[Libro] Ethan Frome

Literatura

En algún momento había leído ya algunas cosas de la norteamericana Edith Wharton. Escritora poco conocida en nuestro país, desarrolló su actividad como escritora principalmente en las primeras décadas del siglo XX, y tuvo un repunte en su popularidad entre nosotros por la adaptación de una de sus más conocidas novelas, The Age of Innocence, que fue llevada a la pantalla grande por Martin Scorsese. No he leído esa novela. Muchas veces he comentado que Scorsese es una de estos autores que me cae muy bien, pero sus películas, por bien hechas que estén, no siempre me interesan. De la misma forma que hay otros autores que, aun sintiendo antipatía por la persona, no puedo dejar de admirar su obra. El caso es que eso condicionó mi acceso a la obra de la escritora.

No obstante, eventualmente alguno de sus escritos aparece como oferta en mi tienda habitual de libros electrónicos. Y ya ha habido alguno que me ha gustado bastante, como su crónica de lo que vivió en la Primera Guerra Mundial, por lo que me decidí a coger esta novela no excesivamente larga.

Frente a la austeridad y frialdad que nos transmite la novela de Wharton, hoy prefiero ilustrar la entrada con los signos de la primavera, tan adelantada, que nos rodean por todos los lados. Incluso en el frío entorno laboral.

Es un drama rural localizado en la Nueva Inglaterra de finales del siglo XIX. Si la novela fue escrita en 1911, pero la historia principal se narra basándose en los recuerdos de juventud de su protagonista principal 20 o 25 años atrás… pues ya os podéis imaginar. Si en la actualidad, los estados de Nueva Inglaterra son de los más prósperos de los Estados Unidos, la sociedad que nos describe Wharton es la de pequeñas comunidades rurales, granjeros que sacan a duras penas adelante sus pequeñas explotaciones, una época en la que todavía es mucha la gente que coge el montante y emigra hacia el oeste recién abierto para buscar fortuna. Gentes con una vida dura, esforzada, marcados por una moral estricta, por la austeridad de las distintas denominaciones cristianas protestantes que saltaron el Atlántico en un momento dado para afianzarse en el Nuevo Mundo. Allí, el joven Ethan Frome, preso en un matrimonio de conveniencia con una mujer unos años mayor que él y que representa toda esta austeridad y estricta moral, acaba enamorado de la joven prima de esta, pobre, pero alegre, pizpireta,… y guapa. Así se gestará un drama que se cocerá a fuego lento hasta cocinar la tragedia que acabará por arruinar la vida de todos los involucrados.

Una novela no muy extensa, que se lee rápido, pero que quizá tenga un interés relativo, por mostrar un medio y un ambiente humano que quizá nos resulte demasiado extraño. Aunque quizá ayude a entender los orígenes de algunos de los fenómenos de la sociedad norteamericana actual. Bien escrita, puede ser razonablemente recomendable, si te van este tipo de dramas.

[Cine] Entrada “coche escoba”: Woody Allen, Mudbound y otros estrenos de Netflix

Cine

Mis tradiciones me indican que mañana 2 de enero tengo que hacer el resumen de mi año cinéfilo. Pero todavía no he revisado todas las películas que entran en el mismo, porque la última semana del año ha estado muy entretenida desde el punto de vista cinematográfico. No sólo por la visita de rigor a las salas de cine para ver la última de Woody Allen, sino porque este año entran también los estrenos directos en las plataformas de vídeo bajo demanda, y he visto en estos días de fiesta la friolera de tres. Vamos con ella. Acompaño la entrada con algunas fotografías procedentes de los últimos carretes en blanco y negro del años. La Yashica Mat 124G con un Lomography 100 Earl Grey que me quedaba suelto por ahí, las cuadradas, y la Agfa Billy con un Fujifilm Neopan 10 Acros, las rectangulares.

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Wonder Wheel (2017)

Wonder Wheel (2017; 542017-2712)

Las dosis anual de Woody Allen nos ha llegado con el final de año, cuando últimamente solía llegarnos a final del verano. Quizá tenían más esperanzas de que este año alcanzase más reconocimiento de cara a la temporada de premios.

Con un buen reparto, nos cuenta cómo, en los años 40, una joven Carolina (Juno Temple), huyendo de su marido mafioso a quien ha delatado al FBI, se refugia en Connie Island con su padre (Jim Belushi) y su madrastra (Kate Winslet). Todo irá bien, hasta que la presencia de un fornido y cultivado salvavidas playero (Justin Timberlake) inicie un peligroso triángulo con las dos mujeres.

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Película poco valorada por crítica y público, con sabor a tragedia griega, que cuenta una historia sencilla y previsible, pero desde mi punto de vista bien contada. Lejos de la originalidad de antiguas propuestas del director, está bien hecha, destacando especialmente la fotografía Vittorio Storaro, una banda sonora jazzistica, y unas excelentes interpretaciones. Muy buenos Belushi y Winslet, Temple nos sabe a poco, sabemos que se le puede sacar más partido, y Timberlake que cumple.

A mí me produjo un rato agradable, y es más recomendable de lo que parece.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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Mudbound (2017)

Mudbound (2017; 532017-2512)

Notable propuesta que nos llega de la mano de Netflix. Aunque se estrenó principalmente en vídeo bajo demanda, han realizado un estreno limitado en salas de cine en EE.UU. para poder optar a la temporada de premios.

