo sé; no me ha acabado de convencer. Supongo que desde este punto de vista, es más adecuada la aproximación de Branagh cuando optó por cantantes menos conocidos pero con un físico y unas características más adecuadas a su papel.

Como anécdota contaré lo siguiente. La ópera nunca ha sido un género que me haya atraído. He asistido a alguna. E incluso en alguno he disfrutado. Pero salvo escuchar alguna obertura o determinadas arias o coros, nunca me he sentido inclinado a escuchar óperas. Y a veces cuento lo siguiente. Cuando en mi adolescencia RTVE 2 comenzó a retransmitir óperas enteras con el fin de aumentar el nivel de su programación y al mismo tiempo desasnar un poco, sin mucho éxito, a la población española, una de las obras seleccionadas fue Salomé de Richard Strauss. Y la protagonista del drama era Montserrat Caballé. Todos mis respetos para la magnífica soprano catalana, pero su danza de los siete velos ante el malvado Herodes, no sólo no resultaba creíble sino que en mi adolescencia me pareció ridícula. Hoy lo vería con otros ojos; sin duda. Pero eso me hizo rechazar durante un tiempo la ópera como un género dramático digno de tener en cuenta. Obviamente, para quien va por la música, son detalles que puede pasar por alto. Son otras cosas las que importan.

Pero aquí estamos hablando de cine, y sí que tiene importancia la adecuación del reparto al espectáculo que presenciamos.

Conclusiones

Este tipo de producciones me parecen loables. Y me parecen dignas de ser tenidas en consideración y que las personas inquietas culturalmente se acerquen a ellas. Al fin y al cabo puede ser una forma de traer a un mayor número de personas el género operístico, lo cual está bien. Pero creo que todavía no está bien desarrollada la forma de hacerlo conjugando las necesidades que impone también el medio cinematográfico. Recomiendo ver esta película por las razones expuestas, pero reconozco que todavía hay camino por recorrer. Y supongo que es difícil recorrerlo por la escasez de empresas de este tipo que pongan unas bases sólidas a este género. No obstante, quien se aburra escuchando música, que se quede en casa, o busque otra cosa.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: **
Valoración subjetiva: ***

La place du Tertre en Montmartre, paradigma, más o menos real, más o menos montaje turístico, de la vida bohemia en la capital de Francia - Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH.

[Cine] Copie conforme (2010)

Cine

Copie conforme (2010), 4 de noviembre de 2010

La posibilidad de ver a Juliette Binoche en versión original, en la primera película de Abbas Kiarostami de carácter occidental, en los paisajes y pueblos de la Toscana, y teniendo en cuenta que la crítica no había tratado mal del todo el filme, hacía que la incursión para verlo fuera segura. Así que a continuación os cuento de qué va este largo diálogo de hora y tres cuartos de duración.

Sinopsis

En Arezzo, ciudad de la Toscana, un escritor inglés (William Shimell) presenta su libro sobre el valor de las copias en el arte frente a la obra original. Entre el auditorio, hay una mujer (Binoche) con su inquieto hijo, inquieto él, inquieta ella. La mujer, que debe atender al joven preadolescente, entrega una nota al representante del escritor y se va a dar de merendar al chaval. Al día siguiente, un domingo, la mujer, que resulta tener una galería de antigüedades, se reúne en su tienda con el escritor para dialogar sobre el contenido del libro. Este propone salir a dar un paseo para aprovechar el buen día, y cogen el coche de ella y se dirigen al pintoresco pueblo de Lucignano. Allí pasearán entre los turistas y las muchas novias que se casan en esta población y seguirán conversando. En un momento dado, mientras toman un café, la intervención de la camarera, una mujer ya de cierta edad, hará que la conversación adopte nuevos derroteros. Derroteros que cambiarán nuestra imagen de la pareja, de su relación, de sus problemas y de lo que estamos viendo. En un momento dado, nos preguntamos cuál es la pareja original y cuál es la copia.

Dirección y producción

No es nuevo el esquema fílmico en el que dos personas durante el transcurso de la película, que representa un día, una tarde, una velada o el tiempo que sea, limitado, conversan sobre diversos temas, trascendentes en sus vidas, y en su relación si es el caso. Y he oído hablar de esta película como de un «remake emocional» de Viaggio in Italia (Te querré siempre), película que no recuerdo haber visto. En este caso, la cámara de Kiarostami decide acompañar directamente a las personas, fundamentalmente a los protagonistas y eventualmente a otros personajes con los que se encuentran, interaccionan, y provocan en ellos cambios que modifican sus percepciones y sus opiniones. Es una película de detalles, a los que hay que estar especialmente atento. Vemos poco de los lugares en los que transcurre la acción. Muchas veces intuimos como es el entorno, o lo vemos reflejado en el parabrisas de un automóvil, o en un espejo retrovisor y uno de pared simultáneamente. Y en esa atención a los detalles, cuando la mantienes, encuentras muchas de las claves de la historia que te están contando.

Me parecen muy destacables, desde esta atención a los detalles, los trabajos de fotografía y de sonido. Constantemente acompañan a los personajes los sonidos del ambiente que les rodea, que complementan perfectamente la parca información visual que a veces se nos ofrece, al estar la cámara centrada siempre en los personajes. Y la iluminación, ya que es la luz del sol la que nos va a ir marcando los tiempos. La luz dura del mediodía cuando los personajes se trasladan por la mañana, la luz suave y dorada de la tarde… las campanas de las iglesias que nos informan también de la hora que es. Ningún detalle es superfluo.

