[Cine] El olivo (2016), o cómo descargar nuestra rabia por lo que somos en los alemanes

Cine

El olivo (2016; 282016-1305)

Hacía mucho, mucho tiempo que no veía una película de Icíar Bollaín. Creo que siempre recordaré su primer largometraje, una película sencilla, de bajo presupuesto, pero muy fresca. Y la notable denuncia que hizo de la violencia de género, en una película que creo que es menos recordado de lo que debería, siendo magnífica. Una cosa que desde mi punto de vista caracterizó las primeras películas de Bollaín era su capacidad para sacar petróleo de los intérpretes fueran buenos, malos o regulares. Una excelente directora de actores. También es una directora muy comprometida. Todo su cine tiene un fuerte sentido social… lo cual está muy bien… pero puede cansar. A todos nos gusta variar de género de vez en cuando. Hay más cosas en esta vida. Y hay directores españoles que han abusado del género o se han encasillado. El cine comprometido socialmente es necesario, pero no es necesario que todo el cine esté comprometido socialmente.

Puestos a buscar un lugar que represente la corrupción en España, Bollaín no se complica la vida. La Comunidad Valenciana.

Puestos a buscar un lugar que represente la corrupción en España, Bollaín no se complica la vida. La Comunidad Valenciana.

En cualquier caso, tengo la sensación de que con esta película que, siendo sincero, en principio no nos atraía, está funcionando el boca-oreja, y en los pocos días tras su estreno habíamos recibido varias opiniones muy positivas de personas que la habían visto en su fin de semana de estreno. Así que decidimos darle una oportunidad y empezar este segundo fin de semana que está en cartelera yendo a verla.

Lo primero que he de decir es que sigue sacando lo mejor de los intérpretes de los que dispone. Todo el reparto está bastante bien, pero desde luego el trío protagonista tiene momentos espléndidos. Dio la casualidad que la chica protagonista, Alma (Anna Castillo), había salido en un capítulo «ministérico» cinco días antes. Y me pareció absolutamente anodina. Ni caí al principio que fuesen la misma actriz. Y en general está bastante bien. No maravillosamente bien como algunos afirman, pero cumple con notable. Y esos sí son ese Alcachofa (Javier Gutiérrez), que habla mucho, y ese Rafa (Pep Ambròs), que calla más, los que permiten que la protagonista tenga el contrapunto adecuado para destacar. Estupendos. Ambos.

Cada vez es más difícil encontrar paisajes libres de aberraciones urbanísticas en esa zona.

Cada vez es más difícil encontrar paisajes libres de aberraciones urbanísticas en esa zona.

En cuanto a lo que nos cuentan y su mensaje social… Pues es un cuentico… con final agridulce. No sé si importa o no que destripe un poquito el sentido de dicho final. Al fin y al cabo, en estas películas lo que importa es más el viaje, literalmente en este caso, o el lugar en el que nos encontramos, que el tradicional esquema de «presentación-nudo-desenlace». Y el viaje se cierra con un tono agridulce. Al fin y al cabo, hay cosas que nos se arreglan,… porque este país no tiene arreglo. Aunque nos quedemos con el buen rollito familiar con el que se cierra el filme. Lo que ya me convencen menos son algunos aspectos de la trama. Guion y directora plantean una situación propicia para hacer un poco de introspección y entonar un «mea culpa» sincero,… porque ya vale de echar la culpa a los políticos de todo lo malo que pasa en este país. En mayor o menor medida todos somos cómplices… y por ahí parece que van a ir los tiros del filme hasta que nos distraemos con los «malísimos» empresarios alemanes sin escrúpulos. A ver, oye… que empresarios malos hay en todas partes. Que nos podemos dejar de victimismos. Que a mí tampoco me cae bien Angela y sus huestes… pero de verdad, que a los políticos de aquí los votamos nosotros. No me ha satisfecho del todo el planteamiento del filme.

Esto hizo que aunque durante años tuviera yo todas las facilidades para pasar días por allá, en Peñíscola, fuera un lugar que me apeteciera poco. Mucho destrozo.

Esto hizo que aunque durante años tuviera yo todas las facilidades para pasar días por allá, en Peñíscola, fuera un lugar que me apeteciera poco. Mucho destrozo.

Por lo demás, se deja ver. Quienes busquen cine palomitero no lo disfrutarán… pero como se olerán de qué va, tampoco irán. Los demás… pues tiene momentos estupendos, de verdad. Especialmente gracias a esos discretos y estupendos actores, que tanto maltratan en otras películas.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
Aunque algunas de estas viejas diapositivas tomadas en Alcocéber, o la propia Peñíscola, mostraban que hubo tiempos en que el paisaje mediterráneo mereció la pena.

Aunque algunas de estas viejas diapositivas tomadas en Alcocéber, o la propia Peñíscola, mostraban que hubo tiempos en que el paisaje mediterráneo mereció la pena.

[Cine] Tokyo Fiancée (2014)

Cine

Tokyo Fiancée (2014; 272016-0905)

Esta semana ha sido la llamada «semana del cine», tres días en los que suscribiéndote en internet y presentando un papel impreso, puedes entrar al cine por una cantidad más reducida de lo habitual. Sobre el precio habitual que pago cogiendo las entradas en internet y para las versiones originales, algo más de la mitad. Más notable es el descuento para la versiones dobladas y cogiéndo las entradas en taquilla. Pero claro,… no basta con que el cine sea barato; también tiene que haber una oferta interesante. Y durante la «semana del cine» suelen pasar dos cosas en las últimas ediciones. Coinciden con semanas en las que la oferta es bastante pobre. Y suprimen todas las sesiones en versión original subtitulada. O sea. No me interesa lo que ponen, así que pagar esa modesta cantidad de dinero es caro comparado con otras semanas en las que la oferta se ajusta a mis gustos. Todo es relativo.

Hace unas semanas anunciaron el estreno en España de la adaptación de la novela de Amélie Nothomb que nos cuenta «su» romance con un joven tokiota a los 20 años, «Ni d’Ève ni d’Adam«. Leí el libro hace seis años… y repasando lo que escribí he de aclarar algunas cosas. Cosas que no sabía cuando lo leí… no voy a modificar mi ingenua entrada de entonces, pero para aclarar las cosas.

Son muchos los paisajes urbanos de Tokio que vemos en la película.

Son muchos los paisajes urbanos de Tokio que vemos en la película.

