Cine

[Cine] Amour (2012)

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Amour (2012), 12 de enero de 2012.

Michael Haneke no es un director fácil. Pero es de los importantes. Para algunos, el más importante director europeo actual. Si descartamos los aspectos comerciales, donde difícil es competir con el cine norteamericano, eso sería como considerarlo casi uno de los primeros del mundo. No he visto todo lo que ha rodado. Pero lo que he visto nunca me ha dejado impasible. Y en general lo he considerado de bueno a muy bueno o excelente. Así que en estos momentos, después de lo mucho que me gustó lo último que nos mostró, un estreno suyo es una visita obligada a las salas de cine.

La película que os traigo hoy ha sido vista en su versión original en francés, subtitulada en español. El francés culto y pausado de los diálogos han convertido los subtítulos la mayor parte del tiempo en algo superfluo para mí, afortunadamente. En cualquier caso, se puede encontrar en la cartelera española bajo el título Amor (Amour).

Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva) son un matrimonio octogenario. Cultos, profesores de música retirados, los conocemos asistiendo al concierto de Alexandre Tharaud (persona real, músico francés que se interpreta a sí mismo en la película), uno de sus antiguos alumnos ya consagrado como concertista de piano. Su hija Eva (Isabelle Huppert), también música, vive en el mundo y se ven poco. Viven en su piso de París, de forma calmada como personas bien consideradas, asistidos en algunas cosillas por su conserjes. En un momento dado, Anne sufre un ictus, un accidente cerebrovascular, y el intento de resolver el problema quirúrgicamente no tiene éxito y queda paralizada de su lado derecho del cuerpo. Y a partir de ahí viene la historia de la evolución de esta pareja, unida por un amor realmente profundo, en la adversidad de la discapacidad y la dependencia, y sujetos a sus propios compromisos del uno hacia el otro.

Hasta cierto punto, conocemos desde la primera escena el desenlace del filme. Rodado casi íntegramente, salvo una escena en la sala de conciertos y otra breve en un autobús urbano, en el piso de los dos ancianos, Haneke va desarrollando la historia de muchas personas hoy en día, en el que el nivel de vida nos permite llegar edades avanzadas, dándose situaciones de dependencia en ancianos para las actividades básicas cotidianas. Y conocemos el compromiso del marido, por el inmenso amor y respeto que tiene hacia la esposa, conocemos los conflictos de los hijos, que tienen su propia vida que les impide salvo enormes renuncias atender a sus mayores, conocemos los problemas del cuidado profesional adecuado de estas personas, conocemos los sentimientos de rabia, frustración, depresión,… Todo ello mostrado magistralmente, sin excesos, con claridad. Y el amor entre ambos ancianos, constantemente significado en sus acciones, pero también en numerosos elementos, muchos de ellos metafóricos (la paloma, por ejemplo, los cuadros de paisajes,…) que impregnan y presiden la historia. Los espectadores salen impresionados por esta historia. Y yo salgo pensando, cómo esta historia cuando afecta a personas cultas y con recursos, y cuanto más tremenda es en situaciones de pobreza e incultura, pero potencialmente en un medio igualmente poco acogedor.

Desde luego, la gran baza del filme, que tiene muchísimos méritos cinematográficos, es la interpretación de los dos veteranísimos intérpretes. Ambos protagonistas están en estado de gracia, otorgando una realidad y una verosimilitud a sus personajes que te encoge el alma. Huppert tiene un papel menor, pero está igual de solvente. Riva,  que siempre recordaré de Hiroshima, mon amour, es candidata al óscar, aunque no se lo darán. Pero no porque no lo merezca, que probablemente está al nivel o superior a otras de las candidatas con más números para el premio, sino porque es una señora mayor, francesa y en una película no hablada en inglés con una difusión menor probablemente en los EE.UU. La precisión con la que reproduce los efectos de la enfermedad, enhorabuena por los asesores, es notable. Y Trintignant podría estar también entre los candidatos, aunque ya he mencionado los motivos por los que esto era difícil.

Una película que no es fácil. No es complaciente. Pero suscita muchas preguntas para el espectador, desde luego si es un espectador que busca en el cine algo más que un entretenimiento. Como digo otras veces, quien se acerca a las salas de cine para ingerir toneladas de palomitas con grasa y sal, que se abstenga. O que al menos considere que con todas esas toneladas de palomitas se acerca a terminar como Anne. Para los demás, una película casi imprescindible.

Valoración

  • Dirección: *****
  • Interpretación: *****
  • Valoración subjetiva: ****

Hay modificaciones en mis valoraciones de Hacia los premios Óscar 2013, que afectan a la categoría de Mejor película, Director, Guion original y sobretodo Actriz protagonista, ya que considero que el trabajo de Emmanuelle Riva es más destacado que el de Jessica Chastain, que ocupaba hasta ahora la primera posición.

Ile de la Cité

Inevitablemente, París. Las isla de la Cité desde el Pont des Arts.

[Cine] The Master (2012)

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The Master (2012), 4 de enero de 2013.

Este fin de semana pasado, como ya comenté, habíamos decidido hacer programa doble de cine. Era un fin de semana largo, con una fiesta un poco tonta el lunes, y había dos estrenos de los que prometían en cartelera. Uno el que vimos el viernes, ya comentado, el otro esta película de Paul Thomas Anderson, que con un reparto muy, muy, muy prometedor, venía precedido de excelentes críticas. Así que nos pasamos el lunes por la tarde a la sesión en versión original de la película. La versión doblada conserva su título en inglés en la cartelera española.

Al finalizar la guerra, Freddie Quell (Joaquin Phoenix), marinero veterano de la armada americana, tiene serios problemas para reintegrarse en la vida civil, entre los cuales uno que no es precisamente el menor es su arraigado alcoholismo, especialmente por los brebajes que toma en los que mezcla todo tipo de líquidos no necesariamente pensados para el consumo humano. Tras dar tumbos por todo el país, acaba embarcando de polizonte en un yate privado en San Francisco donde viaja Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) acompañado de su familia, en la que destaca su esposa Peggy (Amy Adams), y que es el lider de un grupo de pseudocientíficos que proclaman que todos somos fruto de una serie infinita de reencarnaciones. Freddie se unirá al grupo, iniciándose una peculiar relación con el curioso pseudocientífico y con su entorno.

