drama

[Cine] Melancholia (2011)

Cine

Melancholia (2011), 6 de noviembre de 2011.

Antes de nada, una serie de cuestiones previas. Cuestiones de orden, que orienten el comentario posterior.

La película está dirigida por Lars von Trier, director que es capaz de lo mejor y de lo peor. Por las veces que ha sido lo mejor, yo estoy casi siempre dispuesto a arriesgar una fría tarde de domingo como en esta ocasión, asumiendo los riesgos. No es cine al uso. No es cine comercial. Aunque me imaginó que como a todo hijo de vecino le encantará comercializarlo y recibir los ingresos correspondientes. Es cine personal, arriesgado. Unas veces para bien. Otras para no tan bien. Así que los partidarios del cine como mero entretenimiento, y de atiborrarse de palomitas,… pues que busquen otra cosa. Los demás, que se queden, eso sí bajo su propia responsabilidad.

Para poder disfrutar de esta película son necesarias dos condiciones. La primera es que hay que verla en pantalla grande. Y a ser posible en una fila no muy atrás. La contundencia de determinadas imágenes lo exige, creo yo. La segunda es que hay que verla en versión original. Más, teniendo en cuenta el ridículo doblaje que le suelen clavar a una de sus protagonistas, Kirsten Dunst, que desvirtúa totalmente su interpretación. El problema es que en Zaragoza no han traído la película en versión original. Así que he tenido que componer el resultado final en mi imaginación, viendo la película doblada en las salas de cine. Y buscando por ahí para ver en casa en la tele la versión doblada. De donde he podido. Luego se extrañan de que pasa lo que pasa con el negocio del cine y las descargas.

Dicho lo cual paso a comentar este filme, que ya adelanto me ha resultado muy interesante. Casi apasionante, por diversos motivos.

Tras un prólogo en el que con imágenes de aspecto onírico se nos adelantan algunos de los acontecimientos del filme, este transcurre en dos actos que llevan como título el nombre de las dos hermanas protagonistas, Justine (Kirsten Dunst) y Claire (Charlotte Gainsbourg).

El prólogo tiene una función bien definida. Eliminar un elemento de misterio del filme, para evitar que el espectador se despiste de lo que realmente quiere el director. Este no quiere que la gente piense que es un filme de misterio con la duda de si al final el planeta Melancholia chocará contra la Tierra o no. Esto no es un spoiler,… es algo que tiene que quedar claro. Efectivamente se produce el cataclismo astronómico, y la especie humano desaparece del universo. Una vez esto claro, vamos a lo importante.

Entre Estocolmo y Gotemburgo

Paisaje sueco cerca de Gotemburgo, visto desde el tren; supongo que no muy lejos de donde se rodó "Melancholia" (Leica D-Lux 5).

En el primer acto, Justine, asistimos a la celebración de una boda. Justine, una joven profesional de éxito en el mundo de la publicidad, acaba de celebrar la ceremonia de casamiento con Michael (Alexander Skarsgård). Y se dirigen en una limusina, por una estrecha carretera en la que apenas puede maniobrar, al palacio donde viven Claire y su marido John (Kiefer Sutherland), a orillas de un lago y rodeados de un campo de golf y un paisaje espléndido, para celebrar la fiesta nupcial. Destilan felicidad y amor. Ningún inconveniente les afecta. Llegan con dos horas de retraso. Y comienza la fiesta, en la que podremos observar la progresiva transformación de Justine. Allí están sus padres, Gaby (Charlotte Rampling) y Dexter (John Hurt) compitiendo en egoísmo y en ver cómo puede más su odio mutuo que la necesidad que su hija tiene de ellos. Allí esta su cuñado, John, recordándole/reprochándole constantemente cuánto dinero se ha gastado en esta celebración. Allí está Jack (Stellan Skarsgård), el jefe de Justine, para quien su empleada no es más que una forma más de ganar dinero. Claro, está su nuevo marido, que no se entera y que no entiende a su nueva mujer, y está su hermana, que la conoce, la quiere, teme por su estabilidad mental, pero no puede evitar estar más preocupada por la organización de la fiesta que por su hermana. Progresivamente, el estado de ánimo de Justine decae, pasando de la alegría a una profunda tristeza, que le lleva incluso a arruinar su recién estrenado matrimonio. El único que parece sentir un auténtico afecto por Justine es su sobrino Leo, un niño de muy corta edad. Durante las horas en las que transcurre esta fiesta, la protagonista mira en repetidas ocasiones al cielo. Se fija en Antares, una brillante y roja estrella, que en un momento dado, desaparecerá misteriosamente de la vista de los personajes.

En el segundo acto, Claire, volvemos a encontrarnos en el palacio que ya conocemos. Claire, con su marido y su hijo, hacen su vida habitual, sólo alterada por dos acontecimientos. Uno, de carácter mundial, el descubrimiento de Melancholia, un planeta errante que ha entrado en el sistema solar, responsable de la ocultación de Antares, y que suscita los miedos de Claire de que pueda afectar a la Tierra. John, su marido y astrónomo aficionado, le quita los miedos, e intenta disfrutar del fenómeno con su hijo Leo. El otro, de carácter familiar, es que se preparan a recibir en su casa de nuevo a Justine, que ha caído tras su fallida boda en una profunda depresión, que le impide incluso interactuar normalmente con su entorno, y que precisa cuidados. En los días siguientes, Claire deberá luchar tanto contra sus miedos como contra la enfermedad de su hermana. Sin embargo, conforme el cataclismo se va haciendo más probable, irá sumiéndose en la desesperación, mientras que su hermana Justine, indiferente al futuro por el efecto de su depresión, serán quien mantenga la serenidad, y por amor al sobrino, ofrezca el impactante, tremendo y hermoso final de la película.

Todo esto que acabo de contar viene acompañado de la sabiduría del director para manejar la cámara y la situaciones desde el punto de vista cinematográfico, de la música del preludio del primer acto de la wagneriana Tristán e Isolda, de la excelente fotografía del danés de origen chileno Manuel Alberto Claro, de las excelentes localizaciones entre los bosques y los lagos de Suecia, de las bellas imágenes en relación al planeta invasor, de las constantes referencias cultas al mundo del cine, de la literatura, de la pintura, etc… Desde luego una película cuyo alcance total no está al alcance de cualquiera. Reconozco que me perdí en varias ocasiones en este universo de referencias culturales, psicológicas y antropológicas. Pero que al mismo tiempo sentí que estaba viendo una película de gran belleza.

Los cazadores en la nieve - Peter Brueghel

Una de las referencias culturales de la película es el cuadro "Los cazadores en la nieve" de Pieter Brueghel, que se puede contemplar en el Kunsthistorisches Museum de Viena. Curiosamente, esta obra de arte también tiene un papel importante en otra filosófica película, ciertamente de ciencia ficción, que tiene que ver con un misterioso planeta. Se trata de "Solaris" de Andrei Tarkovsky. La imagen aquí reproducida se encuentra en Wikimedia Commons de la fundación Wikipedia, y tiene licencia de uso Licencia de Documentación Libre GNU.

El tema principal de la película viene dado por su título. El nombre que se da al planeta invasor, Melancholia (melancolía, en castellano) es el nombre que tradicionalmente se daba a la enfermedad que hoy conocemos como depresión. Como estado de ánimo general, hoy en día en castellano solemos usar la palabra melancolía como un estado de tristeza y apatía serena, que nos aísla hasta cierto punto del mundo que nos rodea. Pero en su sentido clínico y profundo, una depresión implica un estado de intensa tristeza, que puede llevarnos al punto de perder interés por la vida, a descuidar nuestros propios cuidados, e incluso al suicidio. En la película, este estado de ánimo es caracterizado en la persona de Justine, quien por los diálogos con su hermano sabemos tiene predisposición para los problemas de salud mental, y a la que vemos caer vertiginosamente durante la celebración de su boda en esa situación, empujada además por la actitud de quienes le rodean y, aparentemente, la quieren. Pero también es simbolizado por el planeta errante, metáfora de la condición que insidiosamente se instala entre nosotros y nos lleva a nuestro propio fin.

