[Cine] Expediente Warren: El caso Enfield (2016)

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Expediente Warren: El caso Enfield (The Conjuring 2, 2016; 362016-0407)

Hay veces que, aunque haga días que no vas y te apetezca, si no hay realmente nada que te interese ver, es mejor no ir al cine. En cualquier caso, después del viaje de vacaciones por Islandia me apetecía ir, y por ello accedí a acompañar a un grupo de amigos a ver esta película sin saber muy bien dónde me metía.

Parece ser que se trata una segunda película, dirigidas ambas por James Wan, sobre un matrimonio que existió o existe en la realidad, los Warren, formado por Edward (Patrick Wilson), una especie de exorcista o algo parecido, y Lorraine (Vera Farmiga), una medium o espiritista de estas que se ponen en contacto con el más allá. El reparto parecía interesante y, según me contaron y he podido comprobar, la crítica había puesto bien esta película.

Nos iremos a Londres, que fue donde «sucedieron» los hechos que nos cuentan con tanto detalle.

Pues bien… no perderé mucho tiempo. Es una memez absoluta sobre posesiones demoniacas en una niña de una familia pobre británica, a la que acuden a ayudar este par de farsantes, reflejados en la película como el matrimonio más empalagoso, ñoño y cargante que he visto en mucho tiempo. Y parece ser que lo hacen pasar como algo que realmente sucedió. Detrás… mucho «meapilismo» y tonterías sin fin que resultaban divertidas en algún filme clásico, pero que hoy en día me parecen un producto para gente sin muchas entendederas, crédulo y superticiosa. Porque ni para reírte de las tontadas sobrenaturales sirve. Eso sí, en una demostración de que el nivel es bajo, la tensión se mantiene a base de sustos a gogó. Porque desde luego, en ningún momento consiguen que sintamos empatía por absolutamente ninguno de los personajes que salen en pantalla.

Parece que con la aquiescencia de alguna iglesia… no creo que fuera la católica, sería alguna anglicana o algo por el estilo… Bah, por la calle van diciendo que poco se llevan todas.

Una pena ver deambular sin rumbo y haciendo tonterías a un elenco con cierto prestigio. Y una pérdida de tiempo absoluta que no recomendaría ni a mi peor enemigo. Y menos si pretenden hacernos creer que esto está «basado en hechos reales». Lo peor del año.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: *

En cualquier caso, parece que todo es elevar al nivel de categoría la anécdota de la gamberrada de algunos críos… si no fue un montaje interesado de algún adulto. La película, una memez.

[Cine] Capitán Kóblic (2016)

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Capitán Kóblic (2016; 352016-1706)

Estoy a punto de pasar en el Cuaderno de ruta al modo sólo fotos durante unos días, pero antes quería dejar resultas algunas cuestiones por aquí.

En primer lugar, las fotografías que acompañan a esta reseña de cine son de una salida ayer con Fotógraf@s en Zaragoza, en la que estuvimos por la mañana en el pantan0 de Búbal, en el valle de Tena, Pirineo Aragonés. Es un sitio muy conocido para mí, del que sin embargo tengo pocas fotografías, cosa que tengo que resolver. Como la mayor parte del tiempo estuve fotografiando con una cámara para película tradicional, tardaré un tiempo en hacer el comentario de la salida, pero de momento os dejo algunas fotos que hice con la compacta digital que también me llevé.

Esta imagen del pantano de Búbal con Tramacastilla de Tena y el bosque del Betato en frente, y dominando sobre ellos el macizo de Peña Telera, nos recuerda el plano final de una película reciente, Julieta de Pedro Almodóvar.

En segundo lugar,… la película. Vista ya hace unos días, esta coproducción hispanoargentina dirigida por Sebastián Borensztein, venía avalada por una serie de comentarios positivos y por el hecho de que esté protagonizada por el siempre solvente Ricardo Darín, que en esta ocasión encarna el triste papel de uno de los pilotos que realizaba los vuelos de la muerte de la dictadura fascista argentina para deshacerse de los disidentes al régimen.

La premisa de partida, esa huída llena de remordimientos de este capitán Kóblic encarnado por Darín, refugiándose en algún remoto lugar de la pampa, al mismo tiempo que incluso en este sitio tiene que enfrentarse a la corrupción y decadencia moral del país parecía sobradamente atractiva. Sin embargo, por algún motivo la historia no acaba de cuajar, y deambula por los poco más de 90 minutos sin acabar de definirse. No sabemos si es un romance, con una Inma Cuesta que, más haya de su habilidad para impostar el acento argentino y lucir como florero, si quiere ser un drama político, o una del oeste translocada al paisaje argentino. Quizá este último aspecto, con el enfrentamiento con el corrupto policía Velarde, interpretado por Oscar Martínez, lo que más vale de la cinta, podría haber sido lo que más podría haber dado de sí. Pero su resolución sumaria, y que no se exprime a fondo con un mayor conocimiento de unos personajes dibujados groseramente con trazo grueso, hace que tampoco se luzca lo que debiera.

Almodóvar nos lo vendió como un paisaje suizo, pero el bello paisaje tensino (gentilicio del valle de Tena) es muy aragonés e ibérico.

Buen trabajo actoral que no basta para sacar de la insipidez a un largometraje que prometía mucho más, y que a larga cuenta con la virtud de tener una duración muy contenida. Lo cual se agrade porque parece que Borensztein tenía mucho menos que contar de lo que parecía. Los incondicionales de Darín disfrutarán de su presencia en pantalla, y tiene algunos momentos interesantes. Por lo demás… muy muy muy normalita. Aprobando por los pelos.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Como lo ponen de manifiesto sus castizas indicaciones… ¿A alguien la apetece darse un paseo por el Camino de las Palizas?

