Cine

[Cine] Lady Macbeth (2016)

Cine

Lady Macbeth (2016; 202017-3004)

A pesar de lo que se pueda pensar por el título, esta película no está directamente inspirada por la cruel Lady Macbeth del drama de Shakespeare. Sí indirectamente, ya que la película es una adaptación del relato de Nikolái Leskov titulada «Lady Macbeth del oblast the Mtsensk», en la que el personaje principal estaría inspirado por la falta de escrúpulos de la noble escocesa teatral.

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Unos paisajes escocesas, curiosamente en la misma capital Edimburgo, nos servirán para recrear hasta cierto punto el ambiente de algún lugar del norte de Inglaterra, que parece lo más propio para un drama así.

Dirigida por William Oldroyd, es su ópera prima como largometraje, nos cuenta por lo tanto la historia de Katherine (Florence Pugh), una joven, prácticamente una adolescente, que es casada con un hombre mucho mayor que él, Alexander (Paul Hilton), y con cuya familia, al frente de la cual está un tirano padre, Boris (Christopher Fairbank), va a vivir en un ambiente rancio. Sintiéndose olvidada e infeliz, buscará el consuelo en Sebastian (Cosmo Jarvis), uno de los caballerizos. Y ahí se liará todo.

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Con una ambientación que nos recuerda a las adaptaciones de los dramones de las Brontë, en un principio la cosa nos parece prima hermana de Wuthering Heights (Cumbres borrascosas), pronto la trama nos llevará a un ambiente enfermizo de traiciones y falta de escrúpulos a la hora de resolver los problemas, con una violencia basal, a veces sólo sospechada, otras manifiesta, que afecta de un modo u otro a todos los personajes del drama. Una dura crítica al puritanismo y conservadurismo de las clases pudientes del siglo XIX. Ni que decir tiene que, como es habitual en los dramas de época ingleses, la ambientación es perfecta. Tienen mucho oficio para esto.

Todo ello apoyado en una muy buenas interpretaciones, especialmente aunque no únicamente la de la joven Pugh, que lleva a cuestas buena parte de la película. Interpretaciones sobrias, de diálogos secos y mucha intensidad en las miradas.

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A pesar de su apariencia de drama de época convencional estilo Brontë, estamos ante una producción que es difícilmente clasificable por la dureza intrínseca de la historia, por la falta de escrúpulos de los que en ella actúan, por el alejamiento de cualquier sentido de la ética en las relaciones humanas, que es lo que acerca esta obra a su referente shakesperiano.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine] Guardianes de la galaxia Vol. 2 (2017)

Cine

Guardianes de la galaxia Vol. 2 (Guardians of the Galaxy, 2017; 202017-3004)

Sinceramente no perderé mucho tiempo comentando esta película, que incomprensiblemente tantos comentarios y tantos artículos provoca entre los medios de internet dedicados al cine, y que cuando se cuelgan de productos como este me hacen dudar de quien son esta gente. Tampoco le daremos muchas vueltas a la opinión del público votante en IMDb, porque hace tiempo que veo en ese apartado cosas absolutamente incomprensibles.

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Cuando íbamos a bajar al cine, mi sobrino Diego me pidió si podía llevar una cámara para hacer fotos; hizo las que el quiso. Y tal cual las pongo aquí. Están hechas por él. Incluso el retrato de su tío que yo no le pedí, que decidió que me quería hacer  mientras esperábamos al autobús.

Es cierto que la primera película que dedicaron a estos personajes de las historietas de Marvel me pareció bastante entretenida y mucho más digna que las típicas de superhéroes vestidos con pijamas de colores. En esta ocasión, repetían equipo con James Gunn como director y Chris Pratt, Zoe Saldana y compañía como «héroes» de la aventura, más algún nombre de cierto prestigio como Kurt Russell, y otros que para mí no tienen tanto prestigio como Sylvester Stallone, entre los personajes ad hoc para la aventura. Como el domingo por la mañana lo iba a pasar con mi sobrino, pregunté a mi hermana que le parecía que lo llevase a ver la película, y me dijeron que habían la primera y que bien. Así que nos pillamos entradas en una sesión matinal, y allí fuimos.

No voy a decir más que mi sobrino, que con ocho años se comporta muy bien en el cine, me preguntó hasta en cinco ocasiones si faltaba mucho para que terminase la película. Y la  primera fue antes de la primera hora de metraje. Diego se chupaba con cuatro años algo tan complejo como El viaje de Chihiro sin rechistar. Si una película que se supone que va de aventuras acompañada de humor provoca esa reacción es que solo puede ser una cosa. Lo que es; un tostón de mucho cuidado, donde sólo se salvan algunas escenas de acción y algún diálogo, pocos, con cierto humor. Por lo demás, el resto de los diálogos son un rollo absoluto, y el desenfreno de acción final, habitual de este tipo de películas, tiene más de pirotecnia masiva que de otra cosa.

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El argumento es lo de menos. Cualquier excusa vale para llevar a unos tipos más o menos mal encarados de una lado a otro de una galaxia de ficción. Y las interpretaciones van entre lo pasable y lo aburrido, pasando por lo indiferente (¿qué narices hace Zoe Saldana en un papel que es evidente que le importa un rábano?) Sí ya sé, hay que engordar la hucha. No sé qué narices hace Karen Gillan en este tipo de cosas, aparte de ganar dinero, cuando durante un tiempo fue el alma, inolvidable Amelia Pond, de Doctor Who.