Interpretación

Es el punto fuerte de la película, todo el reparto está muy bien. No sólo los dos protagonistas que casi monopolizan el filme. También las breves intervenciones del hijo (Adrian Moore), de la dueña de la cafetería (Gianna Giachetti) y del turista francés (Jean-Claude Carrière) son excelentes, siendo además trascendentes para la evolución y la comprensión del filme. Sin embargo, quien se apodera sin contemplaciones de la pantalla es Binoche. Una actriz que ya no puede ocultar su madurez, y probablemente tampoco lo pretende, nos ofrece una variedad de situaciones y sentimientos, que van desde las preocupaciones habituales de una «maruja» al cargo de su retoño, hasta la sensualidad de la mujer que ya con cierta edad aspira todavía a ser considerada como objeto de deseo y de atención, de amor por el hombre al que quiere. Una versatilidad tremenda, acompañada por el atractivo físico que todavía mantiene.

Ah, una cuestión fundamental. Es absolutamente necesario ver esta película en versión original. De hecho, el título de la misma tal y como lo he puesto es el original francés, ya que en castellano la han titulado Copia certificada. Pero es que los personajes de la misma hablan indistintamente en francés, en inglés y en italiano. Y los cambios de idioma son importantes. Y lo que se dice en cada idioma también.

Conclusión

Desde mi punto de vista, una película bastante recomendable por dos cuestiones. Por un lado, por la maestría del director, que es capaz de poner en escena de una forma muy sutil e inteligente una larga conversación que podría haber resultado bastante tediosa de otro modo, y que sin embargo nos atrae y nos interesa. Especialmente tras el giro presentado por la conversación con la dueña del café, momento en el que la película cambia radicalmente. Opto por dejar que el potencial espectador lo descubra por sí mismo. Por otro lado, como ya hemos comentado, por la espléndida interpretación de la que disfrutamos. Eso sí, aficionados al cine de acción o del cine «en el que pasa algo», abstenerse. Las cosas que pasan en esta película pasan en el interior de los personajes. Todo lo demás, no es más que un largo paseo por la Toscana. Que tampoco está mal.

Calificación

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

El escritor de la película toma la idea de su libro al contemplar una escena entre una madre y su hijo a los pies de la copia del David de Michelangelo que está en la Piazza de la Signoria de Florencia - Canon Powershot G6

[TV] Fin de temporada de Rubicón

Televisión

Serie nueva, con pequeña temporada de 13 capítulos, que nos llega desde los cables norteamericanos. En la que asistimos a la vida en el API (American Policy Institute), un think tank, que trabaja discretamente en Nueva York como analistas en asuntos de inteligencia para el gobierno de los Estados Unidos.

Los think tank son instituciones poco conocidas en España por el público en general, y en ocasiones se les denomina en castellano como «fábricas de ideas» o «laboratorios de ideas». Al otro lado del charco, tiene mucha importancia en el devenir de los acontecimientos políticos y económicos.

Sinopsis

La serie comienza con un impactante suicidio de un hombre de negocios. Y hay comienza una línea argumental que involucra a su viuda (Miranda Richardson). Después conoceremos a Will Travers (James Badge Dale), un melancólico analista del API, que vive bajo el peso de la muerte de su familia como consecuencia del 11-S, y que es ascendido a jefe de equipo dentro del think tank. En ese momento, también se produce la muerte en accidente de ferrocarril, en extrañas circunstancias, de uno de sus pocos amigos. Y estas extrañas circunstancias le llevarán a iniciar por su cuenta una investigación privada para saber lo que ha pasado.

Producción

Como es habitual en las series de las cadenas de cable americana, la producción de las mismas es extraordinariamente cuidada. Con una ambientación excelente, alejada de toda espectacularidad, y más destinada a resaltar el estado de ánimo y la personalidad de los distintos personajes que aparecen en la serie, nos permite introducirnos plenamente en un mundo, relativamente agobiante y obsesivo, que inicialmente nos era ajeno.

El ritmo de desarrollo de la serie es lento. Se toma su tiempo en presentarnos a los personajes, sus motivaciones o sus presuntas motivaciones. A pesar de que el principal trabajo del think tank es el análisis de inteligencia, no tenemos aquí a los espías al uso de las producciones de acción. Aquí tenemos gente de aspecto normal y corriente, extraordinariamente inteligente, pero con problemas de adaptación social y personal. No pueden comentar abiertamente para quién trabajan y qué hacen, lo cual puede ocasionarles serios problemas en sus vidas privadas. Los problemas conyugales, el alcohol, las drogas, aparecen necesariamente como consecuencia.

Y finalmente, vamos descubriendo que nada es lo que parece, que hay dobles y triples juegos, lo cual nos transporta, al igual que al protagonista, a un cierto estado de paranoia, que desemboca en el impactante desarrollos final de los acontecimientos.

Interpretación

Es uno de los puntos fuertes de la serie. Además de los ya mencionados, conviene mencionar al supervisor del protagonista, interpretado por Arliss Howard, y a los tres miembros del equipo de Travers, interpretados por Dallas Roberts, Christopher Evan Welch y Lauren Hodges, que nos ofrecen algunos momentos excelentes, sin desmerecer a ninguno de los otros actores y actrices que van pasando por la serie, denjando su granito de arena. Todos ellos resultan muy convincentes en sus papeles, y hay que reconocer que el protagonista, que ya tuvo una actuación notable en The Pacific, hace un trabajo sobresaliente.

Conclusión

Una serie con un ritmo muy distinto a lo habitual, que se aleja de ciertos «comercialismos» gracias a su origen en la difusión inicial por cable, y que nos ofrece cine en pantalla pequeña de gran calidad. No es fácil de digerir en un principio, obliga a estar muy atento a lo que sucede en la pequeña pantalla, pero al final compensa ampliamente el esfuerzo realizado, por ser un producto casi redondo. Esperando estamos ya su segunda temporada.