[Cine] Eye in the Sky (2015)

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Eye in the Sky (2015; 342016-1506)

Esta película lleva ya un tiempo en cartelera, más de mes y medio. Y en un primer tiempo habíamos desechado la idea de ir a verla, puesto que su tema bélico no nos llamaba la atención. Quizá porque la mayor parte de las sinopsis no enfocan correctamente la película. Bien es cierto que la película de Gavin Hood cuenta con un reparto muy atractivo. De hecho, si al final decidimos ir a verla, aunque fuera a una hora intempestiva, fue porque se trata de una de las últimas películas en las que trabaja el fallecido Alan Rickman, la última en la que aparecía en carne y hueso y no sólo aportando la voz. El conocimiento que de este actor británico se tiene en estos tiempos está muy sesgado, especialmente entre las generaciones más jóvenes, por su participación en un papel destacado en un conocida saga de películas sobre magos adolescentes. Pero quienes lo conocemos de tiempo ha, no podemos dejar de reconocer su notable calidad interpretativa.

La película la vimos, tristemente, en versión doblada en pantalla grande. Esto cada vez me parece más una catástrofe. Un atentado contra la obra cinematográfica. Así que si la podéis ver de alguna forma en versión doblada, yo lo hice ayer, un par de días después, en mi casa, mejor… y si no os dejan pagar un justo precio por ello… peor para ellos. Además el título en castellano, «Espías desde el cielo», queda desvirtuado sobre los significados del original en inglés.

Inevitablemente nos vamos a Londres en esta ocasión… más cuando hoy en día las guerras no se dirigen desde el campo de batalla sino desde la comodidad de los despachos ministeriales.

Planteada inicialmente como la historia de una intervención militar contra unos terroristas islámicos en algún suburbio de Nairobi, una operación conjunta británica, estadounidense y keniata, bajo el mando británico, lo cierto es que su fuerte no es la tensión bélica. Lo importante del filme es las reflexiones éticas. En esto de la ética estoy metido últimamente bastante por motivos profesionales. No en la militar, afortunadamente, pero ética al fin y al cabo… me extenderé un poco.

En nuestro quehacer diario, tomamos constantemente decisiones que nos guían, muchas veces de forma inconsciente. Estas decisiones están basadas en nuestras necesidades como personas, que van desde la más básicas de alimentación, techo y vestimenta hasta las más elevadas como son la necesidad de reconocimiento de quienes nos rodean y del cariño de los más cercanos. Y para tomarlas no sólo entran en juego los aspectos elementales de nuestro ser biológico, sino también el conjunto de valores que hemos ido incorporando en nuestro desarrollo como personas. Lo que sucede es que en ocasiones los valores que ponemos sobre la mesa, de forma más o menos consciente o inconsciente, entran en conflicto. Hablando en plata, para hacer tortillas tenemos que romper algunos huevos. En algún momento, para alcanzar alguna meta puede que tengamos que causar algún perjuicio a otra persona. O incluso a nosotros mismos. O tenemos que elegir entre causar dos tipos de daños distintos, y entre los que inevitablemente tendremos que elegir.

No son infrecuentes las películas británicas que intentan poner distancia ética por medio entre la forma de hacer de sus políticos y la de sus aliados norteamericanos.

En el caso de la película… intervenir matando a cinco terroristas y probablemente a una niña inocente que pasa por allí, o proteger la vida de esta inocente abriendo la oportunidad de que los terroristas realicen una escabechina en un lugar poblado… vete tu a saber con cuantos niños muertos… pero que son hipotéticos. No conocemos su aspecto y su sonrisa y sus juegos como en el caso de esta niña a la que vemos con todo detalle gracias a esos aeroplanos no tripulados, drones les llamamos, que lo mismo nos permiten espiar que matar desde miles de kilómetros de distancia.

Por lo tanto, la gracia del filme no está en las escenas de acción, que alguna hay para dar un poquito de dramatismo a la historia, sino en las deliberaciones sobre la conveniencia o no del ataque ante los valores contrapuesto puestos en cuestión, y teniendo en cuenta la estrategia militar, lo aspectos jurídicos y la conveniencia política. Lo cual plantea un cóctel de características explosivas. Como se señala al principio del filme, la primera víctima de una guerra es la verdad. Frase que la película y otras fuentes atribuyen a Esquilo, pero que otros atribuyen a autores más modernos. Consta que aparece en un libro del pacifista británico de principios del siglo XX, Arthur Ponsonby.

Cosa que tiene su gracia, porque por mucho que intenten los británicos mantener su imagen de gran potencia, y sueños de imperios perdidos, se les ve constantemente haciendo seguidismo más o menos ciego de lo que se decide desde la Casa Blanca.

La película no está nada mal, aunque es tramposa en varios momentos y, en lugar de dejar juzgar la situación ética al espectador con una presentación razonablemente ecuánime de hechos y opiniones, lo manipula emocionalmente en varias ocasiones.

El reparto no está mal. Los actores y actrices británicos siempre están correctos, incluso en sus papeles más normalitos, como puede ser el caso de Helen Mirren, y el del resto de los países cumplen.

Película entretenida y con más miga de la que pensábamos que nos alegramos haber visto aunque haya sido casi por casualidad. Aunque supongo que le queda ya muy muy muy poquita vida comercial en la gran pantalla. De hecho me sorprende que haya aguantado tanto tiempo. Supongo que por la flojera de otras propuestas esta primavera.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

En cualquier caso, no ha sido infrecuente que se hayan olvidados de los escrúpulos a la hora de intervenir militarmente… como en la guerra de Crimea, que me viene a la memoria ante el monumento a Florence Nightingale, flanqueada como está por tan aguerridos soldados.

[Cine] Francofonia (2015)

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Francofonia (2015; 332016-1006)

Aunque no habíamos leído malas críticas de este peculiar largometraje del director ruso Aleksandr Sokurov, no fue eso lo que nos hizo ir a verlo, sino la curiosidad sobre qué habrá inventado en esta ocasión el responsable de ese alarde técnico que fue Русский ковчег (El arca rusa) que en su momento vi en vídeo, o esa interesante versión del Fausto de Goethe que pudimos ver no hace mucho en la gran pantalla.