Dirigida por Dee Rees, la directora insiste en recuperar la historia no contada de la discriminación de la raza negra en Estados Unidos, contando las historias paralelas de dos familias, una blanca y otra negra, que se ven obligadas a convivir en una región rural del delta del Misisipí, y que comparte que uno de sus miembros está en la guerra mundial en Europa. El blanco es un capitán que pilota bombarderos y el negro un sargento que comanda un carro de combate.

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Con un reparto también de bastante nivel, aunque el nombre más conocido sea el de Carey Mulligan, seguido de Jason Clarke, aunque no sean los personajes clave de la historia que hemos de situar en los personajes interpretados por Garrett Hedlund y Jason Mitchell, es una película dura con pocas concesiones al buenismo de los espectadores, aunque algunos aspectos del final introducen un tono de happy end que nos parece muy forzado.

Está muy bien en líneas generales, y me quedé con la sensación de que se vería mejor en en sala de cine en pantalla grande. También comprendí el interés de Netflix por promocionarla en la temporada de premios. Aunque tengo la sensación de que no se comerá una rosca. Muy recomendable.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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Bright (2017)

Bright (2017; 552017-2812)

Cuentan de esta película dirigida por David Ayer y realizada a mayor gloria de Will Smith que es el intento de Netflix por crear una de estas lucrativas franquicias donde se suceden las precuelas y las secuelas, y las productoras se hacen de oro vendiendo figuritas y otras mercaderías. Es un pastiche que toma elementos del Señor de los Anillos, de cualquier distopía con Los Ángeles como escenerario y del Quinto Elemento, para hacer un correveidile de peleas y balaceras con más bien poco sentido.

El primer día que intenté verla me quedé dormido. En una segunda intención la vi entera, aunque me costó seguirle la pista. No por compleja, sino por complicada. Para mí tiene poco sentido. Se da por sentado una segunda película. Se da por sentado que no la escribirá el mismo guionista por que parece que está implicado en el enésimo caso de denuncias de abusos sexuales en el cine americano. A Ayer también se le acusa con frecuencia de machista. Pues vale. No es una catástrofe. Pero casi. Quedaros con lo que queráis.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: **

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Megen no jūnin (2017)

Mugen no jūnin (2017; 562017-3012)

Samuráis, damas en apuros, muchas espadas y muchos desmembramientos con abundancia de salsa de tomate para esta película de espadachines japoneses que, habiéndose estrenado en cines originalmente en su Japón de origen, han decidido exhibir en el mundo entero a través de Netflix. Te tienen que gustar estas películas, y os puedo asegurar que no es Yōjinbō (Yojimbo también), o Sichinin no samurai (Los siete samuráis)… El machote, Takuya Kimura, pero la chica, muy mona y con las orejas desabrochadas, Hana Sugisaki, más bien no.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **

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[Libro] Nada se opone a la noche

Literatura

Segundo libro que leo de la francesa Delphine de Vigan. El primero de ellos, que leí hace unos meses, era un libro de ficción que planteaba cuestiones sobre la verdad o la veracidad en los relatos presentados como experiencias propias del escritor. Un libro interesante, aunque me costó mi esfuerzo leerlo. Escogí la versión original en francés, y no lo leí con la misma fluidez que otros en este idioma. Lo cierto es que ya en aquel momento vi numerosas referencias a esta obra, anterior en el tiempo, como una de las más destacadas, si no la que más, de la autora del país vecino. Así que me animé a adquirirlo en edición electrónica, aunque he dejado pasar un tiempo, para alejarlo un poco del anterior.

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Como hacen de vez en cuando los protagonistas del relato de hoy, tomaremos un tren en la periferia parisina y nos trasladaremos al centro de la ciudad. Aunque ellos pasea por otros lugares de la capital francesa, nosotros lo haremos por el Marais,… que está muy bien.

Este libro tiene carácter biográfico y autobiográfico. Biográfico en el sentido que nos narra la historia de su madre, Lucille. Podríamos decir que la vida de su madre, pero el modo en que lo hace me lleva a pensar siempre en que nos cuenta una historia más que una biografía al uso. En todo momento se cuestiona la objetividad de los testigos y de sí misma, sin que ello suponga cuestionar en ningún modo la honestidad de los mismos. Por lo que de fondo vuelve a estar el conflicto entre nuestras percepciones y recuerdos, la veracidad del relato y la verdad de lo sucedido. También autobiográfico, porque contar la historia de su madre supone también narrar su propia historia desde el nacimiento hasta el fallecimiento de la madre.

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De hecho, el libro se estructura en tres partes. La primera abarca la infancia y la adolescencia de Lucille, desde que tiene unos recuerdos nítidos y organizados sobre lo que sucede a su alrededor hasta que a los dieciocho años contrae matrimonio, embarazada de la narradora. La segunda comprende la infancia de la narradora y los difíciles años de enfermedad mental, mal controlada de la madre. La tercera parte son los años en los que la protagonista ha controlado su enfermedad y hasta su fallecimiento.