No me voy a entretener mucho en el comentario de esta película. De hecho, me ha pasado una vez más un mismo hecho. Hay mucha gente que considera a este director uno de los importantes, y a algunas de sus obras poco menos que obras maestras. Pero a mí no consiguen engancharme. Entendámonos. La factura del filme es impecable. Las interpretaciones son buenísimas, quizá podríamos decir que el trabajo de los protagonistas es de primerísimo nivel, especialmente el de Seymour Hoffman. Pero no consigue que la historia que me cuenta me importe absolutamente nada. No siento nada, ni positivo ni negativo por los personajes. Si acaso, cierto rechazo. Pero rechazo que me lleva a la indiferencia. Y me da igual las bondades cinematográficas del filme. Me cansa y me desligo. No es la primera vez que me pasa con obras destacadas del director.

Así que no sé si recomendarla o no recomendarla. Allá cada cual. No me voy a extender más. sólo se que ls 144 minutos que dice la ficha técnica que dura la película se me hicieron eternos. Pero lo gurús dicen que es la leche. Qué me sabré yo a estas alturas.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: **
Obra y proyección

En estos días estoy limpiando el archivo de fotografías del año 2012. Básicamente, borrando todas aquellas que no merecen la pena ser guardadas y ocupar almacenamiento. Que no son pocas. Pero de vez en cuando encuentro algunas que me apetece utilizar o mostrar. Como esta de una de la visitas al IAACC Pablo Serrano.

[Cine] Zero Dark Thirty (2012)

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Zero Dark Thirty (2012), 4 de enero de 2013.

Esta película ha sido vista en versión original y por ello conserva su título original. En la cartelera española es posible encontrarla en versión doblada al castellano con el título La noche más oscura. La expresión «zero dark thirty» sería equivalente a «las doce y media de la noche».

Poco a poco vamos viendo las películas que, en el rito anual del cine americano que lleva a los óscars, optan a uno de los afamados premios de la Academia. No es esta la primera que en esta temporada opta a algunas de las estatuillas. Ya han pasado por estas páginas varias de ellas. Pero en estos momento entramos en una vorágine de estrenos de las películas con más posibilidades. Las candidaturas no son oficiales todavía. Lo serán en un par o tres de días creo. En cualquier caso, aquí tenemos a la directora Kathryn Bigelow, una película que me produce sensaciones contradictorias, que opta de nuevo al éxito en los premios después del de hace unos años, con una película que no me entusiasmó demasiado.

Bien. El tema es que Bigelow nos vuelve a transportar a las atribuladas tierras de Oriente Medio, y más allá. La película es un dramatización de los posibles acontecimientos que llevaron a la localización y muerte del lider de Al Qaeda, Osama Bin Laden. La película como digo es una dramatización, y los nombres de las personas que salen no se corresponden con sus homólogos de la realidad, ni necesariamente se comportaron exactamente como aparece en la película. Aunque se afirma al principio de la película que está basada en hechos documentalmente probados. La acción abarca un lapso de 10 años, en los que vamos siguiendo las evoluciones de la protagonista, Maya (Jessica Chastain), una agente de la C.I.A. destacada en Pakistán que se vuelca en la localización del lider islamista casi hasta la obsesión. Veremos las distintas fases de lo que fue la política estadounidense a este respecto, desde las cárceles secretas donde se torturó sistemáticamente a los prisioneros, hasta los tiempos más recientes donde todo dependía más de la inteligencia de las operaciones.

Hay una serie de consideraciones que hay que hacer sobre esta película.

La película no es que esté bien hecha. Creo que puede considerarse como un referente de cómo hacer una película de este tipo. Emparentada en algunos modos de hacer con la reciente Argo, aunque con planteamientos claramente diferenciados, si bien no te cuentan hechos necesariamente ciertos, sí que te cuentan hechos verosímiles. Y esta verosimilitud se traslada a muchas de las cosas que se nos cuentan, para culminar con una virtuosa parte final en la que se rueda la operación que acabó con la vida de Bin Laden.

La película pretende situarse en un término medio, o así lo entiendo yo, en aquellos aspectos más espinosos de la historia que cuenta. Básicamente, son dos. Una es la justificación de la tortura como una herramienta válida para conseguir unos objetivos, así como la burla de la legalidad mediante el uso de instalaciones clandestinas en diversas partes del mundo por parte de la agencia de espionaje norteamericana. La otra sobre la que se pasa de puntillas es que la operación difícilmente se puede ver como un acto de justicia o de interés militar, sino como un acto de venganza. La justicia supondría haber llevado a Bin Laden ante un tribunal, lo cual, tal y como se cuenta, debería haber sido posible. El interés militar viene determinado por que la eliminación del líder supone una ventaja estratégica determinada, cosa que dudo. Al Qaeda tiene un funcionamiento en red de células relativamente autónomas, y la inteligencia de la misma está muy distribuida. Además su alimentación depende del propio conflicto sociopolítico de confrontación entre el mundo islámico y los países occidentales, que no se resuelve precisamente con la conversión de los líderes de uno de los movimientos en mártires. La posición media de la película la convierte en éticamente ambigua, lo cual me incomoda considerablemente. Debería incomodar a cualquiera que sea partidario del estado de derecho.

Finalmente, es necesario destacar la sólida interpretación del elenco del filme. Desde luego, la de la protagonista absoluta de la película. Chastain está en estado de gracia, y es comprensible que suene como firme candidata al óscar este año. Aunque el papel que hace no es de los que normalmente suelan ser premiados en este tipo de saraos. A falta de ver otras interpretaciones, y de saber cuales son las candidatas al premio, me parece que tiene merecimientos. No puedo relatar aquí todo el resto del elenco, porque es muy numeroso, aunque todos ellos apoyan con solidez la acción que se nos presenta.