Por los antecedentes, la sensación es que la película rodada en una única toma en el Museo del Hermitage era el referente para comparar con esta otra cuyo «argumento» gira alrededor de otro museo famoso, el Louvre. Lo cierto es que son obras muy diferentes. Si en aquella se marcaba una visión nostálgica de una grandeza de la nación rusa que es cuando menos históricamente discutible, especialmente por lo poco que dedicaba a las muchas miserias de la historia del gran imperio transcontinental, en esta ocasión tienes que pararte a pensar varias veces cuál es la tesis del director.

Nos vamos a pasear por el Louvre, claro… aunque sea en un frío, frío, frío día de diciembre.

Para algunos un documental sobre el gran palacio-museo parisino, con especial relieve en la conservación de las obras de arte durante la segunda contienda mundial, para otros es una recreación, probablemente con fuertes dosis de invención, de la relación entre el conde Wolff-Metternich (Benjamin Utzerath), responsable militar alemán de los bienes culturales en los territorio conquistados, y el director de los museos nacionales de la República Francesa, Jacques Jaujard (Louis-Do de Lencquesaing), que permitió que al final del conflicto la colección del Louvre saliera razonablemente indemne. Todo ello mientras vamos recorriendo las galerías y las salas del museo guiados por Napoleón Bonaparte (Vincent Nemeth) y Marianne (Johanna Korthals Altes), símbolo de la República Francesa.

Mi sensación es que el filme, aunque con aspectos de ambas versiones del mismo, es más bien un ensayo. Igual que entre los géneros literarios está el ensayo,… pues también entre los géneros cinematográficos. Por qué no. Pero como decía antes, eso supone pararte a pensar en cuál es la tesis del director. ¿La capacidad de gentes adversarias pero suficientemente razonables para encontrar un poco de luz en la cultura en medio de la barbarie? ¿Un homenaje al museo del Louvre, a propósito de un evento histórico, como faro de la cultura occidental? ¿Una crítica al racismo alemán que trato bien a la cultura «hermana» de los países conquistados en la Europa occidental, mientras arrasaba con las culturas eslavas de Rusia, entonces Unión Soviética, que consideraba infrahumanas? ¿Una crítica al colaboracionismo francés frente a la resistencia rusa/soviética ante el invasor alemán?

Pero entre sus salas encontraremos la calidez que le faltan a las neblinosas calles de París.

He tenido que buscar por ahí estos días algunos comentarios o reflexiones sobre el filme que me ayudaran a tomar alguna decisión. Y quizá esté la clave en los personajes secundarios. No en Wolff-Metternich ni Jaujard, por mucho que sean el eje de la película. Que por otra parte parece que fue un encargo del propio museo del Louvre. Veamos a estos secundarios… Tenemos a una desesperada Marianne, gritando o susurrando su «Liberté, egalité, fraternité», sin que nadie le haga mucho caso… Tenemos a ese orgulloso Bonaparte, que no dejó de ser un dictador que disfrazado de ilustrado pretendió imponer su linaje y su dominio por toda Europa a cañonazos. nunca he entendido por qué para los franceses sigue siendo un compatriota ilustre. Desde mi punto de vista, eso les anula como defensores de valores democráticos y republicanos. Hace tiempo que entiendo que la revolución francesa fue una revolución fracasada. Y tenemos las angustiosas conversaciones entrecortadas entre el propio director y ese barco de contenedores, repletos de la cultura y el arte europeo, que afronta un tremendo temporal sin llegar a puerto, perdiendo contenedores por el camino. Europa sin rumbo despreciando y perdiendo sus valores culturales y artísticos, su propia personalidad. Sí… por ahí parece que van los tiros… Bajo el homenaje al museo, un crítica a Europa… desde el Atlántico hasta los Urales… o más allá. Desde el Ártico hasta el Mediterráneo. Un continente, ni eso en realidad, que ha perdido el rumbo, su razón de ser, los valores que pueden ayudar a configurar su identidad en un mundo complejo y globalizado… Y eso sin entrar a hablar ni de economía, ni de desequilibrios sociales.

Y no dejaremos de visitar esa megalomaniaca autocoronación del tirano Bonaparte.

Esta es una película más compleja de lo que parece, aunque algunos se quedarán en la superficie, sin rascar más allá, en lo que es de homenaje al museo y a los dos hombres presuntamente protagonistas. Un película a la que si dedicas algún que otro pensamiento se vuelve más y más agradecida devolviéndote el esfuerzo dedicado. Con el pero de la excesiva complacencia de su director hacia su patria y sus valores… que no anda precisamente sobrados en estos días.

No voy a decir que sea para recomendar a todo el mundo. Pero para aquellos más inquietos culturalmente, no está nada mal.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Aunque seamos mucho más partidarios de esa ilustre manirrota que es la Venus de Milo.

[Cine] The Witch: A New England Folktale (2015)

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The Witch: A New England Folktale (2015; 322016-0106)

No perderé mucho tiempo con el comentario de esta película. No era una elección mía a priori. El género de terror sobrenatural no es lo mío, salvo alguna rara excepción. Aunque podemos considerar una serie de cuestiones sobre este filme dirigido por Robert Eggers, que podrían haber hecho que reconsiderase mi posición sobre el filme.

La película venía con el aura de haber cosechado buenas críticas en el festival de Sundance de 2015, donde según creo su director cosechó algún tipo de premio. Esas buenas críticas se extendieron en los meses anteriores a su estreno, aunque me pareció siempre sospechoso que este se produjera en nuestro país en los meses más modorros de la primavera, aquellos en los que la cartelera está menos animada y se aprovecha para colocar películas que te pueden sorprender tanto por lo bueno como por lo malo. Y que en general llegan con cierto retraso a nuestro país.