Existen dos «Amélie Nothomb». La persona que utiliza este nombre seudónimo para firmar sus novelas, realmente llamada Fabienne Nothomb, y el personaje de algunas de sus novelas a las que da un carácter autobiográfico… sin serlo, y que también llama Amélie (Pauline Etienne). No. Nothomb no nació en Kobe, ni ligó con un tokiota… pero tanto ella como su editorial han jugado a la confusión constantemente. Incluso rodó un documental televisivo en el que «se encontraba» con Rinri (Taichi Inoue), el protagonista masculino de la novela y de la película que nos ocupa hoy, dirigida por Stefan Liberski.

La primera cosa que quiero aclarar es que la película no ha llegado a Zaragoza. Ni en versión original ni doblada. Pero es una película ya estrenada en 2014 en Bélgica, su país de origen, y hace más de un año en Francia. La película es francófona, claro. A mí me apetecía verla, y con tanto retraso en su estreno, no es difícil encontrarla por otras vías. Total,… si han decidido que no puedo verla en mi ciudad en pantalla grande, es un dinero con el que no cuentan, ni sus distribuidores, ni sus productores, ni nadie. No hay dilema ético que valga, desde mi punto de vista. Yo, sinceramente, prefiero pagar mi entrada y ver las películas cómodamente en pantalla grande,… pero en esta ocasión no es posible.

Tanto Shinjuku como Shibuya y su famoso cruce aparecen con frecuencia en pantalla.

Tanto Shinjuku como Shibuya y su famoso cruce aparecen con frecuencia en pantalla.

Aclarado lo cual, he de decir que la película se deja ver. Aunque no me ha llamado la atención de la misma forma que la novela en la que se basa, una interesante historia de amor, que me parece una de las novelas más majas de la autora, de la que he leído ya media docena larga de obras. Es muy prolífica. Se dice en Francia que hay dos cosas fijas tras el verano, la vendimia y la nueva novela de Nothomb. La primera se puede adelantar o atrasar, pero la segunda es puntual.

Hay que decir también que en la película hay una traslación de época. Sitúa la acción a caballo entre 2010 y 2011, lo cual situamos perfectamente por el desastre de Fukushima, mientras que la novela situaría la acción en los años 80. Esto conlleva también algunas modificaciones en la trama que no sé si le sientan bien. Creo que no. Los intérpretes no obstante cumplen con lo que se espera de ellos, con una Amélie que no es como me la imaginaba, pero que me resulta simpática. Quizá el personaje de Rinri queda más plano de lo que era en la novela.

Bueno. No sé si recomendarlo. Para empezar no sé si podréis disponer de la película a mano. En cualquier caso, puede ser curiosa para quienes gusten de las novelas de la autora. Que aunque es traducida habitualmente al castellano, no me parece muy conocida en nuestro país.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Así que también no vamos allí fotográficamente en esta entrada.

Así que también no vamos allí fotográficamente en esta entrada.

[Libro] La vertigine dello sguardo

Cine, Fotografía

Esta entrada va de un libro. O más bien de una osadía. Vayamos un poco atrás en el tiempo… antecedentes.

En primer lugar, desde hace años mantengo una colección de reseñas sobre la fotografía en el cine. Es decir, películas que he visto en las que la fotografía es un elemento fundamental o al menos importante en el desarrollo del largometraje. También aquellas en las que podamos aprender algo de la historia o la práctica de la fotografía a través del cine.

En segundo lugar, desde hace año y medio vengo dedicándome a aprender la lengua italiana de forma autodidacta a través de Duolingo, un método gratuito en línea para aprender idiomas. Según la página,… he alcanzado un 55 % de fluidez en italiano… Bueno… no sé como lo miden. Lo que he comprobado es que cuando veo una película en italiano o me hablan en ese idioma, si no hablan muy rápido o usan un lenguaje coloquial poco estandarizado, entiendo bastante. Que hablar… me cuesta porque no practico con nadie habitualmente y soltarse a dialogar en un idioma extranjero no es fácil, pero que pequeñas conversaciones prácticas cuando he viajado a Italia recientemente, ya mantengo. Y algo que quería conseguir era leer textos originales en italiano con razonable fluidez.

En mi viaje de la Semana de Pascua a Italia, a Perugia y ciudades cercanas de la Umbria y la Toscana, tuve ocasión de visitar el Museo Civico Palazzo della Penna, centro de arte y cultura contemporánea donde comimos en su café que también es librería. Y allí encontré este librito.

La vertigine dello sguardo
Maurizio G. De Bonis
Postcart, Collana Postwords, 2013

Y me atreví a leerlo.

Lo primero que he de decir… todavía me cuesta bastante leer el italiano. No es lo mismo escuchar el lenguaje hablado con un vocabulario relativamente al alcance de un principiante, que un ensayo con un lenguaje culto, cuidado y con un léxico variado. Así que no he ido muy rápido.

Pero el tema era apasionante. El subtítulo lo dice todo:

La fotografía en el cine, entre narración y filosofía de la imagen.

En una serie de capítulos y sobre la base del análisis de una serie de películas que el autor considera significativas en la historia del cine, se reflexiona sobre las relaciones entre el lenguaje fotográfico y el cinematográfico.

Los temas que trata en cada uno de los capítulos son:

La mirada a través de un dispositivo óptico, es decir, a través de una cámara fotográfíca o cinematográfica, sus diferencia y sus elementos comunes.

El cine, el fotoperiodismo y las cuestiones éticas que le afectan.

La figura del fotógrafo entre la biografía, la ficción y la imaginación.

El problema de la mirada y su relación con la realidad.

La fotografía entre el suspense y el horror.

Y termina repasando una serie añadidas de ocho películas relacionadas con la fotografía.

Mencionar aquí el conjunto de películas comentadas con mayor o menor profundidad sería muy prolijo. Hay más de treinta, además de citas a otras que no son comentadas. Desde algunas donde el protagonista es un fotógrafo de ficción, como Rear Window (La ventana indiscreta) o Blow-Up, a aquellas otras en las que tratamos con un fotógrafo real que inspira en mayor o menor medida la película, como Flags of Our Fathers (Banderas de nuestros padres), Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (Retrato de una obsesión) o The Public Eye (El ojo público), o esas otras donde una cámara de fotos tiene un papel importante durante toda la película o en un momento dado, véase Persona o Smoke. Y como no, aquella película cuasiexperimental que en practicamente todo su metraje está rodada con fotos fijas, que fue la incalificable pero interesantísima La Jetée. Estos son sólo algunos ejemplos.

El libro es profundo. Incluso si estuviese escrito en castellano, lo habría tenido que leer con calma, pero muy interesante. Yo he aprendido mucho. Sobre cine y sobre fotografía. Muy recomendable. La única pega… está en italiano. Que no es un idioma comúnmente conocido. Y que como acabo de experimentar, es menos comprensible de lo que parece cuando nos metemos en textos con calidad literaria. Pero me ha merecido la pena.