El estado de indiferencia hacia el mundo que la rodea, también propio de otras enfermedades mentales de carácter psicótico, sirve para en los momentos finales establecer un contraste entre el comportamiento normal del ser humano ante su propia aniquilación, tanto de su persona como de su especie y su futuro, representadas por el hijo de Claire, un estado agitado y aterrorizado, y el comportamiento patológico que lleva consigo a la dignidad presente en la escena final. Al menos para el personaje de Justine. Que sustenta al niño, que probablemente somos todos nosotros, y que asistimos a nuestro derrumbe, ignorantes, crédulos de las soluciones milagrosas, y con los ojos cerrados. Tremendo el simbolismo. Por lo menos, tal y como lo he percibido.

Si importantes son los elementos formales y artísticos de la realización del filme, igualmente lo es la interpretación del elenco de la película. Se ha dado mucha trascendencia a la interpretación de Kirsten Dunst. Bueno. Hasta ahora, era una de las guapas oficiales del cine comercial, que no había dado muestras de especial brillantez interpretativa. Que ahora dé todo lo que puede dar, probablemente es la noticia. Buena noticia. Pero igualmente importante, igualmente protagonista es Charlotte Gainsbourg, que por ser europea, que por no estar entre las guapas, es más desconocida aunque muchos sabemos que tiene una trayectoria que la avala suficientemente como una actriz excelente. Superior a su compañera de reparto. Y está igualmente bien, siendo fundamental su participación en el segundo acto del filme. En el que al fin y al cabo nos representa a todo ante una situación de infinito estrés. El resto del reparto, los personajes secundarios, están igualmente bien, especialmente Kiefer Sutherland que no tiene un papel fácil precisamente, y todos contribuyen al resultado final de este filme.

No sé si recomendar esta película o no. Creo que es uno de los productos más presentables comercialmente del director, aunque no sea el mejor, y por lo tanto sí que sería recomendable. Pero siempre que se tenga en cuenta muchas de las advertencias que he realizado a lo largo de esta entrada. Desde luego, si alguien guiado por determinadas fuentes pudiese pensar que es una película para pasar el rato con el cubo de palomita, se equivoca de medio a medio. En la wikipedia define la película como filme de ciencia ficción. Error. Al director le importa un rábano la posible ciencia tras el filme. De hecho, lo del planeta errante, tal y como lo cuentan más que altamente improbable, es imposible, aunque no entraré en eso aquí. Es sólo un macguffin y al mismo tiempo una metáfora. Nada más, ni nada menos. Pero quien tenga claro qué va a ver algo distinto, y con la mentalidad suficientemente abierta, puede llegar a disfrutar mucho de esta película.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ***** (en versión original)
  • Valoración subjetiva: *****
Atardecer en Estocolmo

Sigo en Suecia, esta vez con una vista crepuscular de Estocolmo, que transporta un poco de la sensación de melancolía que hoy otorgamos a la palabra; una de las palabras, por cierto, que más me gusta de la lengua castellana... desde cierta canción de Joaquín Sabina (Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 Limited).

[Cine] Crazy, Stupid, Love (2011)

Cine

Crazy, Stupid, Love (2011), 10 de octubre de 2011.

Creo que es la primera vez que me pasa que, desde que mantengo este Cuaderno de ruta, veo una película en el cine, y se me olvida comentarla en estas páginas al día siguiente o a los dos días como más tardar. Pero el hecho es que esto me sucedió con este filme. Primero, esta mañana he revisado mi base de datos de películas vistas en sala de cine, y me ha extrañado que hubiera un hueco a primeros de octubre, un intervalo muy amplio entre dos película, cuando últimamente vamos como poco una vez a la semana. Pero no he caído en la cuenta. Ha sido al mediodía, cuando revisaba filmografías de los intérpretes de la película que vimos el martes, cuando me he dado cuenta que Emma Stone era una de las intérpretes importantes de la película que nos ocupa esta tarde, aunque vi hace ya más de tres semanas.

Esta comedia dramática, que no me parece tan compleja como para necesitar dos directores, Glenn Ficarra y  John Requa, nos cuenta las peripecias de Cal Weaver (Steve Carell), al que una noche, cenando en un restaurante mono con su mujer Emily (Julianne Moore), esta va y le suelta que le ha engañado con un tal David (Kevin Bacon) y que quiere divorciarse de él. Abandona su casa, y se dedica a ir a bares nocturnos en busca de ligue con resultados catastróficos, hasta que un mujeriego con éxito, Jacob (Ryan Gosling), lo adopta y le enseña como hacerlo. Este no siempre tiene éxito, ya que una joven y guapa pelirroja, Hanna (Emma Stone), recién graduada en derecho, se le ha resistido. Ella espera que su novio se le declare. Cosa que no pasa y le deja muy escocida. Mientras, la canguro de sus hijos, Jessica (Analeigh Tipton), hija de 17 años de unos amigos de la familia está colada por él. Y a su vez, el hijo adolescente de Cal, Robbie (Jonah Bobo), está enamorado de la canguro. Por si fuera poco, Cal tiene un ligue de una noche, según él, algo más según ella, con Kate (Marisa Tomei), la madura pero guapa y atractiva profesora de Robbie. Y aún hay más sorpresas y entrelazamientos de historias que prefiero no desvelar. Que ya vale.

Lo cierto es que fue una película a la que fuimos sin muchas expectativas. Y para que nos vamos a engañar, si se me olvidó comentarla, tampoco es que me dejase una marca muy profunda en mi memoria. Pero la verdad es que no está mal. Filmada con soltura, ya podrán entre dos, tiene el tono melancólico del monumental despiste del personaje principal, un hombre que sigue enamorado de su mujer, pero que se siente demasiado ofendido para pelear por su matrimonio. Básicamente, si se le puede llamar comedia es por los acentos de humor que le ponen los secundarios, particularmente Bacon y Tomei. Las apariciones de esta última saben realmente a poco. Lo hace muy bien, está muy guapa, y muy inspirada. El conjunto de intérpretes están de correctos a bastante bien, aunque la verdad es que sientes constantemente que te gustaría saber más de los personajes femeninos, que son más interesantes.

En su conjunto, una película razonable, que no me atrevo a recomendar, por lo menos a quienes como yo viven en Zaragoza, porque me parece que ya ha desaparecido de la cartelera. Pero si no es así, pues es una opción razonable para pasar un par de horas en el cine. Sin duda. Y definitivamente, esta chica, la Stone es un encanto. Absolutamente adorable. Y también está divertida. Y guapa.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Paso

El protagonista del filme se ha metido en algún que otro charco notable, como los que había que sortear esta tarde tras la mañana de lluvia en Zaragoza (Pentax K-x, SMC-DA 40/2,8 Limited).

[Cine] The Help (2011)

Cine

The Help (2011), 1 de noviembre de 2011.

Esta semana, con el festivo en medio, ha tocado ir dos veces al cine. Dos películas en versión original. Así que advierto que esta que comentamos hoy puede ser vista en versión doblada al castellano con el título Criadas y señoras. Dicho lo cual, paso a comentar.

Los Estados Unidos de América son un país peculiar. Extraño. Altamente contradictorio. Se nos ha vendido como el garante de las libertades, el adalid de la democracia, un ejemplo por su constitución e instituciones consolidadas desde hace más de doscientos años. Pero a su vez, tiene la lacra de haber sido incapaz de respetar su propio principio de que cada persona importante, que cada persona tiene unos derechos inalienables, que cada persona es un elemento importante en esa democracia. Y fue una república que nació con esclavos. Que necesitó una muy cruenta guerra civil para eliminar esta institución, y 100 años más para movilizar suficientemente a la sociedad para que los descendientes de aquellos esclavos. El asunto del racismo, una cuestión que por las noticias que nos llegan periódicamente a través de los siempre parciales medios de comunicación está lejos de estar resuelta, ha sido un lastre enorme para que muchos de nosotros estemos convencidos de asumir el modelo de convivencia, social y político, norteamericano.