Ampliación de noticia del 12 de noviembre de 2010: Pues no. Mejor no esperamos segunda temporada, porque parece que no renueva. Poca audiencia. Lástima. Me hubiera gustado saber como seguía.

Un accidente de ferrocarril al principio de la serie, desencadena una serie de acciones en el protagonista, claves para el desarrollo de la trama; en la imagen, un tren regional en la estación de Esztergom se prepara para realizar su trayecto hasta Budapest - Panasonic Lumix LX3

Libro: Las cosas que no nos dijimos

Literatura

Leí hace un tiempo una novela de Marc Lévy. En aquella ocasión en su idioma original, Sept jours pour une éternité… Una novela cuyo planteamiento me pareció interesante, que empezó muy bien, pero cuya historia luego se desinfló un poco, y al final me dejó un sabor agridulce. Me decepcionó un poco, quizá por las expectativas creadas por el buen comienzo. No obstante, he decidido darle una segunda oportunidad al autor francés, y leer otras de sus novelas, una más reciente.

Las cosas que no nos dijimos
Marc Lévy
Booket (Planeta); Barcelona, 2010
ISBN: 9788408094036

Al principio del libro conocemos en Nueva York a Julia, un mujer hija de un hombre de negocios acomodado, pero que vive distanciada de su padre, que se gana la vida como dibujante y animadora gráfica, y que está a punto de casarse con Adam, su novio, un buen tipo que la quiere, aunque en seguida se ve que es un tipo anodino, casi aburrido. Sin embargo, tres días antes de la boda, su padre tiene la ocurrencia de morirse. Y el funeral está previsto para la misma tarde que la boda. La cual habrá de retrasarse. Dos días después del funeral, Julia recibe una gran caja con una sorpresa. Un duplicado mecánico de su padre, cono todas sus memorias incluidas, con capacidad de razonar como si fuera la propia persona, y que le da seis días extras, para que ambos arreglen cuentas entre sí.

Como podéis ver, en un ámbito que se mueve entre el drama familiar y ciencia ficción, el autor nos ofrece un interesante planteamiento, que uno piensa se va a encaminar hacia una introspección entre padre e hija, a descubrir los motivos profundos de sus distanciamiento, y a plantearnos algunas cuestiones sobre las relaciones humanas. Pero decididamente, Lévy no es Ingmar Bergman. Y pronto la historia deriva, de forma casi sorprendente y bastante forzada a una historia romántica de amores perdidos y reencontrados. En algún momento, casi daría más para una comedia romántica que para un drama. Ya hace sospechar algo esta posible evolución, algunos caracteres tremendamente estereotipados que van apareciendo. El soso nuevo, el amigo íntimo gay, el vecino gruñón,… Y lo que ha de aparecer.

Nuevamente pues, una novela del mismo autor, aunque entretenida de leer y apta para pasar el rato, me vuelve a decepcionar, puesto que acaba siendo algo que no es, con un final relativamente previsible y sin más trascendencia. No sé que me dice que no es probable que le dé una tercera oportunidad.

Las calles del antiguo Berlín oriental son un escenario importante en la novela que nos ocupa hoy; en la fotografía la Fernsehturm que domina el paisaje urbano de esta parte de la ciudad - Panasonic Lumix LX3

Carancho (2010)

Cine

Carancho (2010), 28 de septiembre de 2010.

Tras el paréntesis motivado por la huelga general, retomo los temas habituales de este Cuaderno de Ruta, y paso a comentaros la última película que he visto en las salas de cine. Un drama argentino protagonizado por ese actor que últimamente parece omnipresente en el cine de aquel país, Ricardo Darín. La verdad es que esta omnipresencia no es un problema. Darín es un excelente actor y un acicate para acudir a las salas de cine donde proyectan sus película. Vamos a ver de qué va esta, dirigida por Pablo Trapero.

Sinopsis

La película nos presenta a Sosa (Darín), un abogado que perdió la licencia para ejercer como tal en algún turbio asunto del que no sabemos, que trabaja para un bufete de abogados especializado en las reclamaciones de indemnizaciones de accidentes de tráfico. Unas indemnizaciones que son muchas veces cuantiosas, aunque los damnificados suelen ver una cantidad ínfima de las mismas, sirviendo el resto para el enriquecimiento de estos abogados, faltos de todo escrúpulo. En sus noches localizando accidentados en connivencia con las empresas de ambulancias y la policía, conoce a Luján Olivera (Martina Gusman), una joven médica que para hacerse un sitio en la sanidad de la capital argentina, trabaja pluriempleada en diversos servicios de urgencias, tanto en hospitales como en los servicios de urgencia móviles. Debido a la falta de descanso, al trabajo nocturno y a dolores diversos, la chica se va volviendo adicta a distintos medicamentos. En un momento dado, ambos personajes empezarán una incipiente relación que se truncará como consecuencia de un montaje fallido de un accidente con un conocido de Sosa. Esto les complicará notablemente la vida, y les llevará a enfrentarse con las mafias de tan cochino negocio.

Dirección y producción

Con una dirección muy agresiva, muchos primerísimos primeros planos, cámara en mano, enfoque titubeante muy selectivo. Mucha escena nocturna, mucho escenario sórdido, desde las calles de los barrios que recorren a las tristes instalaciones del servicio de urgencias del hospital donde eventualmente trabaja Luján, dotan de una ambientación intemporal al filme. En estos momentos ni siquiera me queda claro si está ambientado en la época actual o hace unos años. No puedo recordar si en todo el filme los personajes hablan en alguna ocasión mediante teléfonos móviles, los modelos de los coches utilizados me parece de hace 20 años, etc.

