[Cine] Incendies

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

Incendies (2010), 12 de marzo de 2011

Tras la fiebre ‘óscar’, el ritmo de los estrenos de cierto nivel ha bajado a niveles casi alarmantes. Pero alguna cosa va llegando. Y entre lo que llega, esta película canadiense, francófona, que compitió en los premios de la Academia de Hollywood en la categoría de mejor película de habla no inglesa. No ganó, pero las críticas con las que llega son muy buenas. Y aunque lamentablemente no llega en versión original, parece una buena opción para probar algo nuevo que puede ser de calidad.

Sinopsis

En el Canadá de los tiempos actuales se reúnen tres personas para leer el testamento de Nawal Marwan (Lubna Azabal). Estas son el notario Jean Lebel (Rémy Girard), para quien trabajaba la fallecida y albacea testamentario, y sus dos hijos gemelos, Jeanne (Mélissa Désormeaux-Poulin) y Simon (Maxim Gaudette). En sus últimas voluntades se incluye la entre de dos sobre a los hijos. Uno de ellos está destinado al padre a quien nunca conocieron. El otro para su hermano, que nunca supieron que existía. Mientras no sean encontrados, es voluntad de la fallecida que su sepultura aparezca anónima, sin lápida alguna. Según ella, hubo una promesa que se quedó sin cumplir, y hasta que no se cumpla no es digna de la lápida. Simon se muestra remiso a seguir los deseos de la madre, con quien no se llevó bien. Pero Jeanne comienza un viaje de búsqueda y descubrimiento que le llevará a Oriente Medio. Conforme la investigación avance, se unirán a ella el hermano y el notario. Y los hallazgos harán que se tambalee todo su mundo.

Realización y producción

La película se presenta mostrando la historia de la búsqueda actual con flashbacks de la vida de Nawal. Flashbacks que al principio, durante la búsqueda en solitario de Jeanne, nos muestran elementos de su vida desconocidos para los hijos y que nos ponen en conocimiento de los acontecimientos fundamentales de la mujer. Pero conforme avanza el descubrimiento, materializan los terribles acontecimientos que sufrió Nawal conforme son conocidos por los hijos. También hay un cambio progresivo en el papel de los hijos. Siendo al principio meros buscadores de un conocimiento oculto durante años, poco a poco se convierten ellos también en protagonistas de momentos tremendos que los sumergen en la dura y compleja realidad de Oriente Medio.

En ningún momento se nos dice, porque se mantienen intencionadamente ocultas las nacionalidades de los contendientes en el conflicto del país donde vivió Nawal en su juventud, pero parece claramente que se trata de Libano, especialmente porque uno de los contendientes poderosos fueron las derechas cristianas maronitas. Basada en una obra de teatro de Wajdi Mouawad, esta ocultación de nacionalidades y territorios busca universalizar los temas, en lugar de enfocar sobre la realidad de un único país. Aunque como digo está basada en una obra de teatro, no es teatro en el cine, ya que el lenguaje y los modos utilizados son total y plenamente cinematográficos, alejándose de los modos de la escena.

La realización va pasando pues por distintos paisajes de Oriente Medio. La dureza propia del relato se ve adecuadamente acompañada de la caótica urbanización de la ciudades de la región o de la aridez y el sol abrasador del paisaje, agreste y duro como los sentimientos y las costumbres de sus pueblos. De este modo, las distintas situaciones que nos van desvelando la historia caen como mazazos sobre el espectador que poco a poco se va sobrecogiendo con lo que está presenciando. No hay concesiones a la estética, lo que no quiere decir que la película sea fea, ni mucho menos, ya que está muy esmeradamente rodada. Pero hay un objetivo primario documental que prima sobre otras consideraciones.

Interpretación

Actores y actrices desconocidos para nosotros, algunos canadienses y otros llegados de la francofonía europea, realmente la película tiene más tono de cinematografía europea que americana, todos ellos realizan actuaciones sobrias y contenidas pero más que adecuadas para el carácter de los personajes y de la historia en la que se ven envueltos. Destaca sobre todas ellas, la interpretación de Lubna Azabal, que abarca 40 años de la dura historia de una mujer con muchos matices a lo largo del tiempo. Joven enamorada y embarazada de un hombre de otra etnia que es asesinado por la familia de ella, activista pacifista en el conflicto de su país, terrorista, prisionera, madre,… Pero también es de destacar la interpretación de los dos hijos, menos llamativa, pero convincente en su evolución personal conforme van descubrimiento la dura historia que les precede.

Conclusión

Esta es de esas películas que necesita reposar para que uno alcance a apreciar por completo sus cualidades. Cuando ayer salíamos del cine, era un filme que nos había gustado y nos había impresionado pero,… sin más. Sin embargo, conforme vas retrocediendo mentalmente a las imágenes y los sucesos que has vivido a través de la pantalla estos te van impregnando y la impresión va aumentando y se va afiando en tu interior. Mientras escribo esto, mi valoración sobre el filme es muy superior a la que tenía cuando lo vi ayer.

Hay que decir que hay una cuestión en la que la película sufre desde la obra de teatro hasta el lenguaje cinematográfico. La historia que se nos cuenta es difícil de aceptar como verdadera. Coincidencias, casualidades como las que se nos cuentan, parecen extraordinariamente forzadas. Uno no puede dejar de pensar que semejantes acontecimientos, semejantes vivencias, son más propios de una tragedia de Sófocles, que de una historia real. O quizá de Eurípides, en cuyas tragedias las mujeres tienen un protagonismo especial. La diferencia con las tragedias clásicas es que en la historia que se nos presenta hoy, la última voluntad de la difunta es la de romper con la cadena de odios y rencores que le llevan a vivir la vida que se nos presenta y que de alguna forma representa la de pueblos maltratados por estos odios y estos rencores.

En cualquier caso, es una película altamente recomendable para todos aquellos que gusten de buen cine, que tengan ganas de reflexionar un rato, y que opinen que ir al cine es algo más que ponerse morado de palomitas mientras ves estallar medio mundo entre los fuegos artificiales de los efectos especiales. Los fuegos que nos presenta esta película, son mucho más reales y difíciles de apagar.

Calificación

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

Recomendación musical

Nada tiene que ver con la película de la que hablo hoy, pero mientras escribo esto escucho el St. Louis Blues del Dave Brubeck Quartet, que me está encantando.

La aridez, el sol, el pasado histórico de Oriente Medio, tienen algo que ver con los paisajes de Aragón, como el que vemos desde el asentamiento arqueológico de Azaila, aquí inusualmente verde gracias a la primavera - Canon EOS D60, EF 28-135/3,5-5,6 IS USM

[Libro de fotografía] Love on the left bank

Cine, Fotografía

Este mes de febrero pasado hice una compra de libros de fotografía en Amazon (Reino Unido). Libros que me habían llamado la atención en los últimos meses, pero que he esperado a acumular unos cuantos, tres de ellos, para encargarlos en un mismo pedido. Conforme los vaya examinando con cierto detalle, los iré comentando en estas páginas. Hoy empiezo con la edición facsimil de un libro de los años cincuenta del fotógrafo holandés Ed van der Elsken que alcanzó cierta repercusión en su momento, y que se reeditó en 1999 y que se ha reimprimido hace pocos meses.