En proporción a la magnitud del problema, el cine ha sido muy tibio a la hora de tratarlo. Lo ha hecho de forma esporádica. Y de forma ambigua en ocasiones. Particularmente cuando ha llevado sus escenarios al profundo sur, un lugar que sistemáticamente buscó durante décadas, más de un siglo, empobrecer y coartar la libertad de muchos de sus ciudadanos, pero que al mismo tiempo ha sido presentado con un halo de romanticismo, como si los valores tradicionales que representa tuviesen realmente algún valor.

Y nos llega ahora otro intento para mostrarnos la dura realidad de la discriminación racial de la población de origen africano por parte de la de origen europeo. La película dirigida por Tate Taylor, basada en la novela del mismo título de la escritora Kathryn Stockett, nos traslada a Jackson, capital y principal ciudad del estado de Misisipi, el estado más pobre de los EE.UU. Allí, Skeeter (Emma Stone), una joven blanca de veintipocos, recién graduada en la universidad, y con la aspiración de ser escritora, vuelve a su ciudad natal para trabajar en el periódico de su ciudad natal. Vuelve a vivir con su familia, y a tomar contacto con sus amigas de toda la vida, la mayor parte de las cuales se encuentran casadas y bien situadas socialmente. Al observar el trato dispensado a dos criadas negras, Aibeleen (Viola Davis) y Minny (Octavia Spencer), decidirá empezar un proyecto como escritora que le permita dar el salto a las editoriales serias de Nueva York, al mismo tiempo que tendrá que pelear para mantener su integridad personal desde el punto de vista ético.

Lo primero que hay que decir es que está película es de las que están fuertemente basadas en la interpretación de sus intérpretes, mayoritariamente femeninas en este caso, ya que la presencia de los actores masculinos es menor, e incluso en alguna ocasión, la historia del novio de Skeeter, superflua. Con guion razonablemente dinámico para que las 2 horas y 20 minutos se pasen en un suspiro, y con una factura artesanalmente sin reproches, a lo que estamos es a los caracteres. Y a pesar del papel protagonista que se da a la joven periodista, lo cierto es que las dos grandes protagonistas son las dos criadas negras, que llevan a cuestas buena parte de los momentos más auténticos y dramáticos de una historia que no deja de tener momentos de humor. Por supuesto, no falta la presencia de una gran mala de la historia, en este caso la líder de las jóvenes amas de casa blanca, Hilly (cambio de registro para Bryce Dallas Howard, habitualmente en papeles de buena chica adorable), junto con su pléyade de seguidoras. Tampoco faltan personajes de extraña y naïve honradez, como la joven expulsada del círculo social Celia Foote (la últimamente omnipresente Jessica Chastain), o la lúcidamente demenciada madre de Hilly (siempre eficaz Sissy Spacek). O el personaje que tiene la difícil tarea de redimirse a sí mismo, en este caso la madre de Skeeter (Allison Janney). Todas ellas cumplen de sobras y con nota con la encomienda que se les ofrece.

La película, sin embargo, aunque te atrapa, y entretiene mucho, no te ofrece una reflexión especial que no hayamos obtenido previamente de producciones más duras y más comprometidas. Al fin y al cabo, salvo por el castigo al personaje de Hilly, y la cara de tontas que se les queda a sus amigas, tampoco busca hacer sangre, y por ello da un protagonismo excesivo a ciertos personajes blancos. El mensaje final queda un poco como «bueno,… si que hay algunos malos,… pero el conjunto es más como un malentendido entre las dos razas». Y bueno. Pues no. No fue un mal entendido. No es un malentendido. Es un problema de duro racismo, con consecuencias graves. La película muestra su tibieza por ejemplo en como resuelve el conflicto entre Skeeter y su madre por la vieja criada negra que crio a aquella (Cicely Tyson). La madre se comportó como una auténtica perra, y que al final salga de rositas,… lo dicho, «todo fue un malentendido,… yo no quería…», pues no oiga. Esta tibieza le va a quitar de mi valoración subjetiva la cuarta estrella a esta película.

En cualquier caso, es una película recomendable, que nos hará pasar buenos y «malos» ratos, y de la que hay que disfrutar de sus notables interpretaciones.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
Estación de Atocha

En España hemos presumido de no racistas. Pero también es cierto que hasta hace cuatro días, hemos sido una sociedad étnicamente muy homogénea. Hoy en día esto ha cambiado, y nada como las estaciones de tren para comprobarlo, y no faltan las demagogias y las actitudes sobre la llegada de extranjeros y otras razas y etnias a nuestro país (Panasonic Lumix GF1, M. Zuiko 45/1,8).

[Libro] 1Q84 – libro 3

Literatura

Hace casi medio año que comenté en estas páginas el primer volumen de la novela 1Q84, con los libros 1 y 2 de la historia, de Haruki Murakami, un libro que me causó una muy buena sensación, con el que disfruté, y del que he esperado con ganas su conclusión, que llegó al mercado a principio de este mes de octubre que ahora estamos a punto de cerrar. Así que os cuento lo que me ha parecido.

Eso sí, una advertencia previa. Si alguien no ha leído el primer volumen, que sepa que aquí comentaré el libro como si se hubiese leído. Por lo tanto, si alguien quiere permanecer ignorante de la trama del mismo hasta su lectura, que se vaya a ver mi reseña de aquel primer volumen para informarse, si lo desea, y evite seguir hacia adelante.

1Q84 – Libro 3
Haruki Murakami (traducción, Gabriel Álvarez Martínez)
Tusquets Editores, colección Andanzas; Barcelona, 2011
ISBN: 9788483833551

Tras los acontecimientos con los que culminaron el libro 2 de esta historia a caballo entre la realidad y la fantasía, tenemos a Aomame que finalmente no se suicida tras asesinar al líder de Vanguardia, porque por encima de su deseo de proteger a Tengo quiere encontrarse con él, y a este aturdido por la extraña relación física que tiene con Fukaeri. Por otro lado, a la alternancia de los capítulo que van siguiendo las andanzas de ambos, se suman los dedicados a la investigación del extraño y feo detective Ushikawa, encargado  por Vanguardia para encontrar a Aomame. Y así conoceremos como Aomame se recluye en su piso bajo la protección de su antigua clienta y su servicio de seguridad, como Tengo abandonará Tokio para cuidar de su padre en el pueblecito costero, y cómo Ushikawa irá atando cabos que le mostrará la relación entre los dos anteriores y que por lo tanto, lo mejor es que para encontrar a la una debe vigilar al otro. Los tres son conscientes que están en una realidad alternativa, ya que el detective también es consciente de la existencia de las dos lunas. Y el misterioso embarazo de Aomame dará un nuevo impulso a la Little People para encontrarla.

Si de los dos primeros libros hablábamos del buen ritmo aunque pausado con el que sucedía las cosas, aquí nos encontramos con un entorno más reflexivo. Las cosas más importantes desde el punto de vista de la acción ya han sucedido. Pero queda por definir el destino final de todos los personajes que importan. Es curioso como alguno de los personajes ha perdido su importancia. Fukaeri se va, ya ha cumplido y no volvemos a saber de ella. Estamos en realidad ante una espera final, cuyo único objetivo es saber si se producirá el encuentro entre los dos protagonistas de la historia, y si podrán abandonar el mundo de 1Q84, en el que inadvertidamente han entrado en un momento dado. Y el papel que Ushikawa tendrá en todo ello. Un conjunto de acciones que se podrían haber contado en un capítulo, si no fuera porque este libro 3 se centra en las reflexiones de todos estos personajes.

