Recomendaciones semanales – 7 al 14 de septiembre de 2014 – Fotografía y otras artes visuales.
Últimas recomendaciones semanales en carloscarreter.es, antes de hacer una pausa de un par o tres de semanas por vacaciones. Lo cual no quiere decir que no sigan publicándose contenidos en este Cuaderno de ruta, ¿vale?
Precedida de gran expectación, aunque no demasiada publicidad, ha llegada a las pantallas españolas la última película del personal director RICHARD LINKLATER. Casi tres horas de versión original, a partir de una fórmula de rodaje que si bien no es del todo original, sí que ha sido muy poco utilizada por su difícil planificación y financiación. Evidentemente LINKLATER gusta de jugar con el tiempo en sus proyectos. Si su apreciada trilogía ANTES DE… nos permite seguir la historia de una pareja acompañándoles durante unas horas cada 9 años, aquí se condensa en una sola película una lapso de tiempo de 11 o 12 años, que son los que ha durado el rodaje de la película. Ya que los intérpretes son los mismos durante ese tiempo, siguiendo su proceso personal de maduración y transformación física. Y eso que nos cuenta que el tiempo total de rodaje no pasó en esos años de los 39 días…
Porque la película nos cuenta la niñez y adolescencia de MASON (Ellar Coltrane), un jovencito que vive con su madre OLIVIA (Patricia Arquette) y su hermana SAM (Lorelei Linklater), y manteniendo contactos frecuentes con su padre MASON (Ethan Hawke), cuya relación con la madre fracasó porque la vida les pilló jóvenes y con hijos demasiado pronto e inmaduros. Y así seguimos la vida del chico desde que tenía seis años y su madre decide dar un cambio en su vida que le permita progresar y mantener adecuadamente a su familia al mismo tiempo que crecer como persona, hasta que el joven MASON entra y da sus primeros pasos en la universidad. Un camino que, como el de muchas familias, está salpicado de dramas, alegrías, inseguridades y descubrimiento del mundo.
Un recorrido por la infancia de una persona implica recorrer los lugares en los que esta se desarrolla.
Esta es una película que en primer lugar sorprende y apetece ver por su planteamiento. Un proyecto a tan largo plazo, con un guion que necesariamente se ha de adaptar a la evolución personal de cada uno de los intérpretes, que se ha de reflejar en los caracteres ficticios que representan. Desde mi punto de vista va de menos a más. En los años más jóvenes, estamos ante un niño al que le pasan cosas y observa el mundo. Pero en esos años, la película va registrando el entorno social y familiar, pero no puede definir la evolución futura. Por lo tanto, nos deja con cierto desconcierto. O por lo menos a mí. Pero poco a poco, la personalidad del joven se va definiendo, y LINKLATER empieza a ser fiel a su estilo de cine en el que los diálogos tienen un importancia fundamental. Y hay diálogos muy interesantes y muy sustanciosos en la película. La película no busca dramas excesivos, aunque los hay importantes, ni situaciones excepcionales. Plantea lo que puede ser el recorrido de una familia tejana en los tiempos actuales. No una familia especial. Una familia como otras que seguramente existen.
Una de las claves de la película son los intérpretes. Es una apuesta muy compleja la de seguir a una serie de personajes, cuatro fundamentalmente, en su evolución durante doce años, cuando los intérpretes que los encarnan también están evolucionando, no siendo previsible cómo va a ser su evolución. He de decir que ELLAR COLTRANE, el protagonista, probablemente sea el eslabón más débil de la producción, aunque funciona adecuadamente. Pasa de ser un niño muy interesante y vivaz a un adolescente un poquito soso. Al que se impone un carácter interesante sólo a base de unos diálogos y unas experiencias que no siempre las incorporas a la interpretación del actor. Pero funciona. La hermana, la hija del director, tiene momentos estupendos, aunque lamentablemente se le va robando protagonista conforme va creciendo, por lo que se luce más en sus años de infancia. Y los que hacen unos papeles fenomenales son ARQUETTE y HAWKE. ARQUETTE nos ofrece una madre que vive en la constante contradicción entre sus buenas decisiones para su crecimiento personal y sus malas decisiones para sus relaciones de pareja, poniendo siempre por delante a sus hijos, y condicionando a la larga quién es. Sus escenas finales esconden una reflexión profunda, pues siendo una madre joven se siente vacía a una edad en la que por profesión y por situación vital le debería quedar mucho por ofrecer. El ciclo del hijo es también el ciclo de la madre. Interesante el contraste con el padre, perfectamente adaptado a las características de ETHAN HAWKE, que pasa de ser un error de juventud de la madre a ser la persona con la que ella hubiese sido feliz, pero que tiene otra vida, otra familia, otro futuro. Ha madurado, ha crecido, y lo ha hecho respetando a sus hijos y a OLIVIA. Es algo que también tiene que ver con la amargura final de esta, pero al gran trabajo que ha hecho sacando adelante a su familia.