Colateralmente, es también la historia de los padres y la extensa familia de Lucille. Una familia que tal vez pudiera tener una apariencia normal, vista desde fuera, pero que tras la lectura del libro no dudaríamos hoy en día de calificar de disfuncional. Con terribles sospechas de lo que pudo suceder de puertas adentro. La historia contiene duras confesiones, pero aporta pocas certezas. Como digo, es una constante el dilema entre lo veraz y la verdad, lo recordado o percibido y lo realmente sucedido. En cualquier caso, para la autora, esa familia, si no la causante al menos es la desencadenante de las desgracias de Lucille.

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No sé si ha sido por que lo he leido en mi propio idioma y eso me ha permitido una lectura más fluida, o por los méritos del propio relato, el libro me ha gustado bastante más que el que leí hace unos meses de la misma autora. Un ejercicio de reflexión personal, ya que De Vigan no se limita a narrar la historia, sino que intercala la reflexión sobre las dudas y los avatares, especialmente durante la recolección de testimonios, que le surgen durante la escritura de la misma. Y el miedo a hacer daño a otros, lo cual no coarta su determinación de llevar a término la empresa, como homenaje a la madre, de tan difícil vida, e incluso como terapia personal. Me parece muy recomendable.

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[Cine] Manchester by the Sea (2016)

Cine

Manchester by the Sea (2016; 082017-0602)

Película que, como siempre que es posible, vemos en versión original. Y por ello conservo también su título original. Que no entiendo por qué en la versión para España han traducido como Manchester frente al mar, porque Manchester-by-the-Sea es el nombre real de la pequeña ciudad de Massachusetts donde transcurre la mayor parte de la acción. Y las normas de uso habituales recomiendan que, salvo para aquellas poblaciones en las que exista un nombre históricamente consolidado en castellano traducido, se conserve el nombre original de la población, Manchester-by-the-Sea. Pero el comportamiento de los distribuidores y exhibidores de cine tiene más misterios que todas las religiones del planeta juntas.

Pero dejémonos de estas cuestiones y vamos al grano. Porque ya a priori, desde hace meses, esta película prometía y mucho. Y las impresiones que han ido llegando después a través de la crítica especializada y su comportamiento en la temporada de premios también. Y el reparto, no digamos.

No tengo fotografías de la costa de Nueva Inglaterra, pero el puerto y las playas de Tadousac, en la provincia canadiense de Quebec, servirán para ilustrar el ambiente del filme.

No tengo fotografías de la costa de Nueva Inglaterra, pero el puerto y las playas de Tadousac, en la provincia canadiense de Quebec, servirán para ilustrar el ambiente del filme.

Kenneth Lonergan es un director que se prodiga más como guionista que como director propiamente dicho. No he visto ninguna de sus dos anteriores películas en salas de cine, aunque me suena su primera película, del 2000, de verla en televisión. Pero difusamente.

En esta ocasión, como en su primera película, nos trae un drama familiar que se desencadena cuando Lee Chandler (Casey Affleck), un conserje en una urbanización de los alrededores de Boston, que vive de forma frugal y solitaria, recibe la noticia del fallecimiento de su hermano Joe (Kyle Chandler). Lo que le obliga a volver a su pueblo natal, Manchester-by-the-Sea, para hacerse cargo de la situación… y sorprendentemente según el testamento de su hermano, enfermo crónico, de su sobrino Patrick (Ben O’Brien/Lucas Hedges). Pero Lee dejó su pueblo marcado por una tragedia que se desvelará en su momento. Separado, divorciado y totalmente incomunicado de su exmujer, Randi (Michelle Williams), el regreso a su lugar de origen desencadenará una tormenta de sentimientos encontrados en Lee.

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Lonergan nos cuenta con enorme maestría, situando en paralelo dos narraciones, los hechos actuales y la vida y la tragedia del pasado, uno de los retratos emocionales más hermosos e impresionantes que he visto en el cine. La película tiene momentos de enorme tristeza, que si no te conmueven es porque estas hecho de granito. Pero sin que se regodee en ellos, presentados con enorme elegancia. Y al mismo tiempo, sabe intercalar momentos de relax casi cómicos, la vida amorosa del adolescente Patrick se presta a ellos, que no rompen para nada el tono general de la película. Técnicamente, es sobria, pero magníficamente realizada, jugando perfectamente con las luces suaves del invierno y la primavera en Nueva Inglaterra, junto al mar. Y tiene una banda sonora absolutamente estupenda, que nos va acompañando, poniendo en alerta y acompañando el humor y los sentimientos que nos proporcionan las fortunas e infortunios de los personajes protagonistas.

Casey Affleck se echa sobre sus espaldas la película, demostrando varias cosas. Entre ellas, que como actor vale más que su hermano en progresión exponencial. También su versatilidad, y la conveniencia para el séptimo arte de que se le otorguen más oportunidades de mostrar su valía y al mismo tiempo deleitarnos con su trabajo actoral. Si le cae el oscar, seguro que es totalmente merecido. Que Michelle Williams, actriz a la que adoro, sea candidata también al oscar a la mejor actriz en papel secundario… pues no sé que posibilidades tiene, pero podría merecerlo sin problemas. No le tratan muy bien en esos premios a esta excelente actriz. Se gana de sobras el sueldo que le hayan pagado con sus escasas intervenciones, componiendo junto con Affleck una escena, un diálogo, la del lunch, que es de las que te dejan anonadado y aplastado en tu butaca en una tormenta de sentimientos transmitida con maestría por los intérpretes a sus personajes. El segundo personaje en importancia es el adolescente Hedges, que cumple con su papel, fenomenalmente en sus escenas más ligeras, pero más flojo, ha de madurar, en los momentos más dramáticos.