Aburrida, sobrevalorada, ni la cuarta de irreverente o gamberra de lo que publicitan, yo no veo inconveniente en que la vea mi sobrino de ocho años, y desde luego escasamente atractiva. Aunque debe estar siendo un taquillazo y los zombis habituales de este tipos de película deben de estar acudiendo en masa y babeando a verla. A mi no me volverán a pillar.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: **

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[Cine/historieta] Ghost in the Shell

Cine, Literatura

Ghost in the Shell (2017; 182017-0904)

Hace ya más de dos semanas que vimos esta película, dirigida por Rupert Sanders, y realizada a la mayor gloria de su guapa y neumática, pero cada vez más mediocre, protagonista, Scarlett Johansson. Pero decidí que antes de comentar esta película iba a dar un repaso a su precedecesora de animación de hace más de 20 años, que ya vi hace un tiempo en televisión. Y sobretodo, a su fuente original, las historietas creadas por Masamune Shirow entre 1989 y 1990.

Las historietas originales, que son muy entretenidas, aunque queden desactualizadas por la evolución de la historia, ya no hay Unión Soviética que valga como posible adversario, son básicamente un conjunto de aventuras de espías cuyos protagonistas son los miembros de la sección 9, una grupo de contraespionaje que opera fuera de los cauces legales, y cuyos miembros son en parte humanos y en parte cíborgs, es decir, seres en parte humanos en parte cibernéticos. La protagonista es la mayor Motoko Kusanagi (Johansson en la película). Y aunque sus diversas historietas cuentan aventuras independientes, hay un elemento que las une y da continuidad, la historia del Titiritero. Esta es la parte en la que se han centrado en la películas.

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Como digo, en la película actual han sustituido Tokio y otras localizaciones japonesas por Hong Kong, que vemos en estas fotos. Supongo que la cada vez más frecuente presencia de dinero chino en las superproducciones de Hollywood tiene estos efectos.

Se ha comparado esta historia con Blade Runner, especialmente con el estreno de la reciente película, que copia descaradamente elementos de la película de Ridley Scott. Sin embargo, los temas son diferentes. Quizá para algunos muy sutilmente diferentes hasta el punto de no diferenciarlos. Pero yo creo que importantemente diferentes. El tema de profundidad de «Blade Runner» es la aparición de la singularidad tecnológica, una inteligencia artificial con comportamiento similar al de una persona pensante, con voluntad y con conciencia de su destino. Sin embargo, en «Ghost in the Shell» el tema es la evolución del ser humano hacia otro tipo de seres con la ayuda de la tecnología. En qué nos convertimos cuando un número suficiente de nuestro organismo es sustituido por la tecnología, e incluso nuestro cerebro y sus funciones son modificadas por medios cibernéticos. ¿Seguiríamos siendo humanos?

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De origen totalmente japonés las historietas originales, así como la película de animación, en la producción más reciente se nota la mano de los productores chinos. Los escenarios de la película son un Hong Kong modificado aunque todavía reconocible. Se han suscitado polémicas por el «blanqueo» de la película, es decir, la utilización de intérpretes o elementos de origen occidental, cuando en su origen, e incluso siguiendo la lógica de la película, deberían haber sido asiáticos. Empezando por su protagonista. Que no tiene cara de apellidarse Kusanagi. Sinceramente, estoy en contra de estas prácticas. De la misma forma que cuando la historia no implica especificidad racial o étnica o de género de ningún tipo, no pasa nada por cambiar los mismos, no siendo parte sustancial de la historia.

También resulta ridícula la cruzada «antipezón» en la que participa el filme. Si das a tu personaje un aspecto hipersexualizado, con unos pechos de tamaño notable, unas amplias caderas, un aspecto general sensual, a qué fin eliminas los pezones de sus pechos, que sí están en la historieta original. Y si te planteas que teniendo un cuerpo artificial los pezones son supérfluos, también lo serían los elementos anteriores, y bastaría un cuerpo de aspecto indefinido y asexualizado. Incoherente todo.

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Las historietas es realmente entretenidas y recomendables. Ya digo que en determinados aspectos han quedado desfasadas por la historia, pero no pasa nada grave. Entre lo ligero y la eventual reflexión filosófica, están bien para ir leyendo una aventura de vez en cuando. Sin embargo, la película, con muchas más ínfulas, mucho más seria en apariencia, queda como un mero ejercicio de poderío en el ámbito de los efectos visuales, resultando pobre en su argumento y en su reflexión. Aunque se deja ver como mera película de aventuras. Ya he insinuado que a estas alturas Johansson es una decepción. Una actriz prometedora en su momento, ha quedado como heroína de acción cuyas virtudes residen más en sus curvas que en su capacidad interpretativa. En fin, lo dicho, se deja ver, pero si no la ves no pasa nada.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine/Arte contemporáneo] Manifesto (2015)

Arte, Cine

Manifesto (2015; 202017-1404)

La película que voy a comentar hoy es distinta de las habituales. Dirigida por el alemán Julian Rosefeldt, esta obra cinematográfica entra más dentro del campo de las instalaciones audiovisuales en el ámbito del arte contemporáneo. Su obra, por sus características, tiende a contemplarse más en galerías de arte o en museos de arte moderno que en salas de cine convencionales. Sin embargo, esta que vamos a comentar hoy se puede considerar de pleno derecho como una obra cinematográfica, por las técnicas aplicadas, independientemente que esté totalmente inserta en lo que se considera cine de arte y ensayo. No experimental, como en algún lugar he leído, ya que las técnicas cinematográficas usadas para su realización son convencionales, aunque no lo sea su tema, contenido o forma de exhibición.

El ‘O’ Space en el que se proyectaba la instalación, terminó su exhibición el día siguiente a nuestra visita, se encuentra entre los edificios industriales del puerto de Aarhus que han sido o están siendo objeto de reconversión, integración a la ciudad, y recuperando para usos recreativos o culturales. En cualquier caso, la pequeña y discreta entrada, pasando a través de unos lavabos, no dejaba de ser curiosa.