Estos lugares, conforme pasa el tiempo, van adoptando un carácter que induce a la melancolía.
La película como digo crece poco a poco. A pesar de su larga duración, lo cierto es que cada vez te sumerges más en ella. Contrastando con la biografía de su director, vemos que hay elementos de su propia vida que ha reflejado en la vida de MASON. Y al final, le concede un futuro esperanzador. Quizá demasiado benevolente. Quizá demasiado fácil… No lo sé. Pero bueno… es así.
Por cierto, la película reúne condiciones suficientes para ser incluida en mi colección de cine y fotografía. Podéis entrar en su reseña ampliada con los aspectos fotográficos en su correspondiente enlace.
Y los edificios que nos impresionaban, adquieren una nueva dimensión, menos llamativa, más humana, y llena de recuerdos.
No ha habido grandes novedades esta semana. Ni pequeñas. Cierres de temporada sí, pero no se ha sumado ninguna serie nueva. Lo cierto es que no espero muchos ni espectaculares ingresos en la cartelera a corto plazo. Aunque algunas series van a ir regresando con sus nuevas temporadas.
Sí que puedo decir que la serie danesa ARVINGERNE, o sea «los herederos», con la que estaba en modo maratón porque los primeros capítulo me parecía que tenían potencial, se me estancó al llegar al quinto, y el sexto directamente se me atragantó. Le dan muchas vueltas, aveces de forma absurda, a las cuestiones, y he mandado la serie a la papelera. De los países nórdicos llegan cosas interesantes, pero esta no es una de ellas.
La serie más destacada de hoy, The Leftovers, los que se quedan atrás, juega con todo tipo de símbolos sobre el sentido de la vida…
La entretenida y simpática RIZZOLI & ISLES, aunque intrascendente, como siempre divide sus temporadas entre el verano y el principio de año. Final de la semitemporada de verano con el correspondiente cliffhanger, y a esperar al desenlace dentro de unos meses. Lo dicho. Siempre entretenida, pero sin más trascendencia.
Hemos podido ver ya la primera temporada entera de WELCOME TO SWEDEN, coproducción entre la televisión sueca y alguna productora norteamericana, sobre un americano que sigue a su guapa e inteligente novia a SUECIA, con el fin de establecerse allí. Choque de culturas y esas cosas. Irregular. Con momentos muy divertidos, pero también con momentos menos inspirados. Simpática. Las mejores escenas suelen coincidir con la presencia en pantalla de LENA OLIN, como madre de la novia. Grande la OLIN. Desde siempre.
… y de la muerte… con el sentido de los ciclos vitales.
Ha corrido por internete un final alternativo de HOW I MET YOUR MOTHER. Sí. Yo también lo prefiero. No soy de los que juzgan el conjunto de una serie por como termina su último episodio, pero definitivamente soy de los que no acabó del todo satisfecho. Creo que «la madre» se merecía un mejor destino. Y más con la simpatía y buen hacer que mostró CRISTIN MILIOTI, que se comió sin problemas a muchos de los protagonistas en las escenas de la última temporada.
Y por último, el hecho más destacado de la semana. El final de temporada de THE LEFTOVERS. Con la premisa de partida, la desaparición de un 2% de la población sin causa aparente y las consecuencias para los que se quedaron atrás un 14 de octubre de un año de estos, podría haber pasado cualquier cosa. Lo cierto es que hasta el momento, esa desaparición ha funcionado con monumental macguffin que ha servido para explorar una serie de reacciones e interrelaciones humanas sobre cómo afrontar un hecho dramático en la vida de las personas, llevado a ciertos extremos. Aunque al principio empezó con cierta irregularidad, finalmente me enganchó totalmente, con varios episodios que se pueden calificar como muy muy buenos, y con excelentes interpretaciones. Esto último, las interpretaciones, es una de las grandes bazas. Actores muy televisivos, pero en estado de gracia. Algunos han tachado de «cuasiapocalíptico» para la ficticia población del estado de NUEVA YORK donde sucede la acción el final de la temporada. Pero lo cierto es que ha estado lleno de esperanza y deja muy abierto el por dónde puede tirar en un futuro. Porque espero que tenga un futuro. Seguro que vuelve al año que viene; está renovada por una segunda temporada.