Todo lo anterior dota de bastante dramatismo a la película, a la vez que nos transmite el desasosiego que sufren los personajes. Hay escenas de gran crudeza, y la violencia, aunque no es continua, si que aparece como amenaza permanente. Y cuando se presenta, sobrecoge.

Sin embargo, encuentro dos peros importantes. En la relación romántica entre los dos protagonistas, el principio me parece un poco forzado y no me lo acabo de creer. No acierto muy bien a entender porque la chica se deja llevar a la relación. Salvo quizá por la soledad en la que vive. Es cierto que en fases más adelantadas de la historia, la historia de amor no funciona mal, y de hecho es clave en mucho de lo que pasa después. El final de la película es el segundo pero. No me acaba de convencer. Uno tiene la sensación de que esta historia no puede acabar bien, pero tengo la sensación de que no está muy conseguido el modo en que acaba.

Interpretación

Quizá aquí está uno de los puntos fuertes de esta película. Darín está como de costumbre muy convincente. He de reconocer que es de los mejores actores que conozco en la actualidad. Y compone un personaje multidimensional y complejo, alejado de maniqueismos o de complacencias que sostiene con firmeza una película difícil. La chica, Gusman, en mi opinión está un escalón por debajo del anterior, pero no deja de componer con convicción el personaje de la médica un poco perdida en su trabajo, en los abusos laborales a los que se ve sometida, y al efecto de las drogas.

Conclusión

Una película dura. A ratos difícil de seguir si uno no está habituado al habla argentina. De hecho, hay términos que todavía no he acabado de «traducir» al español castellano. Pero indudablemente interesante e intensa, con el aliciente de una buena interpretación.

Por cierto, hablando de términos poco conocidos a este lado del Atlántico, un carancho es el nombre que se le da a cierta ave rapaz de costumbres carroñeras, propia del continente americano. Vamos, que aunque zoológicamente sea una especie distinta, conceptualmente es como cuando en España decimos de alguien que es un «buitre».

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Sede de una conocida aseguradora española en una de las esquina de la plaza de Basilio Paraíso en Zaragoza; que conste, que en este filme los villanos no son las aseguradoras sino algunos abogados desalmados (alguien comentó a la salida del cine que la expresión "abogado desalmado" es un oxímoron) - Panasonic Lumix LX3

El americano (2010)

Cine

El americano (The American, 2010), 21 de septiembre de 2010.

Al director de esta película, el holandés Anton Corbijn, antes lo conocí como fotógrafo que como director de cine. Sus retratos de famosos del mundo de la moda y el espectáculo, pero especialmente del mundo de la música moderna, son muy característicos y personales y han marcado tendencia entre otros fotógrafos actuales dentro de ese mundillo. Se puede ver algo de eso en su página en internet. Pero desde hace bastante años se ha pasado también a la imagen en movimiento. Aunque fundamentalmente se ha dedicado a dirigir videoclips musicales, también se ha internado en el largometraje. Esta es la primera película que veo de este director. Y vamos a ver de qué va la cosa.

Sinopsis

Nos encontramos con Jack, el protagonista (George Clooney), viviendo con una guapa mujer en una cabaña en los nevados paisajes suecos. De repente, nota una presencia extraña en el ambiente. Pocos minutos después, tras un tiroteo dos extraños y la mujer están muertos. Todos por la pistola de Jack. Obviamente algo oscuro hay en el personaje. De algún modo, tiene una pasado extraño donde la muerte o el crimen están presentes. Huye a Roma, donde contacta con Pavel (Johan Leysen) que le dará instrucciones para que se esconda en los Abruzos italianos. Allí esperará a que se calmen los ánimos, hará amistad con el cura (Paolo Bonacelli), recibirá un encargo para preparar un arma para una asesina (Thekla Reuten), conocerá a una prostituta (Violante Placido) por la que sentirá algo más que atracción sexual, conocerá las bellezas naturales del lugar, y escapará a un nuevo intento de asesinato. Todo ello antes de que se produzca el desenlace consecuencia de todo lo anterior.

Dirección y producción

Contado así es como muchos de los tráilers con los que nos venden las películas actuales. Parece una película de acción intensa. Pero la realidad es que no. La intención de la película se dirige más a mostrar el carácter del misterioso personaje, supuestamente criminal, con arrobas de sangre fría, pero también lleno de miedos, sólo en el mundo. Que en ocasiones tiene que plantearse matar a la persona que más quiere en ese momento. Es una película que combina pequeñas dosis de acción, contenida pero bien llevada, con muchos momentos de introspección mientras seguimos las evoluciones del protagonista.

Aunque el director no se encarga de la fotografía de la película, es evidente que esta tiene una importancia enorme en el filme. Las iluminaciones están muy cuidadas, especialmente jugando a favor de los espectaculares paisajes naturales de esa región italiana como por el tipismo de los pueblos que la conforman. Pero también en la forma de iluminar los interiores y a los personajes.

Sin embargo, la historia se me queda un poco floja en el sentido de que hay un constante déjà vu. A partir de un determinado momento, las cosas empiezan a ser previsibles y, de hecho, el final no resulta una sorpresa en absoluto. Por otra parte, el especial interés por los aspectos estéticos de la película hace que en algunos momentos sea un poco fría y distante, lo cual contrasta con lo que es el interés del filme. Es decir, que lleguemos a conocer y quizá a empatizar con el protagonista, a pesar de su trasfondo criminal.