Por otra parte, en los compases iniciales del filme, acudiendo a él sin prejuicios, te planteas lo que estas viendo. Una familia de colonos puritanos en la región de Nueva Inglaterra a principios del siglo XVII, pobres, incultos, fanáticos religiosos hasta el exceso, incluso para sus propios semejantes. Que viven aislados, junto a un bosque, sometidos a la dureza de la vida campesina. Los fenómenos que se nos presentan… eso es lo que yo me planteé ingenuamente,… ¿son reales o son el producto de la ignorancia y del fanatismo religioso? ¿Estábamos ante una reflexión sobre los peligros de las supersticiones?

Salvo Nueva York, no he visitado Nueva Inglaterra,… o sea la esquinita del nordeste de los Estados Unidos.

No puedo negar que ante una realización técnicamente correcta, incluso notable, y con las buenas maneras de su más bien desconocido reparto, en el que destaca la mezcla de candidez y sensualidad de su protagonista femenina, la adolescente Thomasin (Anya Taylor-Joy), hubo un cierto porcentaje del metraje en que sentí curiosidad por los derroteros que iba a seguir el filme.

En vano,… conforme se va a acercando la resolución de la trama, la película acaba cayendo en los tópicos sobrenaturales con sus dosis de casquería asociada, para ir a parar a un final que sólo es apto para fanáticos del género, pero que a mí me resulta en algunos momentos sonrojante, de vergüenza ajena. La gota que colma el vaso es que, tras un final que sirve de excusa para enseñar el culo de la protagonista, supongo que no el auténtico, tengo la sensación de que puede haber una doble de cuerpo, por como están tomados los distintos planos, funde a negro apareciendo un texto sobre la existencia de «noticias de prensa y registros notariales de la epoca». Como si tuviésemos que tomarnos en serio el cúmulo de tópicos brujodemoniacos que nos acaban de mostrar.

Pero nos podemos pasear por los bosques del sur del Canadá, que no andan lejos de los del norte de Nueva Inglaterra.

Todo en su conjunto una pena. Más cuando entre mediados del siglo XV y mediados del siglo XVIII hubo un triste fenómeno en la historia de la humanidad que fue la caza de brujas. Ciertamente se ha hablado mucho del triste papel de la inquisición española en relación con la intolerancia religiosa. Pero el fenómeno del que hablamos tuvo especial repercusión en áreas geográficas donde triunfaron algunas de las variantes de la reforma protestante. Y supuso la muerte de miles de mujeres. No se puede conocer con precisión. Algunos autores, hablan de 60.000 procesos en los que murieron mujeres por brujería, muchas veces con torturas y ejecuciones terribles. Otros llegan a cifrar la cosa en un par de millones. Algún texto que me ha parecido razonablemente argumentado he leído que indica que la cosa estaría más bien en las doscientas a quinientas mil mujeres represaliadas. Por la superstición, por la religión, o por que ambas fueron una excusa para acabar con quien nos cae mal y especialmente con mujeres con ansias de libertad. Desgraciadamente, de nada de esto se habla en la película, que resulta finalmente en una tonteria rodada con oficio. Pero tontería.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

¿Llenos de brujas también, machos cabríos demoniacos y otros tópicos por el estilo? Probablemente,… no. Claro.

[Cine] Madame Bovary (2014)

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Madame Bovary (2014; 312016-2705)

Nos llega con cierto retraso esta adaptación del clásico de Gustave Flaubert, considero como uno de los principales novelistas de su tiempo. Su novela también ha tenido una notable influencia en la literatura posterior, y se ha convertido en un elemento más de la cultura popular. Segundo largometraje de Sophie Barthes, francesa de nacimiento, aunque ha realizado su carrera como directora en Estados Unidos. La película está rodada en inglés.

Es muy posible que al comentar el filme se me escape algún detalle del argumento. Pero cuando se trata de clásicos de la literatura, o segundas versiones, o películas que llevan mucho tiempo estrenadas, siempre asumo que su desarrollo está prácticamente en el dominio público. Yo no he leído la novela, ni recuerdo haber visto ninguna adaptación previa, pero ya sabía perfectamente por donde iban los tiros, y donde iban a acabar las aventuras de la aburrida Emma (Mia Wasikowska).

Transcurre la novela y la película en las poblaciones rurales de la Alta Normandía, cerca de Ruan.

La novela de Flaubert se considera como el inicio del realismo, estilo literario que domina la segunda mitad del siglo XX, y que progresivamente se aleja del romanticismo que dominó la primera mitad. De alguna forma, deberíamos encontrar elementos de ambos movimientos en la historia. Sin embargo, Barthes opta por dotar a su Bovary de un carácter fundamentalmente de heroína romántica. Y la centra total y absolutamente en ella, quedando el resto del reparto a la sombra del personaje principal, salvándose de la quema solamente un sosísimo Charles Bovary (Henry Lloyd-Hughes), un interesante e inquietante M. Lhereux (Rhys Ifans). Desaprovecharos pasan por ahí Paul Giamatti, Laura Carmichael y un par de amantes de la «doctora».

He visitado yo la Baja Normandía, y más su zona marítima, no donde transcurre la acción.

Desde que la vi haciendo de adolescente con tendencia a la anorexia en aquella pequeña joya que fue In Treatment, siempre he pensado que Wasikowska era una actriz con posibilidades. Ciertamente, perteneciente a una generación donde la competencia es feroz. Hay muy buenas actrices que actúan en inglés en estos momentos de veintitantos años. Sin embargo, parece que tanto se encasilla un poco en papeles donde se aprovecha de la languidez de su físico. En la muy superior Jane Eyre de hace unos años, Wasikowska interpretaba un papel muy similar, con matices muy parecidos… paradójicamente. Si Eyre era a priori una joven de físico vulgar, así lo declama ella misma en un famoso pasaje de la novela,

Do you think, because I am poor, obscure, plain, and little, I am soulless and heartless?

de moralidad intachable e inquebrantable, Bovary pasa por una joven hermosa, educada y refinada. De ahí, su mala adaptación a la vida de esposa de un médico rural… con lo que significaba el entorno rural a mitad del siglo XIX, no mucho más avanzado que en los siglos anteriores. Y sin embargo… nos cuesta ver a distinta persona, salvo en sus acciones, más que en su actitud. No me entendáis mal, lo hace bien, pero quizá un poco por debajo de las expectativas. Aunque es ella la que hace que la película se deje ver, eliminados todos los elementos de la novela original que implicaban un crítica a un cierto tipo de burguesía decimonónica.