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A estos tres, hay que sumar un conjunto de personajes secundarios, todos ellos interpretados por sólidos intérpretes, que cumplen con nota en el acompañamiento a los principales.

Parece que es favorita a los oscars el musical del que ya hablamos hace unas semanas, y que realmente está muy bien. Pero esta película que nos ocupa hoy es tan merecedora al premio gordo como la anterior. Es una película que te deja poso, mucho. La noche siguiente no dejé de tener sueños relacionados con el tema de la película… aunque fueron por libre. El mundo de los sueños es así. Indudablemente es la película que más me ha impactado en esta temporada de premios. Imprescindible. Aunque advierto, los que no tengáis el corazón de piedra,… llevaros pañuelos.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: *****
  • Valoración subjetiva: *****

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[Cine] La novia (2015)

Cine

La novia (2015); vista el 13 de diciembre de 2015.

Extrañas sensaciones. Casi en el mismo momento en que estamos planificando la sesión familiar de Star Wars de este próximo fin de semana, con la duda de si volveremos a recuperar aquella ilusión que nos invadió hace casi 40 años o si nos llevaremos la desilusión de hace poco más de quince, nos da por irnos a una matinal de cine español, con sello de la tierra, aragonés. Casi en la antítesis de lo anterior.

He de decir que el primer trabajo como directora de largometraje de la zaragozana Paula Ortiz me dejó un poco frío. Encima me olí la cuestión y esperé a verla en la tele… pasando de ir a las salas de cine. De las tres historias que recogía aquella película justamente prefería aquella que tenía una factura más austera y una protagonista menos conocida. Cosas que pasan. A la hora de ir a ver esta “novia” sacada de las Bodas de Sangre de Federico García Lorca, no dejábamos de preguntarnos si nos encontraríamos esa austeridad que pudo convencernos, o el formalismo estético que nos dejó tan fríos en el resto del largometraje.

Además de las vistosas "postales" que convierten a ratos la película en un publirreportaje turístico de la Capadocia en Turquía, la película está rodada en paisajes, áridos, aragoneses.

Además de las vistosas “postales” que convierten a ratos la película en un publirreportaje turístico de la Capadocia en Turquía, la película está rodada en paisajes, áridos, aragoneses.

Como digo, basada en Bodas de Sangre, la película nos plantea el problema del triángulo rectángulo, cuando dos catetos, El Novio (Asier Etxeandia) y Leonardo (Álex García) se enamoran de la misma hipotenusa, La Novia (Inma Cuesta), e historias previas de malquerencias y reyertas junto con el carácter primario y cerril de la España profunda lleva a una resolución más trágica que pitagórica.

No me extenderé mucho. Desde mi punto de vista, Paula Ortiz vuelve a caer en las trampas en las que cayó en su primera película. Un deleitarse continuo en composiciones del cuadro estéticamente más o menos potentes, acompañadas de una serie de postales mezcladas de la Capadocia y de las resecas estepas aragonesas. Lo cual condena a la película a una carencia de ritmo considerable, y a que la historia que plantea Lorca se tenga que defender por si misma. Una historia que quizá se beneficie mucho más de una puesta en escena austera y desnuda de elementos superfluos que nos permita meternos en las rancias almas de esa España profunda que aún asoma de vez en cuando con más frecuencia de la que nos gustaría, y que Lorca sentía cercana en su Andalucía natal y en sus tiempos.

Por algunas indicaciones al final de los títulos de crédito, los Monegros, el campo de Belchite, la Violada o la Hoya de Huesca pueden haber sido algunas de las localizaciones escogidas.

Por algunas indicaciones al final de los títulos de crédito, los Monegros, el campo de Belchite, la Violada o la Hoya de Huesca pueden haber sido algunas de las localizaciones escogidas.

Los intérpretes hacen su trabajo con razonable solvencia, aunque sin la brillantez que algunos críticos han querido ver. La chica protagonista tiene la presencia física, muy racial, apropiada, pero a veces carece un poco de la fuerza o del desparpajo del capricho a la hora de elegir entre los pretendientes, entre la seriedad y la buena situación del pretendiente (un razonable Etxeandía) y la hombría básica, primaria, del antiguo pretendiente (para mi poco convincente Alex, más allá de la presencia física). De hecho, a los tres se los comen cualquiera de los secundarios veteranos, especialmente una Luisa Gavasa excelente como la madre. Incluso sentimos las presencias de gente como Ana Fernández o Leticia Dolera como desaprovechadas. Comentábamos al salir de la sala si Dolera, aunque no tenga la racial presencia de Cuesta, no hubiera dado más juego como caprichosa que juega con los sentimientos de ambos hombres.