A pesar de las dudas éticas que me sus cita el filme, creo que la película es recomendable desde todo punto de vista porque tiene aspectos en su realización que superan ampliamente a casi todo el cine que se realiza en la actualidad. Y si no basta esto, por las interpretaciones. Luego, sobre los aspectos que he señalado como controvertidos, que cada cual saque sus propias conclusiones.

Valoración

  • Dirección: *****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****
En los puestos navideños de la Plaza del Pilar

Aunque hoy todavía es fiesta en Aragón, la festividad de los Reyes Magos ayer puso fin al período navideño. Espero que os haya sido leve a todos, y que lo que venga a partir de ahora también sea leve.

[CineFoto / Fotos] La vida de una desconocida fotógrafa sueca, y un adaptador para mis Micro Cuatro Tercios

Cine, Fotografía, Fotografía personal

Tengo un nuevo añadido para mi colección de películas La fotografía en el cine. De esta película también me enteré por la serie de artículos que vienen redactando sobre el tema en CSC Magazine. Una película sueca, Maria Larssons eviga ögonblick, que sencillamente me ha gustado mucho. No parece que se haya llegado a estrenar en España, más allá de algún pase en algún festival. El caso es que es una delicia tanto por la historia que nos cuenta como por la experiencia visual. Lástima no haberla podido ver en pantalla grande. Y qué experiencia la de usar una vieja cámara plegable de placas de principios del siglo XX. Altamente recomendable, tanto si eras aficionado a la fotografía como si no.

Dos Zeiss Ikon (Ikonta y Contessa)

La cámara que usa la protagonista de la película es una Contessa. Marca que luego, tras un ciclo de absorciones y fusiones entre empresas, acabaría perteneciendo a Zeiss Ikon. De estas dos cámaras que poseo de Zeiss Ikon, la más pequeña, la de la derecha, es una Zeiss Ikon Contessa 35, cámara telemétrica de objetivo retractil para película de 35 mm. La otra es una Ikonta b, de visor directo y objetivo retractil para rollo de película 120 y negativos de 54 x 54 mm.

Por otro lado, «me he regalado» un adaptador de objetivos con montura Pentax K a cuerpos Micro Cuatro Tercios. Tengo bastantes objetivos de este tipo, de marca Pentax, bastante decentes. Bien es cierto que para las focales que uso habitualmente, tengo las correspondientes de Olympus y Panasonic que van perfectas. Pero se me ha ocurrido que aunque uso poco los teleobjetivos más largos, no estaría de más poder utilizar los que tengo sin necesidad de gastar en un chisme que iba a usar realmente poco. Porque el SMC Pentax-A Macro 1:4 100 mm se convierte en el equivalente a un 200 mm,… macro. El XR Rikenon 1:2,8 135 mm se convierte en un 270 mm bastante luminoso, aunque lo supongo muy flojico a plena apertura. Y el SMC Pentax-K 1:4 200 mm en un 400 mm. Nunca he usado semejante focal.

De momento, he probado con el 100 mm macro, y los resultados no me han disgustado. Aunque da mejor resultado diafragmando al menos un paso. Os dejo algunas fotos.

Enredadera

Enredadera en el paseo Ruiseñores.

Flandes y Fabiola

Flandes y Fabiola en el Parque Grande.

Árboles del Parque Grande

Árboles invernales en el Parque Grande.

A orillas del Huerva

Entre los árboles de la ribera del Huerva.

[Cine] Las sesiones (2012)

Cine

Las sesiones (The Sessions, 2012), 31 de diciembre de 2012

Cuando el otro día comentaba las estadísticas del cine que he visto durante el 2012, mencionaba que había ido más que otros años. Discutiéndolo después con algunos amigos, decidíamos que una de las posibles causas ha sido la afición a la versión original. Que nos obliga a darnos prisa para ver las películas, que duran menos en cartelera y en horarios menos convenientes en versión original, y en ocasiones nos han hecho ir dos veces a la semana al cine. Como probablemente suceda en esta semana cinematográfica que empieza hoy viernes. Y más con el tufillo a óscar que empiezan a traer las películas de la temporada.

En cualquier caso, la película con la que decidimos desearnos feliz año nuevo no estaba en versión original. Y tal vez por eso, este filme firmado por Ben Lewin, con un reparto atractivo, y al que precedían buenas críticas, no nos satisfizo en exceso.

Amanecer

Estos días he estado de fiesta. Y como he tenido tiempo de sobra para dormir lo que duermo habitualmente, me he levado pronto algún día para ver amanecer. Cuando viajaba a Huesca a trabajar era algo de los que disfrutaba con más frecuencia. De los amaneceres.

Basada en la historia de Mark O’Brien (John Hawkes), nos cuenta la historia de este escritor que debido a la polio estaba paralizado en la mayor parte de su cuerpo y dependía de un pulmón de acero para sobrevivir. Mark en un momento dado de su vida decide que quiere experimentar los goces del sexo, especialmente cuando se enamora de una de sus cuidadoras, la guapa Amanda (Annika Marks). Para ello, y con el beneplácito de su comprensivo confesor, el padre Brendan (William H. Macy), porque es un católico convencido, contrata los servicios de una terapeuta sexual, Cheryl (Helen Hunt). Y hay comienzan las sesiones que dan nombre a la película, con la colaboración de su cuidadora Vera (Moon Bloodgood). Hasta que al final conoce a Susan (Robin Weigert)…

Iré directamente al grano, que ya llevo demasiado rollo en esta entrada. La película no me ha enganchado. Tiene momentos. Determinados diálogos con el cura, la cuidadora asiática con el recepcionista del motel, algún que otro detalle,… pero el meollo de la cuestión que es la relación entre el discapacitado y la terapeuta,… me han dejado totalmente frío. No me ha dicho nada. Ninguno de los caracteres me han producido la empatía suficiente para hacerme ponerme en su lugar. Y entonces, esta película falla. Por lo menos para mí. Los intérpretes son buenos, técnicamente es correcta, y hay cierta inteligencia en algunos diálogos como ha he comentado. Pero…

Pinares de Valdegurriana

Ya que me ponía, y para bajar los (ligeros) excesos de las fiestas, me fui caminando hasta La Cartuja Baja. Un poquito de viento hacía, que impedía disfrutar plenamente del paseo.