Love on the left bank
Ed van der Elsken
Dewi Lewis Publishing; edición facsimil, Heaton Moor, 2010
ISBN: 9781899235223

Citando más o menos la propia información del editor, la fotografía del libro se enfoca sobre la rive gauche parisina en los años cincuenta, cuando la zona en torno a St Germain-des-Prés era el centro de la actividad creativa y el hogar de artistas, escritores y estetas que determinarían las tendencias culturales de una generación. Mediante fotografías que tienen un estilo propio de las instantáneas espontáneas que cualquiera pueda tomar en el curso de su actividad social, realiza una documentación extensa de estos barrios de la capital francesa, explorando el fenómeno social y cultural de la posguerra francesa. Las imágenes se ven acompañadas de un texto, en el cual se narra sucintamente una historia de amor y desamor entre dos jóvenes. Buena parte de las imágenes se centran sobre la bailarina y artista Vali Myers, que encarna el personaje de ‘Ann’ en el relato.

Con unas imágenes en blanco y negro de indudable interés, el libro supuso un gran avance en la concepción de la fotografía documental a mediados del siglo XX, con una nueva forma de acercarse a los sujetos, mucho más moderna, más próxima, más íntima, buscando transmitir no sólo imágenes sino también sensaciones y sentimientos. Indudablemente, me pareció un libro interesante cuando lo vi, y no me arrepiento en absoluto de la compra. Y puede ser una recomendación más que razonable para los amantes de la fotografía documental callejera.

Apéndice: Winter’s Bone (2)

He tenido la oportunidad de volver a ver por segunda vez esta película. La primera vez me gustó mucho, pero las circunstancias de visionado no fueron óptimas, y menos para una versión original en la que hay que estar especialmente atento. En esta segunda ocasión, con silencio a mi alrededor, a una buena distancia de la pantalla, que muchos consideraría demasiado cerca pero es que a mí me gusta el cine y no la televisión, y con la cabeza más tranquila y despejada, he podido apreciar muchos detalles que se me escaparon en la primera ocasión.

Y he cambiado mi apreciación. Desde mi modesto punto de vista, esta es la película más meritoria de las que he visto entre las que competían a los óscars, y me ha dejado una profunda impresión. ¿Que cosas han cambiado en mi apreciación con respecto al primer visionado? Fundamentalmente, he de considerar que la interpretación de Dale Dickey como Merab me parece absolutamente impresionante y necesaria. Podría, debería, haber sido candidata también a los premios. También he cambiado mi impresión sobre el final de la película. En el primer visionado, me quedé sólo con la idea de que el objetivo de Ree (Jennifer Lawrence) está conseguido, aunque no sin coste. De alguna forma, me dio la impresión de que era un final feliz todo lo feliz que se puede conseguir en semejante ambiente. Sin embargo, una cierta cantidad de detalles, y sobretodo su última conversación con Teardrops (absolutamente impresionante John Hawkes), me confirma que el final es mucho más amargo de lo que me había parecido. Quizá, en ese agobiante entorno social, los finales felices son simplemente imposibles. Y los finales trágicos, en el mejor de los casos, simplemente quedan demorados.

Me gustaría leer el libro. Pero no está publicado en castellano. Y me da miedo la versión original en inglés. Por las dificultades asociadas a la jerga del lugar. No sé. Ya veré. Por otra parte me entero que no es muy extenso. Igual me animo. Si lo hago, os enteraréis. Lo comentaré por aquí.

El caso es que he decidido darle la quinta estrella a la película. Lo cual muchos considerarán una exageración. No le he dado hasta ahora 5 estrellas en valoración subjetiva a ninguna película de los últimos 13 años. La última a la que se las di era un filme de los años 80. Pero lo cierto es que esta película que ahora nos ocupa me ha dejado una profunda impresión.

Recomendación musical

Si ya es uno de los géneros que con más frecuencia aparecen por aquí, tratándose de lo que se trata, no puedo dejar de recomendar algo de jazz, tan de moda en los años 50 en la capital francesa. Y en Spotify he encontrado un álbum con 40 temas de distintos músicos llamado precisamente Saint-Germain-des-Prés, con mucho swing, muchos estándares de la época y su parte de jazz.

Amores en el interior de la abadía de Saint-Germain-des-Prés, que da nombre al barrio parisino donde se tomaron las fotografáis de van der Elsken - Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH

[Cine] Chico y Rita

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

Chico y Rita (2010), 27 de febrero de 2011

Hace unos días, comentaba en una entrada lo que me había parecido la historieta con el mismo título y basada en la película que hoy os presento. Parecía lógico por lo tanto ir a ver el filme. Aunque reconozco que tenía alguna reticencia sobre lo que me iba a encontrar en este largometraje de animación firmado por Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando (a este último, IMDb no lo reconoce en los créditos de la película, pero sí aparece tanto en el propio filme como en la web del mismo). Pero bueno. También suponía que iba a haber buena música, y un producto que se sale de lo más trillado en el cine patrio.

Sinopsis

Reproduzco lo que escribí hace unos días, porque es lo mismo que en la novela gráfica.

Esta es una historia de una amor, aparentemente imposible, entre un pianista, Chico, y una cantante, Rita,ambos cubanos, ambos de raza negra. Durante años, décadas, se van persiguiendo, encontrándose y desencontrándose primero en La Habana, luego en Nueva York, y en sus respectivos periplos por París, Los Ángeles o Las Vegas, desarrollando sus carreras en el mundo del jazz, del music-hall, o del cine,… a pesar de las traiciones de los amigos, de los agentes, de los mafiosos, del racismo, o del mundo de la política.

Producción y realización

En primer lugar, el aspecto visual. Los dibujos y la ambientación que el estudio de Mariscal ha preparado para esta película me gustan. Y mucho. Pero desde mi punto de vista, y de acuerdo con alguna opinión que he leído por ahí, las caras de los personajes me parecen muy inexpresivas, y hacen muy difícil que me crea las pasiones que presuntamente los mueven. Por lo tanto, a pesar de que nos encontramos con personajes a los que hay que suponer un ardor en las pasiones propias del trópico caribeño,… pues me resulta fría. Una pena. Porque ya te digo que hay detalles que me gustan. Por ejemplo, el pasaje tan deliciosamente retro del sueño de Chico cuando va en el barco camino de Nueva York.

Otro tema es el de la historia propiamente dicha. El del guion. Tantos guiños quieren meter a tantos músicos y otras figuras del espectáculo a lo largo de la película, que creo que a Trueba, a quien supongo principal responsable del guion, se le olvida contarnos correctamente la historia. Te vas de la misma con demasiada frecuencia, para quedarte con la anécdota. La «manteca» de Chano Pozo, la trompeta doblada de Dizzy Gillespie, que si fíjate por ahí asoma el famoso Village Vanguard,… demasiados homenajes o referencias en lugar de presentarnos con cierta profundidad la personalidad y los motivos de los dos protagonistas.

Y finalmente, está la música. Hay que considerar que la película esta inspirada en la figura del pianista Bebo Valdés, aunque no basada en su vida. Y el nonagenario músico cubano ha compuesto e interpretado buena parte de la banda sonora. Que está muy bien. Pero que no sé por qué, al renunciar a los sonidos que nos llegan de aquellas épocas, introduciendo grabaciones actuales, pierde algo también de la calidez esperada. La chica canta muy bien (Idania Valdés), pero le han puesto un estilo y una voz que resultan demasiado actuales para las épocas en las que se desarrolla la acción. Todo demasiado perfecto. Demasiado aséptico. Volvemos a perder buena parte del calor que esperas de los ambientes, de los personajes y de la historia.

Interpretación

Es una película de animación, así que sólo puedo entrar en el doblaje de los personajes de dibujos animados. No me ha gustado mucho, me parece muy forzado, y con los acentos de los anglófonos que hablan en castellano muy forzados. Un poco chuscos.