Y en definitiva, con el sentido del tiempo del que disponemos y de lo que hacemos con él, y qué pasa cuando lo que le da sentido desaparece.
Tercer volumen de la serie de historietas, cómics o historias gráficas, como los queráis llamar, de los que estoy dedicando a la conmemoración del 100º aniversario de la PRIMERA GUERRA MUNDIAL. Esa guerra que decían que iba a acabar con todas las guerras, pero que a algunos nos parece que es una guerra que todavía no ha acabado, que muchas de las cosas que pasan en el mundo hoy en día tienen su origen en ese malhadado conflicto. Un conflicto en el que claramente hubo perdedores, y sólo algunos ingenuos o cínicos creen que hubo vencedores. Y este especial volumen que firma JOE SACCO, con la colaboración de un ensayo firmado por ADAM HOCHSCHILD, nos cuenta un ejemplo que demuestra que con carácter general, no. No hubo ganadores.
Por cierto, esta reseña está ilustrada con fotografías de las antiguas trincheras de la guerra civil española en la Sierra de Alcubierre. En los últimos doscientos años, en este país no «nos ha gustado» pelear contra los demás; «hemos preferido» hacerlo entre nosotros… cosas que pasan. Tan malo lo uno como lo otro.
La Gran Guerra
Dibujos y anotaciones de JOE SACCO
Ensayo sobre el primer día de la batalla del SOMME de ADAM HOCHSCHILD
Traducción de MARC VIAPLANA CANUDAS
Colección RESERVOIR BOOKS; Literatura Random House, 2014
Estamos ante un trabajo de SACCO muy especial. Este autor de historietas norteamericano se ha caracterizado por su inmersión en diversos conflictos armados que asolan o han asolado el mundo en los tiempos contemporáneos. En esta ocasión, sin embargo, se retrotrae hasta la segunda década del siglo XX para mostrar en un gran panorama de 16 páginas unidas que muestran una peculiar continuidad espacio-temporal en torno al día 1 de julio de 1916, primer día de la batalla del SOMME, el día más catastrófico en toda la historia del ejército inglés o británico, el día en que más soldados luchando bajo esta bandera han muerto en el campo de batalla. Un panorama desplegable que va desde la soledad del general HAIG en su privilegiada retaguarda y con sus «infalibles» planes de batalla procedentes de ese oximoron que se ha dado en denominar «inteligencia militar», y que recorre los preparativos la batalla, los bombardeos, esa maldita primera hora en la que murieron 10.000 hombres y el sufrimiento y muerte de los miles de heridos en tierra de nadie, el caos en los hospitales de campaña insuficientes, y la actividad de los enterradores. Sin palabras. Por que no hacen falta.
El desplegable viene acompañado de un cuadernillo en el que además de un prólogo, encontramos un texto del historiador y ensayista ADAM HOCHSCHILD en el que pone nombres y personalidad a esos miles de muertos, y carga con dureza contra los altos mandos insensibles a la muerte de estos hombres. Incluye también el cuadernillo una guía anotada por el propio SACCO para quien quiera tener más datos de lo que se puede contemplar en el panorama desplegable.
El panorama desplegable no tiene palabras, como ya he dicho. Pero no se lee «de una sentada». Exige una observación minuciosa. Son cientos los detalles que nos ofrece JOE SACCO para comprender mejor lo que sucedió aquel día y lo que pudieron sentir o pensar quienes participaron. Es fruto de una planificación muy fina, y de una documentación intensiva con el fin de ser fiel a la historia y a quienes dieron su vida. Conmovedor, y a ratos provocador de una intensa rabia, casi ira, es también el texto de HOCHSCHILD. Un texto que carga contra la incapacidad de un alto mando que seguía peleando la guerra con unas reglas que ya no valían. Y lo sabían, o debían saberlo. Los antecedentes de la campaña de Crimea, la batalla de Magenta, la Guerra Civil americana o la Guerra Ruso-Japonesa permitía saber perfectamente que los avances frontales contra un enemigo bien armado conllevaban una enorme cantidad de bajas ante las poderosas artillerías y máquinas ametralladoras, cada vez más modernas. Que un bombardeo intenso contra un enemigo que sabe que puede ser bombardeado y que puede prepararse puede no tener efecto. Que no hay secreto que valga para un ataque de semajante envergadura. Que en los sesenta minutos antes de comenzar el avance los oficiales de primera línea sabía y muchos informaron que la preparación artillera no había servido para nada. Que nadie tuvo el valor de parar una ofensiva condenada al fracaso. La figura de DOUGLAS HAIG ha sido muy debatida. Pero todo se resume en dos grupos de personas. Quienes dan valor al individuo como persona, lo consideran y considerarán siempre como «el carnicero del SOMME». Un anticuado, terco, inflexible hombre que no dudó en mandar matar cientos de miles de personas por unos kilómetros que nada decidieron. Quienes gustan de considerar los soldados como «efectivos», números anónimos en un falso tablero de ajedrez, hablan todavía de «sus méritos». Difícil que estos dos grupos alguna vez lleguen a un acuerdo. Es un problema de valores. No de conocimiento de la realidad.