La obra consta en realidad de 12 películas diferentes destinadas a ser proyectadas simultáneamente en el ámbito de una sala de exposiciones o galería de arte. Nosotros la vimos en el marco de la programación de la capitalidad cultural europea de Aarhus durante el año 2017. Se exhibía en el O Space de esta ciudad danesa de la región de Jutlandia Central.

En cada una de las películas, la actriz australiana Cate Blanchet representa un papel diferente, hasta 13 distintos, de ambos géneros, y en un momento dado recita un monólogo en el que se incluye alguno de los manifiestos seleccionados dentro del arte moderno o contemporáneo. Los papeles con sus respectivos manifiestos son los siguientes:

Hombre vagabundo – Situacionismo

Agente de bolsa – Futurismo

Trabajador de una planta de incineración de basura – Arquitectura

Científica – Suprematismo / Constructivismo

Oradora en un funeral – Dadaismo

Madre de ideas conservadoras – Pop Art

Punk tatuada – Estridentismo / Creacionismo

Profesional del entretenimiento corporativo / Planificadora de eventos – Vorticismo / Der Blaue Reiter / Expresionismo abstracto

Coreógrafa –  Fluxus / Merz / Performance

Titiritera – Surrealismo / Espacialismo

Locutora de informativos / Reportera – Arte conceptual / Minimalismo

Profesora – Cine (Dogma 95)

 

Por el tiempo del que disponíamos no voy a decir que viéramos los doce fragmentos en su totalidad, pero sí vimos al menos una parte de ellos, y más de la mitad integramente. Originalmente, en sus primeras concepciones, había hasta 60 manifiestos distintos de carácter cultural, artístico, social o político, que progresivamente fueron fundiendo o agrupando hasta dejar los doce fragmentos que interpretó Blanchett. El resultado es fascinante.

En primer lugar, por la versatilidad y presencia de la actriz, indudablemente una de las más importantes del momento actual, con una capacidad increíble para integrar en situaciones, ámbitos o diálogos fuera de contexto el contenido de los manifiestos que va recitando. Todos y cada uno de ellos es notable. El que probablemente nos llamó más la atención, quizá por su más declarada ausencia de contexto racional, fue el que en el papel de una maestra de niños de unos nueve o diez años, les recita el manifiesto de Dogma 95, para a continuación mandarles unos deberes de clase que va corrigiendo mientras pasea entre los pupitres. Si la interpretación de Blanchett es notable, la de los niños, que no se debían de coscar de nada de lo que les decía, casi lo era más todavía.

En segundo lugar por el efecto de reflexión que tiene al descontextualizar unos textos que en su momento o en su lugar aparecen como trascendentes o fundamentales, sesudos y profundos, pero que sacados de su momento histórico, y en el marco de un escenario cinematográfico muy reconocible con las ficciones que habitualmente presenciamos como espectadores consumidores, pierden buena parte de su sentido. Lo que lleva a la reflexión crítica que el autor quiere realizar sobre este tipo de documentos. Sin que con ello pierdan necesariamente todo su sentido original; no creo que sea ese su objetivo.

Obviamente, no voy a calificar como habitualmente esta obra. Aunque Cate Blanchett merezca una vez más un sobresaliente, mientras que el autor y director de la obra alcance un notable alto, como mínimo.

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[Cine] Kimi no Na wa [君の名は] (2016)

Cine

Kimi no Na wa [君の名は] (2016; 192017-1004)

Voy a pasar unos días al modo «sólo fotos». Y tenía varias cosas pendientes de comentar, algunas de las cuales tendrán que pasar a dentro de unos días. Una semana, más o menos. Entre ellas una película, que vi el fin de semana pasado, pero que me voy a saltar por comentar esta película de animación que vimos el lunes. Con la otra película irán comentarios de otras cosas, que no he terminado todavía.

Por el ambiente y los paisajes, la película que comento hoy me ha devuelto a los recuerdos de cuando fuimos de excursión a las proximidades del monte Fuji. El shinto, los lagos, los montes, la naturaleza, las pequeñas poblaciones, los trenes,…

Pero ahora vamos con el gran éxito que ha supuesto la última película de animación de Makoto Shinkai. Utilizo la convención occidental de colocar el nombre de pila delante del apellido en esta entrada a la hora de escribir los nombres japoneses. Hasta la fecha, que yo recuerde, había visto dos películas de animación de Shinkai. Y ambas me gustaron bastante. Ambas en vídeo o televisión. Ninguna de las dos justificaba el apelativo de largometraje. Más bien eran mediometrajes.

5 centímetros por segundo, de la que he leído también el cómic, te dejaba un sabor a película inacabada. Tenía una secuencia o conjunto de secuencias, la del viaje en tren bajo la nieve, que es una de las más desasosegantes y a la vez hermosas que he visto en el cine de animación. O en el cine en general. Pero lo dicho… esa sensación de que había algo más que contar,… que se acaba demasiado pronto… que falta una etapa en la vida de sus protagonistas que contar…

El jardín de las palabras es claramente un mediometraje, que también tenía elementos sobre las relaciones humanas que la hacían muy interesante.

Por lo tanto, aunque parece que Shinkai sea un recién llegado a la animación si hacemos caso a lo que se lee sobre esta película que fuera de Japón recibe el título en inglés de «Your Name», lo cierto es que llevaba ya un tiempo hablando de sus temas preferidos y desarrollando el estilo que ahora ha asombrado a mucha gente.

En esta película cuyo título es la última línea de diálogo de la película «Kimi no Na wa… (Tu nombre es…/Te llamas…)» nos cuenta la historia de dos adolescentes, Taki, un chico que vive en Tokio, y Mitsuha, una chica que vive en Itomori, un pueblecito de las montañas, que no se conocen, que cursan los últimos cursos de la educación secundaria y que de repente empiezan a tener la sensación de que en sueños (o quizá en la realidad), intercambian sus cuerpos, y cada uno vive en el cuerpo del otro. Todo eso hasta el día que Mitsuha se dirija a celebrar un festival tradicional en su pueblo, mientras un vistoso cometa destaca sobre el cielo nipón.