He de reconocer que me ha enganchado menos que los dos primeros libros, y me ha costado más de leer. Aunque una vez dejado reposar, reconozco que toda la historia en su conjunto, los tres libros, tienen sentido. Me han gustado. Son recomendables. No se puede juzgar este libro aislado. Porque desde ese punto de vista carece de sentido. Forma parte de un todo, y desde ese punto de vista tiene sentido su cambio de ritmo, de perspectiva, y su quizá apresurado final. Así que ya sabéis, no estamos hablando de dos obras distintas, sino de una única obra que el capricho editorial y comercial ha querido que tuviéramos que esperar unos meses para poder leer.

Al menos, está escrito de modo que en seguida coges el hilo en el caso de que hubieses leído los primero libros con meses de antelación.

Principe Pío (moderna estación)

Nuestro protagonistas precisan o se mueven en el entorno de la densa red ferroviaria de Tokio y su región; en la foto, la moderna entrada a la estación de Príncipe Pío, intercambiador de metro y trenes de cercanías, de las red ferroviaria de Madrid (Panasonic Lumix GF1, M. Zuiko 45/1,8).

[Cine] Margin Call (2011)

Cine

Margin Call (2011), 24 de octubre de 2011.

El término inglés margin call está relacionado con las operaciones financieras de los banco y otras entidades similares. No voy a explicarlo. Ni siquiera voy a pretender que lo entiendo del todo. En cualquier caso, este es el título del primer largometraje del director J.C. Chandor, tanto en su versión original, que es la que hemos visto, como en la doblada al castellano.

Y es que esta película no retrotrae a algún momento del año 2007 o 2008, cuando se vino abajo la burbuja inmobiliaria en los Estados Unidos, y los bancos se encontraron con una gran cantidad de activos que estaban perdiendo valor a gran velocidad, debido a los enormes riesgos que se estaban corriendo con la política crediticia e hipotecaria de estas entidades durante los años anteriores. Esto produjo una crisis financiera de carácter global, una recesión de las mismas dimensiones, y una serie de problemas políticos que todavía hoy en día estamos sufriendo.

Aunque no se menciona expresamente, las 24 horas en la historia de un banco de inversiones que se nos cuentan en la película estaría inspirado en alguno de los bancos que se vinieron abajo en algún momento de 2007, como el Bear Stearns, y que desencadenaron todo el sarao.

En la película, vemos como en medio de una drástica reducción de plantillas que nos habla de que las cosas ya no van bien para la entidad, uno de los directivos despedidos, Eric Dale (Stanley Tucci), confía en uno de sus más avispados subordinados, Peter Sullivan (Zachary Quinto), unos datos en una llave USB. Este último analiza los datos y se da cuenta de que una grave crisis se cierne sobre la empresa. Por lo tanto lo pone en conocimiento de su inmediato superior, Will Emerson (Paul Bettany). A partir de aquí, poco a poco irán entrando en juego otros altos directivos de la empresa, de forma progresiva. Sam Rogers (Kevin Spacey) y Sarah Robertson (Demi Moore), que darán cuenta al dandy Jared Cohen (Simon Baker), el cual a su vez tendrá que dar cuenta al consejo de gobierno de la entidad y especialmente al gran jefazo, John Tuld (Jeremy Irons). Entre todos tendrán que encontrar la salida a la grave situación que se ha producido. Pero las salidas son diversas, y alguien saldrá perjudicado. Quizá muchos que ni siquiera son conscientes que sus vidas se van a venir abajo en los próximos meses por culpa de la crisis financiera que se puede provocar.

Uno puede intentar entender cual es el problema financiero que provoca la grave crisis. Entiendo que hay un par de diálogos que están ahí para explicarlo. Pero yo no sé si he acabado de entenderlo. En cualquier caso, da igual. Eso es, como si dijéramos poniendo una analogía con el cine de suspense, el macguffin de la película. Lo que mueve a los personajes a ponerse en marcha. Porque de lo que realmente va la película es de reflexionar cómo actuaríamos cada uno de nosotros, siendo capaces y teniendo la suficiente preparación, ante una crisis de semejantes circunstancias. Actuar éticamente y tratar de proteger a los numerosos inversores inocentes, o los firmantes de las hipotecas,… o intentar salvar el culo, el empleo, la propia hipoteca, la educación de tus hijos, tu prestigio, tu capacidad de influir, tu poder,… Aunque encontramos algunos personajes francamente «perversos» a ojos del espectador (Tuld, Cohen,… ), prácticamente ninguno de los demás es totalmente bueno o totalmente malo. Todos tienen dudas éticas y todos tienen intereses que salvar. Y sobre esto es sobre lo que reflexiona el filme.

Siendo una producción independiente (Zachary Quinto ejerce tanto de actor como de productor), tiene hechuras de gran producción. Filmada en Nueva York, con un gran trabajo de fotografía e iluminación, aprovechando los colores y las perspectivas de la noche sobre Manhattan. Y está realmente bien hecha. Con un planteamiento que nos recuerda a las adaptaciones de obras de teatro al cine, con unos escenarios limitados, pudiéndose dividir en varios actos, el guion nos va acompañando en estas 24 horas entre momentos climáticos y momentos reflexivos. Los bien dosificados 105 minutos del largometraje, una duración muy adecuada, se me pasaron en un santiamén.

Pero la película evidentemente descansa sobre el trabajo de su extenso y prestigiosos elenco. El cual es a su vez el principal atractivo del filme. Una mezcla de ilustres del cine y de caras conocidas de la televisión, lo fundamental es la adecuación de los intérpretes a los personajes, que me parece muy adecuado. A estas alturas a nadie se le escapa la excelencia de ilustres como Spacey, Irons o Tucci. Todos ellos veteranos actores que dan solidez a casi cualquier producción mínimamente seria. También he de resaltar el trabajo de Bettany que nos produce desde cierto cinismo algunas de las más importantes reflexiones del filme. Los procedentes de la televisión como Quinto y Baker no desentonan en absoluto. E incluso una actriz de la que me cuesta horrores encontrar algún papel o película en su carrera que salvar como es Demi Moore, está sobria y adecuada, totalmente creible.

No teníamos unas expectativas especialmente altas cuando decidimos ver esta película, pero ha sido una sorpresa muy agradable. Una película muy recomendable, ya que aúna en un mismo producto la capacidad de inducir a la reflexión del espectador, con un guion dinámico y ágil que no aburrirá a nadie. Supongo. Y por supuesto, si podéis, como nosotros, en versión original.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****
El dinero

Con la que está cayendo, expresión popular favorita de los últimos tiempos, las entidades financieras se han convertido en foco de la desconfianza de los ciudadanos; no son muchas las luces que arrojan con sus grandes sedes en el centro de las grandes ciudades (Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH).

[Cine] Somewhere (2011)

Cine

Somewhere (2011), 3 de octubre de 2011.

Nuevo largometraje de Sofia Coppola, y por lo tanto, visita obligada a las salas de cine, aunque las dudas flotan tanto sobre la calidad de la película en sí mismo como sobre la calidad de la directora, que en su momento tanto prometía. Reconozco que de vez en cuando me dejo enganchar por algunos directores de cine. Incluso a costa de soportar sus irregularidades. O a veces, teniendo que reconocer que me equivoco cuando pienso que un determinado director va a dar más de sí mismo de lo que parece. Y así, les soy fieles en las salas de pantalla grande hasta que un día digo basta. O no y sigo fiel. Desde sus dos interesantes primeras películas, me he sentido interesado por el cine de esta directoras, pero ya su biografía de María Antonieta me dejó muy frío, excesivamente frío. El caso es que es sólo su cuarto largometraje, y por lo tanto, de alguna forma debiera ser bastante definitorio.