Todas las fotografías que ilustran el artículo realizadas en las calles de Perugia, Italia.

También en: La vertigine dello sguardo – La fotografía en el cine, entre narración y filosofía de la imagen – Fotografía y otras artes visuales

[Cine] La noche que mi madre mató a mi padre (2016), comedia de enredo ¿o comedia enredada?

Cine

La noche que mi madre mató a mi padre (2016; 262016-2904)

Este fin de semana nos hemos decantado por el cine patrio. No lo tenía yo muy claro, si queréis que os sea sincero. A priori tenía pinta de ser una comedia de enredo, un tipo de comedia que hace mucho mucho mucho tiempo que no me encuentro con una cierta calidad entre las producciones españolas. Pero el reparto que ha buscado Inés París, directora de la que sólo había visto hasta ahora un filme, y que no me gustó gran cosa, tiene un aspecto prometedor. Así que al final,… ¿por qué no?

Se define «la comedia de enredo como un subgénero dramático caracterizado por un argumento complicado e ingenioso y con final inesperado» (1). Los españoles debiéramos ser maestros de este arte, porque fue uno de los tipos básicos de la comedia en el teatro del Siglo de Oro. Y sabemos que en aquella época, cuando se ponía serios, le daban al tema del honor y esas cosas; pero cuando tocaba ser gracioso, nada como un buen embrollo de lo que después se ha dado en llamar la «guerra de sexos» para encandilar al personal. Y esta es la cuestión con esta peliculita. Un matrimonio, él escritor (Eduard Fernández), ella actriz (Belén Rueda), que se relacionan pacíficamente con el ex de ella (Fele Martínez), actor también, y la ex de él (María Pujalte), productora cinematográfica. Entre todos tienen tres hijos que nunca comparte ambos progenitores a la vez, y que en función del título dado al filme, pensaríamos que son el punto de vista desde el que se cuenta la historia. No es así. Completan la función un actor argentino que hace de sí mismo (Diego Peretti), y una jovencita (Patricia Montero), actual relación del ex de ella. Como vemos, no falta embrollo.

No se me ha ocurrido qué fotos poner en esta entrada alusivas a la película... ni siquiera sé dónde está rodada ¿Barcelona? ¿Alguna otra ciudad mediterránea?

No se me ha ocurrido qué fotos poner en esta entrada alusivas a la película… ni siquiera sé dónde está rodada ¿Barcelona? ¿Alguna otra ciudad mediterránea?

A esto añadámosle unas notas de estereotipos al uso. El uno es un neurótico agonías, la otra un poco histérica e insegura, aquel un caradura, esa una reprimida, el recién llegado un donjuán a su pesar,… y la joven… pues tetona y ligera de cascos, claro. ¿Original, verdad? ¿Imprevisible? Pues no, oye. Como decía, estereotipos al uso. Y es que aquí vamos. Si en la definición se supone que hay un argumento lioso, pues lo sería si… se cumpliese la segunda parte de la misma. La resolución inesperada. Y no. Si a alguien de los pocos que estábamos en la sala le sorprendió el desarrollo de la acción que levante la mano. Nadie… ninguna mano a la vista… vaya.

En cualquier caso, os dejo unos motivos primaverales, hoy que parece que realmente es primavera...

En cualquier caso, os dejo unos motivos primaverales, hoy que parece que realmente es primavera…

Guion flojo, con algunos golpes que despiertan sonrisas aquí y allá, con alguna risa suelta, pero que no deja absolutamente ningún poso. Hace cuatro días que vi la película y ya casi se me ha olvidado. El elenco hace lo que buenamente puede, y gracias a su oficio consiguen hacer que la película llegue al aprobado. Pero ciertamente uno siente añoranza… Yo soy de los que dicen que cualquier tiempo pasado fue… anterior. ¿Mejor? No en la mayor parte de las cuestiones del género humano. Pero en lo que se refiere a la comedia española… cuánto daño han hecho en los últimos quince años. Sin hablar de los tiempos de las «españoladas», o los del cine-caspa «ozoriense» y similares. Claro. Comparado con estos… esta película es Bergman. Pero vamos…

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
... porque lo que ha sido este fin de semana largo pasado,... brrr que viento tan frío para ser las fechas que son.

… porque lo que ha sido este fin de semana largo pasado,… brrr que viento tan frío para ser las fechas que son.

[Cine] The Lady in the Van (2015), o los pijos ingleses permiten vivir a su lado a una señora con muchos problemas

Cine

The Lady in the Van (2015; 252016-2104)

La primavera no nos lo está poniendo fácil a los aficionados al cine en Zaragoza. Normalmente, siempre supone un momento de bajón en la oferta cinematográfica que se suele ir salvando porque es cuando encuentran huecos películas de cine independiente o de cinematografías poco potentes, pero que tienen en ocasiones una sorprendente calidad, a pesar de la modestia de sus medios. Pero no estamos sabiendo encontrar esas oportunidades este año.

En un momento dado, optamos por el valor seguro que a priori puede suponer la perspectiva de una interpretación de Maggie Smith. Actriz británica que ha alcanzado elevadas cotas de popularidad en los últimos años por el magistral papel de condesa viuda en el culebrón de época más celebrado de los últimos tiempos. Así que con esta perspectiva nos acercamos a ver la película británica dirigida Nicholas Hytner, basada en una experiencia real vivida por el escritor Alan Bennett.

2012. Viaje a Londres. carloscarreter.com | Tumblr | Twitter | Facebook.

Nos iremos a Londres, dado el tema del filme, de momento cogeremos el metro en la estación de South Kensington.

Este novelista, dramaturgo y guionista inglés acogió durante quince años en la parte delantera de su casa a una vagabunda que vivía en una fugoneta, con una particular relación que además de esta adaptación al cine ha tenido también adaptaciones literarias o teatrales. Por supuesto, la señora de la furgoneta, Mary Shepard/Margaret Fairchild está interpretada por Smith. Y detrás de esta situación un drama personal, que se extendía durante décadas en la vida de Fairchild, más allá del accidente que la llevó a la vida indigente.

La cosa prometía. O por lo menos, podemos afirmar que había elementos suficientes para ofrecer una buena historia, a poco que el buen hacer de los intérpretes y el oficio a la hora de rodar se pusiesen al servicio de la misma. Los intérpretes están bien. Y oficio técnico cinematográfico hay. Pero de alguna forma, la película no acaba de cuajar. No está mal,… pero al final te quedas un poco frío. ¿Posibles razones?

Podemos pasear a la orilla del Támesis a la altura de la Torre de Londres y su célebre puente.