La película tiene tres actos y un epílogo. El primer acto es lo que he comentado como sinopsis del film. El segundo acto es el viaje de Taki en busca de Mitsuha cuando los intercambios se detienen. El contenido del tercer acto me lo callo para no destripar el argumento. Y en el epílogo seguimos por la ciudad a Taki, convertido ya en un graduado universitario en busca de su primer trabajo como arquitecto.

El tema de la película son la personas separadas, aun cuando deseen estar juntas. Es un tema que ya estaba presente claramente en las dos películas anteriores que he mencionado. Separadas por el espacio, por el entorno social, por la edad, por el tiempo, por el destino… Y al mismo tiempo, personas que parecen destinadas a estar juntas. Reconozco que por vivencias personales, el tema me ha interesado siempre, incluso si como sucede en esta ocasión, los personajes son adolescentes. Pero no nos engañemos. Frente a otros productos de animación de distintas nacionalidades que están claramente dirigidos al público más joven, los valores y los temas que encontramos en las películas de Shinkai me resultan universales, más maduros.

Dos son las grandes virtudes de la película de Shinkai. Por un lado, la creación y desarrollo de los personajes, tanto los dos protagonistas como los secundarios que los rodean. Casi desde el primer momento, desde las primeras imágenes que nos muestra de ellos, nos importan. Empatizamos con ellos. Queremos que la vida les vaya bien. Disfrutamos y sufrimos con ellos. No están estandarizados. Ninguno. Todos tienen sus matices.

La otra gran virtud es el virtuosismo en el dibujo. Lejos de los mundos fantásticos de otras películas de animación, aun con los elementos sobrenaturales que impregnan el film, nos encontramos en un Japón real. Con escenarios reales reproducidos con fidelidad y minuciosidad, con un detalle, un ambiente y un clima totalmente convincentes. Y eso para una técnica de dibujo plano, aunque lleno de profundidad, que parece mucho menos sofisticado que las demostraciones tecnológicas a las que nos acostumbran otras productoras de animación, especialmente norteamericanas. Y sin embargo, es de una modernidad y de una calidad técnica asombrosas.

Quizá las pegas que se le pueden poner al largometraje vienen del engarce entre los actos en que se divide. Cada uno de ellos tiene un tono distinto. La comedia, el drama con tonos de tragedia, la aventura de acción,… la melancolía esperanzada del epílogo. Cada uno de ellos disfrutables, pero no siempre con las mejores transiciones entre unos y otros. No estropea la película, pero quizá previene que se convierta en una obra maestra. Por su impacto en la taquilla, la he oído comparar con El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi),… y no. En primer lugar, porque sus temas y su planteamiento son muy distintos. En segundo lugar, porque esta última quizá sea una de las cumbres del cine de Hayao Miyazaki, una, hay varias, con quien se compara a Shinkai en los últimos tiempos. Y tampoco es eso. Son directores que comparten un medio de expresión, pero con personalidades y con cosas que contar distintas. Injusto para Shinkai, que tiene derecho a una trayectoria propia. Esta película de Shinkai es su primer gran éxito. Esperemos muchos más. La película es muy muy muy recomendable.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****

[Cine] Forushande (2016)

Cine

Forushande (2016; 172017-2603)

فروشنده

Asghar Farhadi es uno de los directores iraníes de moda. Mejor dicho… es uno de los directores de moda. De cualquier nacionalidad. En los últimos ocho años se ha llevado un par de eunucos dorados con dos películas que entran a indagar en las profundidades de las relaciones de pareja, en un país tan «oficialmente» conservador como es Irán. La primera nos pilló por sorpresa, tanto que yo tuve que ver la película a posteriori en vídeo. La segunda es la que traigo aquí. Entre medio ha hecho otras cosas que tampoco están nada mal, aunque sea casi imposible mantener el nivel de forma tan constante.

Uno de los temas secundarios que acarrea la película es el demencial urbanismo de la ciudad de Teherán. Mal que afecta en muchas partes del mundo, especialmente cuando la impunidad política de las dictaduras suele acarrear la corrupción en los negocios y en las políticas públicas. Nuestro país no se ha librado de estos males tampoco. Acompaño la entrada de una de esas actuaciones que intentan remediar el caos global, como fue la reconversión de buena parte de los terrenos del hospital psiquiátrico en parque y equipamientos públicos en el barrio de las Delicias de Zaragoza.

La película que nos ocupa hoy lleva como título en la versión doblada al castellano El viajante, aludiendo a la Muerte de un viajante de Arthur Miller, historia dentro de la historia en la película. Y nos habla de un matrimonio, los Etesami, Rana (Taraneh Alidoosti) y Emad (Shahab Hosseini), que trabajan en una compañía de teatro que prepara la representación de la mencionada obra de teatro. Emad es también profesor en un instituto. Durante unas obras en el solar contiguo a su vivienda, se producen daños en la misma y se ven obligados a abandonarla por seguridad. Provisionalmente se instalan en un apartamento, cuya anterior inquilina no ha recogido sus pertenencias. Y no da trazas de aparecer. Una noche, Rana, cuando se encuentra en el baño, abrirá la puerta de la calle a quien cree que es su marido. Pero no lo es, y sufrirá una brutal agresión. A partir de ahí, el matrimonio se tambaleará.