Conclusión

Estamos a una película cuyo principal mérito es que se ha intentado hacer, que se ha puesto un esfuerzo en ella y que podría haber dado más de sí. Pero no me acaba de resultar un producto conseguido. Creo que está poco centrado en lo importante, crear una historia que atraiga y conmueva realmente al espectador, a pesar de que había elementos para ello. Pero se queda en lo anecdótico. Una pena.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

Música recomendada

Inevitablemente, la banda sonora de la película. Curiosamente, a pesar de que se hace referencia al tema, en esta no consta un tema emblemático del maridaje entre los ritmos afrocubanos y el jazz; Manteca de Chano Pozo con Dizzie Gillespie.

Latin-jazz en directo en el restaurante del museo Ludwig de Colonia, para amenizar la comida de los visitantes - Panasonic Lumix LX3

Pues mis gustos cinematográficos no pueden diferir más de los miembros de la Academia…

Cine

Ayer redacté una entrada extraordinaria para dar mi opinión sobre quién o qué se debería llevar los oscars en 10 categorías. Y comentaba que tenía una cierta esperanza de coincidir en hasta un 30 % con las preferencias de los académicos norteamericanos. Pues bien. Nada. Ni flores. Cero absoluto. No he coincidido en ninguna de las 10 categorías. No sólo eso. Las dos películas a las que yo hubiese entregado más premios se han ido en blanco. Así que me declaro un excluido social en mis gustos cinematográficos. Un paria. Un apestado social. Es lo que hay. Me guste, o no.

Y como además soy muy vengativo y muy malo, voy a desacreditar los premios y los premiados.

The King’s Speech (El discurso del rey) es una película aseadita. Pulcra. Artesanalmente bien hecha. Que basa su éxito en la habilidad británica para recrear épocas y en la reconocida competencia de sus intérpretes. Pero pasará al olvido relativo con facilidad. Una vez disfrutado el ratito de verla por primera vez… pues ya está. A otra cosa mariposa. Esto sólo puede emocionar a las «marujas» enganchadas al ¡Hola! y a las monarquías rancias (que en general lo son todas por definición).

Se va confirmando la teoría de que si un actor o una actriz de prestigio quieren un óscar, y este no llega, lo mejor es interpretar algún tipo de discapacitado físico o psíquico, o algún enfermo mental. En las actrices, también vale salir muy feas aunque sean muy guapas. Así que este año, la pareja de más éxito han sido un tartamudo y una paranoica con alucinaciones.

No objetaré gran cosa a los intérpretes de reparto. Ambos lo hacían bien. Desde luego, si un problema tenía esa película era la sosez de su protagonista, que compensaban todos los demás. Y he de reconocer que mi preferida para esta categoría, realmente estaba fuera de categoría. Pero en realidad mi auténtica preferida para esta categoría ni siquiera era candidata. Una de esas cosas de alucinar que tienen estos premios.

De las películas en lengua no extranjera, sólo había visto Biutiful. Veo que la ganadora es una película danesa. A poco que se acerque a aquella maravilla tanto literaria como cinematográfica que fue Babettes Gaestebud (El festín de Babette), ya me entran ganas de verla.

Se ha comentado por ahí la insistencia de los académicos en dejar sin premio a Roger Deakins (mejor fotografía) y la magnífica Annette Bening. Respecto a la segunda, es un claro desprestigio para los votantes que esta mujer perdiese la estatuilla ante las dos pedorras que los ganaron en los años 2000 y 2005, que ni siquiera me voy a molestar en mencionar aquí. Sin embargo, es cierto que este año, aunque su interpretación es impecable, había otras opciones más sólidas. Sin embargo, creo que lo de Deakins es de juzgado de guardia, porque creo que su iluminación de True Grit (Valor de ley) era lo mejor que había tanto entre los candidatos, como entre los méritos de dicha película. Que la vergüenza caiga sobre los académicos, ya que no han sabido ver (y apreciar) la luz. Supongo que dentro de unos años, al menos para la actriz, alguien propondrá entregarles un premio honorífico, y todos esos idiotas que no les han votado cuando debían se levantarán en pie y aplaudirán a rabiar, como si realmente les importase.

Es posible que el vestuario de ese engendro que es la Alicia de Tim Burton sea meritorio. Pero simplemente por el hecho de estar al servicio de un engendro como ese, ya es cuestionable.

En cuanto a los guiones… lo del guion original… hombre… ya he comentado lo que me parece el Speech ese. En la misma tónica. Pero es que el guion adaptado también considero que son cuestionables las pretendidas virtudes de The Social Network (La red social), un filme que a mí no me acabó de entrar en ningún momento a pesar de su correcta factura general,… vamos… más que convencido de que había cosas mejores donde elegir que la vida del niñato ese, que además está deformada por «motivos dramáticos».

En fin, ya me he desquitado. Vayamos a cosas más positivas. Por cierto, Jennifer Lawrence, mi actriz favorita de este año, está guapísima en las fotos de la alfombra roja. Toda ella de rojo también. En primer plano, o de cuerpo entero. Y es que encima de hacerlo muy bien, está como un queso; incluso cuando hace de adolescente pobre y zarrapastrosa, a la que han dado una paliza.

Sugerencia musical

No la he escuchado. Por lo tanto más que una sugerencia es una invitación a darle una oportunidad. La banda sonora ganadora del óscar ha sido la de The Social Network.

Así de solo, como esta niña de carnaval,... ¡no! mucho más solo me siento yo en el mundo del cine... ¡qué penita! - Panasonic Lumix LX3

Y si yo decidiese los óscars…

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

Es un hecho extraordinario que publique más de una entrada en este Cuaderno de ruta en un mismo día. Pero hoy, horas antes de que se entreguen en Los Ángeles los premios de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de los Estados Unidos. Los óscars. La experiencia de muchos años, décadas, nos enseña que realmente no hay una correlación muy elevada entre conseguir un premio y que realmente seas lo mejor en tu categoría ese años. Algo de correlación hay… claro. Pero bueno.

Para empezar, es rarísimo que el premio a la mejor película lo consiga una película no hablada en inglés, aunque sea posible. En teoría. Ocho películas de este tipo han sido candidatas a lo largo de la historia. Sí que ha sucedido que algún premio de interpretación haya ido a parar a algún actor o alguna actriz que ha interpretado en una lengua distinta del inglés. Y lo mismo en alguna otra candidatura. En cualquier caso, el idioma de rodaje y la nacionalidad ya supone un fuerte sesgo. Bueno,… la cosa es así.

Pero es que incluso dentro de las películas norteamericanas, o habladas en inglés, podría mencionar numerosos casos de premios absolutamente sorprendentes. Y de películas o personas sorprendentemente no premiadas. La casuística es demasiado abultada como para dar a estos premios una importancia como reconocimiento de la excelencia artística que no tienen. Básicamente, son una operación de mercadotecnia. Una forma de mantener la tensión comercial en torno al cine y traer espectadores a las salas o a las tiendas de vídeo. Y luego está la cuestión del glamour. Y aquí no falta. Aunque de vez en cuando aparezca el ordinario o la ordinaria de turno, que no tiene lo que hay que tener para lucir con propiedad en la alfombra roja. Pero bueno. De todo tiene que haber.