Así que para representar los pequeños y coquetos pueblos franceses, opto por bajarme hasta el Perigord.

Película por lo tanto que se deja ver, pero que queda por debajo de las esperanzas que a priori se podrían poner en ella. Es cierto que el hecho de que se haya estrenado en nuestro país entre seis meses y un año después que en el resto del mundo occidental, nos hacía suponer que no confiaban sus distribuidores en los resultados que pudiera ofrecer. Pero errores más gordos he visto cometer por los distribuidores… En fin; producto que gustará a los fanáticos a los dramas de época… y que se dejará ver por buena parte del resto del público de cierta edad y condición. No precisamente el que va a ver las películas superventas de acción o quien se trague la segunda parte de otra película que también protagonista Wasikowska, con la que coincide en cartelera, y que no iremos a ver, porque ya la primera parte nos pareció «maravillosamente» infumable.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Hasta la bonita población de Le Bugue, donde me alojé durante unas vacaciones hace ya más de una década.

[Cine] 山河故人 (Shānhé gùrén) (2015)

Cine

山河故人 (Shānhé gùrén) (2015; 302016-2005)

Esta película china con coproducción francesa y japonesa, nos llega a la cartelera un año después de que recibiese una excelente acogida en el festival de Cannes del año pasado. Dirigida por el chino Zhangke Jia, hemos visto la versión original subtitulada en castellano. En versión doblada se encuentra en la cartelera española bajo el título aproximado pero no exacto ni mucho menos, ni con el mismo signficado de «Más allá de las montañas». El título inglés estaría más próximo al original mandarín; «Mountains May Depart».

Es difícil hacerse la idea de qué vas a ver con los comentarios previos en reseñas críticas o no de los días anteriores. La sensación que te dan muchos de ellos es que se trata de la evolución de un triángulo romántico a lo largo de las décadas en China… y aunque hay algo de eso, la cuestión es que la cosa va mucho más allá. Se trata una reflexión razonablemente profunda sobre el cambio de las cosas con el tiempo y la evolución de las personas y los países.

Coproducción francochina. No he estado en China… aún. Pero sí en Francia… donde cada vez se ven más chinos.

Hay algunas cosas que llaman la atención formalmente. La película se divide en tres partes: 1999, 2014 y 2025. Es decir, una parte se desarrolla en el pasado, hace quince años respecto al momento en que se rueda el filme, y otra en el futuro, hay un ejercicio de anticipación, diez años después del momento en que se estrena la película. El aspecto de la película es distinto. Estos tres capítulos se filman y fotografían de formas diversas. El de 1999, tenemos el formato de imagen en 4:3, con un aspecto de la imagen que recuerda más bien al del antiguo vídeo analógico. Sería como ver algo en una televisión de aquella época. El de 2014 se rueda en formato 16:9 con una calidad de imagen moderna, similar a los televisiores más actuales. El de 2025 está rodado en formato panorámico, con abundancia de tomas aéreas realizadas desde drones… bueno, a saber cuál ser el aspecto de los espectáculos audiovisuales dentro de 10 años.

Nota curiosa: para calcular los formatos, sólo hay que saber multiplicar fracciones. El formato académico tradicional y el de los televisores antiguos era aproximadamente 4:3 (1,33:1). El formato de los televisores modernos es el resultado de multiplicar 4:3 x 4:3. O sea, 16:9 (1,78:1). El formato panorámico del cine es el resultado de multiplicar 4:3 x 4:3 x 4:3. O sea, 64:27 (2,37:1). Estos son los estándares más actuales, desde el punto de vista del cine digital, aunque ha habido ligeras variedades alrededor de ellos según los formato usados.

Cuando vemos personas con rasgos asíaticos orientales, si no les oímos hablar, es difícil hacer suposiciones sobre su nacionalidad,… lo cual no nos impide realizar todo tipo de conjeturas.

Pero como siempre, estas decisiones técnicas, formales o estéticas han de estar al servicio de una historia y de transmitir unas sensaciones y unos mensajes. A mi no acabaron de parecerme determinantes. Pero tampoco me molestaron. Me resultaron más curiosas que otra cosa.

Sí que es más importante algunas decisiones sobre el reparto. La principal de ellas es que el personaje principal, la mujer Shen Tao (Tao Zhao), así como los dos hombres que la cortejan en un principio, el hombre rico Zhang Jinsheng (Yi Zhang) y el hombre pobre LIangzi (Jing Dong Liang), están interpretados por los mismos actores durante todas las épocas. Ella en las tres, el segundo en la 1ª y la 3ª, y el tercero en la 1ª y la 2ª. El caso es que con esos intérpretes no conseguí ver durante el primer acto, el de 1999, a unos jóvenes de 25 años… No me entraba en la cabeza y me sentí desconcertado; como sin saber lo que estaba viendo. El segundo acto, sin embargo, me reconcilió con el personaje de Shen Tao, especialmente en su relación con el niño, con su hijo. Creo que ahí, la actriz china da un recital de interpretación contenida. El tercer acto me pareció curioso…

Antaño, cuando veíamos a estas personas, especialmente con cámaras fotográficas, se asumía casi instantáneamente un origen nipón.