Interpretación

Correcta tirando a buena. Aunque Clooney está en general bien, alejado del tipo de papeles que le hemos visto últimamente, siempre muy verborreicos, irónicos o chulescos. Aquí lo vemos callado, con miedo, con dificultad para expresar sentimientos. Quizá por ello pueda parecer a ratos inexpresivo, pero entiendo que va con el personaje. El resto de los intérpretes, cumplen sin problemas con lo que les propone la historia. Evidentemente, destaca Violante Placido, porque acaba siendo el interés romántico y el motor de las últimas acciones del protagonista, aunque no necesariamente sea la mejor intérprete del elenco. Para los más pícaros, además es una belleza italiana morena y voluptuosa, propia de los gloriosos años 50 o 60, que no duda en mostrar sus carnosos y abundantes aunque proporcionados encantos en pantalla. Si las chicas/mujeres pueden encontrar una motivación para ir al cine por la presencia del afamado galán, quienes decidan acompañarlas del sexo masculino no se sentirán olvidados ni decepcionados.

Conclusión

Resumiendo, podemos considerar esta película como interesante o agradable de ver, con una muy buena factura técnica general, aunque francamente mejorable en lo que se refiere a la historia que resulta algo ya visto.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Un vehículo circula por las calles de Roma, con el arco de Constantino al fondo; una perspectiva desde el interior de un coche, que nos recuerda a los metafóricos títulos de crédito de la película - Canon Digital IXUS 860 IS

Libros: Ciudad de cristal

Literatura

Es una historia curiosa la de cómo he acabado leyendo estos dos libros. Sí, dos. A pesar de que el título sea sólo uno. Veamos. Paseaba yo hace un par de semanas por una librería de Zaragoza perteneciente a una conocida cadena de ellas. Cuando al retirarme de la sección de libros de fotografía, pasé por la de cómics, y decidí curiosear. Y me llamó la atención ver un libro con la característica encuadernación de la colección Panorama de narrativas de Editorial Anagrama. Al principio pensé que alguien había descolocado un libro. Pero me llamó la atención que un volumen que normalmente hubiese estado expuesto en la planta calle de la librería, se encontrase en un rincón de la primera planta. Mucho recorrido para haber sido depositado por un visitante casual que se hubiera arrepentido de la adquisición del volumen. Así que lo cogí y lo hojee. Estaba bien situado. Era una adaptación al formato de historieta de una novela de Paul Auster. Me picó la curiosidad, y lo cogí para comprarlo.

Seguí mi recorrido por la librería, y bajá al sótano para mirar entre los libros de bolsillo. Una semana más tarde tenía el viaje a Colonia, y quizá viniese bien tener algún librillo previsto. Y claro. Allí estaba. La novela adaptada en el libro anterior, en la colección Compactos Anagrama. Y me lo cogí también. Y los he leído. En el orden lógico. Primero la novela y después la adaptación.

Ciudad de cristal – novela

Ciudad de cristal
Paul Auster
Compactos, Editorial Anagrama; Barcelona, 2001
ISBN: 9788433914767

Perteneciente a la llamada Trilogía de Nueva York, es uno de esos relatos en los que el entorno, en este caso la ciudad de Nueva York, tiene un papel fundamental en el desarrollo del mismo. Se nos presenta en esta novela a un escritor, Daniel Quinn, que, desolado por la pérdida prematura de su mujer y su hijo, entra en una apatía que le lleva a dejar un lado su prometedora carrera literaria para ganarse la vida escribiendo novelas detectivescas bajo seudónimo. En esto está cuando empieza a recibir llamadas nocturnas en las que le preguntan si es el detective Paul Auster (el mismo nombre que el autor de la novela), que lo necesitan con urgencia porque es una cuestión de vida o muerte. Tras rechazar las llamadas en varias ocasiones, finalmente decide contestar y se hace pasar por el detective en cuestión. Es citado una mañana en un apartamento neoyorquino, y allí conoce a Peter Stillman y a su atractiva mujer. Stillman es una persona con discapacidades derivadas de haber sufrido en su infancia un aislamiento experimental por parte de su padre, del mismo nombre, que lo mantuvo en una habitación aislado durante casi una década. Ahora, después de trece años, su padre, que fue ingresado en una institución psiquiátrica, va a ser liberado y teme que venga a matarlo. El falso Paul Auster debe evitar este hecho. El protagonista acepta el encargo, en parte porque le intriga el asunto, en parte por el atractivo de la mujer. Y ahí comienza un extraña investigación, en la que no sólo intervienen los personajes mencionados, sino que el propio escritor, el auténtico Paul Auster, tiene una participación en la trama. En ella asistiremos a una particular bajada a los infiernos del protagonista, con lo ciudad de Nueva York como escenario fundamental.

El libro es una reflexión sobre la identidad personal, en la que distintos nombres y personalidades son aplicado a un mismo personaje, el escritor, con la consiguiente confusión ante la realidad que padece, mientras que en otras ocasiones un mismo nombre se aplica a personas distintas, bien sea la dualidad padre-hijo, bien sea el detective a quien no llegamos a conocer realmente y el escritor que se introduce en su propia novela. Particularmente reveladores son el caótico monólogo de Peter Stillman hijo cuando contrata al falso detective, y las entrevistas entre el protagonista y el Peter Stillman padre. Y muy perturbador la desestructuración personal que el protagonista sufre en el tramo final de la novela, cuando queda absorbido por la investigación, que lo desconecta de todo y de todos.

No es una novela fácil de leer, pero es indudablemente interesante, y desde luego que da que pensar un rato. No me atrevería a recomendarla a todo el mundo, pero sí a quien no tenga miedo de salirse de los caminos más trillados de la narrativa de ficción.

Ciudad de cristal – historieta

Ciudad de cristal
Paul Auster, Paul Karasik y David Mazzucchelli
Panorama de narrativas, Editorial Anagrama; Barcelona, 2005
ISBN: 9788433970831

Sobra volver a repetir el argumento de la historia. La adaptación gráfica por parte de Karasik y Mazzucchelli de la novela es absolutamente fiel al relato escrito. De hecho la gracia del experimento artístico es el ejercicio de traslación a un medio distinto de una historia con una personalidad tan particular. Y valen los mismos comentarios sobre el interés del libro que he mencionado antes.