En fin, a pesar de sus buenas críticas y de las expectativas por su buen reparto, quedé insatisfecho del filme que me decepcionó. Y no fui el único que salió con esa sensación de los que asistimos a la penúltima sesión del año 2012 del cine Cervantes de Zaragoza. ¿Hubiéramos tenido otra sensación en la versión original? Psss… esta vez,… lo dudo.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **
Pinares de Valdegurriana

Cuando menos, la luz aguantó digna hasta poco después de pasar los pinares de Valdegurriana. Luego ya, con el viento, una atmósfera nítida, y el sol demasiado alto, el paisaje se volvió poco fotográfico. Pero fueron un par de horas de buena caminata.

[Cine] Les Misérables (2012)

Cine

Les Misérables (2012), 28 de diciembre de 2012.

En todo el mundo, tanto el musical en el que se basa esta película como la película en sí misma reciben el título original en francés de la obra de Victor Hugo que adaptan. En todo el mundo, salvo en España donde tradicionalmente se ha traducido en ambos casos, Los Miserables. Como podemos ver, la diferencia está en una vocal y una tilde. En cualquier caso, como yo he visto la película en versión original, conservo también su título original.

Ver esta película en versión doblada es ridículo. Por lo que sé, han respetado las canciones en inglés, y sólo las frases que no son cantadas se doblan. Lo que puede ser un 5% de las voces del filme o menos. Me dicen que queda muy mal, y que el cambio de voz «canta» mucho, pero no el sentido musical. Así que nada, una vez más proclamo la conveniencia de la versión original, que además es más barata. Por lo menos en Zaragoza.

Boulevard Pasteur

El boulevard Pasteur, en Montparnasse, no anda lejos de la rue Plumet, donde discretamente se establecen Valjean y Cosette cuando abandonan su encierro en el convento donde se refugian de las pesquisas de Javert.

Desconozco en qué medida es de dominio público el argumento de la obra. La película es el musical llevado al cine. No es adaptación directa de la novela de Victor Hugo, que incluye disgresiones continuas de naturaleza filosófica, política y social. Así que se centra el musical, y la película, en dos tramas principales y en alguna secundaria. La trama básica es la historia de redención de Jean Valjean (Hugh Jackman), desde su punto más bajo en prisión hasta que alcanza sus mayores logros por la felicidad de los demás, siempre bajo la persecución del inflexible policía Javert (Russell Crowe). La trama paralela que acompaña a esta es la historia de la desgraciada Fantine (Anne Hathaway) y su hija Cosette (Isabelle Allen, de niña, y Amanda Seyfried, de joven), que acabará siendo adoptada por Valjean, así como de los amores de esta última con el revolucionario Marius (Eddie Redmayne). La tercera trama es la revolución de junio de 1832 en París y en concreto los acontecimientos de la barricada de la rue Saint-Denis. Y la trama cómico-trágica es la del matrimonio Thénardier (Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter), así como la de la desdichada hija de estos, Éponine (Natalya Angel Wallace, de niña, y Samantha Barks, de joven).

Saint-Merri

La iglesia y la rue Saint-Merri, junto al Centro Pompidou, no están lejos de la rue Saint-Denis, en cuya barricada resisten hasta el final los compañeros revolucionarios de Marius.

Todo ello dirigido por la eficaz mano y mirada de Tom Hooper, que monta un impresionante espectáculo visual de principio a fin. Ya desde el principio adopta el viejo principio del cine que dice que de entrada hay que dejarlos (a los espectadores) pegados a la butaca, y a partir de ahí contar tu historia. Nunca consigo recordar quien dijo esto. Puede que Billy Wilder. Él lo hacía así, desde luego. Aquí, te dejan pegado a la butaca con la impresionante escena de las dársenas de Toulon, donde sufren los penados a trabajos forzados. Con una cuidada ambientación, con un diseño artístico de primera, con una fotografía de primer nivel, y con un manejo de la cámara muy dinámico, incluso cuando se para en esos intensos primeros planos que ponen a prueba la capacidad de los intérpretes para actuar mientras cantan. Canciones que se grabaron en el plató de rodaje durante la interpretación, que no son un añadido de laboratorio de sonido posterior. Sí lo es la orquestación. Entendámonos. La película dura más de dos horas y media, y no mantiene el mismo nivel de forma continua, quizá por su respeto al musical de origen. Pero en líneas generales estamos ante un espectáculo cinematográfico de primer orden.

Metro Bastille

El cortejo fúnebre del general Lamarque, que marca el comienzo de la actividad revolucionaria, pasa por la Bastilla, que en estos días ofrece este aspecto.

Quienes han tenido que esforzarse en especial, han sido los intérpretes. Han tenido que cantar e interpretar al mismo tiempo, dando credibilidad a los sentimientos y el drama que transmite la obra original literaria. Aun con los pasajes cómicos debidos a los Thénardier, estupendos Baron Cohen y Bonham Carter, la obra en su conjunto es sumamente dramática, con momentos absolutamente trágicos. El espectador debe sentirse emocionado realmente. Y yo creo que lo consiguen. En estado de gracia absoluta me parecen Jackman y Hathaway. Esta última se viene diciendo que nos proporciona el mejor momento del filme con su interpretación de I dreamed a dream, que probablemente le valga un óscar. Y de momento no seré yo quien lo contradiga. Momentos intensos tienen también Crowe a pesar de que su voz esté un peldaño por debajo del conjunto, Barks que canta realmente bien, y el a priori sosito Redmayne, que sin embargo también nos emociona cuando llora a sus compañeros caídos. Aunque parece que tira de falsete, aunque no soy entendido en esto. La que flojea en el conjunto, y eso que está por encima de lo que es habitual en ella, es Seyfried. Que parece que lo único que le piden es que esté ahí y sea mona y rubia. Aunque tiene una bonita voz de soprano.