El filme nos habla de un actor de éxito, una estrella de éxito Johnny Marco (Stephen Dorff), que vive su vida en medio de lo que se podría llamar el «aburrimiento» del famoso. Conduce su ferrari, no tiene dificultades para encontrar parejas sexuales, y tampoco para pagárselas si le apetece algo menos usual, es famoso, le invitan a saraos,… pero aparentemente se aburre. Está divorciado y tiene una hija Cleo (Elle Fanning), a la que ve según régimen de visitas. En un momento dado su ex se la manda para que pase unos días con él. Se llevan bien. Lo pasan bien. Pasean, juegan, conocen cosas. Se la lleva a una entrega de premios a Milán. Pero cuando han de separarse porque la chica tiene que ira varias semanas  a un camapamento de verano, esta le descubre que se siente sola. Que su madre se ha marchado y no sabe durante cuanto tiempo, y que él no ha estado ahí para ella casi nunca. Tras la marcha de Cloe, intenta retomar su vida pero no le sale igual, y siente que algo le falta en su vida.

El principal problema de esta película es que pareciera que la directora no ha podido sacudirse su Lost in translation. Tenemos al actor aburrido, menos maduro y familiar, pero desmotivado. Tenemos a la joven «redentora», en aquel caso con una potencial historia de amor nunca explícita, en este caso la hija absolutamente encantadora que remueve sus cimientos. En aquella ocasión, un matrimonio en grave riesgo de venirse abajo, en este caso, un matrimonio hecho trizas. En aquel caso, los continuos mensajes y llamadas sobre la decoración de su casa. En este caso, los continuos mensajes al móvil de mujeres despreciadas o despechadas. Entonces, la esperpéntica invitación a la televisión japonesa. Ahora la apenas menos esperpéntica entrega de los telegatti. Allí, las fiestas en las que disfrutaban ambos protagonistas de su mutua compañía o de las que escapaban con ese fin. Aquí, los helados, los viajes, la natación,… los momentos de estar juntos, vamos.

Y todo ello sin que podamos decir que la película es mejor o aporta algo nuevo. Para mí, con este filme, absolutamente prescindible, Coppola no sólo no avanza sino que da un paso atrás, y me hace plantearme si realmente es una directora interesante, o de casualidad sonó la flauta.

En el terreno interpretativo, la mayor parte de los personajes tienen una presencia testimonial. Dorff compone un personaje creible, aunque creo que a ratos se deja llevar por el tedio propio del personaje. La chica, Elle Fanning, por el contrario, creo que está estupenda, habrá que ver como evluciona, y es la única que aporta algo de luz a esta película mediocre y aburrida. Que no recomiendo ir a ver. También se me ha dicho, que mis expectativas son tan altas después de lo mucho que me gustó Lost in translation, que difícilmente me gustará ninguna de sus películas. Pues vale.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **
Llueve en la Piazza del Duomo de Milán

Llueve en la Piazza del Duomo de Milán, uno de los escenarios de la película (Canon Digital Ixus 400).

[Libro] Calle de la Estación, 120

Literatura

Para esta semana pasada intenté preparar algunos libros, por las horas de hospital que me iba a pegar acompañando a un familiar. Al final, sólo dispuse uno, que esperaba me durase la probable duración del ingreso. No tal. Me lo pulí mucho más deprisa. Os lo cuento ahora.

Calle de la Estación, 120 (120, Rue de la Gare)
Léo Malet (traducción de Luisa Feliu)
Libros del Asteroide*; Barcelona, 2010
ISBN: 9788492663149

Place de la Gare

Uno de los problemas de Burma es que no hay pueblo o ciudad francesa que no tenga su calle o plaza de la estación; en la foto la Place de la Gare de Colmar (Panasonic Lumix LX3).

Nestor Burma era detective privado en el París de los años 30. Razonablemente famoso. Pero tras la debacle de la primavera del cuarenta es uno más de los prisioneros de guerra del ejército francés que son retenidos en Alemania. Tras cumplir tareas burocráticas, y ante la aparición de un misterioso prisionero amnésico, consigue un puesto en el hospital para prisioneros. Allí escuchará las últimas palabras del prisionero antes de morir:

«Hélène,… calle de la estación, 120».

Curiosamente, cuando ya devuelto a Francia se tope en la estación de Lyon Perrache con su antiguo colaborador Colomer, a este lo abatirán con varios disparos. Y sus últimas palabras tamibén serán:

«Jefe, Calle de la Estación, 120»

A partir de ahí, y con la ayuda más o menos bien intencionada o malintencionada de una pléyade de personajes que se irá encontrando, y que tendrán una relación con los fallecidos más o menos directa o tangencial, llevará a cabo una investigación que eventualmente lleve a localizar al asesino… a la asesina. Y que pasará por el Lyon de la «Francia libre» del gobierno de Vichy y el París ocupado por los nazis.

Place de la Gare

Estrasburgo también tine una vistosa plaza de la estación, que se refleja en la fachada de esta (Panasonic Lumix LX3).

Con un estilo alegre, desenfadado, irónico, no falto de mordacidaz ante la triste situación política, social y económica de la Francia derrotada en 1942, el autor Léo Malet inaugura con esta novela una larga saga de policiacas con el irónico y astuto Burma como protagonista. Como no soy especialmente fan de las novelas policiacas y de género negro, dudo que le preste mucha más atención al personaje. Pero reconozco que me lo he pasado realmente bien, y que terminé el libro mucho antes de que finalizase el corto ingreso hospitalario de mi familiar. Me parece bastante recomendable.

Metro Basilique de Saint-Denis

Pero en París y en su Banlieu, donde se sospecha que está la calle de la estación que interesa, puede haber más de la cuenta, porque hay muchas; en la imagén la estación del mentro en la Basílica de Saint-Denis (Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH).

[TV] Adiós de momento a las chicas de Showtime,… y pequeño comentario sobre el tamaño de la luna en tiempo de los dinosaurios

Televisión

Sí. En realidad son diversas las que podrían llevar el apelativo de las «chicas de Showtime». Pero en concreto me voy a referir a dos personajes muy distintos, que recientemente a terminado temporada en la pequeña pantalla.

Weeds – 7ª temporada

Sí, ya hace nada menos que siete temporadas que Nancy Botwin (Mary-Louise Parker) y su disfuncional y extraña familia nos acompañan. Desde las primeras temporadas en la «idílica» comunidad de Agrestic a su extraña convivencia con las mafias mejicanas desde los suburbios de San Diego, su huída a través de media norteamericana, y su provisional asentamiento en Nueva York en esta última temporada.

Tras una elipsis de un par o tres de años en la que Nancy ha permanecido en prisión, mientras su familia se refugiaba en la muy tolerante Copenhague, se vuelven a reunir en la Gran Manzana. El objetivo iniciar es reunirse y comenzar una nueva vida. Pero tratándose de los Botwin nada será fácil, y la «hierba» no estará lejos, siendo un personaje más de la serie, por no decir un miembro más de la familia.

El tono similar al que ya conocemos, una serie de situaciones demenciales soportadas por el buen hacer interpretativo de actores y actrices, mucho humor, no poco de drama, y un puntito de tragedia siempre amenazante. Oficialmente, no está confirmada la octava temporada. Pero el final es un cliffhanger en toda regla.

A ver si nos vamos a caer y tiramos a la del rabo de pescadilla...

En Copenhague encontramos al principio de temporada a los Botwin que no están entre rejas (Panasonic Lumix GF1, Leica DG Macro-Elmarit 45/2,8).

The Big C – 2ª temporada

Nueva colección de aventuras familiares. Pero esta vez sin salir de los aburguesados suburbios de una ciudad del medio oeste americano, donde supongo que las cosas que le pasan a Cathy Jamison (Laura Linney) suceden. Siempre con una nota de humor y de ironía, la serie ha ido adquiriendo progresivamente un tono más dramático. Una vez más, además de las vivencias de Cathy hemos ido presenciando las de su familia y allegados, todos ellos hijos reales o figurados de la gran Cathy. Pero por el camino todos van sufriendo pérdidas. Y de hecho, uno va a llegar a pensar que la única que va a llegar viva al final de la serie es la que tiene el cáncer terminal. Pero no diré más que no quiero destripar más de la cuenta.