Podemos pasear a la orilla del Támesis a la altura de la Torre de Londres y su célebre puente.

Una está clara. Maggie Smith podrá ser una excelente actriz, pero en esta película se limita a hacer el papel que viene haciendo últimamente de señora gruñona pero con corazón. No hay grandes diferencias reales entre la indigente de la furgoneta y la condesa viuda de Grantham. Otra está en que el alter ego cinematográfico del escritor, interpretado por el habitualmente competente Alex Jennings, nos deja fríos. No es un señor que nos caiga simpático. Ni nos gusta el como afronta sus dilemas morales. De hecho, él y su vecindario, nos parecen una panda de pijos ingleses bastante hipócritas, pero sin que la película suponga realmente una reflexión profunda sobre esa hipocresía. Finalmente, al final, la señora muere… esto no es destripar la trama,… es algo que es evidente, y te quedas con la sensación de que todo ha sido una curiosa anécdota. Sin más. Y no creo que esta fuera la intención de los responsables del filme, ni mucho menos. Pero es lo que sentimos.

Por lo tanto, sin ser una película merecedora de un suspenso, es de alguna forma un película fallida, que se hace algo larga con su hora y tres cuartos de duración para lo que realmente cuenta. Habrá gente que le guste, especialmente los fans de Maggie Smith. Pero probablemente es una película fácilmente olvidable.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Y podemos ir a hacer algunas compras no lejos de Harrods a la caída de la tarde.

Y podemos ir a hacer algunas compras no lejos de Harrods a la caída de la tarde.

[Cinefoto/Cinetren] Actualizaciones de mis colecciones de cine ferroviario o de tema fotográfico

Cine, Fotografía, Trenes

Hoy me he dedicado a actualizar mis colecciones dedicadas a las películas con tema ferroviario (cinetren.wordpress.com) o con tema fotográfico (cinefoto.wordpress.com).

Entre las primeras he añadido la última película de Almodóvar, basada en tres relatos cortos de Alice Munro, uno de los cuales transcurre en un tren. Y que tiene una importancia grande en el devenir del largometraje del manchego. Así que he abierto una entrada específica para «Julieta» en la colección.

Dos de las películas de hoy transcurren en París, así que nos vamos fotográficamente a la capital francesa.

Dos de las películas de hoy transcurren en París, así que nos vamos fotográficamente a la capital francesa.

Entre las segundas, dos películas. Una reciente, «Marguerite», ya que en está película con simpática y desafinada protagonista, la fotografía tiene también un papel secundario pero no desdeñable, de la mano del mayordomo… que en esta ocasión no es el asesino. O no del todo.

La otra, ya tiene unos años, ya que se trata de la última colaboración entre el director polaco Zulawski y la actriz francesa Sophie Marceau, «La fidelité», en la que esta última encarna a una fotógrafa. Aunque la película no deja de ser una revisión de un clásico de la literatura francesa «La princesa de Cléveris».

Bien es cierto que en una de ellas también hay alguna escena en algún tren... igual tendría que haber buscados trenes franceses... Para otra vez.

Bien es cierto que en una de ellas también hay alguna escena en algún tren… igual tendría que haber buscados trenes franceses… Para otra vez.

[Cine] The invitation (2015), o la cena de los postmodernos pedantes

Cine

The Invitation (2015; 242016-1404)

Sinceramente, no me extenderé mucho. El jueves volví cuanto antes a trabajar a las tres de la tarde porque tenía que esperar al técnico de mantenimiento de la caldera de gas. Sí. Una tarde así de prosaica me esperaba. Pero llegó, hizo lo suyo, y se fue dejándome con un buen tramo de tarde disponible. Justo cuando me llamaron al teléfono para salir un rato… y nos decidimos ir a ver una película. Y como ya estamos en esa época del año en que es difícil elegir, porque salvo que lleve alguna de esas joyas ignoradas por los ignorantes distribuidores y la cuelen en la cartelera por calidad, todo empieza a estar bastante flojo.

Entonces miramos a ver y vimos que esta película de Karyn Kusama,… no recordábamos nada suyo… si lo hubiéramos hecho nos lo hubiéramos pensado dos veces… Ha dirigido alguna cosita curiosa en televisión… pero en el cine… casi logra que odiemos a Charlize Theron… Claro, que en estos momentos hay en cartelera una película con la Theron, Emily BluntJessica Chastain… y no iríamos a verla ni aunque nos pagasen un dineral por ello… Esas cosas que tiene el dinero de Hollywood, que es capaz de lo mejor, pero a veces, cual rey Midas disléxico, todo el oro que toca lo convierte en algo sin valor. Pero, ¿quién me iba a decir que iba a dar pánico ver una película con semejante reparto femenino?

A ver si la belleza de estas orquídeas, captada en el inopinado entorno laboral en el que me muevo, me calma un poco.

A ver si la belleza de estas orquídeas, captada en el inopinado entorno laboral en el que me muevo, me calma un poco.

Estoy divagando… y mucho. El caso es que la película que nos ocupa tenía por ahí algunas críticas positivas, y ganó el premio a la mejor película del festival de cine fantástico de Sitges hace un año. Y entonces digo yo… a los «críticos» de cine, algunos por lo menos, y a los jurados festivaleros se les va la olla, ¿no?. Porque esta película de diálogos sonrojantes, de personajes planos y previsibles y de final gratuitamente sangriento… al que no le veo la fantasía por ningún lado… es mala de narices. También hay quien la califica dentro del género de terror… Pero si aterroriza por algo es por lo vacío de la propuesta y por el acartonamiento de su puesta en escena y sus interpretaciones…

Vamos… que yo os recomendaría que no fuerais a verla. O a lo mejor es que yo soy muy rarito y no se apreciar las «virtudes» de esta memez. Aggggggg… ¡que me devuelvan mi dinero! Porque es que además, cuanto más pienso en ella,… menos me gusta.

Valoración

  • Dirección: *
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: *
Porque este filme me ha parecido enervante... brrrrr...

Porque este filme me ha parecido enervante… brrrrr…

[Cine] Julieta (2016), o Todo sobre mi hija

Cine

Julieta (2016; 232016-0804)

Vuelve Pedro Almodóvar con un nueva película. En mal momento… el manchego ha sido puesto recientemente en la picota con los famosos «papeles de Panamá«. Que demuestran que las «gentes de bien» no debieran preocuparse tanto con las transgresiones culturales. Almodóvar fue acusado de transgresor irreverente, pero parece que con el tiempo se adaptó bien a los usos y costumbres capitalistas de las «gentes de bien».