Pero claro, hay que comentar los aspectos propios del medio. He de decir que llevo ahora alrededor de un año dedicándome a leer periódicamente alguna historieta. Y todavía no tengo todos los resortes del medio para sentirme seguro a la hora de expresar mis opiniones. Pero la sensación que me ha dejado es que casi me ha gustado más la adaptación que la novela original. Los dibujos y el guion se combinan de una forma muy precisa, con bastante economía de medios, con cierta austeridad pero con claridad, para contar una historia que ya hemos visto que es difícil de narrar, y que lleva de tras los pensamientos y los sentimientos de sus personajes, que son complejos. Pero de alguna forma, yo me he sentido cómodo con ella.

En cualquier caso, siempre me quedará la duda si me hubiese parecido lo mismo en el caso de que no hubiese leído previamente la novela. Pero eso es algo que ya nunca podré saber. En cualquier caso, el experimento realizado de leer ambas versiones de Ciudad de cristal me ha parecido muy interesante y muy estimulante. Así que si alguno se anima, ya sabe.

Colonia - Hauptbanhof (estación central)

Un momento importante es cuando el ficticio residente se encuentra con Stillman padre en Penn Station, en Nueva York; a falta de imágenes de tan emblemático lugar, valga una vista de la concurrida estación central de Colonia - Panasonic Lumix LX3

Nueva actualización en CineTren, la segunda en una semana; El último tren (2002)

Cine, Trenes

Pues sí. La segunda película de ambiente ferroviario en una semana. Y muy ferroviario. Aunque tenemos que saltar el charco y situarnos en Uruguay para conocer las andanzas de la 33. La película El Último Tren (también conocida como Corazón de fuego en algunos países de Sudamérica) ha sido pues añadida a la sección de cine y ferrocarril que podéis encontrar en el menú de la columna lateral de este Cuaderno de Ruta. Y podéis acceder a ella a través de dicha opción, o si lo preferís, directamente por este enlace.

Yo he disfrutado bastante con el filme, y todos los aficionados al ferrocarril lo harán igualmente. Los no aficionados al ferrocarril,… pues depende del tipo de cine que les guste. Pero no está mal.

Locomotora Nº 14 en Llanfair, Gales, Reino Unido

Locomotora Nº 14 evolucionando en la estación de Llanfair, Gales, Reino Unido - Fujifilm Finepix F10

Actualización en CineTren; El andén (1957)

Cine, Trenes

Actualización de CineTren a propósito de una peliculita de la posguerra española, cuando el Talgo II era la maravilla tecnológica, orgullo nacional del régimen y de los españoles en general, aunque viajar en el mismo estaba al alcance de muy pocos. No tiene mucho más que rascar puesto que es un filme al uso para complacencia del régimen fascista de la época. Mucha bondad pueblerina, con dramas que se resuelven por la vía del buenismo y el buen rollismo propugnado por la sociedad vertical franquista. Pero bueno. Para los aficionados al ferrocarril patrio, tendrá un cierto interés. La podéis encontrar en el correspondiente enlace, El andén, o entrando en la página de CineTren.

Talgo II del Museo del Ferrocarril de Delicias, Madrid, similar al que aparece en la película; una foto que ya tiene más de 20 años también - Pentax P30N, Sigma 28-70/3,5-4,5

Treme (TV), o las consecuencias del Katrina

Televisión

La cadena norteamericana de cable HBO emitió esta primavera la primera temporada de Treme, una serie de ficción que nos sitúa en Nueva Orleans, algunas semanas después de la catástrofe provocada por el huracán Katrina, cuando poco a poco algunos de sus habitantes van retornando a la ciudad y se enfrentan con la necesidad de retomar sus vidas, devolviendo a la vida a la singular urbe en el delta del Misisipi.

Tremé es un barrio de Nueva Orleans en el que se desarrolla una especial vida cultural, pero que en esta ocasión no deja de estar escogido para simbolizar las singularidades sociales y culturales de la ciudad frente a lo que es habitual en el conjunto de los Estados Unidos. Una ciudad católica, con una elevada proporción de habitantes de origen africano o caribeño, con tradiciones y legislación procedente de las épocas francesa y española, que ha sido siempre un gran motor cultural especialmente en el terreno de la música. Para muchos es la cuna del jazz. Aunque no todo es jazz, ni todo es música, ni mucho menos.

En la serie que nos ocupa vamos a seguir a lo largo de los diversos capítulos a una serie de habitantes del lugar, cada uno con su vida, y al mismo tiempo, con interacciones entre ellos.

Antoine Batiste (Wendell Pierce), un trombonista buscando constantemente donde tocar para ganar un dinero para mantener a su mujer actual y su hija de corta edad. Perdió su coche, y pasa mucho tiempo buscando quien le lleve o discutiendo sobre lo que ha de pagar por la carrera de un taxi. Tiene sus problemas con la policía, y por su incapacidad para ser fiel a su mujer.

Ladonna Batiste-Williams (Khandi Alexander), ex-mujer del anterior, nuevamente casada, vive alejada de su marido y sus dos hijos que no han regresado a la ciudad. Se pelea con los contratistas para conseguir tener arreglado el techo de su bar. Pero sobretodo se pelea contra el sistema judicial y policial de la ciudad ya que su hermano desapareció durante el huracán estando en prisión.

Los Bernette, el profesor de universidad Creighton (John Goodman), la abogada Toni (Melissa Leo), y la hija de quince años de ambos Sofia (India Ennenga). Mientras Creighton comienza a utilizar internet para denunciar la situación de la ciudad a la espera de que vuelvan a comenzar las clases en la universidad, Toni es la abogada de Ladonna y de otros personajes en su lucha constante por retomar su vida, reclamando sus derechos.