La batalla del SOMME se prolongó hasta noviembre de ese mismo año. Casi cinco meses de carnicería para que al final los frentes apenas se movieran. Más de un millón de bajas entre muertos, heridos y desaparecidos. Los apologetas de la batalla hablan de que «puso las bases de la victoria final de la entente». Sin embargo, la guerra tuvo todavía muchos momentos en los que la balanza pudo decantarse de un lado u otro. Al final, la guerra no se ganó en el frente. Lo que allí sucedió no fue más que el reflejo de lo que sucedió en los países contendientes, lejos del frente de batalla. Los que se hundieron, en el interior, perdieron la guerra; los que no, pudieron justificar las carnicerías que provocaron sus generales.
Si recomiendo este libro. Este y otros sobre el tema deberían ser imprescindibles. Si no, la PRIMERA GUERRA MUNDIAL continuará inacabada por mucho tiempo más.
En primer lugar, comentar que he cambiado de arriba a abajo el aspecto general del Cuaderno de ruta, que pasa a su versión 3.0. Con letra más grande, con fotos más grandes, más fácil de leer, con menos distracciones. El encabezado todavía no es definitivo, pero considero que el cambio ya está hecho con la adopción de un nuevo tema de WordPress.
También os traigo a esta página el enlace a los resultados de mis últimos encargos fotográficos a través de internet. Por un lado, las copias de alta calidad que encargué hace un par de semanas en papel baritado en blanco y negro, y por otro lado las fotografías reveladas y digitalizadas de mis negativos en color sobre película Kodak Portra 400, expuestos hace unas semanas como prueba de la Hasselblad 500c/m con el objetivo Carl Zeiss Distagon T* 50mm f/4. Así que de lo más nutrido. Os dejo con algunas de estas últimas fotografías.
Son muchos años los que llevo siendo fiel a los estrenos de Clint Eastwood como para perder la costumbre de la noche a la mañana. Bien es cierto que desde Gran Torino no ha vuelto a ofrecernos una de esas películas intensas y de factura casi perfecta que en un momento dado le salían con aparente facilidad. Pero uno se apunta a lo que hace. Más si estrena en versión original y hay sesión mañanera un domingo de calor bochornoso en el que no sabes muy bien que hacer.
Newark, el lugar de nacimiento y andanzas juveniles de estos «jersey boys», está muy cerca de Nueva York. Pero separada de Manhattan por el río Hudson y Jersey City.
Y por segunda ocasión consecutiva se enzarza con una película biográfica. Basada en una obra de teatro musical, con un reparto coincidente en gran medida con quienes representaron la obra en los teatros de Broadway, nos cuenta la historia de Frankie Valli (John Lloyd Young) y los Four Seasons. A ver, es una biografía basada en la realidad, por lo que muchos detalles se pueden encontrar en las biografías oficiales de los personajes. Así que si se me escapa algún detalle del argumento de la película qué se le va a hacer. El caso es que el biopic repasa más de cuarenta años de la vidad de Valli, desde que era un adolescente protegido por el gallito del barrio Tommy DeVito (Vincent Piazza), montan un grupo musical que comienza a tener éxito cuando incorporan a Bob Gaudio (Erich Bergen) que escribe muchas de sus canciones, y tras un periodo de éxito se separan como formación tradicional, para seguir cada uno por su cuenta, y con algunas referencias a algunos hechos posteriores en la vida de Valli.