Hay es donde entramos en el momento en que cambió nuestra percepción de la película. Hablo en plural porque a la salida del cine lo hablamos y estuvimos relativamente de acuerdo. El tríptico que nos ofrece el director de la película, aunque a través de los ojos de los personajes va más sobre la evolución social e histórica de su país, China, y del mundo. Con claras alusiones a las rápidas transformaciones que el país ha sufrido en muy poquitas décadas, también hace alguna crítica a los vicios que ha acompañado dicha transformación, y un acto de fe en las nuevas generaciones, que imagina más libres y más críticas que las que han cargado sobre sus hombros los cambios mencionados. ¿Estará en lo cierto? ¿Lo podemos considerar una profecía? ¿Una apuesta? ¿Una posibilidad? ¿Una hipótesis? Pues ya veremos cómo está el mundo dentro de 9 años. Seguro que se nos hace corto. Tampoco es una distancia temporal tan grande. Sospecho que puede haber cambios, pero que sean de grande o pequeño calado depende de factores que quizá no alcancemos a ver.

La película me parece un ejercicio interesante, pero no me ha enganchado tanto como a algunos redactores de algunos comentarios y reseñas que he leído estos días. En cualquier caso, era una apuesta con riesgos, y eso siempre es de agradecer.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Pero con los cambios que ha experimentado la sociedad china, cada vez hay más nacionales del gigante asiático viajando por el mundo. Hoy la apuesta sería por las clases privilegiadas de la etnia han. Todavía hay mayoría de pobres en China, país con enormes desigualdades; pero son tantos, que un pequeño porcentaje de ellos viajando, cunden… un montón.

[Cine] El libro de la selva (2016), las nuevas versiones llegan a la selva de Seeonee

Cine, Sin categorizar

El libro de la selva (The Jungle Book, 2016; 292016-1405)

Aunque venía anunciada con excelentes críticas, me resistía sobremanera a la posibilidad de echar un vistazo a esta nueva versión de las aventuras de Mowgli, la rana, según Disney. Por establecer la cosas claras, la versión original de 1967 ha sido probablemente durante toda mi vida mi película favorita de la factoría del tío Walter. A partir de una historia mucho más compleja y madura que salió de la pluma de Rudyard Kipling, los estudios californianos fueron capaces de hacer un cuento delicado, sencillo y optimista, que siempre le ha sacado varios cuerpos de ventaja a los tradicionales cuentos de princesas que han machacado con tesón. Casi está más emparentada con lo que unas décadas más tardes sería la producción del Studio Ghibli que con el resto de las películas Disney. Y además… con música de la buena…

«Yo soy el rey del jazz a gogo, el más mono rey del swing…»

No se refieren en esta ocasión a los elefantes como la patrulla del coronel Hathi.

Y aquí nos llega la nueva versión, dirigida por Jon Favreau, de la rivalidad en el cachorro humano (Neel Sethi) encontrando en la selva de Seeonee a orillas del río Waingunga (o Wainganga, que parece que lo llaman ahora, quizá más correctamente) y el feroz tigre Shere Khan. Nos dicen que rodada en «imagen real«… ja. Si llaman así a que un actor infantil se pasee ante pantallas verdes sobre las que se introduce de modo prácticamente integral una animación de carácter realista, que no real, generada por ordenador. Para mí resulta tan película de animación como la otra, por virguería tecnológica que suponga. El sábado pasado, andábamos de boda con mi hermana y mi sobrino de siete años, y dado el amplio intervalo de tiempo disponible entre la ceremonia religiosa y la cena, tres horas, comprobamos que el horario de este filme nos convenía perfectamente. Y allí fuimos. Versión doblada al castellano, por lo que no pudimos comprobar cómo por primera vez han feminizado a la serpiente Kaa, tradicionalmente macho, con la sensual voz de contralto de Scarlett Johansson. Tranquilos… no canta, alabadas sean las benévolas leyes de la naturaleza que rigen el mundo.

Lo de los rinocerontes me sorprendió un poco… hasta que me aclaré en casa. Los de la foto son africanos.

La historia es básicamente la misma que en la versión de 1967, y por lo tanto diverge de la historia original de Kipling, con algunas alteraciones relativamente menores, y orientadas a dar a la película un tono más dramático y oscuro, frente al relativamente alegre y dicharachero de la de hace casi cincuenta años. Quizá se pasan con lo de los sustos… recurso dramático poco sutil por demás. No se cortan un pelo a la hora de pasarse por el forro de la entrepierna el rigor geográfico y temporal, y así acabamos encontrando anacondas en lugar de pitones en la India, o gigantopitecos en la actualidad, cuando llevan 100.000 años extinguidos. Eso sí, me ha servido para aprender que existen rinocerontes en Asia, por alguna razón estaba convencido de que eran exclusivos de África. Esto no es incorrecto. O por lo menos no del todo…

Dicho todo lo anterior, la película se ve con agrado. Está bien hecha, y mantiene algunos de los temas originales de la historia, el de la solidaridad, la amistad y el equilibrio en la jungla, por dura que esta sea, con razonable dignidad. No voy a decir que fuera una película necesaria… pero ya que la han hecho, por lo menos se deja ver bastante bien.

Por cierto,… existe una versión de 1942 de auténtica imagen real dirigida por Zoltan Korda y protagonizada por Sabu, actor indio que alcanzó cierta popularidad en los años 40 y 50, antes de su prematura muerte,… aunque es muy normalita.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Hay versiones sobre el tipo de oso que es Baloo, pero estos nos valdrán para representarlos. Todas las fotografías son del zoológico de la Casa de Campo de Madrid en 1990.

[Cine] El olivo (2016), o cómo descargar nuestra rabia por lo que somos en los alemanes

Cine

El olivo (2016; 282016-1305)

Hacía mucho, mucho tiempo que no veía una película de Icíar Bollaín. Creo que siempre recordaré su primer largometraje, una película sencilla, de bajo presupuesto, pero muy fresca. Y la notable denuncia que hizo de la violencia de género, en una película que creo que es menos recordado de lo que debería, siendo magnífica. Una cosa que desde mi punto de vista caracterizó las primeras películas de Bollaín era su capacidad para sacar petróleo de los intérpretes fueran buenos, malos o regulares. Una excelente directora de actores. También es una directora muy comprometida. Todo su cine tiene un fuerte sentido social… lo cual está muy bien… pero puede cansar. A todos nos gusta variar de género de vez en cuando. Hay más cosas en esta vida. Y hay directores españoles que han abusado del género o se han encasillado. El cine comprometido socialmente es necesario, pero no es necesario que todo el cine esté comprometido socialmente.