El caso es que este año he decidido aportar mi granito de arena al debate de quienes merecen ser premiados. Vamos. Supongamos que yo perteneciese a la Academia, y tuviese el voto decisivo en algunas categorías notables. ¿Quienes serían los ganadores de este año? Aclaro de antemano que no he visto todas las películas. Así que hay algunos candidatos que mal pueden tener opciones en mi lista de ganadores particular. «Peor» para ellos. En cualquier caso, ahí va mi lista de ganadores, en algunas de las categorías. Que no en todas, que sería absurdo y aburrido.

Mejor película: Difícil. Entre las que he visto, ninguna cinco estrellas. Después de darle muchas vueltas, la que más me ha impresionado en su conjunto sería Black Swan (Cisne negro). He cambiado de idea. Después de verla de nuevo, con más tranquilidad, he decidido que Winter’s Bone me toca demasiado la fibra sensible y he decidido darle las cinco estrellas.

Mejor director: También complicado. Tampoco hay ningún cinco estrellas. Vaya por los hermanos Coen, que aunque no han cerrado un producto redondo por su True Grit (Valor de ley), han dado sobradas muestras de lo que me gusta de ellos.

Mejor actor protagonista: Ninguno levanta mis entusiasmos en exceso este año, pero mis simpatías se encaminan totalmente hacia Jeff Bridges por True Grit (Valor de ley).

Mejor actriz protagonista: Aquí me he sentido más motivado, y hay muy interesantes candidatas. Pero mi preferida es la sufrida contención interpretativa de una actriz tan joven como Jennifer Lawrence en Winter’s Bone, más propia de actrices de más edad.

Mejor actor de reparto: Nuevamente una categoría en la que hay mucho bueno donde elegir. Creo que son intérpretes más interesantes que los de la categoría de protagonistas. Me vuelvo a quedar con alguien procedente de Winter’s Bone, John Hawkes.

Mejor actriz de reparto: Me ha resultado difícil terminar de decidirme por mi premio en esta categoría. Sobretodo porque no la considero una actriz de reparto sino protagonista. Pero es donde es candidata. Me refiero a Haylee Steinfeld por True Grit (Valor de ley). Reconozco que es un poco injusto para las demás, porque el papel es mucho más vistoso en minutos y en importancia dentro de la película. Si estuviera en la candidatura de protagonista, no habría desbancado a Jennifer Lawrence. Que quede claro.

Mejor guion original: Aquí lo tengo claro. Los bucles de realidad/ficción de Inception (Origen) merecen en mi opinión el premio.

Mejor guion adaptado: En esta candidatura siempre tengo un problema. Casi nunca he leido la obra literaria de origen. Pero bueno, tras pensármelo mucho entre dos, me quedo con la modesta pero bien llevada historia de Winter’s Bone.

Mejor montaje: Creo que sin mayor problema me voy a quedar con Black Swan (Cisne negro).

Mejor fotografía: Tengo la sensación que cada vez se iluminan mejor las películas. Pero creo este año destaca mucho la fotografía de True Grit (Valor de ley).

Del resto de premios técnicos, de las películas de animación, documentales y cortometrajes, así como las películas en idiomas distintos del inglés, me voy a abstener. Por aburrimiento, o por no conocer suficientes candidatas. Veremos en qué medida mis gustos coinciden con los académicos norteamericanos. Pero dudaría que coincida en más de un 30 %. Es decir 3 de las 10 categorías en las que me he mojado.

Resumiendo, de las 10 categorías que me interesan:

4 premios para True Grit (Valor de ley).

4 premios para Winter’s Bone.

1 premios para Black Swan (Cisne negro), ~~que paradójicamente se lleva el gordo de mi parte~~.

1 premio para Inception (Origen).

Recomendación musical

Siento que es especialmente apropiado recordar la conocida canción de The Band Wagon (Melodías de Broadway), That’s Entertainment, cantada por el elenco del filme.

Al mismo tiempo que está a punto de comenzar el circo de los óscars, empieza también el circo de los carnavales; ayer el pregón en las calles de Zaragoza - Panasonic Lumix LX3

[Cine] Los chicos están bien

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

Los chicos están bien (The Kids Are All Right, 2010), 26 de febrero de 2011

Si en una película actua Annette Bening, ya empiezo a tener la curiosidad por verla. Si además es candidata al óscar por ella, aun me motiva más. Así que, aprovechando que la estrenaron antes de la ceremonia de entrega de los premios que se celebra esta noche, nos hemos ido a formarnos una opinión sobre este filme dirigido por Lisa Chodolenko. Y aquí viene.

Sinopsis

Nic (Bening) y Jules (Julianne Moore) son dos mujeres, lesbianas, que han formado una familia. Recurriendo a un mismo donante de semen, ambas tuvieron en su momento dos hijos, una chica de 18 años a punto de ir a la universidad, Joni (Mia Wasikowska), y un chico, Laser (Josh Hutcherson), pocos años más joven. En este punto, a ambos retoños se les ocurre que quieren conocer a su padre, y a través del banco de semen, y con el beneplácito del padre que accede a darse a conocer, se encuentran con Paul (Mark Ruffalo), un hombre más joven que sus madres, que vive una vida tranquila regentando un restaurante. Paul es lo que se dice un tipo majo, enrollado, con encanto, que cae bien a los chicos, y posteriormente, cuando se conocen también, a Jules. Pero despierta la desconfianza de Nic, que ha trabajado duro por construir esta familia, y que percibe que la presencia del hombre puede desestabilizarla. Pronto los hechos le darán la razón.

Producción y realización

Estamos ante un filme realizado con medios sencillos, con aire de cine independiente, y que es rodado con razonable competencia técnica, al servicio de una historia relativamente sencilla, y sobretodo al servicio de unos actores que son la fuerza y la columna vertebral de esta producción.

Interpretación

Es la base en la que se fundamenta esta película. Y realmente, hay que decir que los cinco actores y actrices mencionados están bien, aunque los papeles de los dos adolescentes es menos vistoso, si bien competentemente desempeñados. Bening está realmente bien, aunque curiosamente tiene menor presencia en pantalla que su compañera. Su papel de mujer más seria y con más introspección exige más tensión que el de Moore, pero el de esta última está también excelentemente interpretado. Son dos buenísimas actrices que dan seguridad a cualquier producción en la que participen. Sin embargo, me da la impresión que, salvo por los caprichos o posibles deudas históricas que puedan tener los académicos de Hollywood con Bening, hay otras candidatas más firmes al premio. También cumple dignamente Mark Ruffalo que compone a la perfección ese papel de despreocupado hombre, de vida tranquila, y que de repente siente que le cae como un regalo una familia casi perfecta, sin mayor esfuerzo.

Conclusiones

Un película fácil y agradable de ver, que nos gustará mucho por la interpretación de su elenco, pero que para mí tiene un punto débil notable. Y es que su final es muy convencional, con poca garra, con poco dramatismo, no ajustado a las experiencias que han sufrido los personajes. Tras ir navegando durante todo el filme con una propuesta interesante, al final se me queda la sensación de que todo no ha sido más que un telefilme al uso con un reparto de lujo. También me empalaga mucho el exceso de buenrollismo que intenta desprender el filme. Agricultura ecológica, apoyo de lo local, coches híbridos, chicos estudiosos y sensatos, familia muy dialogante,… todo es «casi» perfecto. Si no fuera por el «pequeño» desliz de uno de sus componentes. Creo que la gente es un poco menos perfecta para resultar real.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Recomendación musical

Ya que Annette Bening nos ofrece durante el filme una breve interpretación a capella del All I Want de Joni Mitchell, pondremos esta canción como recomendación de hoy, aunque no es una cantante que me diga demasiado.