Quizá no sorprenda tanto como la película que llevó a su primer óscar a Farhadi, pero estamos ante una impresionante puesta en escena del análisis de cómo una relación de pareja, un matrimonio culto, bien considerado, que mantiene una relación modélica, envidiable, se va a ver puesto en la picota a propósito del incidente de la agresión. Dos personas que parece que caminan por el mismo sendero, tienen reacciones diferentes, y maduran de forma muy distinta ante los hechos que se suceden. No hay artificios en la película que está hecha con medios muy sencillos. Y quizá por ello, nada es superfluo en la misma. Todos los detalles de la misma, cualquier plano, cualquier mirada, cualquier palabra tiene que ver con lo que pasa o va a pasar. La economía de medios lleva a una eficiencia narrativa de primer orden. Sobre un guion muy claro, en el que Farhadi, que también lo firma, tiene muy claro qué quiere decir. Utilizando el drama de Miller como espejo, pero llevando adelante su propia historia y sus propios valores, Farhadi nos planteará muchas preguntas, pero sólo nos dará algunas respuestas, dejando grandes interrogantes al final, que no impiden un cierre fenomenal, en el que el espectador ha de convertirse en parte activa de la película.

La película se apoya en el trabajo absolutamente ejemplar de sus intérpretes, excelente pareja protagonista en la que tras la dominante presencia del varón tenemos la contenida y matizada interpretación de Alidoosti, una actriz de singular belleza, pero que sin embargo no es el arma que utiliza ni mucho menos para llevarse al huerto al espectador, haciendo de Rana el personaje ejemplar de la historia. Sin olvidarnos de Farid Sajjadi Hosseini, intérprete clave que no entrará en acción casi hasta el tercer acto de la película y que va a cerrar el trío de personajes que componen los dilemas morales que nos plantea el filme.

Película con muchas lecturas, con muchos temas detrás de los principales que ya he mencionado. Tras ellos siempre va la situación social y política de Irán aunque no haya críticas explícitas de carácter político. Pero va por ahí la situación de la mujer, su credibilidad social, el desolador urbanismo, la situación de la educación y la cultura,… La película va de menos a más, de un costumbrismo que puede impacientar al principio, a un final sobrecogedor, que dejará muy pensativo al espectador sensible. Totalmente recomendable.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: *****
  • Valoración subjetiva: ****

[Libro] Filmish: Un viaje gráfico por el cine

Cine, Literatura

Decir que es la primera vez que leo un libro de ensayo en formato de cómic sería exagerar. Al fin y al cabo, tuve la oportunidad de leer un par de libros el año pasado del italiano Igort, uno sobre sus experiencias en Japón y otro sobre la situación política en Rusia que pueden situarse sin duda en esta variedad. Pero en ambos casos no dejaba de estar presente una dramatización de los hechos que contaba. Pero lo que he leído en esta ocasión, firmado por el británico, escocés por más señas, Edward Ross es claramente un ensayo (traducción de Carlos Mayor; publicado por Reservoir Books), no hay dramatización que valga en sus viñetas. Es la exposición sistemática, ordenada y razonada de una serie de tesis sobre la evolución del séptimo arte, el cine, a lo largo de su historia, acompañada y complementada por viñetas que refuerzan gráficamente las ideas que expone su autor.

La lectura de cualquier libro, la visualización de cualquier película no deja de ser un viaje que emprendemos, y que no necesariamente termina al llegar a la palabra «Fin». Así que acompañaré esta entrada de las fotografías de viajes que están apareciendo últimamente en mi Tumblr (enlaces al final). Como la Costa del Granito Rosa en la Bretaña francesa (encabezad), o los «colleges» de la universidad de Cambridge, en el Reino Unido.

El libro se estructura en siete capítulos temáticos:

  • El ojo.
  • El cuerpo.
  • Los decorados y la arquitectura.
  • El tiempo.
  • La voz y el lenguaje.
  • El poder y la ideología.
  • La tecnología y la tecnofobia.

Cuando cogí el libro por primera vez, no entendía bien el porqué de estos temas y no otros. Después de leerlo, no se me ocurre una selección mejor de temas, ya que abarcan muy hábilmente los elementos fundamentales de la ciencia, la técnica, el arte y los conceptos que hay detrás de una película de cine, al mismo tiempo que sirven para analizar las tendencias en el cine a lo largo de su historia.

El monasterio cartujo de Kostanjevica en Eslovenia.

Me ha sorprendido muy gratamente comprobar cómo a pesar de la parquedad en palabras inherente al medio, en el que estas deben acompañar a las imágenes, el libro es de considerable profundidad conceptual, siendo al mismo tiempo asequible a cualquier persona con dos dedos de frente. Eso sí, si lo que caracteriza la historieta como arte comunicativo es el aspecto gráfico, en este caso la importancia de un buen texto es fundamental. Y los textos son realmente buenos y bien escritos.

No me cansaría de recomendar este libro. A los amantes del cine, sin dudarlo. Casi lo podría considerar obligatorio. A quien quiera aprender algo más sobre el séptimo arte, pero se le atragantan los textos más densos y sesudos, también le diría que se lo leyese, que iba a aprender y a disfrutar haciéndolo. Y para cualquiera que no tenga prejuicios negativos hacia el medio, porque no deja de ser un excelente ensayo desde el punto de vista literario.

No sé a qué esperáis. A por él.

O las iglesias románico mozárabes del Serrablo, en los Pirineos aragoneses en España.

De viaje con Carlos (cuadernos de viajero)

De viaje con Carlos (tumblr)

Una foto de mis viajes al azar…

[Cine] Grave (2016)

Cine

Grave (2016; 162017-2103)

Llegaba con buenas críticas esta película que venía con las etiquetas de cine de «terror» o «fantástico», y que en la cartelera española se ha estrenado doblada al castellano con el crudo título de Crudo, valga la redundancia.