Pero vamos a hablar de cine que es a lo que vamos. Vigésima película para el laureado director, que ha despertado bastante expectación, puesto que después de la ultima tontada que nos ofreció, parecía que se había puesto las pilas para volver por sus fueros. Dos actrices muy respetadas en el papel protagonista, la veterana Emma Suárez y la más joven y actual Adriana Ugarte. Ya adelanto que la primera siempre me gustó, desde todos los puntos de vista, mientras que a la segunda todavía le tengo que ver un papel que me convenza. Y como historia, la adaptación de la reciente Premio Nobel canadiense Alice Munro. Esta elección me ha parecido llamativa. Primero, porque no son habituales en el cine de Almodóvar las adaptaciones de historias que no salgan de su cabeza. Segundo, porque después de haber leído algún libro de relatos cortos de Munro, no conseguía cuadrar del todo el estilo literario de esta con el cinematográfico del manchego.

La acción se remonta al año 1985... época en la que yo visitaba con frecuencia los alrededores de Peña Telera. Pero no tengo fotografías digitalizadas anteriores a 1989. Así que me remontaré al Madrid de 1990, como lo más cercano a aquella época.

La acción se remonta al año 1985… época en la que yo visitaba con frecuencia los alrededores de Peña Telera. Pero no tengo fotografías digitalizadas anteriores a 1989. Así que me remontaré al Madrid de 1990, como lo más cercano a aquella época.

De las crónicas que he leído sobre la película, creo que la que mejor refleja lo que yo sentí al ver el filme es lo que apareció en Variety. Almodóvar deja atrás la comedia gamberra y transgresora, así como el melodrama excesivo, y se arroja en brazos del viejo drama puro y duro, con tintes de tragedia. Y a pesar de que en la estética del filme intenta ser a toda costa fiel a sí mismo, realmente es lo único que nos enlaza con el viejo Almodóvar. Y no tengo claro que sea para bien.

En un recorrido por 30 años de la vida de una mujer, desde el momento en que es una joven recién licenciada en Letras que da clases como interina o sustituta en institutos o colegios de enseñanza secundaria (¿qué «puñetas» es eso de que da clases de «filología clásica» en un colegio o instituto? ¿en España?), hasta que es una mujer madura apunto de reorientar su vida trasladándose con su pareja, escritor, a vivir a Portugal abandonando Madrid, tras rehacer su vida después de más de una década de sufrimiento por el abandono de su hija, que se extrañó en circunstancias no bien explicadas al principio del metraje. Pero tengo la sensación de que en el adaptación de los tres relatos cortos de Munro en los que se basa la película, que no he leído pero que leeré, algo se pierde. Que no acabamos de estar ante una película universal. Que lo que puede funcionar como drama en la aséptica, civilizada y fría sociedad canadiense, no tiene sentido cuando lo trasladas a escenarios como las rías gallegas, un pueblo andaluz o los más castizos barrios madrileños. Algo se pierde en la translación (no, no traducción; utilizo el término a propósito). Y al final nos queda una historia que sólo a ratos nos llega, nos dice algo o nos conmueve.

Un Madrid en el que todavía estaba en activo la estación de Príncipe Pío, desde donde en tiempo salían los trenes con destino a Galicia... como el de la película.

Un Madrid en el que todavía estaba en activo la estación de Príncipe Pío, desde donde en tiempo salían los trenes con destino a Galicia… como el de la película.

Por lo tanto, nos queda una película de factura técnica irreprochable pero falta de corazón. Que no consiguen arreglar del todo sus personajes/intérpretes. A otros no sé qué les pasará, pero yo no consigo ver en la Julieta de Ugarte la misma mujer que la Julieta de Emma Suárez. Dejando de lado que la parte de esta última es más interesante por el mayor dramatismo de sus vivencias, que viene acompañado por su mayor capacidad para transmitir ese dramatismo. Y del resto del reparto, me resultan un poco fríos salvo esa Rossy de Palma haciendo un papel que me recuerda a los que hacía, vaya desde aquí mi homenaje, la recientemente fallecida Chus Lampreave, pero en versión superborde en lugar de entrañable.

Luego hay cosas que funcionan mejor… el episodio del tren tiene cosas notables… y otras peor… no acabó muy bien de entender qué aporta la visita a lo padres en Andalucía. Y al final resulta que lo que te han contado es muy poquita cosa… a pesar de la escasa duración del a película. Personajes muy planos, fuera de la protagonista,… lo cual se hace especialmente incómodo con el papel de la hija, Antía (Blanca Parés/Priscilla Delgado). Que también mira tú, que me he enterado que en el original literario se llama apropiadamente Penélope, que para que cambiarlo por un nombre gallego si al fin y al cabo la madre es filóloga clásica.

Un Madrid que de todos modos apenas aparece insinuado en la película, tal y como yo lo recuerdo.

Un Madrid que de todos modos apenas aparece insinuado en la película, tal y como yo lo recuerdo.

Si hecho mi vista atrás en la filmografía de Almodóvar me doy cuenta de una cosa. Que su cine, que mantuvo un buen nivel hasta Volver, con algún altibajo ocasional, inició con posterioridad un declive progresivo del que no acaba de salir. Quizá hayan pasado los mejores tiempos de la capacidad creativa del manchego. Un aprobado es un fracaso para este director. Y no pasa de ahí la película que nos ocupa hoy.

Eso sí… Que belleza el plano final con la cola del pantano de Búbal, el hayedo del Betato y la majestuosa Peña Telera mientras un coche circula por la carretera de Panticosa, aunque nos quieran hacer creer que es Suiza y no el imponente Pirineo central aragonés.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Porque más allá de los cambios físicos en los personajes tan apenas se aprecian cambios reales en el entorno, resultando un escenario atemporal.

Porque más allá de los cambios físicos en los personajes tan apenas se aprecian cambios reales en el entorno, resultando un escenario atemporal.

[Cine] Marguerite (2015), lo que se desafina es el corazón

Cine

Marguerite (2015; 222016-0404)

Desde hace años, mi canción favorita es Desafinado de Antonio Carlos Jobim. Siempre me ha gustado ese estribillo que dice

que no peito dos desafinados, no fundo do peito bate calado, que no peito dos desafinados tambem bate um coraçao

Secundariamente, también me gusta por su bonita referencia a la Rolleiflex. Es posible que la película de hoy acabe en mi lista de películas relacionadas con la fotografía, pero de momento no. De momento, la película de Xavier Giannoli interpretada magistralmente por Catherine Frot, si nos puede interesar es por el concepto de que las personas, con frecuencia, con más frecuencia de lo que creemos tenemos el corazón desafinado.

La acción nos transporta al París de 1920,  recién terminada la Gran Guerra y adentrándonos en les "Annèes Folles" o los "Felices años 20" .