La jardinería, las plantas, forman parte del entorno del filme; como estás primeras hojas verdes que salen a final del invierno a orillas del Canal Imperial de Aragón - Canon EOS 5D Mk.II, Tokina AT-X Pro 12-24/4

[CineTren] Las zapatillas rojas

Cine, Trenes

Cuando vi recientemente la película de Aronofsky, Black Swan, comprobé en las crísticas que pude leer por ahí que había cierto consenso en situar como antecedentes o influencias de esta película dos filmes muy distintos. Uno de ellos es Repulsión de Polanski, en el que el elemento fundamental es la obsesión de la protagonista. El otro, es esta película que nos ocupa hoy, sobre la creación de una nueva estrella en el mundo del ballet con un final trágico. Decidí revisar ambos filmes. Lo que no esperaba al ver la película de Powell yPressburger es que acabara en mi colección del ferrocarril en la historia del cine. Pero así es, y así os lo voy a contar.

Y lo podéis encontrar a través de mi sección dedicada al ferrocarril en la historia del cine, o directamente en su reseña.

Detalle de uno de los coches Wagon-Lits de la Asociación Zaragozana de Amigos del Ferrocarril y el Tranvía, hace uno años en la estación de Tudela (Navarra) - Canon EOS 40D, EF 24-105/4L IS USM

[Cine] Black Swan (2010)

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

.

Black Swan (2010), 20 de febrero de 2011

(Esta película ha sido vista en versión original y, por lo tanto, se presenta bajo su título original; en España se ha estrenado también en versión doblada bajo el título de Cisne negro)

Con el gran número de alabanzas que había recibido previamente la interpretación de su actriz protagonista, Natalie Portman,… Si tenemos en cuenta que su director, Darren Aronofsky, es realmente un realizador muy personal y arriesgado,… Échale el morbo de los comentarios por ahí sobre escenas de amor lésbico entre la protagonista y su “contrincante” en la pantalla, la guapa Mila Kunis,… Suma unas cuantas críticas positivas a la buena factura del filme en general,… Pues había que ver esta película, y cuanto antes.

Pero comentar este filme no es sencillo. Ya lo veréis.

Sinopsis

Nina Sayers (Portman) es una de las bailarinas solistas de una importante compañía de ballet en Nueva York. Vive con su madre (Barbara Hersey), soltera, que en su juventud fue a su vez bailarina de ballet clásico, aunque no llegó a pasar del cuerpo general de bailarinas. Vive obsesionada con la idea de que su hija alcance las cotas de éxito y prestigio que ella no consiguió.

Con motivo de una nueva puesta en escena del Lago de los Cisnes por parte del prestigioso y exigente coreógrafo del ballet (Vincent Cassel), se anuncia que la bailarina principal (Winona Ryder) se retira, y que entre las solistas se escogerá una nueva bailarina principal. Nina, obsesionada siempre con la perfección técnica, aspira al puesto; pero se ve amenazada por la recién llegada Lily (Kunis), mucho menos perfecta en su técnica, pero con mucha más garra y temperamento para las escenas del ballet de Chaikovski en las que la bailarina principal debe interpretar a Odile, el cisne negro.

Tras confirmar a Nina como la nueva bailarina principal comenzará un duro proceso de adaptación a las nuevas responsabilidades, en el que no desaparecerán las presiones que siente de su entorno, fundamentalmente del coreógrafo y de la madre, ni los miedos a ser desplazada por Lily.

Un cisne descansa al sol en St James's Park, Londres, Inglaterra - Canon Digital Ixus 400

Producción y realización

Todo el filme está puesto al servicio del personaje de Nina. De sus sentimientos, de sus obsesiones, de sus miedos, de la forma en que su mente van condicionando sus actos y sus percepciones. Formalmente, ésta es una película de miedo. Con la salvedad de que quien acecha a la protagonista no es un agente externo. No es un espíritu; ni un sociópata. Es ella misma, con sus inseguridades y sus percepciones distorsionadas. Conseguir reflejar esto en pantalla es realmente difícil. Y en este caso, Aronofsky lo consigue. Sin duda.

Hay un esfuerzo notable de producción en este filme, para que el director pueda mostrar en pantalla el complejo proceso que se da en el personaje principal. Por lo tanto, la evolución es progresiva. Desde la progresiva información que vamos obteniendo al principio de la película que nos permite entender que pasa después, hasta el dinámico último tercio de la película en el que la situación se resuelve, y Nina, de una forma u otra, que no puedo contar aquí, se libera y llega a su objetivo. He de decir que ese último tercio de película, en el que se intercalan las vivencias de la protagonista con las magníficas escenas del ballet en su estreno es de lo mejor que he visto en mucho tiempo. Un conjunto de escenas que precisan de una planificación metódica y precisa, para transmitir fundamentalmente sentimientos. Una iluminación espléndida, unos movimientos de cámara perfectos, un diseño de vestuario impecable, una dirección artística, en resumen, de primer orden al servicio de las claras ideas del realizador del filme.

Cisnes y gaviotas en el puerto de Galway, Irlanda - Canon Powershot G6

Interpretación

Aquí vamos a uno de los puntos fuertes de la película. Y es que cuando todo gira alrededor de un personaje, es imprescindible que el intérprete de ese personaje esté en estado de gracia para que la cosa funcione. Y Natalie Portman da la talla sobradamente. En un personaje que lo mismo te cae bien, cuando simpatizas con sus tensiones y sus agobios, o te cae de pena, porque puedes pensar que no deja de ser una estirada perfeccionista a la que han metido un palo por el… ejem,… el caso es que no deja de mostrar con convicción las complejidades de la personalidad de Nina. Esto se ve acompañado por el evidente esfuerzo de adaptación de su físico al personaje. Portman está mucho más delgada de lo habitual, casi huesuda, con el fin de adaptarse a las exigencias físicas que se le suponen al personaje. Es muy difícil el reto, y sale más que airosa, y es normal que sea una de las favoritas a un “eunuco dorado”.

Respecto al resto del reparto, me gusta mucho como lo hace Barbara Hershey en su complejo papel de madre obsesionada. Está bastante bien Mila Kunis en un papel que se adapta muy bien a su físico y características. No acabo de encontrarme a gusto con la forma en que compone el personaje el francés Cassel, de quien esperaba algo más. El papel de Winona Ryder es reducido… pero de lo mejor que le he visto a una actriz que no es santo de mi devoción.

Acariciando los cisnes en Caernarfon, País de Gales - Canon EOS D60, EF 28-135/3,5-5,6 IS USM

Conclusión

Es esta una película muy compleja, lo mires como lo mires. Tan compleja como el personaje protagonista. Hay muchos elementos bajo los que juzgar las propuestas de este filme.

Por un lado, está el tono de la película. Como ya he comentado, a mí, y no sólo a mí, me parece que es una película de miedo. Un personaje que es aterrorizado por sí misma en este caso, frente a los agentes externos más propios del género de terror. Pero también lo comparo en este tenor con la primera idea que se me vino a la cabeza cuando comprendí lo que estaba viendo. Estamos de alguna forma ante una nueva versión de Jeckyll y Hyde. Y quizá desvelo demasiado al decir esto.