Divertida y emocionante a la vez, tal vez no llega esta temporada a los niveles de la primera quizá porque ya no nos sorprende tanto la situación, sigue siendo una gran recomendación para quienes quieran ver cine hecho para la pequeña pantalla. Y con episodio de menos de media hora de duración, quien se puede resistir. Aquí también, gran mérito de los intérpretes. Todos ellos.

El tamaño de la luna en tiempo de los dinosaurios… y en Terra Nova

Se emitió el piloto de hora y media de duración de la gran apuesta de Fox por la aventura y la ciencia ficción: Terra Nova. No voy a comentar gran cosa sobre la serie. El piloto fue entretenido, pero de ahí a que al final me acabe interesando la serie va un trecho. Por lo menos, algunas de las chicas, si no buenas actrices, por lo menos son monas.

El caso es que sitúan la acción en el pasado de nuestro planeta, hace 85 millones de años, en el cretácico superior. Esto garantiza la presencia de muuuuuchos dinosaurios. Eso sí, en una realidad paralela, para no dar lugar a paradojas temporales. O eso parece, al menos.

El caso es que en la escena final del episodio piloto, la familia protagonistas quedan obnubilados ante la visión de la Luna. Muy grande. Y la chica adolescente, que es la empollona de la familia, les explica porqué hace 85 millones de años la luna estaba más cerca de la Tierra que en la actualidad.

En la serie se dice que la Luna se aleja  de la Tierra 0,5 centímetro al año. En 85 millones de años, querría decir que se ha alejado 42,5 millones de centímetros. Es decir 425 kilómetros. Teniendo en cuenta que en la actualidad la órbita media de nuestro satélite está a 384,4 mil kilómetros de promedio, hace 85 millones de años, según los datos proporcionados por la serie, estaría a un poco menos de 384 mil kilómetros. Un 99,89% de la distancia actual y del diámetro aparente actual. ¿Realmente cree que alguien puede apreciar esa diferencia de tamaño realmente? Creo que no.

Las cosas no son del todo así. Parece que en realidad el satélite se aleja 4 centímetros al año (en realidad 38 milímetros, pero por redondear). Es decir, 8 veces más deprisa. Pero aun así, la diferencia es difícil de distinguir. Más para una gente que no han visto al satélite con frecuencia por estar, en su tiempo, la Tierra cubierta por una capa de polución. Mala ciencia. Muy mala ciencia.

Reloj astronómico en la Marienkirche

Seguro que el reloj astronómico de la Marienkirche de Lübeck, Alemania, está mejor calibrado que el guion televisivo de Terra Nova (Panasonic Lumix GF1, G 14/2,4 ASPH).

[TV] Appropriate Adult

Televisión

Conocí esta miniserie británica de dos episodios por casualidad. Al principio no me llamó la atención mucho. El concepto ése de appropriate adult me sonaba a posible melodrama de estos de sobremesa. Pero la presencia en el reparto como protagonista de Emily Watson, una actriz británica muy solvente, me indujo a enterarme un poco más sobre qué iba. Finalmente, decidí que cuando tuviera un rato la vería. Al fin y al cabo, dos episodios de poco más de una hora de duración equivalen a un largometraje, y siempre es posible encontrar un momento. Al comienzo de la serie se nos avisa que estando basada en hechos reales, algunas partes de la acción se han dramatizado. Es decir, no necesariamente las cosas sucedieron como se cuenta.

La historia nos cuenta las vivencias de Janet Leach (Emily Watson), un ama de casa británica que en los años noventa se ofreció para actuar como appropriate adult en la ciudad inglesa Gloucester. Sorprendentemente, el primer caso en el que tuvo que intervenir no se trató uno típico de algún menor o algún adulto con discapacidad psíquica, sino que se trato de Fred West (Dominic West), un adulto acusado un número indefinido de asesinatos, incluido el de alguna de sus hijas, con connotaciones sexuales y sadismo, y con la más que probable colaboración de su mujer Rosemary (Monica Dolan). La policía optó por solicitar esta figura reconocida en la legislación británica con el fin de no dejar cabos sueltos en la investigación, que pudieran hacer sospechar que el proceso no contaba con las suficientes garantías para el acusado. Durante los interrogatorios, el acusado y Janet desarrollan una peculiar relación que dura toda la investigación y más allá, cuando esta termina, y el acusado está en la cárcel a la espera de juicio, al que no llegó por haberse suicidado antes.

De estos asesinatos en serie, por los que sí que fue condenada la esposa de West, yo no había oído hablar nunca. Parece que tuvieron una cierta repercusión en su momento en la opinión pública británica. Y la serie ha generado controversias entre las personas que participaron en aquella investigación, o tienen relación con Leach o con West. Ni idea de quien tiene razón. Por lo tanto, centraré mi opinión en la realización de la serie como drama televisivo más que como recreación de unos hechos reales.

Lo cierto es que como suele ser habitual en este tipo de productos, el peso de la realización descansa sobre los intérpretes. La protagonista absoluta es Emily Watson, que una vez más demuestra desde mi punto de vista que es una excelente actriz, que con sobriedad y pocas palabras transmite mucho en pantalla. Tras ella, compartiendo muchas escenas está Dominic West que la acompaña muy bien, haciendo creíble el tipo de criminal que se nos quiere presentar. Notables actuaciones también, la breve pero matizada de Monica Dolan y las de los diversos miembros de la policía o de la familia de Leach que aparecen con menos frecuencia en pantalla. En otros aspectos de la realización, la producción es sobria pero adecuada, presentándose una reproducción del ambiente de la época y de los lugares muy bien conseguida, y filmándose todo el conjunto con gran oficio. Como ya he dicho se podría ver como un largometraje y no desmerecería nada de muchos de los dramas que en estos momentos llegan a la gran pantalla.

Como conclusión, una serie que puede ser recomendable, que dudo que llegue a las televisiones españolas si no es en algún canal minoritario, pero que es una demostración palpable de que los británicos puede que sean quienes hacen los mejores productos de ficción televisiva, apoyándose en su aparentemente inagotable cantera de excelentes intérpretes.

Embankment Gardens - Chelsea

No conozco Gloucester, así que para dar un ambiente británico pasearemos por los Embankment Gardens en el "borough" de Chelsea, en Londres (Canon Digital Ixus 400).

[Libro] Solar

Literatura

Dicen por ahí que Ian McEwan es el escritor de narrativa de ficción más importante de la actualidad. Yo he tenido oportunidad de leer dos de sus novelas, y ambas me han gustado bastante. Lo que no sé es si subir a lo alto del pedestal. Quizá eso es lo de menos. En su última novela, la emprende con el calentamiento local. O a lo mejor no. A lo mejor la emprende con algo más profundo todavía.

Solar
Ian McEwan (traducción, Jaime Zulaika)
Panorama de narrativas, Anagrama, 2011
ISBN: 9788433975553

Primrose Hill

Una de las oportunidades de redención para el protagonista de la novela, tiene que ver con un pulcro apartamento cerca de Primrose Hill, lugar donde los londinenses gustan de disfrutar de los días de buen tiempo, con vistas de la ciudad (Canon Digital Ixus 400).

Estamos en el año 2000. Michael Beard es un físico famoso, ganador del premio Nobel por sus aportaciones sobre el comportamiento de la luz en el marco de la teoría de la relatividad de Einstein. Pero eso fue muchos años antes. Desde entonces vive acomodado pero sin aportar grandes cosas. Comedor, bebedor, mujeriego; va por su quinto matrimonio que hace aguas por todas partes. Descubre que su mujer le es infiel. Y un joven físico del instituto dedicado a las energías alternativas para luchar contra el cambio climático donde trabaja un día a la semana le irrita con su desparpajo, su falta de complejos y su originalidad. Todo conspira para complicar su vida. A la vuelta de un esperpéntico viaje a un fiordo helado en el círculo polar ártico, alguien morirá y su vida cambiará. Volveremos a encontrarlo en 2005 y en 2009, en el que finalmente las consecuencias de todo lo que ha hecho y lo que no ha hecho en su vida explotará.