Jeanette Desautel (Kim Dickens) es una chef que lucha denodadamente para mantener a flote su restaurante, no pudiendo confiar ni en los prestamos de los bancos, ni en la comprensión de los proveedores, ni en la capacidad de las autoridades para dar soporte a los negocios que vuelven a funcionar en la ciudad. Todo su dinero lo invierte en el restaurante, y su deteriorada casa ni siquiera tiene electricidad.

Davis McAlary (Steve Zahn) es un músico que trabaja como DJ en un emisora local, al mismo tiempo que, enamorado de la ciudad, se convierte en un peculiar activista contra las administraciones públicas. Su falta de constancia hace que no sea tomado en serio. Ni siquiera por Jeanette con quien mantiene algo parecido a una relación.

Los Lambreaux, Albert «Gran Jefe» (Clarke Peters) y su hijo Delmond (Rob Brown). El primero es el líder de una de las «tribus» de Indios del Mardi Gras, que busca restaurar la cohesión social de la comunidad. Se compromete en la lucha contra la especulación gubernamental que hace que bloques enteros de viviendas no afectados por las inundaciones y el huracán permanezcan cerrados mientras muchos habitantes de la ciudad permanecen viviendo fuera de ella, o los que regresan viven en viviendas precarias, deterioradas. Se queja amargamente de la hipocresía de las aseguradoras. No pagan indemnizaciones en los seguros contra huracanes, porque los daños los produjeron las inundaciones… que fueron producidas por el huracán. El hijo es un trompetista bastante bueno que empieza a sentir el desarraigo y prefiere Nueva York como lugar para desarrollarse como músico.

Annie (Lucia Micarelli) y Sonny (Michiel Huisman) son dos músicos callejeros y pareja. Sonny es holandés y se conocieron en Europa mientras Annie, una violinista con formación clásica, viajaba como mochilera. Viven de lo que ganan por las calles, aunque la calidad de la chica como violinista hace que pronto le lleguen propuestas de otro tipo. Esto ocasionará tensiones en la pareja.

Como se puede ver se trata de un drama coral en el que tenemos varias vertientes. Una social de denuncia contra las administraciones y gobiernos, contra los bancos y aseguradoras, contra los intereses bastardos de los distintos poderes que buscan sacar partido de la catástrofe a costa de los propios habitantes de la ciudad, muchos de ellos exiliados fuera de la ciudad, contra las policías corruptas o desbordadas que dejan de protejer a los ciudadanos para convertirlos en el enemigo. Pero también hay una crítica a aquellos aspectos negativos de la propia cultura de la ciudad. Es significativo que el «odiado» tejano que resuelve el problema de Ladonna con el techo de su bar, tenga que hablar de ética en el trabajo al contratista orleanés, así como la tendencia de muchos personajes a hablar más que a actuar.

Pero sobretodo, lo que te acaba enganchando es el drama personal de cada uno de los personajes. La bondad intrínseca tras la dejadez de Antoine, la tenacidad de Ladonna para encontrar a su hermano mientras lucha para reabrir el bar y conseguir mantener el contacto con su familia fuera de la ciudad, la constante mala suerte de Jeanette en todos los negocios que emprende haciéndole creer que la ciudad la rechaza y la persigue, la capacidad de estar en todos los lados de Toni como abogada y como madre y esposa, sintiendose impotente en numerosas ocasiones, la dignidad y la solidaridad comunitaria del «Gran Jefe» en toda situación, la depresión y la crisis existencial de Creighton ante la catastrofe de su amada ciudad mientras intenta mantener la alegría y el soporte a su hija y a su mujer,…

Y todos estos personajes nos llegan porque las interpretaciones son de primer nivel a pesar de que se mezclan actores conocidos con otros que lo son menos por actuar habitualmente como secundarios en otras series o en el cine. Si habitualmente se considera que los actores de televisión son de inferior categoría que los de cine, esta serie se encarga de desmentir el tópico. El conjunto de las interpretaciones son de primer nivel y avergonzarían al trabajo que realizan estrellas de cine muy bien pagadas.

Como podéis comprobar por la longitud de esta entrada y por el tono de los comentarios, es una serie que me ha gustado mucho, pero realmente mucho. Especialmente, porque es una serie que avanza muy progresivamente interiorizando en todos sus personajes, haciéndoles crecer y metiéndote en sus problemas y en sus sentimientos. Nada hay plano y tópico. Todo tiene matices y muchos sentidos. Si a esto añadimos una banda sonora absolutamente magnífica, soberbia,… con participaciones en cameos más o menos significativos de gente como Allen Toussaint, Elvis Costello, John Boutté, y otros que seguro que se me escapan por menos conocidos. Qué voy a decir.

Estos primeros 10 episodios han establecido un primer ciclo. Comenzaba el primer episodio con un jazz funeral por las calles de Tremé, y termina con otro, estableciendo una hermosa simetría en la que caben las vidas de todos los personajes que hemos mencionado. Es especialmente emotivo, cuando ya conocemos mucho de lo que han pasado los personajes protagonistas, el flashback a las horas previas al desastre del huracán en el que, tras enfocar la cámara a las tristes caras de Ladonna, o Antoine, o Toni, en la escena del cementerio, vemos cómo era la vida de todos ellos en aquellos momentos. Pero ese jazz funeral no nos deja necesariamente desesperadamente tristes, aunque tristes. Abre esperanzas a un futuro que espero nos muestren en futuras temporadas, en las que no faltarán los problemas y los dramas. Yo estoy deseando que vuelva.