Conocí el musical en el que se basa la película en un teatro del West End londinense en 1994, y aunque no me convirtió en un aficionado a los musicales, fue un espectáculo que me gustó. Sí que me gusta el cine musical, por lo que esperaba con ilusión esta adaptación. Y no me ha defraudado. Me lo pasé bien, me emocioné, y la considero de lo mejor que se ha podido ver en los últimos tiempos en el cine. Quizá no lo que más me ha gustado personalmente, pero si algo se diferencia de otras producciones puede estar en mis subjetividades personales. Totalmente recomendable.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: *****
Greenwich

Aspecto el de la Bastilla actual no es el más adecuado para rodar las escenas correspondientes del filme, que se trasladaron a Greenwich, en Londres. Esta foto es de 1994, justo el año en el que yo vi el musical en la capital británica. Entonces no imaginaban que estas esplanadas se iban a llenar de barricadas para la filmación de la película.

[Cine] El cine que he visto en 2012

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Comienzo la entrada con la misma introducción que hice el año pasado. Para explicarme un poco:

Como todos los años llega el momento de hacer un repaso del cine que he visto durante el año anterior. Esta entrada trata de las películas vistas en salas de cine, independientemente de si han sido estreno durante el año o no, y excluye las vistas en televisión. Todas ellas están recogidas desde el 28 de diciembre de 1997 en mi base de datos cinematográfica. Para todas ellas incluyo cuatro valoraciones: dirección, interpretación, subjetiva y global. Para conocer los criterios por los que valoro las tres primeras, visitad la explicación correspondiente. La valoración global es el resultado de aplicar una fórmula matemática de mi invención:

Global = (Subjetiva*3 + Dirección*2 + Interpretación)/6

O

Por supuesto, el dar más peso a unos elementos que a otros es algo totalmente personal. Pero es que si incluyo algo que se llama “valoración subjetiva” en la fórmula, pues tampoco podéis esperar más que eso. Una valoración subjetiva pero motivada de lo que más me gusta. Que no necesariamente tiene que ser lo que le guste a otros.

Durante 2012 he visto 64 películas. Ha sido el tercer año que más películas he visto desde que comencé esta base de datos en 1997 (datos anuales completos desde 1998). Es más de una película a la semana, y confirma el hecho de que desde el año pasado estoy yendo más al cine. También es un año en el que el promedio de mi valoración global de las películas que he visto es de los más altos. Ocupa la primera posición con 2,99 «estrellas» por película, empatada con el mejor año que fue 2010. Puesto que los años mejor valorados son los cuatro últimos, queda claro que a pesar de mi mayor afluencia al cine, soy más selectivo con lo que voy a ver que hace una década por poner un ejemplo. Y eso se nota también en el hecho de que la variabilidad en las valoraciones es también relativamente baja, lo que indica que salvo excepciones evito bodrios.

Parque Grande

Creo que seguir progresando en la fotografía en blanco y negro. Y últimamente he estado practicando, aunque sea en sencillos paisajes urbanos como este en el Parque Grande de Zaragoza.

En general, por lo tanto, estoy satisfecho con lo visto, a pesar del pesimismo habitual con que ya no se hacen películas como antaño. He de considerar que probablemente las películas de antaño que nos han llegado son las buenas. La furrufalla de poca calidad no la hemos conocido, no ha transcendido. Hay un sesgo de selección y de memoria. Así que nada. Optimismo. Aun se puede ir al cine y pasarlo razonablemente bien.

A continuación, las diez películas que más he valorado. Siempre salen más de diez si hay empate en la valoración en los últimos puestos. No incluiré El festín de Babette (Babettes gaestebud) por ser un reestreno.

1. Drive 5.00

2. Life of Pi 4,83

3. Hugo 4,50

4. Les Miserables 4,50 (todavía sin reseñar)

5. We Need to Talk about Kevin 4,00

6. Argo 4,00

7. Moonrise Kingdom 3,83

8. Intouchables 3,67

9. Martha Marcy May Marlene 3,67

10. El nombre (Le prénom) 3,67

Un problema que tengo con estas puntuaciones es que son las que adjudico cuando veo la película y luego pocas veces las cambio. En honor a la verdad, probablemente consideraría en la actualidad que Salmon Fishing in the Yemen estaría más arriba y entraría en la lista. También subirían Redención (Tyrannosaur) o The Guard. Quizá Looper podría estar también empatado con los últimos de la lista, y una española El artista y la modelo. Lo único del cine patrio que realmente me ha llamado la atención. Todas estas podrían estar al mismo nivel que las tres últimas de la lista. Os recuerdo que si la película aparece con su título original es que la vi en versión original, y si aparecen tanto el nombre en castellano como el original es que la vi doblada.

La gran decepción del año fue Prometheus. He aquí un análisis científico de sus inconsistencias, vía Naukas. Como concluyen, un guionista malo y un director vago.

Plaza de Aragón

O en los días otoñales en la Plaza de Aragón.

El cine tiene tendencias estacionales. No se estrenan al mismo ritmo las películas de calidad, y son de distinto tipo las que se ven en unos meses que en otros. Para terminar esta entrada de repaso anual, os dejo lo más destacado de cada mes.

Enero – Drive. La película que más me ha impactado del año, y la vi al tercer día del mismo.

Febrero – Hugo. Una maravilla visual y un tremendo homenaje al cine como fábrica de sueños.

Marzo  – We need to talk about Kevin. Un drama tremendo del que se ha hablado poco y que a mi me impactó bastante. En cualquier caso, si nos ponemos más ligeros este mes fue también el de Intouchables, la comedia revelación francesa.

Abril – Salmon fishing in Yemen y Martha Marcy May Marlene. Aunque en su momento valoré más la segunda, un notable drama del que tampoco se ha hablado demasiado, la primera es una película que he ido revalorizando en el recuerdo. Y en algún segundo visionado.

Mayo – Adiós a la reina (Les adieux à la reine). Un mes flojo en la que lo más destacable es este drama francés de época.

Junio – Moonrise Kingdom. Una delicia esta comedia, que también ha ido creciendo en el recuerdo.

Julio – The Guard. Película irlandesa que constituyó una sorpresa muy agradable en el siempre soso verano. En el terreno de lo distinto, fue también el mes de Wuthering Highs, una película que quizá merezca un nuevo visionado y una nueva consideración. Tampoco se habló de ella.