Puestos a buscar un lugar que represente la corrupción en España, Bollaín no se complica la vida. La Comunidad Valenciana.

En cualquier caso, tengo la sensación de que con esta película que, siendo sincero, en principio no nos atraía, está funcionando el boca-oreja, y en los pocos días tras su estreno habíamos recibido varias opiniones muy positivas de personas que la habían visto en su fin de semana de estreno. Así que decidimos darle una oportunidad y empezar este segundo fin de semana que está en cartelera yendo a verla.

Lo primero que he de decir es que sigue sacando lo mejor de los intérpretes de los que dispone. Todo el reparto está bastante bien, pero desde luego el trío protagonista tiene momentos espléndidos. Dio la casualidad que la chica protagonista, Alma (Anna Castillo), había salido en un capítulo «ministérico» cinco días antes. Y me pareció absolutamente anodina. Ni caí al principio que fuesen la misma actriz. Y en general está bastante bien. No maravillosamente bien como algunos afirman, pero cumple con notable. Y esos sí son ese Alcachofa (Javier Gutiérrez), que habla mucho, y ese Rafa (Pep Ambròs), que calla más, los que permiten que la protagonista tenga el contrapunto adecuado para destacar. Estupendos. Ambos.

Cada vez es más difícil encontrar paisajes libres de aberraciones urbanísticas en esa zona.

En cuanto a lo que nos cuentan y su mensaje social… Pues es un cuentico… con final agridulce. No sé si importa o no que destripe un poquito el sentido de dicho final. Al fin y al cabo, en estas películas lo que importa es más el viaje, literalmente en este caso, o el lugar en el que nos encontramos, que el tradicional esquema de «presentación-nudo-desenlace». Y el viaje se cierra con un tono agridulce. Al fin y al cabo, hay cosas que nos se arreglan,… porque este país no tiene arreglo. Aunque nos quedemos con el buen rollito familiar con el que se cierra el filme. Lo que ya me convencen menos son algunos aspectos de la trama. Guion y directora plantean una situación propicia para hacer un poco de introspección y entonar un «mea culpa» sincero,… porque ya vale de echar la culpa a los políticos de todo lo malo que pasa en este país. En mayor o menor medida todos somos cómplices… y por ahí parece que van a ir los tiros del filme hasta que nos distraemos con los «malísimos» empresarios alemanes sin escrúpulos. A ver, oye… que empresarios malos hay en todas partes. Que nos podemos dejar de victimismos. Que a mí tampoco me cae bien Angela y sus huestes… pero de verdad, que a los políticos de aquí los votamos nosotros. No me ha satisfecho del todo el planteamiento del filme.

Esto hizo que aunque durante años tuviera yo todas las facilidades para pasar días por allá, en Peñíscola, fuera un lugar que me apeteciera poco. Mucho destrozo.

Por lo demás, se deja ver. Quienes busquen cine palomitero no lo disfrutarán… pero como se olerán de qué va, tampoco irán. Los demás… pues tiene momentos estupendos, de verdad. Especialmente gracias a esos discretos y estupendos actores, que tanto maltratan en otras películas.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Aunque algunas de estas viejas diapositivas tomadas en Alcocéber, o la propia Peñíscola, mostraban que hubo tiempos en que el paisaje mediterráneo mereció la pena.

[Cine] Tokyo Fiancée (2014)

Cine

Tokyo Fiancée (2014; 272016-0905)

Esta semana ha sido la llamada «semana del cine», tres días en los que suscribiéndote en internet y presentando un papel impreso, puedes entrar al cine por una cantidad más reducida de lo habitual. Sobre el precio habitual que pago cogiendo las entradas en internet y para las versiones originales, algo más de la mitad. Más notable es el descuento para la versiones dobladas y cogiéndo las entradas en taquilla. Pero claro,… no basta con que el cine sea barato; también tiene que haber una oferta interesante. Y durante la «semana del cine» suelen pasar dos cosas en las últimas ediciones. Coinciden con semanas en las que la oferta es bastante pobre. Y suprimen todas las sesiones en versión original subtitulada. O sea. No me interesa lo que ponen, así que pagar esa modesta cantidad de dinero es caro comparado con otras semanas en las que la oferta se ajusta a mis gustos. Todo es relativo.

Hace unas semanas anunciaron el estreno en España de la adaptación de la novela de Amélie Nothomb que nos cuenta «su» romance con un joven tokiota a los 20 años, «Ni d’Ève ni d’Adam«. Leí el libro hace seis años… y repasando lo que escribí he de aclarar algunas cosas. Cosas que no sabía cuando lo leí… no voy a modificar mi ingenua entrada de entonces, pero para aclarar las cosas.

Son muchos los paisajes urbanos de Tokio que vemos en la película.

Existen dos «Amélie Nothomb». La persona que utiliza este nombre seudónimo para firmar sus novelas, realmente llamada Fabienne Nothomb, y el personaje de algunas de sus novelas a las que da un carácter autobiográfico… sin serlo, y que también llama Amélie (Pauline Etienne). No. Nothomb no nació en Kobe, ni ligó con un tokiota… pero tanto ella como su editorial han jugado a la confusión constantemente. Incluso rodó un documental televisivo en el que «se encontraba» con Rinri (Taichi Inoue), el protagonista masculino de la novela y de la película que nos ocupa hoy, dirigida por Stefan Liberski.

La primera cosa que quiero aclarar es que la película no ha llegado a Zaragoza. Ni en versión original ni doblada. Pero es una película ya estrenada en 2014 en Bélgica, su país de origen, y hace más de un año en Francia. La película es francófona, claro. A mí me apetecía verla, y con tanto retraso en su estreno, no es difícil encontrarla por otras vías. Total,… si han decidido que no puedo verla en mi ciudad en pantalla grande, es un dinero con el que no cuentan, ni sus distribuidores, ni sus productores, ni nadie. No hay dilema ético que valga, desde mi punto de vista. Yo, sinceramente, prefiero pagar mi entrada y ver las películas cómodamente en pantalla grande,… pero en esta ocasión no es posible.