Ciertamente, aunque las secas estepas aragonesas son en ocasiones menospreciadas paisajíticamente, comparadas con los verdes campos y bosques de otras latitudes, yo creo que pueden ser muy bellos.

Ciertamente, aunque las secas estepas aragonesas son en ocasiones menospreciadas paisajíticamente, comparadas con los verdes campos y bosques de otras latitudes, yo creo que pueden ser muy bellos.

La película se deja ver. Pero, ay de los largometrajes en los que las señoras de cierta edad salen diciendo aquello de “qué bonita la fotografía”. Si en una tragedia con el fondo que trae la obra de Lorca esto es lo que se queda como primera impresión, es que algo ha fallado.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

O por lo menos son lugares donde yo en más de una ocasión en disfrutado con la cámara fotográfica.

O por lo menos son lugares donde yo en más de una ocasión en disfrutado con la cámara fotográfica.

[Cine] Les Misérables (2012)

Cine

Les Misérables (2012), 28 de diciembre de 2012.

En todo el mundo, tanto el musical en el que se basa esta película como la película en sí misma reciben el título original en francés de la obra de Victor Hugo que adaptan. En todo el mundo, salvo en España donde tradicionalmente se ha traducido en ambos casos, Los Miserables. Como podemos ver, la diferencia está en una vocal y una tilde. En cualquier caso, como yo he visto la película en versión original, conservo también su título original.

Ver esta película en versión doblada es ridículo. Por lo que sé, han respetado las canciones en inglés, y sólo las frases que no son cantadas se doblan. Lo que puede ser un 5% de las voces del filme o menos. Me dicen que queda muy mal, y que el cambio de voz “canta” mucho, pero no el sentido musical. Así que nada, una vez más proclamo la conveniencia de la versión original, que además es más barata. Por lo menos en Zaragoza.

Boulevard Pasteur

El boulevard Pasteur, en Montparnasse, no anda lejos de la rue Plumet, donde discretamente se establecen Valjean y Cosette cuando abandonan su encierro en el convento donde se refugian de las pesquisas de Javert.

Desconozco en qué medida es de dominio público el argumento de la obra. La película es el musical llevado al cine. No es adaptación directa de la novela de Victor Hugo, que incluye disgresiones continuas de naturaleza filosófica, política y social. Así que se centra el musical, y la película, en dos tramas principales y en alguna secundaria. La trama básica es la historia de redención de Jean Valjean (Hugh Jackman), desde su punto más bajo en prisión hasta que alcanza sus mayores logros por la felicidad de los demás, siempre bajo la persecución del inflexible policía Javert (Russell Crowe). La trama paralela que acompaña a esta es la historia de la desgraciada Fantine (Anne Hathaway) y su hija Cosette (Isabelle Allen, de niña, y Amanda Seyfried, de joven), que acabará siendo adoptada por Valjean, así como de los amores de esta última con el revolucionario Marius (Eddie Redmayne). La tercera trama es la revolución de junio de 1832 en París y en concreto los acontecimientos de la barricada de la rue Saint-Denis. Y la trama cómico-trágica es la del matrimonio Thénardier (Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter), así como la de la desdichada hija de estos, Éponine (Natalya Angel Wallace, de niña, y Samantha Barks, de joven).

Saint-Merri

La iglesia y la rue Saint-Merri, junto al Centro Pompidou, no están lejos de la rue Saint-Denis, en cuya barricada resisten hasta el final los compañeros revolucionarios de Marius.

Todo ello dirigido por la eficaz mano y mirada de Tom Hooper, que monta un impresionante espectáculo visual de principio a fin. Ya desde el principio adopta el viejo principio del cine que dice que de entrada hay que dejarlos (a los espectadores) pegados a la butaca, y a partir de ahí contar tu historia. Nunca consigo recordar quien dijo esto. Puede que Billy Wilder. Él lo hacía así, desde luego. Aquí, te dejan pegado a la butaca con la impresionante escena de las dársenas de Toulon, donde sufren los penados a trabajos forzados. Con una cuidada ambientación, con un diseño artístico de primera, con una fotografía de primer nivel, y con un manejo de la cámara muy dinámico, incluso cuando se para en esos intensos primeros planos que ponen a prueba la capacidad de los intérpretes para actuar mientras cantan. Canciones que se grabaron en el plató de rodaje durante la interpretación, que no son un añadido de laboratorio de sonido posterior. Sí lo es la orquestación. Entendámonos. La película dura más de dos horas y media, y no mantiene el mismo nivel de forma continua, quizá por su respeto al musical de origen. Pero en líneas generales estamos ante un espectáculo cinematográfico de primer orden.

Metro Bastille

El cortejo fúnebre del general Lamarque, que marca el comienzo de la actividad revolucionaria, pasa por la Bastilla, que en estos días ofrece este aspecto.