Opera prima, como largometraje, de la directora parisina Julia Ducournau, que también firma el inquietante guion, ha merecido la calificación R en Estados Unidos por mostrar «conductas aberrantes, imágenes sangrientas y espeluznantes, desnudos, lenguaje soez y conductas sexuales bastante explícitas, así como el uso de drogas habitual y festivo». O sea, lo peor de lo peor. El caso es que siendo un poquito sangrienta en efecto, más que de terror o fantástica,… me ha parecido otra cosa. Metafórica, más bien. Y lo del folleteo, no es para tanto…

La película está rodada en algún lugar de Bélgica que desconozco… bueno, yo he elegido algunos rincones de Gante y Amberes, que son bellas ciudades de Flandes… en Bélgica, aunque no siempre les parece bien que se lo recuerdes.

La cosa va de una joven belga, Justine (Garance Marillier), perteneciente a una familia con estrictos hábitos alimenticios vegetarianos, que comienza, siguiendo la tradición familiar, su primer año de los estudios de veterinaria. Sus padres son veterinarios que se conocieron en la misma facultad donde va a estudiar, y su hermana mayor, Alexia (Ella Rumpf) estudia un curso superior de la misma. En los primeros días de curso, la facultad se ve sumida en las bestias «tradiciones» en las que los alumnos veteranos gastan novatadas constantemente a los recién llegados. Y en una de ellas, Justine se verá obligada a comer un pedazo de un víscera cruda de conejo. A partir de ahí, comenzará a sentir una compulsiva necesidad de comer carne. Cruda… Y no sólo de los animalitos al uso… Cosa que descubrirá cuando su hermana sufra un curioso accidente en unas no menos curiosas circunstancias.

No creo que se considere espoiler, porque ha sido comentado a los cuatro vientos, la película es un despertar de la joven al canibalismo. Un canibalismo que desde mi punto de vista, y dejando a un lado el grafismo de las imágenes que nos ofrece Ducournau, que rueda con sorprendente soltura para ser relativamente novata, es una metáfora del paso de la joven de un entorno seguro y protegido, a una sociedad bastante bruta y salvaje en líneas generales. Así como su iniciación a la sexualidad, aspecto de su vida que también estaba inexplorado, con la peculiar guía de la hermana.

Ambas protagonistas cargan con el peso de la pelicula, estableciendo un duelo interpretativo en paralelo al duelo fraterno que muestran. La mayor, bruta, desinhibida, a lo suyo. La menor, inicialmente reprimida, convencional, reprimida. Son de lo mejor del filme.

Como he dicho, no me parece una película de terror, salvo por el gore que acompaña su puesta en escena. En realidad, flirtea mucho más con el humor negro, negrísimo, que alcanza probablemente su mejor momento en la escena en la que Justine prueba por primera vez la carne humana. La película empieza muy fuerte y con las ideas claras, pero he de decir que en un momento dado da la impresión de que la historia se le va un poco de las manos a Ducornau… como si hubiese abierto un tarro de esencias que lo inundan todo y que no sabe cómo cerrar por las múltiples consecuencias que tiene. Por ello, el final nos dejó un poco más fríos.

No obstante, es una película que, a pesar de su aspecto de ser un producto de un nicho muy específico, que normalmente no es de mi gusto, tiene valores cinematográficos no desdeñables. No voy a decir que la recomiende a todo el mundo. Pero si no tenéis un estómago demasiado delicado, dadle una oportunidad. Y en cualquier caso, cuidado con los riesgos, insospechados, asociados a la depilación brasileña… que nunca sabes dónde te van a llevar.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

1993, Viaje a los Países Bajos.
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[Cine] Kong: La Isla Calavera (2017)

Cine

Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island, 2017; 152017-1403)

No pensaba yo ir a ver esta película. Es cierto que en un momento dado bromeé con la posibilidad de ir, dado que su protagonista femenina, la oscarizada Brie Larson, aparecía «armada» con un interesante «outfit» fotográfico, una Leica M3 con un Summicron 35/2 con «gafas», y Leicameter acoplado. De lo más sexy. Pero sinceramente, y tras haber visto algún avance del largometraje, el interés por un «blockbuster» de este tipo, dirigido por un tal Jordan Vogt-Roberts era más bien escaso. Y que conste que me he enterado que este director ha participado en una serie que me gusta, You’re the Worst, es lo único que conozco de él a priori… pero que no tiene nada nada nada que ver con lo que aquí comentamos.

El caso que quedar a tomar un algo a media tarde con una amiga acabó convirtiéndose en ir al cine con su hija de ventipocos, una amiga de esta, y un par de sobrinos adolescentes. Algo de diversión hubo… pero no necesariamente gracias a la película. O gracias a ella, pero en el sentido que supongo que pretendían sus responsables.

Acompaño la entrada con unos cuantos «kingkones» del Parque Botánico y Zoológico de Hong Kong, que todo termina en Kong.

No vamos a entrar en explicar mucho de qué va una película de King Kong. Unos que van a una isla perdida y misteriosa, se encuentran con muchos monstruos, mueren unos cuantos… y bueno,… algunas variaciones sobre el final habitual de la historia, y ambientación al final de la guerra del Vietnam como «originalidades» de la película actual.

Como suele suceder con este tipo de taquillazos, gran despliegue de pirotecnia, efectos especiales y efectos visuales, al servicio de un reparto de campanillas haciendo un trabajo de circunstancias, y en algún caso mediocre, y de un guion penoso, con momentos absolutamente de vergüenza ajena. Que en el mejor de los casos provocan la hilaridad, pero no la hilaridad sana de las comedias, sino la irónica que acompaña a los productos malos o ridículos.