Y con esta he terminado con las series que tenía reservadas para el verano. Veremos lo que da de sí la nueva temporada.

Difícil ilustrar esta entrada; así que, he decidido que si el Misisipi condiciona la existencia y la vida de la populosa ciudad de Luisiana, el Ebro lo hace con la más modesta ciduad de Zaragoza, desde donde escribo esta entrada - Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH.

You Will Meet a Tall Dark Stranger (2010)

Cine

You Will Meet a Tall Dark Stranger (2010), 31 de agosto de 2010.

Sí. El título en inglés. Que la he visto en versión original subtitulada. Y porque además, de nuevo el desalmado titulador de películas en castellano ha hecho de las suyas, y nos propone un título, Conocerás al hombre de tus sueños, que es engañoso, inexacto y desvirtúa por completo al original. Siempre he opinado que al de los títulos y al traductor de los doblajes habría que declararlos como criminales contra la humanidad. Y me reafirmo. En fin. Estamos ante la penúltima de Woody Allen. Y digo penúltima, porque como sucede habitualmente, cuando estrena su película anual, ya está rodando la siguiente. Y si es de Woody, es garantía de que a priori la opinión se polariza entre quienes lo aman y quienes lo soportan. Intentaré se ecuánime. Que no objetivo, que es algo imposible.

Sinopsis

Dos matrimonios, los formados por Helena (Gemma Jones) y Alfie (Anthony Hopkins), ya disuelto, y el de su hija Sally (Naomi Watts) con el escritor Roy (Josh Brolin) se encuentran en una encrucijada que va a producir grandes cambios en sus vidas, catalizado todo ello por las visitas que realiza Helena a una médium cuyas predicciones parecen cumplirse fielmente en cuanto la incauta las comunica a su familia.

Helena, enganchada a la médium y al scotch, busca el misterioso desconocido que la sacará de la soledad y la llevará a una otoñal felicidad. Mientras influirá con las «predicciones» que recibe sobre Sally, frustrada por una vida familiar sin hijos y por un trabajo que no acaba de satisfacerla a pesar del cuelgue que se le viene encima con su atractivo jefe (Antonio Banderas). Por su parte, Roy, el marido de ésta, busca salir de su incapacidad para escribir una novela que repita el éxito de la primera que publicó y que lo apartó de su carrera en la medicina, al mismo tiempo que se cuelga de la atractiva vecina de origen indio (Freida Pinto) a la que espía por la ventana, y a la que acabará conociendo. El cabeza de familia, Alfie, busca con desesperación la forma de burlar a la vejez a base de gimnasio, de viagra, y de casarse con una «actriz» de físico espectacular (Lucy Punch) que ejerce el oficio más antiguo del mundo «de vez en cuando por necesidad» aunque con gran afición. Ninguno de los caminos que toman los cuatro protagonistas les llevará necesariamente a un final feliz… o sí… o aparentemente…

Dirección y producción

Siendo una película de Allen, la producción es sencilla. Un magnifico trabajo de localización de exteriores e interiores en Londres, una buena fotografía, una excelente banda sonora a base de piezas de música clásica y de jazz, encabezadas por la icónica When You Wish upon a Star interpretada ~~Louis Armstrong~~ Leon Redbone, y un reparto de campanillas que habrá rebajado notablemente sus cachés sólo por el objetivo de aparecer en los títulos de crédito de una película del director neoyorquino. La misma receta de siempre.

Con una historia que contiene elementos vistos una y otra vez en las películas de Allen. Las dífíciles relaciones humanas y familiares, la búsqueda del amor, o la compañía, el miedo a la soledad, a la vejez o la muerte, las relaciones entre hombre maduros y mujeres jóvenes, la crisis del autor creativo, los elementos religiosos o supersticiosos en la conducta humana,… en fin, lo de siempre. Lo que pasa es que de alguna forma, en esta ocasión la cohesión del conjunto no es tan perfecta. Las piezas no encajan con la suavidad de otros filmes. La historia no se desarrolla con la misma fluidez. Y finalmente, es una de las películas, por sus desenlaces, más pesimistas del director. Lo cual no contribuye a mejorar la sensación del conjunto.

Interpretación

Los cuatro protagonistas están muy bien, a pesar de tener que ir remando constantemente contra el lastre que supone esa falta de cohesión global. Especialmente me gustan Gemma Jones y Brolin, pero todos lo hacen bien. Son intérpretes con mucho oficio. Entre los secundarios, Lucy Punch logra también componer un excelente personaje, uno de los más sinceros de la película a pesar de «su oficio». Sin embargo, tanto Banderas como la guapa Freida Pinto quedan muy sositos. Por un lado, probablemente son los interpretes con cualidades más limitadas del elenco, y por otro, sus personajes tienen muy poco recorrido personal y están ahí simplemente como motores del comportamiento de otros personajes. Realmente, no era necesario mucho nombre para interpretar con dignidad oficio estos papelitos. También aparece brevemente mi admirada muerta resucitada, Anna Friel; pero realmente apenas se puede valorar su pequeña aportación.

Conclusión

No es de lo mejor del director neoyorquino ni mucho menos. Es la segunda película producida por una productora española en la carrera de Allen, y lamentablemente, sin ser tan mala como la primera, tampoco es una gran cosa. Todo ello en términos relativos claro. Porque una película corrientita del director como ésta tiene más elementos positivos que casi todo lo que se estrena hoy por ahí en materia de comedias. Pero bueno,… esperemos que le vuelva la inspiración en un futuro.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: *** (pero por los pelos, que también le podrían ir sólo **)

Tengo la impresión de que algunas escenas podrían estar rodadas en el entorno del puente sobre el Gran Canal en Camden Town Markets, Londres - Fujifilm Finepix F10