Quienes han tenido que esforzarse en especial, han sido los intérpretes. Han tenido que cantar e interpretar al mismo tiempo, dando credibilidad a los sentimientos y el drama que transmite la obra original literaria. Aun con los pasajes cómicos debidos a los Thénardier, estupendos Baron Cohen y Bonham Carter, la obra en su conjunto es sumamente dramática, con momentos absolutamente trágicos. El espectador debe sentirse emocionado realmente. Y yo creo que lo consiguen. En estado de gracia absoluta me parecen JackmanHathaway. Esta última se viene diciendo que nos proporciona el mejor momento del filme con su interpretación de I dreamed a dream, que probablemente le valga un óscar. Y de momento no seré yo quien lo contradiga. Momentos intensos tienen también Crowe a pesar de que su voz esté un peldaño por debajo del conjunto, Barks que canta realmente bien, y el a priori sosito Redmayne, que sin embargo también nos emociona cuando llora a sus compañeros caídos. Aunque parece que tira de falsete, aunque no soy entendido en esto. La que flojea en el conjunto, y eso que está por encima de lo que es habitual en ella, es Seyfried. Que parece que lo único que le piden es que esté ahí y sea mona y rubia. Aunque tiene una bonita voz de soprano.

Conocí el musical en el que se basa la película en un teatro del West End londinense en 1994, y aunque no me convirtió en un aficionado a los musicales, fue un espectáculo que me gustó. Sí que me gusta el cine musical, por lo que esperaba con ilusión esta adaptación. Y no me ha defraudado. Me lo pasé bien, me emocioné, y la considero de lo mejor que se ha podido ver en los últimos tiempos en el cine. Quizá no lo que más me ha gustado personalmente, pero si algo se diferencia de otras producciones puede estar en mis subjetividades personales. Totalmente recomendable.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: *****

Greenwich

Aspecto el de la Bastilla actual no es el más adecuado para rodar las escenas correspondientes del filme, que se trasladaron a Greenwich, en Londres. Esta foto es de 1994, justo el año en el que yo vi el musical en la capital británica. Entonces no imaginaban que estas esplanadas se iban a llenar de barricadas para la filmación de la película.

[Cine] Wuthering Heights (2011)

Cine

Wuthering Heights (2011), 2 de julio de 2012.

Esta película fue vista en versión original subtitulada en castellano, por lo que conservo su título original. En las carteleras españolas puede ser vista también doblada bajo el título de Cumbres borrascosas (siempre me ha parecido que lo de “cumbres” es un poco pretencioso en la traducción de esta obra; se refiere a los altos en los páramos o los cerros del norte de Inglaterra más que a las cimas de montañas que es en lo que normalmente piensas cuando oyes la palabra “cumbre”).

Enésima adaptación de la obra de Emily Brontë, única novela que escribió y que le ha dado fama mundial. La pobre murió a los 30 años de tuberculosis, mostrando su total implicación con el romanticismo de la época y con el destino de los personajes de las novelas de moda en ese momento. Así que la pregunta no puede ser otra que qué puede aportar de nuevo la versión de la directora británica Andrea Arnold. Una versión que se ha colado de rondón en la cartelera zaragozana, ya que en España se estrenó a finales de marzo, sin que lo hiciera por estos lares, y no ha venido anunciada en ninguno de los boletines a lo que estoy suscrito como estreno en la ciudad. El caso es que ayer me fijé que estaba programada en versión original en los Aragonia, y allá que me fui. Después de la interesante Jane Eyre de Fukunaga, el otro gran clásico de las Brontë, tenía ganas de ver este filme.

Para quienes no conozcan el argumento porque no hayan leído la novela, muy probablamente, yo no la he leído, me dan miedo estos voluminosos volúmenes, o hayan visto alguna versión anterior, yo me he chupado un par, nos cuenta la historia de los amores de Cathy (Shannon Beer adolescente; Kaya Scodelario adulta)Heathcliff (Solomon Glave adolescente; James Howson adulto)Heathcliff es un niño que es encontrado sin hogar por Mr. Earnshaw (Paul Hilton) en las calles de la ciudad y al que adopta. El niño es rechazado por casi todos los demás de la familia que vive en la granja Wuthering Heights en los páramos del norte de Inglaterra. Salvo por la hija menor, Cathy, consentida por su padre y algo asilvestrada, que primero lo acogerá como un hermano, pero conforme pase el tiempo desarrollará sentimientos más profundos por el chaval, que también cae perdidamente enamorado de la moza. Pero la muerte del patrón hará que el hijo mayor, Hindley (Lee Shaw) tome las riendas de la granja y trate a Heathcliff como un sirviente de bajo nivel. La llegada de unos nuevos vecinos, los Linton, complicará las cosas ya que el hijo de estos Edgar (Jonny Powell adolescente; James Northcote adulto) se interesará por Cathy quien acabará comprometiéndose con él, por motivos que Heathcliff no entenderá, provocando su huída. Sólo para volver pocos años después convertido en un hombre de fortuna, que nunca se nos explica de donde sale. Y a partir el dramón está servido.

En la novela, se narran las desdichas de dos generaciones. La de los personajes que he comentado y las de sus hijos. Pero las adaptaciones cinematográficas, salvo alguna excepción, ignoran esta segunda parte, como es el caso que nos ocupa.

Algunas cosas son notables en la adaptación de la directora británica.