Quizá lo que más duele es ver a intérpretes excelentes en otras ocasiones como la ya mencionada Larson, o Tom Hiddleston, o incluso Samuel L. Jackson, más irregular a lo largo de su carrera, engordando sus cuentas corrientes con productos muy rentables, pero que sólo aportan eso a su prestigio actoral. Dinero. Esto afecta gravemente a las mujeres. Se habla a veces de la maldición de los Óscar, por los que una actriz galardonada y con trayectoria ascendente, acaba sumiéndose en la mediocridad tras pasar por algún filme de este tipo. Espero que no le pase esto a Brie Larson, que me gusta desde su época de adolescente desorientada en United States of Tara. Aunque los presagios no son buenos, creo que la han fichado para el universo de superhéroes de la Marvel… mal rollo.

Indudablemente, esta película es como las hamburguesas de los macdonalds o los burgerkings, que todo el mundo llama comida basura, pero que muchos engullen con pasión. De fácil consumo para el espectador palomitero, poco exigente, puede llegar a horrorizar al más exigente. Pero son los primeros los que dominan y los que dejan pingües beneficios en taquilla. Taquillazo, será. Avisados quedáis.

No. Que imite en ocasiones los planos o el aspcto de películas como Apocalypse Now o Full Metal Jacket (La chaqueta metálica), no hace que sea mejor.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **

[Cine] La fille inconnue (2016)

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La fille Inconnue (2016; 142017-1003)

Hace ya una semana que vi esta película. Pero como en lo que llevamos de esta no he tenido tiempo para publicar nada dos de ellos, se me ha retrasado un poco la cosa cinematográfica. Bueno… incluso he acumulado otra película que no pensaba ver. Ya hablaremos de eso. El caso es que sí me atraía el ver la última película de los hermanos Dardenne, Jean-Pierre y Luc.

Hace ya unos años que tuve la oportunidad de ver Le silence de Lorna (El silencio de Lorna), una película a la que no le faltaba interés, aunque tampoco acababa de ser una película redonda. Y posteriormente, en vídeo y en casa, porque nos perdimos su estreno en salas de cine, pude ver Deux jours, une nuit (Dos días, una noche) en la que destacaba su protagonista, Marion Cotillard, que fue justa candidata a los Óscar en su momento por este trabajo. Demostrando, una vez más, que es una de las mejores actrices del momento, y que a pesar de haber alcanzado la fama no deja de hacer películas más sencillas y comprometidas socialmente. Bien por la Cotillard. Si me acuerdo, volveré a esto en mi próxima reseña de cine.

Visité Lieja hace ya algo más de quince años, en un día de mucho calor, y de luz no especialmente favorecedora. No tengo muchas diapositivas digitalizadas de la ciudad… pero algunas hay.

En ambas películas, la cámara de los Dardenne enganchaba a un personaje femenino y lo acompañaba sin soltarlo durante todo el metraje de la película mientras exponían sus tesis sobre la inmigración, o sobre los problemas laborales y el riesgo de desempleo en cada una de ellas. En ambas ocasiones, las localizaciones se encontraban en Lieja y sus alrededores, y nuevamente han vuelto al mismo lugar para seguir las peripecias de otra mujere. En esta ocasión se trata de la doctora Jenny Davin (Adèle Haenel), una joven médica que está acabando de hacer una sustitución de un veterano profesional en un modesto consultorio en Seraing, ciudad industrial y obrera, literalmente junto a Lieja a orillas del Mosa, con perspectivas de incorporarse posteriormente a un consultorio más moderno y de nivel en la propia Lieja. Pero una tarde, tras acabar la consulta, mientras comenta con un alumno de medicina, Julien (Olivier Bonnaud), las incidencias del día, llaman al timbre y decide no abrir. Hace una hora del final de la consulta, no es un servicio de urgencia y tiene que enseñar a Julien los límites de su implicación personal/profesional. Al día siguiente, una joven subsahariana aparecerá muerta a orillas del Mosa. Y por una grabación de vídeo sabremos que es la persona que llamó al timbre. La vida de Jenny Davin cambiará completamente respecto a lo que tenía planeado.

Como decíamos, volvemos al mismo esquema. Una mujer, honesta por naturaleza y convinción, envuelta en un dilema moral de graves consecuencias, y que se embarca en una búsqueda. Una búsqueda tan sencilla como descubrir el nombre de la víctima y ponerle una lápida, pero que le llevará a encontrar una verdad mucho más importante. Con el tema de la prostitución de fondo y de la explotación de las mujeres, especialmente de aquellas más vulnerables en nuestro entorno, como son las inmigrantes irregulares, los Dardenne expondrán la tesis de que la muerte de la joven no tiene un sólo culpable, sino muchos.

Atención, riesgo de destripar la película… lo aviso por si no queréis seguir leyendo a partir de aquí, y saltar a después de la foto.

La hermana celosa, el chulo, los clientes, la policía para quienes hay casos más importantes, el adolescente que no quiere delatar a alguien…

Retomo la cuestión,

Todo ello desde la mirada de la joven Davin, que como digo es una mujer esencialmente honesta, y una profesional preocupada, que nos muestra una forma de afrontar la medicina general que quizá se está perdiendo. En unos lugares por la situación y actitud del médico funcionarizado, aun con las ventajas de un servicio público de salud, en otros por la presión para hacer dinero de la medicina privada,… y no se hace dinero donde viven los pobres, o donde el riesgo de enfermas es mayor.

Haenel hace razonablemente bien su papel, transmite con razonable convicción su situación de persona agobiada por una decisión personal con consecuencias graves. Pero sin que lleguemos a empatizar del todo. No acaba de hacernos sufrir con ella. La entendemos, pero nos situamos de forma externa. Cotillard, en su momento, sí que nos metía plenamente en su angustia. Pudimos ver a Haenel hace unos años, y creo que puede dar más de sí. Aunque quizá el problema no sea tanto la actriz como el planteamiento de los Dardenne. Estos, al igual que sucedía en Le silence de Lorna consiguen un producto honesto de cine social, pero no acaban de redondear la película, no acaban de darle la dimensión que podría tener. A pesar de todo, recomendable para todo aquel que entienda que el cine es algo más que un sitio donde se atiborra uno de palomitas.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

[Cine] El guardián invisible (2017)

Cine

El guardián invisible (2017; 132017-2502)

Antes de nada, me consta que la película se ha visto sumida en una de esas polémicas de «boicots» promovidos en las redes sociales que me suelen parecer una estupidez sea cual sea el sentido en el que se promuevan. No me interesa el tema, y a partir de aquí lo ignoraré por completo.