Algunos lugares emblemáticos de la Gran Manzana están más cerca de la costa de Jersey que de la de Nueva York, como por ejemplo la isla de Ellis, donde recalaban los inmigrantes, entre los que se encontraban los antepasados de estos muchachos.
A Eastwood no se le ha olvidado la técnica de hacer películas. Bien rodada, con buena fotografía y buen sonido, razonable buena ambientación, y una banda sonora que agradará a los aficionados al pop de los años 60. A mi este estilo no me disgusta pero ya adelanto que la aguda voz en falsete de Valli no es excesivamente de mi agrado. El problema de la película es que ni tiene la ligereza del musical, que se centra en los números musicales, siendo los diálogos mera transiciones, ni puede profundizar los suficiente en los conflictos internos del grupo, que quedan planteados y resueltos con una intensidad dramática insuficiente. Y ese es el principal problema. Que es una película que no te engancha emocionalmente. Ni los conflictos internos, ni los problemas familiares y los fracasos sentimentales, ni el momento de la separación, ni la muerte de la hija, ni el reencuentro,… nada produce una empatía o emoción alguna en el espectador. Incluso te quedas con la idea de que tampoco te haces a la idea de quienes eran exactamente estos tipos. Por qué su vida es interesante más allá de ser gente de un barrio de Newark que consigue llegar a la fama emitiendo gorgoritos a cuatro voces.
Los intérpretes, procedentes en los roles principales del ámbito de la escena, cumplen sin más. Por supuesto, como son cantantes también, funcionan razonablemente bien aportando sus voces a la función. Cantan bien. Pero con la carencia de caras conocidas o carismáticas, su buen oficio no basta para suplir con su presencia las carencias del guion.
Película que interesará fundamentalmente a los aficionados al grupo y a este tipo de música, pero que tiene poco más que rascar que la correcta y funcional realización de Eastwood al servicio de una historia que no pasa de convencional y un tanto anodina.
Frente a Staten Island, es la pequeña ciudad de Bayonne la que separa Newark y su aeropuerto de esta parte de Nueva York.
Esta semana he fijado mi atención especialmente en lo que viene de extremo oriente… Esperemos con esperanza…
Bajo el puente sobre el Canal Imperial del Tercer Cinturón.
Algunos cúmulo-nimbos se alzan con el calor en la tarde, aunque no habrá mayor historia tormentosa.
Voigtländer Perkeo II – prueba con fotos – Fotografía y otras artes visuales.
Revelando hoy los carretes con los que probé la Perkeo II que os presentaba el otro día. Y no me quejo.
Cabezo Buenavista – Parque Grande de Zaragoza.
Cabezo Buenavista – Parque Grande de Zaragoza.
Voigtländer Perkeo II – Presentación – Fotografía y otras artes visuales.
No era una cámara de gama alta ni mucho menos, pero tenía un objetivo honorable, y era lo más compacto que podías llevar en el bolsillo de una chaqueta mientras viajabas por el mundo.
Vista frontal de la Voigtländer Perkeo II con el objetivo retráctil desplegado, un Color-Skopar 80/3,5.
Antes de nada, decir que he descabalgado Legends. La policiaca con Sean Bean como agente encubierto del FBI no ha conseguido engancharme. Y eso que de momento no lo han matado.
Ha regresado a las pantallas la comedia de situación británica Big School sobre un grupo de profesores imposible o al menos altamente improbable. No es gran cosa, pero tienen algún golpe divertido.
Estoy en modo maratón, a episodio por día, con Arvingerne (o sea, los herederos como todo el mundo entiende), una miniserie dramática danesa que nos cuenta cómo se pelean por la herencia un grupo de hermanos, hijos todos de la misma madre, una artista contemporánea de cierto nivel, pero de distintos padres. No está de más el echar un vistazo de vez en cuando a lo que viene de los países nórdicos, aunque tienen cierta tendencia a la irregularidad. Los cuatro episodios que llevo vistos van por ahí. Tienen momentos buenos y momentos de bajó. Probablemente la semana que viene pueda comentar el conjunto.
Ya que estoy en modo «intensivo» con un drama danés, nos trasladaremos a este país. Por ejemplo, pasearemos por las calles de Hillerød antes de visitar el palacio de Frederiksborg.
Y lo que está sucediendo con más frecuencia es que van apareciendo episodios piloto de las series que vendrán dentro de unas semanas, para la temporada otoño-invierno. Lo cierto es que no voy a verlos todos. Ni siquiera la mayoría. Exclusivamente aquellos cuya temática, sinopsis o alguno otro factor me llame la atención. Y hasta ahora eso supone que sólo me han atraído dos.