La primera que te sorprende es cuando ver en la pantalla que la proyección abarca el escueto formato académico. Para que nos entendamos, lejos de los formatos alargados o panorámicos habituales, la película está filmada en un formato similar al de las televisiones antiguas, 1,33:1. Es cierto que la premiada The Artist también estaba así, pero es que aquella simulaba una película de época. Esta no. Es una decisión buscada. Y he de decir que funciona bastante bien. Más teniendo en cuenta que la película se centra mucho en los paisajes y en los fenómenos atmosféricos que rodean a los protagonistas, por lo que se muestra como una decisión arriesgada. Para los aficionados a la fotografía, la película es muy recomendable, por el manejo de la luz y de la composición. Meritorio trabajo en la dirección de fotografía de Robbie Ryan.

La segunda es que el protagonista, Heathcliff, por primera vez es representado por actores negros. En la novela es descrito como de piel oscura, pero hasta ahora se le había representado más como alguien próximo a la etnia romaní, que a otra cosa. La cosa no funciona mal, sirve para dar actualidad a la historia, con los racismos y xenofobias que permanecen latentes en las sociedades europeas, especialmente ante la inmigración de los últimos años de personas de África, muchas de ellas en situación irregular.

La tercera es que los actores y actrices tienen edades y aspectos similares a los que se describen en el libro. Tradicionalmente, estaban representados por intérpretes de más edad que lo que correspondía a los caracteres de la novela.

Por todo ello, de entrada ya la película te engancha y te interesa. Y durante la primera parte de la historia, mientras los dos protagonistas pasan de la niñez a la adolescencia y se enamoran, la cosa funciona bastante bien. Sin embargo, cuando se hace la transición a la edad adulta (adultos que no debemos olvidar apenas rondan los veinte años), la historia se atasca un poco. Se hace repetitiva y un poco pesada. No acaba dejándote el buen sabor de boca que vaticinabas.

Las interpretaciones son buenas en general. Algo que puedes esperar de una producción británica. Sin embargo, aquí también, funcionan mejor las versiones adolescentes de los protagonistas que las adultas. En el caso de quienes encarnan a Heathcliff, se trata de actores noveles en pantalla grande, de los cuales creo que la mejor interpretación corresponde al más joven. Para las Cathy, la jovencita es nueva y lo hace realmente bien, con ese aspecto indómito de campesina que va por libre, mientras que Kaya Scodelario es una actriz emergente que ha alcanzado cierta fama ya por sus intervenciones televisivas y alguna incursión cinematográfica. Recientemente la pude ver en un par de episodios de la serie True Love de la que os hablé hace poco. También hace un papel muy convincente. Sin embargo, es difícil ver en la flacucha y algo estirada Scodelario la misma Cathy que la rechonchilla y asilvestrada Shannon Beer. Supones que el carácter ha evolucionado pero no acabo de verlas como la misma persona.

Por ir terminando, una película que no deja de ser interesante. Desde luego lo es en lo que se refiere a la puesta en escena y a los aspectos visuales. Y desde luego, a pesar de lo trillado del tema, la directora sabe aportar nuevos puntos de vista y nuevos matices a una historia realmente compleja. Pero ya he dicho que la historia no se desarrolla con igual fluidez durante todo el filme haciéndose algo aburridilla en su tercio final. Nada recomendable para los aficionados palomiteros, no acostumbrados a usar la materia gris cuando van al cine, para el resto puede ser una opción más que razonable en esta cartelera tan afectada por el verano y por las eurocopas.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **/*** (la cosa está así, así; aunque me decanto más por las tres estrellas tampoco quiero engañar a nadie sobre lo que se puede encontrar)

A falta de imágenes del norte de Inglaterra, el valle del Baztán bajo las nubes funcionará como “cumbres borrascosas” más próximas.

[Breves – cine] Balada triste de trompeta (2010)

Cine

Balada triste de trompeta (2010) – IMDb.

Otra de las que me he bajado este fin de semana del servicio A la carta de Digital+. En su momento, cuando la estrenaron en pantalla grande, no nos motivó ir a verla. Supongo que tuvimos un momento de maravillosa inspiración. Porque si no la habéis visto, ni se os ocurra verla. Alex de la Iglesia tuvo un par de momentos de inspiración en su momento. O sonó la flauta por casualidad. Pero todo lo demás es muy mediocre. Esta película incluso creo que está un escalón por debajo de la mediocridad. Lo dicho, abstenerse de ella.

Anticristo (2009)

Cine

Anticristo (Antichrist, 2009), 25 de agosto de 2009.

El cine de Lars von Trier tiende a ser diverso, de carácter experimental, y muchas veces indefinible. Para mucha gente sus películas son de las amas o las odias. En mi experiencia personal ha habido más de lo primero que de lo segundo, aunque no he visto de forma exhaustiva toda la obra del director, quizá de forma preventiva. Pero las expectativas levantadas en torno a este filme, acogido de forma muy diversa por los festivales, la crítica y el público, nos empujó a acudir ayer a la sala de cine donde la proyectaban.

Con sólo dos personajes, él, Willem Dafoe, y ella, Charlotte Gainsbourg, en sus momentos iniciales nos narra la tragedia del niño pequeño de la pareja que muere en un accidente, y el difícil duelo que se origina en ella y que él intentará amortiguar y tratar mediante técnicas psicológicas complejas, atacando los propios miedos de ella. Pero lo que comienza y se desarrolla como un drama psicológico, progresivamente nos lleva a una historia de violencia, y casi podríamos decir que de terror. Físico. Lo cual es desconcertante.