Por otra parte, está la diversidad de temas:

El perfeccionismo técnico frente a la libertad creadora del auténtico artista.
La represión sexual implícita constántemente por parte del entorno creado por la madre alrededor de la artista (una habitación infantil, con sus peluches; la falta de naturalidad a la hora de hablar de la pasión sexual; otros muchos detalles). Represión favorecida por la madre, que perdió su carrera por un desliz.
El conflicto con la comida y con el físico. Ya he comentado la transformación física de la actriz para realizar el papel. Transformación, delgadez, que es puesta de manifiesto por los planos de la actriz en ropa interior. No se hace referencia explícita a lo que come o deja de comer, pero el vómito como solución para liberar tensiones. El fantasma de la anorexia subyace.
El miedo al otro, probablemente como síntesis de todo lo anterior. Un miedo que alcanza dimensiones paranoides. El miedo a lo que dicen de ella. A cómo la miran. A cómo juzgan lo que está haciendo.

Es por lo tanto una película muy compleja, como he comenzado diciendo en esta conclusión. Y si he explicado todo esto es para resaltar el mérito de que todo ha encajado casi a la perfección en un filme en el que sólo puedo destacar como negativo el hecho de que a mí, me costó entrar en él. Pero una vez entré, realmente me encantó.

Calificación

Dirección: *****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

Recomendación musical

Evidentemente, no estará de más escuchar alguna buena versión del Lago de los Cisnes de Chaikovsky. Pero tampoco está mal la propia banda sonora del filme, basada en la música del compositor ruso.

El cisne amenazado de Jan Asselijn en el Rijksmuseum de Amsterdam - iPhone

[Cine] Winter’s Bone (2010)

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian integramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

Winter’s Bone (2010), 18 de febrero de 2011

Mucho he oído comentar de esta película estas semanas atrás. Y todo muy positivo. Además, la actriz protagonista, la joven Jennifer Lawrence, me impresionó hace un tiempo en un papel intensamente dramático, en el que por su parecido físico, hacía el mismo personaje que Charlize Theron pero en su adolescencia. Así que con estos antecedentes, y puesto que hemos tenido la suerte de que se puede ver en versión original, cosa fundamental como comentaré después, este viernes pasado por la noche vimos este filme dirigido por Debra Granik.

Sinopsis

Ree Dolly (Jennifer Lawrence) es una adolescente de 17 años que vive en un estado de pobreza, cuidando de sus dos hermanos menores y de su madre enferma mental, en una comarca de las Ozark en el medio oeste americano. En un momento dado, se entera de que su padre, metido en los negocios de la droga de la región y pendiente de juicio, ha puesto como garantía de su fianza la casa y las tierras donde viven. Nadie sabe donde está. Si no se presenta a juicio, la familia lo perderá todo y se quedará en la calle. De este modo, Ree comienza a recorrer la comarca buscándolo. Pronto se dará cuenta de que un secreto cubre el paradero de su padre, probablemente muerto, y que hay un muro de silencio. Sólo recibirá cierto apoyo de Gail (Lauren Sweetser), ~~su hermana mayor ya casada e independizada~~ (parece que es una prima, la primera vez que la vi había mucho ruido ambiental y perdí detalles) y de Teardrop (John Hawkes), el hermano de su padre. En un momento dado, la violencia y el riesgo de perder la vida se cernirán sobre ella.

Producción y realización

Realizada con un presupuesto muy modesto, la película está perfectamente ambientada en localizaciones naturales. Una localizaciones muy bien fotografiadas, que mezclan la belleza del paisaje de montes suaves, cubiertos de bosques pelados por el invierno, con la fealdad del entorno social en el que se desenvuelven todos los personajes.

El guion, que sigue en todo momento las peripecias de la protagonista, va ascendiendo en intensidad hacia los momentos de violencia, probable o real, que se producen en los distintos puntos clave del filme, manteniendo el interés en todo momento del espectador. La directora nunca se recrea con la violencia, que sabemos que está ahí, que vemos sus consecuencias, pero que nunca nos es mostrada de forma explícita. Y todo nos lleva al momento clave de la película, cuando la chica consigue su objetivo, un momento que nos sobrecoge, que nos horroriza, pero que está filmado con una elegancia espléndida.

Interpretación

La interpretación de Jennifer Lawrence no es que sea meritoria. Es que es de lo mejor que he visto en los últimos tiempos en general, y de lo mejor que he visto en una actriz joven de su edad en lo que yo conozco del cine. Sobria, intensa. Nos dice mucho con la mirada o con la expresión, si necesidad de palabras. Algo que habitualmente aprecias en intérpretes mucho más maduros. El conjunto de secundarios, que por ser muchos no voy a detallar, colaboran necesariamente en un elenco interpretativo de cara muy poco conocidas, pero que componen ese conjunto de hillbillies montañeses a la perfección. Como decía, es absolutamente necesaria la versión original en este tipo de películas, porque la expresión verbal conlleva unos acentos y unas expresiones que se pierden por completo en la traducción. Entre todos ellos, hay cierto consenso del que yo no me saldré en destacar a John Hawkes.

Conclusión

La película es candidata a cuatro óscars, entre ellos dos de interpretación. Por lo que he visto hasta ahora, no sólo son merecidas las candidaturas, sino que también serían unos justos ganadores (mejor película, mejor interpretación femenina protagonista, mejor interpretación masculina de reparto, mejor guion adaptado). Es poco probable que se lleve estos premios; supondría dejar de lado a otros candidatos con más nombre y más tirón comercial. Y al fin y al cabo estos premios son principalmente comerciales. Y también hubiera merecido alguna otra candidatura más (dirección, cinematografía, dirección artística,…). Una excelente película, que quizá pase desapercibida para mucha gente por no ser el tipo de película comercial y de fácil digestión al uso de los gustos actuales, pero a mí es la que más me ha tocado la fibra tanto cinematográfica como personal. (Actualización: 5 de marzo de 2011) La única a la que tras una segunda visión, también en versión original y con mejores condiciones ambientales, me induce a darle cinco estrellas en los últimos tiempos.

Calificación

Dirección: ****
Interpretación: *****
Valoración subjetiva: *****

Recomendación musical

La banda sonora de tono country es absolutamente recomendable. Especialmente si te gusta este tipo de música. En Spotify, sólo está el tema principal. Pero hay muchos otros temas y canciones merecedores de nuestra atención.

Montes, bosques, el frío del invierno o finales del otoño... pero en las Ozark y no en los Pirineos, como la imagen que os present hoy, en los alrededores de Villanúa (Huesca) - Panasonic Lumix GF1, Leica DG Macro-Elmarit 45/2,8

[Cine] True Grit (2010… y 1969)

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian integramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

True Grit (2010), 13 de febrero de 2011; True Grit (1969), 14 de febrero de 2011 (en vídeo)

Sí, hoy toca un dos en uno. Porque tras ver la última película de los hermanos Coen, Joel y Ethan, este domingo pasado, decidí que antes de comentarla quería ver también la primera adaptación cinematográfica de la novela de Charles Portis, dirigida por Henry Hathaway en 1969. Lo cual ha sido una experiencia curiosa. Así que comentaré ambas películas en paralelo. Conviene decir que he puesto el título en su idioma original, puesto que he visto las versiones originales subtituladas en ambos casos. Y que también en ambos casos, el título en castellano que se dio a las películas es Valor de ley, un título aproximativo, pero que pierde algo del significado de ese genuinos arrojo, agallas o derterminación a las que se refiere el título original.