La acción nos transporta al París de 1920, recién terminada la Gran Guerra y adentrándonos en les «Annèes Folles» o los «Felices años 20» .

Y es que disfrazada de comedia, en la que la aspirante a soprano de coloratura aficiona desafina sus arias a voz en grito, nos encontramos con un pequeña tragedia. La tragedia de quienes lo pueden tener todo, pero les falta el amor, o al menos el cariño y el respeto de quienes les rodean. Por que eso le pasa a Marguerite. Es rica, tiene mucha gente a su servicio, pero salvo el servicio, todos los afectos que se le prodigan son serviles, por su dinero. Empezando por su marido Georges (André Marcon). Y con la ambigua relación con el mayordomo Madelbos (Denis Mpunga). Aunque la cosa cambia cuando por allí pasa Hazel (Christa Théret), una prometedora mezzosoprano, y dos caraduras, el periodista Lucien Beaumont (Sylvain Dieuaide) y el artista dada Kyrill von Priest (Aubert Fenoy). Porque a partir de ahí se desencadenarán los acontecimientos que permitirán que al final se levanten las cartas, y sepamos todos a que estamos jugando. Aunque si eso es bueno o es malo… es cuestión de opinión.

Sin embargo, esta tragicomedia no está del todo bien engarzada. La mayor parte de la gente se queda con la parte de comedia. Y con el encariñamiento que nos provoca la protagonista. El descenso final a los infiernos, que se prolonga en exceso, con un metraje que no debería haber llegado, y menos sobrepasado, la dos horas. Y que por los distintos climax que la acción va acarreando, tiene la paradoja de resultar anticlimático.

Bien es verdad que parece que se ha rodado en gran medida en la República Checa... cosa de dinero y de conservación del aspecto de las calles... Pero nosotros seguiremos paseando por Paris.

Bien es verdad que parece que se ha rodado en gran medida en la República Checa… cosa de dinero y de conservación del aspecto de las calles… Pero nosotros seguiremos paseando por Paris.

En cualquier caso, merece la pena ser vista por las interpretaciones, especialmente la de Frot, que compone un personaje que a ratos nos parece de historieta. Es inevitable recordar a otros grandes desafinadores de la «bande dessinée» francófona, como los bardos de los irreductibles galos o la tintinesca Bianca Castafiore. Pero me queda la sensación de que estamos ante una más que interesante historia a la que no se le saca todo el partido debido.

Por cierto,… excelente banda sonora, aunque con varias de sus arias un poco «fuera de tono».

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
Un París en el que se mezclaban las temporadas en la Opera con los nuevos movimientos artísticos, los "ismos", que se alumbraron con el principio del siglo XX.

Un París en el que se mezclaban las temporadas en la Opera con los nuevos movimientos artísticos, los «ismos», que se alumbraron con el principio del siglo XX.

[Cine] 海街diary (Umimachi Diary) (2015), ¿mujercitas en versión nipona?

Cine

海街diary (Umimachi Diary) (2015; 212016-0329)

Segunda entrada consecutiva que dedico al cine japonés en este Cuaderno de ruta. Si hace unos días comentaba las películas de animación que recientemente han llegado a nuestras carteleras, hoy toca hablar de la última película que estrenado Hirokazu Kore-eda, un director nipón del que en pocos años hemos podido ver algunas película interesantes. Generalmente sobre el tema de la familia, como una pequeña maravilla llena de una sana ingenuidad, o los dilemas que se presentan a dos familias muy distintas con los hijos equivocados.

Y en esta ocasión sigue con el tema de la familia al adaptar al cine con intérpretes de carne y hueso una serie de historietas con el mismo título, 海街diary – Umimachi Diary. El mismo título japonés, porque en la cartelera española la podemos encontrar con el título traducido de la versión en inglés, «Our Little Sister», es decir, «Nuestra hermana pequeña». Pero realmente, la película se entiende mejor, en su planteamiento y estructura, si tomamos el título original japonés, que traducido sería «Diario en una ciudad a la orilla del mar».

La principal atracción de Kamakura, la ciudad donde transcurre la mayor parte de la acción de la película, es la gran estatua de bronce de Amida Butsu (o el buda Amitābha, en el original sánscrito). Pero no sale en el filme.

La principal atracción de Kamakura, la ciudad donde transcurre la mayor parte de la acción de la película, es la gran estatua de bronce de Amida Butsu (o el buda Amitābha, en el original sánscrito). Pero no sale en el filme.

Sachi (Haruka Ayase), Yoshino (Masami Nagasawa) y Chika (Kaho) Koda son tres hermanas que viven juntas en la vieja casa de su abuela en una ciudad costera. Tres jóvenes entre los 30 y los 20 años, con distintos caracteres, niveles de madurez y responsabilidad, pero solidarias entre ellas. No se menciona expresamente, pero la ciudad es Kamakura, bella ciudad que se encuentra no muy lejos de Tokio y que merece la pena ser visitada. Un día les llega la noticia de su padre, de quien se encontraban extrañadas desde hacía quince años, pese a lo cual se dirigen a un pueblo en las montañas para su funeral. Allí conocen a Suzu Asana (Suzu Hirose), una hermana suya, menor, de unos trece o catorce años, que al morir el padre, se ha quedado sola con su madrastra, la tercera mujer del padre. Las tres hermanas Koda deciden invitar a su hermanastra más joven a vivir con ellas. Y acepta.

Como decía, el título japonés me parece más adecuado. Porque no estamos ante una historia, un relato convencional, propiamente dichos. Sí que hay un desencadente, el que he contado en el párrafo anterior, que provoca un nuevo statu quo en la vida de las cuatro jóvenes. A partir de ahí, vamos haciendo un recorrido en sus vidas. Un recorrido a través de estaciones y de situaciones personales, las propias y las de las personas que les rodean, o del resto de su familia, que hacen que todas ellas se vean obligadas a ir madurando, a cambiar progresivamente sin perder la esencia de quienes son.

La riqueza en templos budistas y santuarios sintoístas de la ciudad nos hace imaginar que estamos ante un lugar lleno de tradiciones. En la fotografía, parece día de fiesta en el santuario de Tsurugaoka Hachiman-gū.

La riqueza en templos budistas y santuarios sintoístas de la ciudad nos hace imaginar que estamos ante un lugar lleno de tradiciones. En la fotografía, parece día de fiesta en el santuario de Tsurugaoka Hachiman-gū.