Agosto – Silencio de hielo (Das letzte Schweigen). Mes flojo con poco cine, con la tremenda decepción de Prometheus, que dejó como película aceptable este drama alemán.

Septiembre – El nombre (Le prénom). Mucho cine en este mes. Esta comedia francesa fue un auténtico hallazgo. Sin duda. Y está por ahí El amigo de mi hermana (Your Sister’s Sister) que sin entrar entre las destacadas del año, también me dejó buen sabor de boca.

Octubre – Argo. Pero también El artista y la modelo, o incluso Looper, según el estado de ánimo. Películas todas que sin ser redondas me dejaron muy buen sabor de boca. Uno de los mejores meses.

Noviembre – El festín de Babette (Babettes gaestebud). No la he incluido entre las diez del año por ser un reestreno, pero para nosotros fue el acontecimiento cinematográfico de este mes, porque está realmente muy bien.

Diciembre – Life of Pi. Sin duda, por encima de Les Misérables, pero claro, ambas están entre las cinco mejores del año. Así que hay que mencionarlas necesariamente.

Las Esquinas

O en los rincones por los que paso en mis rutinas diarias, como esta subida a la cafetería del Teatro de las Esquinas.

[Cine] Amor es todo lo que necesitas (2012)

Cine

Amor es todo lo que necesitas (Den skaldede frisør, 2012), 22 de diciembre de 2012.

Por algún motivo, la similitud del título con el de cierta canción de The Beatles tiraba para atrás. Pero cuando te enteras que el título original danés significa «la peluquera calva», te das cuenta que simplemente es que el maldito traductor de títulos, ese criminal contra la humanidad, está haciendo de las suyas otra vez. Considerando que es una comedia, lo que viene bien para una fiestas tan depresivas como las de estos días, y algún buen antecedente de la directora, Susanne Bier, decidimos que es una buen opción para este fin de semana.

Paisaje de la isla de Lolland

Por un momento, pensaríamos que vamos a tener una película con paisaje nórdico, como las llanuras de la isla de Lolland, en Dinamarca.

Sorrento

Pero es la bella costa de la ciudad de Sorrento, con sus hoteles y mansiones, en la escarpada península al sur del golfo de Nápoles donde sucede casi todo.

Y la película nos cuenta la historia de una peluquera, Ida (Trine Dyrholm), que efectivamente está calva por haber sido sometida a quimioterapia por un tumor canceroso de mama, y cuyo pronóstico final todavía está en el aire. La hija de Ida, Astrid (Molly Blixt Egelind), se va a casar Patrick (Sebastian Jessen), tras un noviazgo relámpago, en una finca que tiene Philip (Pierce Brosnan) el padre de Patrick en Italia. Este es un viudo que no ha sabido encontrar la alegría de la vida tras la muerte de su mujer, y se refugia en el trabajo, donde recibe las descaradas proposiciones de su ordinaria cuñada, Benedikte (Paprika Steen). Por otro lado, Ida descubre que su marido, Leif (Kim Bodnia), le engaña con la rubia tonta de contabilidad de su empresa, Thilde (Christiane Schaumburg-Müller), mucho más joven y muy mona. El encuentro de todos en la idílica finca situada evidentemente en Sorrento, desatará todos los demonios personales y familiares.

Isla de Capri

En varios momentos, al principio de la película, tengo la sensación de que está rodada en Capri. Incluso cogen una barca para desplazarse a la mansión del protagonista. Pero supongo que simplemente hemos de asumir que en la ficción, el lugar es indeterminado.

Isla de Capri

En cualquier caso, las costas de Capri son como una continuación de las sorrentinas.

Disfrazado de comedia romántica, no de las de reír sino de las de sonreír, nos encontramos con un drama familiar, de gentes de hoy en día. La chica joven con ganas de vivir la vida y ser feliz, de forma un tanto ingenua. El chico joven con una homosexualidad latente que le cuesta dejar salir, y que toma los caminos más fáciles ante la ausencia de un padre emocionalmente negado por el duelo por su esposa hace tiempo desaparecida. La adolescente con trastornos de conducta alimentaria agobiada por una madre egocéntrica y ordinaria. El hombre maduro que se niega a envejecer y dispara sus últimos cartuchos con una mujer mucho más joven. Y el personaje central, una mujer madura pero atractiva todavía, que ve mermado su atractivo, de forma real o psicológica, por su enfermedad, cuyo futuro está por definir, y que de repente encuentra vacía su vida. Sin marido, con sus hijos que son independientes,… En todo esto, en el planteamiento de los personajes, en el potencial de los mismos y sus interrelaciones, está la gran virtud de la película. Su debilidad está en que es irregular en el desarrollo de las mismas, con momentos más acertados y otros menos. Quizá se pierde demasiado en mostrar bonitas postales de la bella costa sorrentina, el golfo de Nápoles y otros paisajes de la Campania, en esa fascinación que ejerce el Mediterráneo sobre los nórdicos, aunque luego nos hagan responsables de todos los males del mundo. Hipócritas luteranos, que les encantaría darse a la buena vida y no se atreven.

Sorrento

Mansiones y hoteles en primera línea de mar a las que no es posible acceder, con accesos particulares al agua. Así es el lugar donde transcurre el filme.

Sorrento

Que eventualmente se ve iluminado por el cálido sol de la tarde mediterránea.

Quizá, el principal atractivo de la película es el reparto, en el que destaca la protagonista, Trine Dyrholm, mujer muy atractiva en sí misma, pero que al mismo tiempo sabe transmitir con convicción los conflictos y las contradicciones internas que sufre en un momento de cambios intensos en su vida. No he podido evitar realizar en mi mente comparaciones con la Cathy de The Big C, aunque haya diferencias notables en las personalidad y en los planteamientos de ambas mujeres. Pero ambas propuestas no dejan de ser variantes de un mismo tema. El resto del reparto, con un razonablemente solvente Brosnan a la cabeza, contribuyen con oficio a componer tan disfuncionales familias bajo apariencia de normalidad.