Con esta novela ha estado a punto de pasarme como con La conjura de los necios. Aquella es una novela que nunca he podido terminar por el rechazo visceral que me produce su protagonista. En este casi casi es lo mismo. Pero he llegado al final, para conocer el devenir de este físico, que sin duda alguna es la personificación de los defectos de la sociedad occidental actual. Avaro, consumidor en exceso, desconsiderado con los demás, egoísta… su glotonoría es la metáfora perfecta del derroche de recursos de la sociedad contemporánea. Del consumo desmedido. Esto es algo de lo que te vas dando cuenta cuanto más reflexionas sobre lo que has ido leyendo. Quizá la figura de Michael Beard incomoda especialmente por no deja de ser ese alter ego de todos nosotros que no queremos reconocer. Es todo lo que no nos gusta de nosotros mismos, como colectivo, pero quizá también como individuos. También es un espejo de la capacidad del ser humano para cometer errores. Al protagonista, un privilegiado desde todos los puntos de vista, constantemente se le ofrecen oportunidades para corregir su rumbo. Pero con con una constancia igualmente persistente, domina su vertiente negativa para huir hacia delante, insistiendo en sus errores.

De fondo, el asunto del calentamiento local, que es tratado paródicamente pero no por ello con menos seriedad. Al fin y al cabo, lo que se parodia no es el problema, sino la actitud de científicos, politicos, intelectuales, la sociedad en general ante el problema. Lo cual también nos debería reflexionar sobre el hecho de que tenemos un problema, un problema grave. Al igual que Beard aunque diagnostiquemos correctamente los problemas que el mundo presenta, que nuestra civilización ostenta, no sólo no corregimos el rumbo sino que persistimos con igual constancia en nuestros errores.

La novela nos divertirá en muchas ocasiones. Tanto el viaje al ártico, como la muerte que pone fin al primer acto de la novela son momentos de increíble comicidad. Pero también es una novela dramática, y por qué no decirlo, trágica en cuanto a las consecuencias finales. En cualquier caso, cuanto más reflexiono sobre lo que he leído, más recomendable me parece. Así que, a por ella.

Primrose Hill

Describe la novela tanto los niños jugando como las cometas volando en Primrose Hill (Canon Digital Ixus 400).

[Cine] The Tree of Life (2011)

Cine

The Tree of Life (2011), 19 de septiembre de 2011.

Nota inicial: Esta película ha sido vista en versión original subtitulada, por lo que conservo su título original en este comentario. En España, también puede verse doblada bajo el mismo título traducido, El árbol de la vida. No debe ser confundida con otra película de 1957 a la que se dio el mismo título en castellano, pero que en realidad se titulaba Raintree County, y estaba ambientada en los Estados Unidos, en el período en torno a su guerra civil.

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En los últimos tiempos, mis comentarios sobre las películas que veo en pantalla grande estaban muy estructurados en apartados definidos y comunes a todas ellas (sinopsis, realización, interpretación, etcétera). Sin embargo, a la hora de ordenar mis ideas para comentar la última película de Terrence Malick, me cuesta seguir este esquema. De hecho, creo que lo voy a abandonar de ahora en adelante para sentirme más libre a la hora de expresar mis opiniones. En cualquier caso, el desencadenante es la atípica película del atípico director norteamericano.

Dicen algunos, viendo el escasísimo nivel de innovación y riesgo que se observa en el cine actual, que todo está inventado ya en la historia del cine. A la vista de la cantidad de nuevas versiones de antiguos filmes que se producen, uno diría que es cierto. Pero aquí tenemos algo que, por lo menos formalmente, parece algo nuevo, distinto. Aunque tenemos una historia central claramente reconocible en el que seguimos la historia de la familia O’Brien en Waco, Tejas, esta viene enmarcada por un prólogo, un epílogo y unas transiciones entre estos elementos. Advierto que mis comentarios van a desentrañar la historia de la película, pero creo que en este caso estos no es importante, ya que lo que cuenta no es tanto lo que sucede sino las reflexiones que nos transmite y los aspectos formales del filme. No obstante si alguno no quiere conocerla, la sitúo entre dos fotos, para que sea más fácilmente saltársela.

Playa en Erisbeg

Las playas, punto de transición transcendental para la vida en la Tierra, desde el mar al medio terrestre; tienen su momento en las transiciones de la película (Canon Powershot G6).

En el prólogo nos encontramos con el señor y la señora O’Brien (Brad Pitt y Jessica Chastain), que reciben la devastadora noticia de la muerte de uno de sus hijos de 19 años. También nos traslada a la época actual, en la que conocemos a Jack O’Brien (Sean Penn), el mayor de los hijos del matrimonio, convertido en un arquitecto de éxito, reflexionando sobre su pasado, y en un momento dado rememorándolo, lo que nos permite llegar a la historia central.

Tras una transición en la que desde una representación ideal del big bang y de la formación de galaxias y estrellas, que nos lleva a la formación del planeta Tierra, la aparición de la vida sobre la misma y su evolución hacia formas complejas, nos cuenta cómo los O’Brien forman una familia, se instalan en una zona residencia de Waco, y tienen tres hijos, Jack (Hunter McCracken), R.L. (Laramie Eppler) y Steve (Tye Sheridan). Se centra en el momento en el que el mayor, el protagonista de la historia, es un preadolescente de 12 o 13 años, tiene que lidiar con un padre severo, que busca el respeto de sus hijos a base de normas, pero que en el fondo es alguien que ha fracasado en distintos aspectos de su vida. La música, sus patentes como ingeniero, etcétera. Como contrapunto, la madre es un mujer dedicada a su familia, muy afable y amorosa con sus hijos, con los que juega y con quienes empatiza fácilmente. El muchacho vivirá en un estado de desconcierto, que oscila entre la timidez en sus primeros acercamientos a las chicas y la iniciación al vandalismo. Esta parte termina cuando el padre pierde su puesto de trabajo por el cierre de la fábrica, la familia se ve obligada a mudarse de una casa y un entorno que aman, y el padre, reconociendo su pasado encara a su hijo y le pide su perdón.

Una nueva transición, en la que asistimos a una representación ideal del final de la vida sobre la Tierra y su conversión en un mundo muerto alrededor de la estrella enana blanca en la que se convertirá el sol, nos lleva al final de la meditación del Jack Adulto y a un conjunto de escenas en un escenario del árido oeste americano en el que se encuentra con todas aquellas personas que han sido importantes en su vida, fundamentalmente su familia. En estas escenas comprendemos que el hermano que murió es R.L., el segundo, con quien tuvo una especial vinculación de niños.

Chopera

No pueden competir las choperas de la ribera del Ebro con los bosques jurásicos que albergaron la diversidad de los dinosaurios (Canon EOS 5D Mk.II, EF 85/1,8 USM).

Esta es la historia. Desde mi punto de vista, no importa conocerla a priori. Lo que importa de este filme son las reflexiones sobre la existencia y el sentido de la vida que aporta. Con constantes referencias al Libro de Job, hay que tomar en cuenta que la familia es muy religiosa, aparentemente católica lo cual concordaría con el apellido irlandés, plantea el sufrimiento de los justos durante la vida. O de quienes creen que son justos y buenos, como es el caso del señor O’Brien, quien no deja de tener en ningún momento sensación de fracaso en su vida. Frente a esta figura, tenemos al rebelde Jack. Rebelde en su preadolescencia al modo en que se podía ser rebelde a esa edad en los años 50 de los Estados Unidos. Rebelde como adulto, ya que percibimos en él a ese hombre de éxito que su padre no consiguió ser; rebelde porque es lo contrario que su padre, su contrapunto. Aunque en definitiva, las escenas finales nos hablan de su añoranza por la familia, por todos ellos, como eje de vida, como anclaje a la misma y como referente para las personas que somos.