Por un lado, Forever, que parte de una premisa que ya vimos hace un tiempo y que entonces no cuajó. Un tipo que no puede morir, aunque lo maten. Reaparece a continuación en la masa de agua más próxima. Como están en Nueva York, en el East River. En este caso, es médico y trabaja de forense. Y claro, empieza a relacionarse con una poli guapetona, con la que supongo que tarde o temprano surgirá una tensión sexual no resuelta. Como digo, nada original, aunque el episodio piloto fue bastante entretenido, por lo que es probable que le dé una oportunidad.
Después cogeremos un tren que atravesando las llanuras de la isla de Sjælland nos llevará hacia la costa del Øresund.
Y por otro lado, Selfie, una serie que si no fuese por la curiosidad de ver a su protagonista, la pelirroja Karen Gillan, ni por asomo me hubiese planteado ver. Es una comedia de situación de episodios de corta duración en la que Gillan hace de una chica muy superficial, poco empática, y colgada a las redes sociales. Muchos amigos «virtuales», pocos amigos reales. Tras una serie de «catástrofes» personales, pide ayuda a un compañero de trabajo que no siente ninguna simpatía por ella para que «la cambie»… Bueno,… si no fuera Amelia Pond o alguien con su aspecto ni siquiera habría considerado esta versión actualizada de My fair lady. Pero le di la oportunidad al piloto para ver a la escocesa, y resultó en algo que lo mismo va para bien como para mal. Por Gillan, cuando quiere o le dejan tiene encanto y atractivo para dar y vender. Pero no tiene el puesto seguro ni mucho menos en mi cartelera futura. Más bien apostaría por su descabalgue.
Y nos llegaremos hasta la fortaleza de Kronborg, en Helsingør, que inspiró la Elsinor de Hamlet a Shakespeare.
Esta semana tengo sesión doble de cine. Y traigo esta película, de temática y estilo poco habitual, vista en versión original, tiene poco sentido verla de otra forma, pero que creo que también puede estar en la cartelera española doblada al castellano bajo el título traducido de El Congreso.
Película poco habitual que vimos con poca información previa. Que la protagonizaba nuestra querida «princesa prometida», Robin Wright, haciendo de sí misma o de una versión alternativa de sí misma, y que había mezcla de escenas con intérpretes de carne y hueso y de animación. Como digo, información escasa pero suficiente para animarnos a ver esta película del director israelí, Ari Folman, para mí un desconocido. Con un ánimo y disposición más adecuada la hubiésemos visto de haber sabido con antelación que estaba basada, aunque no adapta, una conocida novela del polaco Stanisław Lem, Congreso de futurología, que no he tenido ocasión de leer aunque había oído hablar de ella, al parecer una crítica en tono de humor o parodia del régimen comunista en su país. Aunque ya he digo que no la he leído.
En cualquier caso, lo que tenemos aquí es a Robin Wright interpretando a una variante alternativa de sí misma, convertida en una actriz ya madura, que prometía mucho, especialmente desde su más conocido éxito en la gran pantalla, pero cuyas malas decisiones y conflictividad en los rodajes han devaluado. Los estudios Miramount (clara referencia a Miramax y Paramount) le ofrecen la posibilidad de escanear su físico y personalidad para generar una actriz virtual basada en ella, a cambio de una sustancial cantidad de dinero y de que no vuelva a trabajar en persona nunca más. Veinte años más tarde, con la actriz virtual convertida en un éxito, la de carne y hueso es invitada a un congreso de futurología, al que sólo se puede entrar si previamente se ha pasado a un estado virtual de dibujo animado mediante una sustancia química. Su misión, apoyar la difusión de un droga que permitirá a la gente vivir en un estado de virtualización y de alucinación permanente en función de sus deseos, convertidos en el personaje que prefieran. Pero la actriz, tras aceptar participar, se lo pensará de nuevo. Y las cosas no irán como todos pensaban.
Estos días he estado pensando fotográficamente en blanco y negro un poquito.