Sinopsis

Antes de redactar la sinopsis, que es coincidente para los dos filmes, haré un cuadro con los personajes principales y sus intérpretes en ambas versiones:

Personaje	1969	2010
Rooster Cogburn	John Wayne	Jeff Bridges
Mattie Ross	Kim Darby	Heilee Steinfeld
LaBoeuf	Glen Campbell	Matt Damon
Tom Chaney	Jeff Corey	Josh Brolin
Ned Pepper	Robert Duvall	Barry Pepper

En el último cuarto del siglo XIX, algunos años después del final de la guerra civil americana, todavía no se ha completado la conquista del oeste americano. Y mientras que unas ciertas formas de civilización van llegando, todavía abundan los pistoleros. Uno de estos, Tom Chaney, asesina al padre de Mattie Ross, una adolescente de 14 años que decide vengar la muerte de su progenitor, pero por la vía legal. Para ello, contrata un miembro del Cuerpo de Alguaciles de los Estados Unidos (U.S. Marshals), Rooster Cogburn, tuerto, cínico, bebedor y de gatillo fácil, pero que según todas las referencias tiene el auténtico coraje y determinación para llevar a cabo la persecución del criminal por territorio indio, donde se ha refugiado con la banda de «Lucky» Ned Pepper. A esta particular asociación entre el cínico alguacil y la peculiar adolescente, se une un ranger de Tejas, LaBoeuf, que busca al mismo malhechor por el asesinato de un senador en su estado de origen. Y aquí, comienza una aventura en la que averiguaremos quien tiene ese genuino coraje al que hace referencia el título, y en qué consiste este coraje.

Una de las escenas más características, y que muestra la fuerza de carácter de la protagonista del filme, es cuando cruza a con el caballo a nado un caudaloso río; en la imagen la desembocadura del Río Gállego en el Ebro, aguas abajo del casco urbano de Zaragoza - Canon EOS 5D Mk.II, EF 85/1,8 USM

Producción y realización

Aquí encontramos grandes diferencias entre los dos filmes. Si bien los dos guiones son coincidentes en gran medida en el transcurso de la acción y en los diálogos, que supongo extraídos tal cual de la novela original, el ritmo y el tono de la película es muy distinto. Esto también se ve apoyado en gran medida por el diferente aspecto visual de ambas producciones. Frente a los impresionantes paisajes de los parques nacionales de Colorado que sirvieron de escenario en la película más antigua, rodada en lo que debió ser primavera o verano, con todos los árboles muy verdes, con mucho sol, rodada a pleno día, con una iluminación más bien plana, mucho technicolor y con el recurso de la noche americana para las escenas nocturnas, la película actual tiene una fotografía muy cuidada, con tonos menos saturados, en un paisaje menos espectacular, en lo que podemos suponer que es el final del otoño y principios del invierno. Debemos decir que la fotografía de la película actual es candidata a un óscar, y que existen razonables expectativas de que se lo lleve.

El ritmo de la película, como he adelantado, es distinto. Los diálogos son más reposados, más reflexivos. La personalidad de los personajes varía. El Rooster de John Wayne era más pícaro, mientras que el de Bridges es más cínico. La Mattie que ejecutó Kim Darby era más vivaz, mientras que Steinfeld resulta más reflexiva. Se echa algo en falta el colmillo afilado y la mala baba que los Coen despliegan habitualmente. Sólo la apreciamos en algunas escenas aisladas.

La ambientación también es muy distinta. La concepción estética del mundo del lejano oeste ha variado mucho en estas cuatro décadas, y nos encontramos con un intento de mucho mayor realismo a la hora de pintar cómo sería el vestuario, o los alojamientos de las personas. Siempre siguiendo, supongo, las descripciones del libro, ya que a pesar de las diferencias estéticas, hay coincidencias notables entre los dos filmes.

Interpretación

Quizá este aspecto de la película tenga también mucho que rascar. Ya he mencionado en el apartado anterior las diferencias de carácter que aprecio entre los dos personajes principales. Pero también es importante considerar a los intérpretes que les dan vida. Probablemente, las diferencias entre el Duque y Jeff Bridges sean menores de lo que parece. A parte de esos matices que diferencian el carácter de ambos, sus interpretaciones tienen más cosas en común de lo que parece. Y ambas son notables. John Wayne se llevó su único óscar por este papel,… un óscar que suena a compensación por toda su carrera, vista la competencia que tuvo ese año que, en mi opinión, pudo haber hecho más méritos para el premio que el veterano vaquero. Pero indudablemente fue una interpretación meritoria. E igualmente meritoria es la composición del personaje que hace el siempre sólido Bridges, quien no es la primera vez que se luce con los hermanos Coen.

Donde si que hay grandes diferencias es en el otro papel. En el de la chica. Para empezar, en 1969 colocaron en el papel de una adolescente de 14 años a una actriz de 22, a la que aniñaron con el vestuario y el improbable corte de pelo, corto, que lucía durante todo el filme. Entendámonos, no es que Kim Darby lo hiciera mal; es que no acababa de dar el tipo. En mi opinión. Sin embargo, para la película actual se ha buscado a una actriz de 13 años, con un aspecto físico más creible, y con una interpretación mucho más sobria, y al mismo tiempo más auténtica. Aunque es candidata al óscar en la categoría de mejor actriz de reparto, es claramente coprotagonista del filme, mientras que el mismo personaje en 1969 estaba supeditado a la presencia de Wayne. Supongo que los estrategas de los premios habrán considerado que es más probable que le concedan el galardón por esta categoría más modesta que por actriz principal, donde la competencia es más feroz. Y dada su juventud… Pero es su punto de vista el que está presente durante todo el filme. Son sus ojos los que viven las situaciones, y es ella, en el futuro, quien nos cuenta lo que pasó. Y lo hace muy bien. Tras su aspecto frágil, con sus trenzas y su cara de susto en ocasiones, sabe componer el personaje con el genuino arrojo y la genuina determinación de la que nos habla el título original del filme.

En el resto de los papeles, decir que todos cumplen, y que en particular, es agradable ver a Matt Damon con un registro muy diferente a los que nos tiene acostumbrados.

Como curiosidad, Dennis Hopper hace un pequeño papel en la película de 1969.

Conclusión

Hay que decir que ambas películas son muy entretenidas y están bien. Creo que la actual de los hermanos Coen es superior. O al menos, el lenguaje cinematográfico que utilizan me resulta más familiar, más cercano y más atractivo que el de Hathaway. Creo que también es muy superior técnicamente, así como en las interpretaciones. Pero ambas merecen la pena el desvío. Ambas son recomendables. Especialmente si te gustan los westerns, pero también si no son tu género favorito. En este segundo caso, seguro que prefieres la segunda. La primera tiene más tono de western tradicional, al uso de la época dorada de este género.

Calificación

La calificación corresponde exclusivamente a la película que he visto en pantalla grande, la de 2010:

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

Recomendación musical

La versión de 1969 optó al óscar a la mejor canción cantada por uno de los actores, Glen Campbell, aunque perdió contra una de las más célebres de la historia del cine, Raindrops Keep Fallin’ On My Head, de Dos hombres y un destino. Que era mucha canción, y muy recomendable en sí misma. La banda sonora de la versión actual no está mal, basada en el himno religioso Leaning On The Everlasting Arms, que es apropiado al carácter y mentalidad de la chica, y acompaña muy bien a la película; pero no deja de ser música incidental de buena calidad. Quizá, entre las bandas sonoras de las películas de los Coen me atreva a recomendar la de O Brother, Where Art Thou?, que si no optó a los óscar, sí que se llevó un grammy. Lamentablemente, en Spotify sólo se pueden escuchar tres temas de esta banda sonora.