La película está llena de momentos de gran belleza visual y simbólica, en los que el director muestra su carácter innovador y su gran maestría en el uso de los elementos visuales. Toda una lección de cine. Pero a su vez, nos lleva también a algunas escenas de una violencia desatada, de un sexo amargo y desesperado, verdadero antídoto contra la lujuria, de mutilaciones explícitas no siempre bien justificables. Todo ello ocasiona un cierto grado de desconcierto en el espectador, o por lo menos en mí, que no sabe exactamente que está viendo.

Tampoco tengo nada claro de donde viene el título del filme; cualquier sugerencia será bienvenida.

La interpretación, dadas las circunstancias, es inmejorable. Aunque no aseguraría yo que el equilibrio mental de ambos actores quedase muy bien parado después de rodar este filme.

Para terminar, no sé si se puede recomendar esta película o no. No me arrepiento de haberla visto porque contiene elementos cinematográficos muy valiosos. Pero la violencia que se muestra en el último tercio de la película, y eso que no soy remilgado, me dejó con el cuerpo un poco disgustado. Así como tengo claro que la nota a la interpretación y a la dirección tiene que ser alta, en torno al ocho o al nueve, mi valoración subjetiva es muy difícil, pues en algunos momentos le pondría un nueve y en otras un tres… le pondré un seis.

La imagen de hoy no tiene más remedio que ponerse un poco lúgubre… o quizá no tanto, porque el viejo cementerio de Weimar me pareció un remanso de paz y tranquilidad, y muy bonito.

Historischer Friedhof

Historischer Friedhof (Cementerio histórico o antiguo), Weimar (Alemania) - Panasonic Lumix LX3

Los abrazos rotos (2009)

Cine

Los abrazos rotos (2009), 23 de marzo de 2009.

Bueno… cuando Almodóvar estrena película, la asistencia es obligatoria. Desde mi punto de vista, es el mejor director español actual, uno de los cinco mejores de toda la historia, y uno de los mejores directores mundiales actuales. Eso no quiere decir que todas sus películas sean las mejores. Porque como a todo hijo de vecino, unas veces las cosas les salen bien y otras… pues no tan bien. ¿Qué habrá pasado en esta ocasión? Veremos.

El manchego nos presenta la historia de un guionista de cine ciego (Lluis Homar), que arrastra un drama de su pasado que impacta de nuevo con el con la ocasión de la muerte de un potentado (José Luis Gómez) con el que se relacionó años antes durante el rodaje de un pelicula. De fondo, la historia de amor que vivió el guionista y entonces director con la amante del potentado y protagonista de la película (Penélope Cruz). En un momento dado, y ante la ausencia de su directora de producción (Blanca Portillo), el hijo de esta se queda cuidándolo, y tras ciertas peripecias, el protagonista cuenta al joven (Tamar Novas) toda la historia. En esa historia encontramos dramas dentro de dramas, y un doble desenlace. El de los hechos que sucedieron en el pasado, y el de la situación actúal de los personajes protagonistas.

Visualmente, la película es una maravilla. Almodóvar tiene un estilo personal que me parece muy atractivo, con transmite una sensaciones visuales que me gustan mucho. Todos los planos, todas las secuencias, la puesta en escena en general está cuidada hasta el más mínimo detalle. Nada es superfluo, todo importan. Cualquier gesto, cualquier minúsculo objeto.

Otro aspecto que me ha gustado ha sido la parte metatextual, en la que esta película, de 2009 hace referencia a uno de los grandes éxitos del director de hace 20 años, Mujeres al borde de un ataque de nervios. Constantemente, la película en rodaje, Chicas y maletas, hace referencias al éxito que marcó para siempre la carrera del autor.

Pero este filme tiene un gran pero. La historia no acaba de cuajar. El guion flojea. No acabas de integrater. Te fijas demasiado en lo cosmético y no te dejas llevar por las emociones que se derivan de la obra. Te caen bien los personajes, pero no te emociona lo que les pasa. Ni siquiera en los momentos más dramáticos. Algo no ha funcionado. Algo no está bien engarzado. Como he escuchado ya en algún otro sitio, tiene todo lo que tiene que tener para ser una historia magnífica, y no lo acaba de conseguir.

Las interpretaciones son sólidas, especialmente por parte de gente como José Luis Gómez o Blanca Portillo. Penélope Cruz creo que está por encima de lo que es habitual en ella. Es uno de los méritos del manchego; saca lo mejor de los actores, incluso de los flojos. Quizá el protagonista, Lluis Homar, sin estar mal, no acaba de transmitir toda la emoción que exige el personaje. Kira Miró está estupenda… pero por motivos muy distintos… ejem.

En resumen, una película imprescindible para los amantes de la cinematografía del director, aunque puede defraudar a más de uno. Los que odian o se siente fríos con el autor,… casi mejor que lo dejen estar. Yo le pongo un seis en la valoración subjetiva, con un siete en la dirección y un siete en la interpretación.

En la foto de hoy, la melancolía de una figura humana que se pierde al fondo… Melancolía que también se da en la película de hoy.

Rampa

Estación de Lérida-Pirineos - Panasonic Lumix LX3