Frente a las frecuentes referencias y citas religiosas, tenemos las impresionantes imágenes de las transiciones que nos hablan de la formación del universo, de la aparición de la vida y del final de la existencia de nuestro planeta como hogar para la misma, y que se encuadran de forma rigurosa en los acontecimientos que la ciencia nos enseña que marcan la vida, más allá de cualquier interpretación religiosa. Teniendo en cuenta estos elementos, los contratiempos que recibimos en nuestras vidas pueden no tener una interpretación muy distinta que la del pequeño dinosaurio herbívoro enfermo y a merced del carnívoro que vemos en una de las transiciones.

En cualquier caso, es muy posible que la interpretación que ofrezco de lo que he visto no coincida con la de otras personas, cada con su propio sistema de vida y creencias. Pero lo que sí que es cierto es que la película tiene momentos de gran belleza visual y formal, que el realizador ya nos había ofrecido en sus filmes anteriores. Particularmente, recomendaría este largometraje a todo aquel que esté interesado en las artes visuales, tanto el cine como la fotografía. Es una lección importante de iluminación y forma de ver y encuadrar.

Con unas interpretaciones de buen nivel por parte de todos los intérpretes, la principal pega que le veo al filme es que quizá se toma demasiado tiempo en recrear la relación entre el padre y el hijo, que en un momento dado me resulta redundante y un poco tediosa en alguna ocasión. Es el estilo del director, y hay que tomarlo como viene. Pero siempre me he manifestado como amante de la economía en la expresión cinematográfica.

No es una película que me atreva a recomendar a todo el mundo. Es un filme difícil, con múltiples referencias culturales, muchas de las cuales no estoy seguro haber llegado a captar, aunque creo que sí la idea general de lo que el autor nos quiere plantear. Pero para mí a merecido la pena, y para todo aquel que quiera tomar riesgos en este mundo del cine y salirse de los caminos trillados, creo que es obligatoria. Independiente del resultado final que para cada cual suponga la experiencia, positiva o negativa.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

Recomendación musical

Necesariamente la banda sonora del filme. Desde la música incidental compuesta por Alexandre Desplat, hasta las diversas piezas de música clásica que encajan en el filme como un guante. Impresionante banda sonora.

Anecdotario

Jessica Chastain ha sido protagonista en las película que he visto en estas dos últimas semanas, pero con resultados muy distintos. Para bien. Porque muestra adaptabilidad a papeles muy distintos. La prefiero como pelirroja ama de casa americana que como morena agente del Mossad, no obstante.

Para los que somos de ciencias, la colección de imágenes de las transiciones entre las distintas partes del filme, son una maravilla. Algunas tomadas de reales imágenes científicas, otras obras del departamento de efectos especiales, pero salvo la animación de los dinosaurios, un poco postiza, todas de gran belleza.

Hay comparaciones en diversos sitios con 2001, una odisea del espacio. Algunos aspectos formales sí que son similares, desde luego. Pero también hay notorias diferencias, que las sitúan en distinto plano. El responsable de los efectos especiales de ambas películas es el mismo: Douglas Trumbull.

Atardecer

Este sol de atardecer no puede competir con las recreaciones en la película de la superficie solar, ni del tránsito de un oscuro planeta, tal vez la Tierra dentro de 5.000 millones de años cuando sea una estrella roja gigante, sobre esa torturada superficie (Canon EOS 5D Mk. II, EF 200/2,8 USM).

[Cine] La deuda (2010)

Cine

La deuda (The Debt, 2010), 13 de septiembre de 2011.

Semana de transición en la que no parece haber un polo de atracción cinematográfico claro, y que nos lleva a uno de los cines del centro para ver una película de espías que suponemos entretenida, y que cuenta con el aliciente de Helen Mirren y algún otro ilustre en el reparto. Veremos a ver en lo que queda esta película dirigida por John Madden, que parece ser una nueva versión de un original israelí que no tuvo difusión práctica fuera de su país.

Sinopsis

Estamos en Israel, en 1997, y la hija de Rachel (Helen Mirren/Jessica Chastain), una antigua agente del Mossad, presenta un libro que cuenta la historia de su madre, su padre Stephan(Tom Wilkinson/Marton Csokas) y un tercer agente israelí, cuando acabaron con un criminal médico nazi (Jesper Christensen) en el Berlín oriental de la guerra fría en los años 60. Al mismo tiempo, el tercer agente, David (Ciarán Hinds/Sam Worthington), tras años desaparecido por el mundo, vuelve a Israel con una noticia que turbará las vidas de Rachel y Stephan. Esto provocará en Rachel los recuerdos de cómo fue realmente aquella operación y cuáles fueron sus consecuencias para sus vidas.

Realización y producción

Parte de la acción está situada en el mundo actual de 1997, pero una gran parte es el largo flashback en el cual Rachel recuerda como transcurrieron los hechos. La diferencia temporal, más de 30 años, hace que los personajes esté interpretados por distintos actores. En las indicaciones anteriores, el intérprete que caracteriza al personaje en su madurez está en primera posición. Sin embargo, no es una película de saltos en el tiempo. Tras la presentación de la situación en la época contemporánea, hay un largo salto atrás en el tiempo que nos cuenta la realidad de la operación llevada a cabo, y el último tramo de la película vuelve a la época contemporánea para llegar al debido desenlace.

La realización de la película no me parece que tenga nada de particular, es una realización artesanalmente adecuada con el objetivo de contar la historia, dejando el peso de la película en los intérpretes. Unos exteriores localizados en Budapest para representar el Berlín de los años 60, una iluminación lúgubre que busca señalar la atmósfera opresiva de aquel momento, y a funcionar. Como hay una cierta importancia de cuestiones ferroviarias en la trama, incluiré el filme en mi colección del ferrocarril en la historia del cine, y hay comentaré posibles deslices.

Interpretación

Como ya he señalado, la base de la película son las interpretaciones de los actores y de las actrices. No estamos ante los típicos agentes secretos de las películas al uso de espías. Estos tienen emociones, toman decisiones erróneas basadas en las emociones, y meten la pata. Y de eso trata un poco la historia, de cómo llegamos a cometer errores y cómo tenemos que lidiar con ellos. He de decir que de la interpretación esperaba un poco más. Lo cierto es que el peso de la película no lo lleva Mirren que más bien es secundaria por el tiempo que permanece en pantalla, aunque su personaje sea el principal. Junto con el del médico nazi que es el otro personaje importante de la película. Más que los dos muchachotes que acompañan a la chica. Porque es la chica, Jessica Chastain, quien lleva realmente el peso dramático de la historia. Globalmente no lo hacen mal, pero tampoco consiguen llegar a producir el impacto emocional necesario para que esta historia se convierta en una gran historia. El resultado queda un poco frío.

Conclusiones

Mentiría si dijera que me he quedado con ganas de ver el producto original. La historia no me ha llamado la atención tanto. Es una más de espías, pero con chapuzas. Hay un problema con esta película. Aunque en los comentarios que se han podido leer por ahí no te cuentan la película, lo cierto es que no hace falta ser un lince para saber por donde van a ir los tiros a partir de los mismos. Por lo tanto, no hay grandes sorpresas en el desarrollo de la acción. Lo cual, en una película de acción,… pues es un problema. No obstante, es una película indudablemente entretenida, que se deja ver sin problemas, y que puede ser recomendable para pasar una tarde sin mucho romperse la cabeza.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Hackescher Markt

El ferrocarril atravesando el antiguo Berlín oriental; esa es una de las situaciones que podemos ver en la película, así como las estaciones fantasmas de la época de la guerra fría (Panasonic Lumix LX3).