Kore-Eda no creo que llegue al mismo nivel de profundidad que en las anteriores películas, y los 128 minutos de duración provoca a que poco a poco tengamos la sensación de que las situaciones son un poco repetitivas. Que el avance es más escaso de lo que aparenta. Al fin y al cabo, contando el paso de las estaciones, el director se centra en lo que acontece en un año desde que la joven Suzu se muda a vivir con sus hermanas. Eso sí todo ello contado con sencillez cinematográfica, pero al mismo tiempo con gran elegancia. Lo único que de lo que se podría acusar en un momento dado es que la película tiene un par de momentos, más o menos lacrimógenos, en que roza la sensiblería excesiva.

Uno de los grandes atractivos de la película son sus cuatro protagonistas. Resultan muy convincentes en sus papeles, y te enamoras de ellas, en el buen sentido de la palabra, de inmediato. Quizá los personajes está un pelín estereotipados; la mayor responsable, la mediana guapa y ligona, la otra mediana extravagante, y la pequeña… que es prácticamente perfecta, todo lo hace bien… y se supone que es el motor del cambio para el conjunto.

Y así queda reflejado en la película donde la cuatro chicas viven a caballo entre la modernidad y el respeto por la tradición, reflejada en la vieja casa tradicional de su abuela, donde viven, o en el altar donde todos los días se inclinan con sus plegarias.

Y así queda reflejado en la película donde la cuatro chicas viven a caballo entre la modernidad y el respeto por la tradición, reflejada en la vieja casa tradicional de su abuela, donde viven, o en el altar donde todos los días se inclinan con sus plegarias.

No es una película redonda, pero es una película agradable de ver. Antes de verla ya suponíamos que estábamos ante un producto amable, lleno de buenas intenciones, con abundancia de buen rollo. Una de esas películas en las que no hay malos. Incluso aquellos que han tenido sus tropiezos en la vida tienen ocasión para redimirse y mostrar que son buena gente. Así que ya sabéis lo que os podéis encontrar. Como digo, una película muy agradable.

Las historietas en las que se basa comenzaron a publicarse en Japón en 2007 y recientemente, en enero de 2016, se ha publicado el séptimo volumen, por lo que siguen vivas. Ya digo que no es un historia con un fin determinado.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
En cualquier caso, un lugar que como digo merece la pena visitarse. Aunque a nosotros no nos dio tiempo a acercarnos a las playas de la ciudad y al mar.

En cualquier caso, un lugar que como digo merece la pena visitarse. Aunque a nosotros no nos dio tiempo a acercarnos a las playas de la ciudad y al mar.

[Cine] Sesión doble de animación japonesa – la princesa Kaguya y Marnie

Cine

かぐや姫の物語 – Kaguya-hime no Monogatari (2013; 192016)

思い出のマーニー – Omoide no Mânî (2014; 202016)

La distribución del cine de calidad en España es lamentable. Especialmente cuando se trata de cinematografías extranjeras ajenas a la estadounidense. Sorprendentemente, esto también suce cuando hablamos de productos de calidad internacional reconocible, producidos por gentes que se han dedicado durante décadas a realizar algunos de los títulos más notables del cine de animación mundial. Porque sí… hay vida, y mucha, más allá de Disney, Pixar y otros candidatos norteamericanos a repartirse esta parte del pastel, que han ido surgiendo con el advenimiento de la animación generada por computadora.

2014, Viaje a Japón. carloscarreter.rs | carloscarreter.com | Tumblr | Twitter | Facebook.

El monte Fuji suele formar parte de las leyendas niponas, y también tiene su papel en el cuento original en el que se basa la película sobre la princesa Kaguya.

Ahora he estado unos días fuera de casa, y no he podido ir al cine. Pero me sorprendió que entre los estrenos que se produjeron antes de salir de viaje que llegasen dos títulos procedentes del Studio Ghibli, que yo ya había descartado que se fuesen a estrenar en nuestro país, y ya había buscado las formas de verlos. Me gusta la animación de calidad. Y hace tiempo que este estudio japonés, que desgraciadamente ha cerrado su estudio de producción recientemente, se encuentra como mi favorito de las últimas tres décadas. Historias con profundidad en el desarrollo de los caracteres, comprometidas socialmente y con una fuerte apuesta por el ambientalismo, y que han producido caracteres protogonistas muy interesantes, especialmente entre las niñas y adolescentes. Jóvenes y mujeres que son un modelo personal mucho más interesante que los que llegan del otro lado del Atlántico.

La dos películas que traigo aquí hoy, y que se estrenaron simultáneamente en la cartelera española, tienen ya un recorrido relativamente largo. La primera de ellas, conocida también en la cartelera española como «El cuento de la princesa Kaguya», se estrenó en Japón en 2013, en Estados Unidos en 2014, y optó a los premios Oscar en la ceremonia que se celebró en 2015. La segunda de ellas, conocida por su título en español «El recuerdo de Marnie», ha llevado una trayectoria similar pero un año más tarde; 2014, 2015, 2016. Son las dos últimas producidas por Ghibli, son obras respectivamente de los directores Isao Takahata y Hiromasa Yonebayashi, y ambas son adaptaciones a historias literarias previamente conocidas.

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La mitología de la religión popular japonesa es muy compleja, y está muy vinculada a la naturaleza. Cualquier lugar, como el monte Tenjō o el propio Fuji son considerados como santuarios relacionados con los millones de kami que conforman el panteón sintoista nipón.

La historia de la princesa Kaguya procede de un relato japonés del siglo X conocido como El cuento del cortador de bambú, considerado como el texto nipón más antiguo conocido. Es un cuento que mezcla el carácter moral de algunas de sus enseñanzas con la fantasía procedente de la compleja mitología japonesa, siendo la protagonista, la princesa Kaguya, una habitante de otro mundo, que llegó a la Tierra en un día de luna llena y que está destinada a abandonarla en otra luna llena, puesto que nuestro satélite es su lugar de origen. Es un relato muy bello, cargado de poesía, y que es trasladado en imágenes por Takahata con un estilo de animación pintada a mano, pero muy expresiva e innovadora. Una auténtica obra de arte visual, muy por encima de lo que se ve habitualmente, conceptual y artísticamente hablando. Lo cual hace que tampoco sea la película de animación más asequible para el gran público, acostumbrado a los productos prefabricados norteamericanos. Pero merece la pena darle la oportunidad. De verdad.

La historia de Marnie se enraíza sin embargo en la tradición literaria occidental ya que es la adaptación de la novela para adolescentes de la británica Joan G. Robinson, «When Marnie Was There». No es la primera vez que la gente del Studio Ghibli adapta historia y ambientes de origen europeo, convirtiéndolos con habilidad en relatos universales aptos para personas educadas en las tradiciones de todo el mundo. Quizá porque saben conservar los valores universales que contienen las obras. En esta ocasión, a través de los dibujos más convencionales pero técnicamente impecables y con momentos también muy bellos, cambia el paisaje inglés por Sapporo y las costas de la isla de Hokaido. Un relato que también juega con los recuerdos, con la fantasía y con los vínculos entre generaciones para dar sentido a la vida de un joven preadolescente huérfana que no encuentra con claridad su sitio en el mundo, no teniendo claros sus vínculos con el pasado.