Como conclusión, podré deciros que es una propuesta razonable para ir a la sala de cine aunque claramente un escalón por debajo de lo que podría haber sido. Además se estira en su duración un poquito más de la cuenta, aunque nada grave. Y por otra parte, siempre es una delicia contemplar los paisajes sorrentinos, ese Mediterráneo maravilloso, con los que además os adorno un poco esta entrada.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
El Vesubio desde Sorrento

Y de vez en cuando, una panorámica del Golfo de Nápoles, con el durmiente Vesubio presidiéndolo.

[CineFoto] La complicada relación entre Eva Ionesco y su madre la fotógrafa Irina Ionesco

Cine, Fotografía

Hace unos días se leía la noticia de que la actriz francesa Eva Ionesco, eventualmente metida a directora como comprobaremos de inmediato, había conseguido en los tribunales que su madre, la fotógrafa Irina Ionesco, le pagase una cierta cantidad de dinero en concepto de daños y perjuicios por haberle obligado a posar como modelo para ella, y también para otros fotógrafos y artistas, desnuda y en poses de marcado contenido erótico cuando era una niña. Las fotografías existen y son fácil de encontrar en internet, de modo que cada uno puede juzgar.

En cualquier caso, Eva Ionesco se puso recientemente detrás de las cámaras y realizó esta My Little Princess, en la que nos cuenta su versión de la historia. Y la he incluido en mi colección de La fotografía en el cine.

La noria de las Tullerías y la Torre Eiffel

En la entrada de hoy, París, claro, inevitablemente. La noria de la Tullerías y la Torre Eiffel.

[Cine] De óxido y hueso (2012)

Cine

De óxido y hueso (De rouille et d’os, 2012), 17 de diciembre de 2012.

Este lunes nos escapamos a ver esta película francesa de Jacques Audiard, con buen reparto y precedida de buenas críticas. No hay copia en versión original, así que me busco una por ahí, para complementar la experiencia de la pantalla grande. Cada vez me gustan menos los doblajes, y aún menos los del francés en particular.

Un pugil profesional, Ali (Matthias Schoenaerts) deja la fría Belgica por la calida Provenza en compañía de su hijo Sam (Armand Verdure), instlándose en casa de su hermana y su cuñado, y comenzando a trabajar de guarda de seguridad. En estas, conocerá a Stéphanie (Marion Cotillard), una mujer con buena posición, que en medio de cierto descontento con su vida que se refleja en salidas nocturnas, tiene un vistoso trabajo como entrenadora de orcas en un espectáculo acuático. En uno de estos espectáculos sufrirá un tremendo accidente que la dejará mutilada física y emocionalmente. La improbable relación de ambos personajes les llevará por unos caminos extraños y llenos de dificultados, no se sabe muy bien hacia donde, ya que mezclarán la esperanza con el flirteo constante con lo marginal.

Película realizada con medios sencillos, muy cámara en mano, donde se pone de manifiesto una historia de relaciones improbables, complejas e intensas. Típico encuentro entre dos personas de orígenes culturales, sociales y económicos muy diversos, pero que se encuentran unidos por sus mutuas derivas personales y por sus desgracias. Una historia, que sin la opción por el humor y el optimismo de alguna propuesta reciente similar de gran éxito, lo mismo puede derivar en tragedia que en historia de redención personal.

Probablemente, el principal aliciente de la película sea la intensa interpretación de sus protagonistas, que están francamente bien, y a los que se les une un elenco de personajes secundarios con poca presencia, pero solvente.

No es una película en la que haya sido capaz de entrar del todo, pero reconozco que tiene sus virtudes y que se deja ver, siempre y cuando nos seas un fan del cine palomitero. Esta película no está pensada para los públicos masivos, me parece a mí.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

Fotográficamente he revisitado una de las ocasiones en las que estuve en el Memorial a a los judíos de Europa asesinados por el nazismo, un monumento en Berlín que me parece sumamente interesante. Os dejo tres imágenes, hasta ahora inéditas.

Memorial de los judíos asesinados por el nazismo

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Memorial de los judíos asesinados por el nazismo

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Memorial de los judíos asesinados por el nazismo

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[Cine] The Hobbit: An Unexpected Journey (2012)

Cine

The Hobbit: An Unexpected Journey (2012), 14 de diciembre de 2012.

Esta película ha sido vista en versión original y por eso mantengo su título en inglés. En la cartelera española es posible encontrarla en versión doblada con el título literalmente traducido: El Hobbit: Un viaje inesperado.

No hemos tardado mucho en ir a ver la adaptación cinematográfica de una de los obras de ficción que más me ha gustado en mi vida, y probablemente la que más me gusta del género de fantasía. La ley antes que El Señor de los Anillos y luego la he repasado muchas veces. Estuve pensando en releerla antes del estreno de esta película, pero decidí que no hacía falta. Puedo recordar mientras veo la película qué diálogos son literales de la novela y cuáles no. El caso es que a mí, la aparatosa y espectacular adaptación que hizo Peter Jackson me dejó un poco frío. Reconozco que tenía cosas muy interesantes, sí, momentos inspirados, también, pero algunos planteamientos desafortunados, e incluso algunos momentos en que era un tostón. La adaptación del segundo volumen me gustó muy muy poquito. La tarea era difícil de llevar a cabo, y supongo que se hizo lo que se pudo. Aunque quizá, como sucede con frecuencia en el cine actual, los efectos especiales, las imágenes generadas por computadora y el publirreportaje turístico neozelandés recibieron más atención que el tratamiento de la historia o el desarrollo de personajes.

Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

La Tierra Media ideal la han encontrado los responsables de las adaptaciones cinematográficas en Nueva Zelanda. Sin embargo, está inspirada en el continente Europeo, con La Comarca como la representación de la campiña británica. Yo os traigo para ilustrar esta entrada paisajes noruegos, que bien podrían acomodarse a las Montañas Nubladas, que tienen un papel importante en esta película.

El anuncio de la adaptación de El Hobbit, reconozco que en su momento me animó. Que lo iban a hacer en una nueva trilogía, me dejó perplejo. Y algunos adelantos de personajes e intenciones, me preocuparon bastante sobre el resultado final. Las probabilidades de que Jackon y compañía repitiesen los mismos errores que en su primer experiencia con las adaptaciones de Tolkien me parecía altas. Muy altas.