En las áridas tierras de Arkansas y Oklahoma, donde se produce la acción de la película, son frecuentes los sotos en las riberas de los ríos, al igual que en el valle del Ebro, como en esta vista del soto de Cantalobos en Zaragoza; allí les llaman "bosque" utilizando la palabra española dentro del idioma inglés, y este paisaje aparece en el filme - Canon EOS 5D Mk.II, EF 50/1,8

[Cine] RED (2010)

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian integramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

RED (2010), 11 de febrero de 2011

Día poco habitual para mí para ir al cine, el viernes por la noche. Pero mira, surgió la oportunidad, y antes que quedarse en casa. Eso sí. Iba avisado de antemano. Tenía que ser algo ligero, para divertirse, palomitero. Y me dejaron elegir, y elegí esta película de acción que, cuando menos, destaca por su prestigioso reparto. Sonaba a viejas glorias reunidas para divertirse y, de paso, ganar unos buenos dineritos. En fin, veamos lo que da de sí este filme dirigido por Robert Schwentke, director inédito para mí.

Sinopsis

A principio del filme encontramos a Frank Moses (Bruce Willis), un funcionario del estado retirado, que mantiene una curiosa relación telefónica con una funcionaria (Mary-Louise Parker) de la oficina de la seguridad social que le paga la pensión. De repente se encuentra conque intentan matarlo en casa unos desconocidos, lo que le lleva a una huida por el país que le lleva a visitar a la chica, y a un viejo amigo también retirado (Morgan Freeman). Conoceremos que son agentes retirados de la C.I.A., y que hay algún tipo de complot para asesinar a una serie de gente relacionada con una masacre en Guatemala bastantes años antes. Pronto se sumarán a la partida otro agente retirado (John Malkovich), cuya cordura es cuando menos dudosa, y una elegante asesina a sueldo que colaboró en el pasado con ellos (Helen Mirren). Y entre todos, tendrán que desenmascarar el complot.

Producción y realización

Bueno. Nadie pretende que se haga cine de autor con estos mimbres. La habitual competencia técnica, efectos especiales acostumbrados con alguna persecución, algún tiroteo y alguna explosión, que no sean tan espectaculares como para ensombrecer a los actores, y un guion apañadito al uso de este tipo de producciones. Un comienzo con tiros, un poco de desarrollo explicativo, más tiros y explosiones que ponen a prueba a los protagonistas, deliberaciones para el plan final, y la apoteosis final, con alguna sorpresilla, aunque no muchas. Lo dicho. Nada que sorprenda. Y nada que moleste.

Interpretación

La gracia de este tipo de filmes es ver a una buena cantidad de ilustres entretenidos en una película de aventuras. A los mencionados, hay que añadir a Ernest Borgnine en un par de breves apariciones, sí todavía está ahí, y a Richard Dreyfuss, como uno de los malos. En general, cumplen con lo que se espera de ellos. Mis única objeciones son que Willis aparece demasiado, que Parker podría haber dado más de sí, está muy de florero, que Mirren merece más minutos por presencia, elegancia y saber hacer, y que Dreyfuss podría haber introducido más humor y disparate. Tengo muy presente todavía su participación con Parker en Weeds, donde nos divirtió bastante.

Conclusión

Pues nada. Lo esperado. Un producto que no tiene nada de especial, pero que cumple con lo que promete. Entretenimiento, y la posibilidad de ver a una serie de ilustres de la gran pantalla, divirtiéndose en papeles de acción. Pero tampoco creo que pase a la historia del cine por nada en especial, la verdad. Claro que, como entretenimiento, mejor que otras películas de acción con actores antipáticos, exceso de efectos especiales, y guiones que ni siquiera llegan a los mínimos clásicos que tiene la película que nos ocupa hoy.

Calificación

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Música recomendada

He estado escuchando un podcast de A todo jazz dedicado a un trombonista que le daba al bebop. Impresionado me he quedado. Su nombre Jay Jay Johnson.

Un paseo en la ribera del Ebro bajo los puentes en Zaragoza - Pentax K-x, SMC-DA 70/2,4 Limited

[Cine] The Fighter

Cine

Nota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian integramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.

The Fighter (2010), 7 de febrero de 2011

En una semana de bonanza cinematográfica más aparente que real, lo digo por los dos estrenos seguidos que comento, más que por la calidad de las películas o por las circunstancias en su visualización, nos encontramos esta vez con un género que no me hace mucha gracia. El de las biografías de boxeadores que se superan a sí mismos. Pero las buenas críticas de la película de David O. Russell y un reparto relativamente interesante me llevaron a ver esta película, más teniendo en cuenta que la cartelera y mis circunstancias personales no estaban para tirar cohetes.

Sinopsis

Estamos ante la biografía profesional del boxeador «Irish» Micky Ward, que es llevada a la pantalla con más o menos fidelidad. Me da la impresión que se toman unas cuantas libertades en lo de la ‘fidelidad’ a la historia real, por lo que he podido leer, pero bueno. Más o menos fue así. Tal y como cuenta el filme, el boxeador interpretado por Mark Wahlberg estaba en un momento bajo de su carrera en el momento en que el argumento lo coge. Representado por su madre (Melissa Leo) y entrenado por su hermano (Christian Bale), un aspirante a gloria del boxeo que cayó en la adicción al crack, las cosas tocan fondo ante una serie de malas elecciones en los combates y ante los problemas con la ley de su hermano. Sin embargo, con la ayuda de su novia (Amy Adams) y de algunos otros que confían en él, se repone, y volverá a brillar en los cuadrilateros.

Producción y realización

Con un guion correctamente planteado, aunque no tiene nada de especial, que recorre con competencia los caminos ya conocidos de los filmes de superación (presentación de personajes, hundimiento en la miseria, estímulo rescatador y rehabilitación y triunfo final), he de reconocer que la película está bastante bien hecha. Muy bien ambientada en algún barrio obrero de una ciudad de Nueva Inglaterra, con una producción sobria pero eficaz, con tonos grises y apagados, nos lleva puntualmente al ambiente colorido y espectacular de los combates de boxeo que son filmados con credibilidad y poderío. Una buena realización que hace que una historia propia de un telefilme al uso, se convierta en una película de cierto nivel.

Interpretación

En una película de este tipo, el trabajo de los actores es fundamental para obtener un buen resultado. En principio, con Wahlberg me pasa un poco como con Matt Damon, actor con el que además comparte un físico muy similar. Me resultan un poco inexpresivos. Cuando el papel se adapta a esta inexpresividad, la cosa funciona, y en principio esto sucede en esta película. Si no,… es otra cosa. El resto de los intérpretes están bastante bien, y cumplen sin problemas.

Conclusión

Si te gustan las películas de boxeadores, esta es tu película. Si te gustan las historias de superación personal, tan del gusto de los norteamericanos, también te interesará. Si no, simplemente tendrás una película muy correcta, que se deja ver sin problemas, pero que no encuentro motivos para que esté tan valorada como he leído por ahí. Claro. Que últimamente cada vez se aplica más aquello de que en el país de los ciegos… el tuerto, rey. Entendámonos. Que no es mala ni mediocre. Es que a mí, las de boxeadores… o el boxeo en sí mismo… pues que no simpatizo con la cuestión.

Calificación

Dirección: ****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Recomendación musical

Radio Clásica de Radio Nacional ha habilitado un podcast, Jazz Internacional, con conciertos de jazz que se celebran por Europa y que retransmite la UER (Unión Europea de Radiodifusión). Muchos se pueden escuchar también en el programa Jazz porque sí. Pero está muy bien que los agrupen de forma específica. Mucho más cómodo para localizarlos y escucharlos.

Por si no os habíais dado cuenta, el fin de semana pasado paseé en varias ocasiones con la cámara a orillas del Ebro; y creo que para bien - Pentax K-x, SMC-DA 70/2,4 Limited