Tras las apreturas del mes de febrero para encajar en nuestras agendas las principales películas candidatas a los Óscar, nos hemos tomado estos últimos días con más tranquilidad cinematográfica. Hasta que este martés pasado surgió la propuesta de ir a ver esta película española basada en una novela policiaca superventas del mismo título escrita por Dolores Redondo. Que yo no he leído, porque a pesar de haber escuchado algún que otro comentario elogioso sobre esta llamada «trilogía del Baztán«, no había encontrado motivación suficiente para hacerlo.

Si algo bueno podía surgir de esta película era la posibilidad de disfrutar de los bellos paisajes del valle del Baztán en el norte de Navarra. Pero no os creáis que nos ofrecen las mejores vistas del valle. Os dejo de todas formas algunas fotografías de hace unos años.

Dirigida por Fernando González Molina,… esta para mí era la primera mala noticia, pues no soy consciente de nada que haya hecho este director que merezca mínimamente la pena. Pero de alguna forma podría ser contrarrestado este hecho por que la pelicula esta protagonizada por Marta Etura, una actriz que suele estar digna en el peor de los casos, y que cuando le dan un buen material se ha mostrado como una de las intérpretes más sólidas del cine actual español. Etura encarna a la inspectora de la policía foral navarra Amaia Salazar, que tras alcanzar cierto prestigio como investigadora, con paso por el FBI incluido, es encargada de desentrañar un caso de asesinatos en serie en su pueblo natal, Elizondo, en un lluvioso valle del Baztán.

Me cuesta encontrar aspectos positivos en este largometraje. Desconozco el grado de fidelidad a la obra literaria original. En los últimos tiempos, parece que los escritores se empeñan en la fidelidad absoluta de los filmes a las obras literarias. Lo cual puede ser un grave error puesto que se trata de dos lenguajes distintos. Y lo que funciona en uno, puede ser una catástrofe en el otro. El caso es que en sus mejores momentos la película transita por una frialdad absoluta, inane, sin despertar ningún tipo de emociones. En sus peores momentos, produce vergüenza ajena. Escenas como la del tarot, la del manicomio, la de la confesión del padrastro asesino y alguna otras me resultaron totalmente lamentables. Y para colmo, el «guardián invisible» del título actúa como deus ex machina, un recurso argumental que personalmente aborrezco, provocando un desenlace sacado de la manga, aunque anunciado sin vergüenza alguna a lo largo del metraje, mostrando la alevosía de los responsables de la historia a la hora de utilizar el recurso. Y si este es fiel a la novela original, ya me pueden esperar sentados a que me pase por cualquier librería para comprar el libro.

En el colmo de la desgracia, convierten a la inspectora Salazar, encarnada como hemos dicho por Marta Etura, en un clon de la detective Sarah Linden (Mireille Enos) de The Killing, hasta en el peinado, en el peor papel que le he visto a Etura hasta el momento, ya que deambula sin alma, sin hígados y sin convinción por el excesivo metraje de la película. Quiero pensar que se debe a la floja historia y a las escasas capacidades del director para contarla.

Película que con el tiempo que va pasando todavía va cayendo más honda en el saco de las peliculas prescindibles e incluso malas. Que no sabe si jugar a lo policíaco, o al terror/fantástico, y que en el colmo de despropósitos, anunciando una hipotética segunda parte cinematográfcia, la literaria existe, nos presenta otra vergonzante escena con la más absurda representación del cráneo de ¿un niño, un recién nacido, un feto? ¿Es que no saben ni siquiera buscarse un asesor que les explique como quedarían los tiernos huesos, del esqueleto de un infante en una fosa común? Voy a parar que si no voy a acabar soltando improperios. Que cuando he empezado esta entrada pensaba darle dos estrellas a la película y la voy a dejar con sólo una.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: *

Nota: Por si queda duda de la relación entre la película y la serie de televisión que he mencionado, aquí el cartel del largometraje, y aquí el de la serie. ¿Se parecen? ¿Será casualidad?

[Cine] Una mujer «coqueta» y otra que nos habla del color

Cine

Esta modorra tarde de viernes en la que las nubes se han echado sobre Zaragoza, os quiero traer dos vídeos desde Youtube.

El primero es la recuperación de un corto Jean-Luc Godard, Une femme coquette, basado en el relato de Guy de Maupassant titulado Le signe. Rodado en blanco y negro en Ginebra en 1955, identificamos varios lugares emblemáticos de la ciudad suiza, se hizo con un bajísimo presupuesto y protagonizado por Maria Lysandre, la cual no me consta que rodase ninguna otra película. Son diez minutos. Y es muy curioso, en tono de comedia picante.

El segundo vídeo que os traigo procede del canal de Carolina Jiménez G. – OK Infografía, una profesional de los efectos visuales, VFX les llama ella, no vaya a ser que nos enteremos todos a la primera de qué va la cosa hablando en castellano, y en él nos explica con mucha claridad, abundancia de ejemplos y no poca simpatía el uso del cine en el cine. Yo me lo he pasado muy bien viéndolo, y se aprende bastante. Me voy a suscribir al canal, por lo menos un tiempo, a ver que tal.

Los jardines de la isla de Rousseau en Ginebra es una de las localizaciones más importantes del cortometraje de Godard.

Los jardines de la isla de Rousseau en Ginebra es una de las localizaciones más importantes del cortometraje de Godard.