Estamos ante una apuesta compleja. La película a la que nos enfrentamos nos es una parodia o comedia de ningún tipo. En su primera parte, con actores de carne y hueso, es más bien una crítica dura a los conceptos de realidad y de ficción tal y como se conciben una vez que han sido tratados (o maltratados) por la industria del espectáculo. El juego con la personalidad, con las emociones, con la vida de las personas a las que se confunde con frecuencia con sus personajes. Cuando ya pasamos a la fase de la película desarrollada en forma de animación, esta crítica se extiende al conjunto de la sociedad, y pasamos a tratar el tema de una sociedad distópica en la que realidad y apariencia son dos cosas muy distintas, en la que es muy distinto lo que los mandatarios nos hacen creer que vivimos y la realidad de nuestras vidas. Nos presentan referencias a los totalitarismos muy claras, y a la manipulación de las percepciones, en este caso simbolizadas por la sustancia química que altera nuestras vivencias.
La apuesta como digo es muy arriesgada. Y la sensación es que la estructura del filme no acaba de estar suficientemente cohesionada, teniendo momentos brillantes y momentos en los que hay riesgo de que el espectador se suma en el desconcierto. Sin embargo, hay dos cosas que desde mi punto de vista sujetan el producto.
Por un lado las sólidas interpretaciones, por supuesto de Wright, pero también del resto de los intérpretes que ponen su persona al servicio de la película, como Harvey Keitel, Danny Huston o Paul Giamatti, o simplemente su voz al personaje animado, caso de Jon Hamm.
Para evitar la mayor parte de las distracciones, he usado la «tapita» de Olympus. Un «objetivo» con una apertura fija a f/8 y que se enfoca sólo entre 30 cm y aproximadamente 2 metros. A jugar con la hiperfocal.
Por otro lado, el dejar reposar el filme. Siempre lo he dicho. A veces merece la pena dejar pasar un tiempo antes de decir qué te ha parecido un filme. Por ejemplo, la película que comenté antes de ayer, hoy me parece menos interesante. Soy más consciente de sus notables debilidades, que con el entretenimiento del momento, no me resultaban tan obvias a la salida de la sala de cine. Esta película que comento hoy va al contrario. Tras la sorpresa y cierto grado de desconcierto en el momento, poco a poco en el recuerdo las distintas escenas y el conjunto de la película van tomando solidez y voy considerando que es un filme mucho más interesante de lo que yo pensaba. No perfecto. Pero de los que se agradece y mucho que haya todavía quien apueste por contar cosas nuevas, o contarlas de otra forma, o arriesgar a la hora de contarlas. De todos modos, me costaría mucho recomendarla con carácter general.
Realmente, usando la prioridad al diafragma de la «vieja» Panasonic GF1, te libera de toda preocupación salvo la de componer pensando en las luces, las sombras y las texturas. Esta bien como «entrenamiento».
De nuevo con un libro que nos sirve para conmemorar el 100º aniversario de aquella barbaridad que llamamos Primera Guerra Mundial. Y como ya más o menos indiqué, de nuevo utilizando la historieta como medio adecuado para reflejar algunos de los horrores de aquella contienda. En esta ocasión, nos referiremos a uno de los escenarios de la guerra menos conocidos. Seguramente, la mayor parte de la gente asocia la Gran Guerra con los eventos del Frente Occidental, aquella línea interminable de trincheras que iban desde el Canal de la Mancha hasta la frontera francosuiza. Sin embargo, hubo otros escenarios notables. Hoy comentaré el escenario alpino, donde se desarrollaron algunas de las más tremendas batallas entre italianos y austrohúngaros.
La muerte blanca
Texto de Robbie Morrison; ilustraciones de Charlie Adlar
Colección Independientes USA; Planeta DeAgostini, 2014
Estamos en los Alpes Dolomitas. En un puesto de avanzada italiano atrincherado frente a las posiciones austriacas en el ficticio altiplano Alighieri. Un nuevo soldado se incorpora a la trinchera, donde manda un sargento comisionado como teniente, que impone una disciplina y unos modos poco convencionales. En el frío, entre la nieve, el enemigo es confuso. Lo mismo puede ser el soldado imperial de enfrente que tu propia cadena de mando. El nuevo soldado es de etnia italiana, pero procede de los territorios austriacos próximos a Trieste. Algunos de sus vecinos y amigos pelean en el bando de enfrente. A los terrores habituales de la guerra, se suma la «muerte blanca». Pronto los «estrategas» de ambos ejércitos comprenden que un bombardeo adecuado de las laderas de las montañas puede provocar tremendas avalanchas que pueden sepultar a batallones enteros de enemigos. O de los propios. A veces eso da igual.