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Esto permite a los habitantes de las islas del Sol Naciente tener un peculiar relación con la naturaleza.

Nuevamente, en ambas historias encontramos algunos de los denominadores comunes de los productos de Ghibli. Personajes femeninos protagonistas interesantes, fuertes o en desarrollo positivo, compromiso con la tradición bien entendida y con el medio ambiente, uso de la fantasía o del realismo fantástico como vehículo para la transmisión de valores positivos.

Ambas están todavía en cartelera, por lo menos en Zaragoza. No creo que duren mucho. Si os interesa el cine de animación es obligatorio verlas. Y si no, igual deberíais darles una oportunidad. Lo ridículo es que estas películas tarden dos años en llegar a nuestras pantallas desde su estreno en el país de origen.

A la princesa Kaguya les doy cuatro estrellas, ****.

A Marnie le doy sólo tres, porque el guion me parece mejorable, ***.

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En cualquier caso, las películas del Studio Ghibli siempre tienden al entendimiento entre las personas, y se sacuden el sexismo con personajes femeninos interesantes y decididos. Quizá su objetivo es que niñas como la de la foto, hija de una pareja mixta entre japonesa y occidental, vivan en un mundo realmente mejor, más tolerante y abierto a todos. Si lo hacen ellas, lo haremos todos.

[Cine] Mustang (2015), ¡qué difícil es ser mujer en este puñetero mundo!

Cine

Mustang (2015; 182016-0315)

Tras la emotiva visita guiada a la exposición de Gervasio Sánchez y Mònica Bernabé que os contaba hace unos días, volvemos al mismo tema, pero estaba en versión cinematográfica de la mano de la directora turca Deniz Gamze Ergüven.

Pero claro… todos estamos acostumbrados a imaginar cosas terribles para las mujeres en uno de los países más problemáticos del mundo para nacer, muy especialmente si eres chica, como Afganistán. Pero Ergüven nos lleva a su país, Turquía. Yo visité hace un par de décadas Estambul. Una ciudad de contrastes, pero donde había amplias zonas de la ciudad abiertas ya a la modernidad. Es un país que en más de una ocasión ha mostrado su interés por integrarse en la Europa «unida». Aunque de tradición islámica, sufrió un fuerte proceso de laicización del estado después de la Primera Guerra Mundial. Y teóricamente también de la sociedad.

La directora nos lleva a una población en la costa del mar Negro, al nordeste de Anatolia, cerca de Trebisonda, esta una ciudad de casi un cuarto de millón de habitantes, cuyos equipos deportivos se pasean por las competiciones europeas. Los periodistas parece que han olvidado el nombre tradicional de la ciudad en castellano, y ahora es habitual oír que la denominan Trabzon. No estamos en Estambul, pero tampoco en la Turquía más profunda y oscura. Estamos en un lugar de provincias normal para el país. Estamos en un lugar por el que han pasado numerosas civilizaciones.

Nos vamos a Estambul, claro, en esta ocasión... el único lugar de Turquía que he visitado.

Nos vamos a Estambul, claro, en esta ocasión… el único lugar de Turquía que he visitado.

Bien. Pues allí sitúa Ergüven la historia de Lale (Günes Sensoy), Nur (Doga Zeynep Doguslu), Ece (Elit Iscan), Selma (Tugba Sunguroglu) y Sonay (Ilayda Akdogan), cinco hermanas entre los 12 y los 17 años, calculo a ojo. Huérfanas, viven con su abuela (Nihal G. Koldas) y su tío Erol (Ayberk Pekcan). Y llega el verano y el final del curso, y lo celebran con otros compañeros del colegio bañándose en la playa… Y las cotillas del lugar se lo cuentan a la abuela y empieza la odisea de las cinco hermanas. De las que unas saldrán mejor paradas y otras peor.

La película nos sumerge en un ambiente mediterráneo que cualquiera que hayamos nacido en estas latitudes encontraríamos casi paradisíaco. El mar, montes, el sotobosque mediterráneo, la languidez de las tardes de verano, la brisa, una casa fresca con sus patios y sus jardines. La directora hace un trabajo magnífico transmitiendo sensaciones. Casi podemos sentir el calor, la humedad, los olores, la brisa gracias a la habilidad en la filmación y la iluminación del entorno. Reforzada con la gracia femenina de las cinco adolescentes, alguna todavía una niña, a las que dota de una sensualidad inocente, ingenua, carente de malicia y llenas de ganas de vivir. Y todo esto parece que está penado en muchas partes del mundo.

Una ciudad que puede ser muy bella, cruce de culturas constante, capital de un imperio durante siglos.

Una ciudad que puede ser muy bella, cruce de culturas constante, capital de un imperio durante siglos.

El desarrollo de la película explora muchos de los problemas a los que se habrán de enfrentar las jóvenes. Son cinco hermanas, lo que le permite recorrer una diversidad de situaciones. El enclaustramiento social, el matrimonio forzado, la negación del derecho a la educación, la depresión y la autoagresión los abusos físicos… y también los otros… aunque de forma muy sutil, muy poco explícita,… pero consiguiendo que temamos la llegada de la noche en la casa donde viven las cinco hermanas. Y también el espíritu de rebelión. Y desde luego un principio y un final que dan un carácter cíclico a la película, con un abrazo entre lágrimas en el comienzo de la película entre la protagonista y heroína de la película, la pequeña Lale, magnífica la joven actriz que la interpreta, Günes Sensoy, y la profesora de la niña, que se repetirá al final, concluyendo la tesis que la directora nos quería presentar. La educación es el arma que alguna vez podrá triunfar contra la oscuridad del conservadurismo, religioso o de cualquier tipo, y el machismo atroz que impera en buena parte del mundo.

No es una película perfecta. Constantemente se hace demasiado evidente, demasiado previsible. Pocas veces nos cogen por sorpresa los desenlaces de las pequeñas historias que suman la historia global… pero tal vez sea lo de menos. Porque es más importante la situación que denuncia que la historia que cuenta. Y además está rodada muy bonita.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
Pero en la que, entre destellos de modernidad, todavía podían apreciarse los modos tradicionales de hacer.

Pero en la que, entre destellos de modernidad, todavía podían apreciarse los modos tradicionales de hacer.