No me entretendré mucho en analizar el argumento. Muy conocido por los seguidores de la obra literaria, conviene no destripar mucho a los neófitos de la Tierra Media. Un respetable hobbit, que empieza a entrar en la madurez y en kilos, Bilbo Bolsón (Martin Freeman), Baggins en inglés, ve sacudida su rutina y su vida cuando en su hogar de La Comarca se presentan de improviso el mago gris Gandalf (Ian McKellen), y una cuadrilla de trece enanos liderada por Thorin (Richard Armitage), descendiente del último Rey bajo la Montaña, que vieron perdido su reino y sus tesoros por la llegada de Smaug, un poderoso dragón del lejano norte. Y le proponen acompañarlos a recuperar el tesoro de Smaug. Y contra todo pronóstico, acepta. Esta primera película de lo que será una trilogía abarca desde el comienzo de la aventura hasta que completan el paso de las Montañas Nubladas.

Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

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Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

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Vayamos por partes, a las características que se hicieron bien o mal en la trilogía de El Señor de los Anillos:

Efectos especiales e imágenes generadas por computadora: En la línea de sus predecesoras, todo muy bueno y muy abundante, aunque ya no sorprenden tanto como en el pasado. Nos vamos acostumbrando a este tipo de alardes técnicos. Hay diversas versiones en cartelera, combinando distintas características: 2D, 3D, HFR (High Frame Rate, velocidad de paso de los fotogramas elevada), versión original. La que yo he visto es 2D, versión original subtitulada en español. Ya me viene bien. El 3D lo encuentro la mayor parte de las ocasiones superfluo y molesto, por las estúpidas gafas, sin que aporte nada sustantivo a la calidad de la película. El HFR,… no le he probado, pero me gusta la visión cinemática tradicional de los 24 fotogramas por segundo.

Publirreportajes turístico neozelandés: Por todo lo alto. Al mismo nivel o superior que El Señor de los Anillos. Nueva Zelanda convertida en parque temático del mundo Tolkien. Paisajes inconmensurables, tomas aéreas como las de la trilogía anterior. En algún caso, es como si hubieran cambiado a los 9 componentes de la Comunidad del Anillo por los trece enanos, el hobbit y el mago. Porque algunas tomas parecen calcadas. No se han roto mucho la cabeza imaginando nuevas posibilidades o una estética propia.

Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

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Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

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Tratamiento de la historia: Ayyyyy,… Aquí hemos tocado hueso. Creo. La cuestión tienen varias dimensiones. Primero, aunque tanto El Hobbit como El Señor de los Anillos transcurren en el mismo universo y con personajes comunes, tienen un tono totalmente distinto. Muy, muy, muy distinto. Donde El Señor de los Anillos es una aventura de carácter épico y global, El Hobbit es en su mayor parte una novela de aventuras que afecta a quienes afecta. Y que está escrita con mucho ritmo y mucho, mucho humor. En la que cada capítulo puede leerse como un cuento que nos narra una aventura. Y la película sigue el tono general de El Señor de los Anillos, y no es eso. Incluso se inventan algunas cosas para sacar personajes que no aparecen expresamente en el libro original. O se demoran excesivamente en determinadas transiciones. No tiene el ritmo de la novela. Es cierto que tres de los episodios de la novela están conseguidos y son de lo mejor del filme, a saber: la cena en casa de Bilbo, el encuentro con los troles (aunque está variada la resolución del episodio, encontrando preferible cómo se cuenta en el libro), y el encuentro entre Bilbo y Gollum en las profundidades de las Montañas Nubladas entablando el juego de acertijos. Esto último es probablemente lo mejor de la película. Y desde mi punto de vista, puede justificar su visualización. Pero sobran minutos por todas las partes. A montones. Estúpidamente inflada la duración de esta película, y supongo que va a ser la tónica de la trilogía, en la que sabemos que incluso hay una tercera parte que está tomada de los apéndices de El Señor de los Anillos, porque lo que es la historia de El Hobbit se terminará con la segunda parte.

Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

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Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

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Tratamiento de los personajes: Razonablemente bien. Para empezar, porque el hobbit protagonista, el Bilbo interpretado por Freeman, es mucho más interesante y animado que el Frodo interpretado por Elijah Wood, que hace un breve cameo en esta película, de la trilogía anterior. Wood era un soso de mucho cuidado. Si a eso sumas que McKellen será por siempre la reencarnación de Gandalf con todo mérito, y que los enanos están bastante bien caracterizados, la cosa no está mal del todo.

Con todo lo anterior, qué podemos concluir. Pues que estamos ante un entretenimiento de razonable calidad, pero de irracional duración, que no desmerece al tono general de las adaptaciones que se están haciendo de la obra de Tolkien, pero que no se acercan ni de cerca a lo que deberían ser para estar en las proximidades de la obra literaria. Película palomitera, a la conviene ir habiendo pasado por los retretes previamente.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Paisajes de la "Tierra Media" (para una entrada sobre El Hobbit)

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[CineFoto] Un mirón, y unos entrometidos reporteros gráficos

Cine, Fotografía

Dos nuevas películas vienen a sumarse a mi colección de filmes sobre La fotografía en el cine:

Por un lado, la británica Peeping Tom (El fotógrafo del pánico), sobre un camarógrafo de cine que asesina a sus víctimas, mujeres, mientras las filma. También le da a la fotografía. Curiosa película de culto de 1960, a caballo entre el suspense y el terror. Con algún toque hitchcockiano. Curiosa, bien rodada, e interesante.

Y por otro lado, Oliver Stone, aficionado al cine político, nos cuenta en Salvador, las aventuras de algunos fotógrafos en los comienzos de la guerra civil del Salvador. Siempre interesantes las películas de este director aunque no creo que alcance aquí sus máximas cotas de creación cinematográfica.

En cualquier caso, ambas películas tienen ampliamente justificada su presencia en la colección.

En la pista de hielo

Aunque algunos de estos jóvenes pudieron mostrar pánico sobre sus patines de hielo antes y después de la foto, ante el fotógrafo no mostraron síntomas de este sentimiento en ningún momento. No como las víctimas del «fotógrafo del pánico».