Festung Hohensalzburg, la fortaleza de Salzburgo, allí me supe por primera vez con cierta profundidad de la tremenda guerra que se libró en los Alpes.
Motivada por las historias de cadáveres momificados de soldados que murieron hace un siglo, y que aparecen ahora en los glaciares alpinos como consecuencia del deshielo producido por el calentamiento global, los dos autores de esta historieta nos trasladan a un particular infierno helado. No es casualidad que el nombre del lugar sea Alighiere, en honor al poeta florentino que nos traslado a los infiernos y al purgatorio en su Divina Comedia. También juega con la ironía cuando algunos de los soldados tienen el nombre de Cadorna o Diaz, igual que los dos generales italianos que asumieron el mando supremo del ejército. El primero de los cuales considerado como un ineficaz y cruel militar que llevó a la muerte a muchos de sus compatriotas sin resultado de ningún tipo.
A pesar de la fama mundial de la novela Adios a las armas de Hemingway, llevada a la gran pantalla por Frank Borzage con protagonismo de Gary Cooper, y que se desarrolla en la batalla de Caporetto, batalla que estuvo a punto de dar la victoria final a los austriacos, la historia del frente alpino es poco conocida. Italia no entró en guerra en 1914 al mismo tiempo que la mayor parte de los contendientes principales. De haberlo hecho, tal vez tendría que haber honrado la Triple Alianza, que le obligaba a un pacto de mutua defensa con los imperios centrales. Sin embargo, aduciendo que sólo estaba obligado a responder ante una agresión a cualquiera de los firmantes de la alienza, y que en este caso Austria-Hungría, que fue quien empezó las hostilidades, lo hizo como agresor. No les faltó su punto de razón a los italianos.
Así como los italianos habían constituido tropas especializadas en montaña, los alpinos de los que se ven monumentos por toda la península itálica, los austriacos, a pesar de su montañoso país, no los tenían.
Sin embargo, más criticable es que desde el primer momento el gobierno italiano viese la guerra como una posibilidad de ganar territorios, especialmente azuzado por los partidos irredentistas. Dos posibilidades había. Entrar de parte de los imperios centrales, con la esperanza de recuperar los territorios de Saboya que arteramente les fueron birlados por Napoleón III, o hacerlo de parte de la Entente con el fin de apoderarse de territorios austriacos en el Tirol del Sur, en Trieste o en Istria, donde se localizaban algunas minorías de habla italiana. Entre otras de habla eslava o alemana. Dudosa la legitimidad en la reclamación. Finalmente, en 1915 firmó un pacto secreto en Londres con la Entente, y declaró la guerra al Imperio Austro-húngaro, que no a Alemania, abriendo un frente que resultó igualmente un trampa mortal de trincheras inhumanas para cientos de miles de hombres de ambos bandos.
A punto de perder la guerra en 1917, consiguieron rehacerse y dar un golpe mortal al agotado imperio de los Habsburgo en octubre de 1918. Las ganancias territoriales fueron pequeñas, y dado el coste humano y material que tuvo la guerra para Italia, la victoria para ellos se puede considerar pírrica. No sólo eso, la ruina que siguió a la guerra abrió el paso al surgimiento del fascismo y a la dictadura de Mussolini. Triste papel el del reino de Italia en aquellos tiempos. De los más tristes.
La novela gráfica que tenemos aquí se centra en la dureza del escenario alpino, donde se luchó en condiciones increíblemente hostiles por la dureza del terreno y del clima, que se unían a la crueldad de la guerra, tanto la ejercida por el enemigo como por los propios mandos. El expresionismo del dibujo de Adlar, con sus trazos al carboncillo, os trasladan a un ambiente infernal en sí mismo. Conocido este dibujante por su participación en The Walking Dead, muestra sin duda alguna en esta historieta que el terror no tiene por qué tener un carácter sobrenatural o fantástico para ser tal terror. Que el ser humano se basta y se sobra.
El guion es más simplón, más maniqueo y más previsible, no está desde mi humilde punto de vista a la misma altura que el expresionismo de las viñetas. Pero un duro final, lo pone a la altura de esta historia de terror que, siendo ficticia, bien pudo ser real o resumir otras muchas que sucedieron y no se documentaron en aquellos malhadados tres años de guerra. Considero que el libro es bastante recomendable.
Hubieron de reconvertir regimientos de infantería en tropas de montaña, entre los cuales el número 59 que se conmemora en la gran fortaleza que domina la ciudad austriaca.
Cuaderno de Ruta V. 3.0 