Tanto Shinjuku como Shibuya y su famoso cruce aparecen con frecuencia en pantalla.

Aclarado lo cual, he de decir que la película se deja ver. Aunque no me ha llamado la atención de la misma forma que la novela en la que se basa, una interesante historia de amor, que me parece una de las novelas más majas de la autora, de la que he leído ya media docena larga de obras. Es muy prolífica. Se dice en Francia que hay dos cosas fijas tras el verano, la vendimia y la nueva novela de Nothomb. La primera se puede adelantar o atrasar, pero la segunda es puntual.

Hay que decir también que en la película hay una traslación de época. Sitúa la acción a caballo entre 2010 y 2011, lo cual situamos perfectamente por el desastre de Fukushima, mientras que la novela situaría la acción en los años 80. Esto conlleva también algunas modificaciones en la trama que no sé si le sientan bien. Creo que no. Los intérpretes no obstante cumplen con lo que se espera de ellos, con una Amélie que no es como me la imaginaba, pero que me resulta simpática. Quizá el personaje de Rinri queda más plano de lo que era en la novela.

Bueno. No sé si recomendarlo. Para empezar no sé si podréis disponer de la película a mano. En cualquier caso, puede ser curiosa para quienes gusten de las novelas de la autora. Que aunque es traducida habitualmente al castellano, no me parece muy conocida en nuestro país.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Así que también no vamos allí fotográficamente en esta entrada.

[Libro] La vertigine dello sguardo

Cine, Fotografía

Esta entrada va de un libro. O más bien de una osadía. Vayamos un poco atrás en el tiempo… antecedentes.

En primer lugar, desde hace años mantengo una colección de reseñas sobre la fotografía en el cine. Es decir, películas que he visto en las que la fotografía es un elemento fundamental o al menos importante en el desarrollo del largometraje. También aquellas en las que podamos aprender algo de la historia o la práctica de la fotografía a través del cine.

En segundo lugar, desde hace año y medio vengo dedicándome a aprender la lengua italiana de forma autodidacta a través de Duolingo, un método gratuito en línea para aprender idiomas. Según la página,… he alcanzado un 55 % de fluidez en italiano… Bueno… no sé como lo miden. Lo que he comprobado es que cuando veo una película en italiano o me hablan en ese idioma, si no hablan muy rápido o usan un lenguaje coloquial poco estandarizado, entiendo bastante. Que hablar… me cuesta porque no practico con nadie habitualmente y soltarse a dialogar en un idioma extranjero no es fácil, pero que pequeñas conversaciones prácticas cuando he viajado a Italia recientemente, ya mantengo. Y algo que quería conseguir era leer textos originales en italiano con razonable fluidez.

En mi viaje de la Semana de Pascua a Italia, a Perugia y ciudades cercanas de la Umbria y la Toscana, tuve ocasión de visitar el Museo Civico Palazzo della Penna, centro de arte y cultura contemporánea donde comimos en su café que también es librería. Y allí encontré este librito.

La vertigine dello sguardo
Maurizio G. De Bonis
Postcart, Collana Postwords, 2013

Y me atreví a leerlo.

Lo primero que he de decir… todavía me cuesta bastante leer el italiano. No es lo mismo escuchar el lenguaje hablado con un vocabulario relativamente al alcance de un principiante, que un ensayo con un lenguaje culto, cuidado y con un léxico variado. Así que no he ido muy rápido.

Pero el tema era apasionante. El subtítulo lo dice todo:

La fotografía en el cine, entre narración y filosofía de la imagen.

En una serie de capítulos y sobre la base del análisis de una serie de películas que el autor considera significativas en la historia del cine, se reflexiona sobre las relaciones entre el lenguaje fotográfico y el cinematográfico.

Los temas que trata en cada uno de los capítulos son:

La mirada a través de un dispositivo óptico, es decir, a través de una cámara fotográfíca o cinematográfica, sus diferencia y sus elementos comunes.

El cine, el fotoperiodismo y las cuestiones éticas que le afectan.

La figura del fotógrafo entre la biografía, la ficción y la imaginación.

El problema de la mirada y su relación con la realidad.

La fotografía entre el suspense y el horror.

Y termina repasando una serie añadidas de ocho películas relacionadas con la fotografía.

Mencionar aquí el conjunto de películas comentadas con mayor o menor profundidad sería muy prolijo. Hay más de treinta, además de citas a otras que no son comentadas. Desde algunas donde el protagonista es un fotógrafo de ficción, como Rear Window (La ventana indiscreta) o Blow-Up, a aquellas otras en las que tratamos con un fotógrafo real que inspira en mayor o menor medida la película, como Flags of Our Fathers (Banderas de nuestros padres), Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (Retrato de una obsesión) o The Public Eye (El ojo público), o esas otras donde una cámara de fotos tiene un papel importante durante toda la película o en un momento dado, véase Persona o Smoke. Y como no, aquella película cuasiexperimental que en practicamente todo su metraje está rodada con fotos fijas, que fue la incalificable pero interesantísima La Jetée. Estos son sólo algunos ejemplos.

El libro es profundo. Incluso si estuviese escrito en castellano, lo habría tenido que leer con calma, pero muy interesante. Yo he aprendido mucho. Sobre cine y sobre fotografía. Muy recomendable. La única pega… está en italiano. Que no es un idioma comúnmente conocido. Y que como acabo de experimentar, es menos comprensible de lo que parece cuando nos metemos en textos con calidad literaria. Pero me ha merecido la pena.

Todas las fotografías que ilustran el artículo realizadas en las calles de Perugia, Italia.

También en: La vertigine dello sguardo – La fotografía en el cine, entre narración y filosofía de la imagen – Fotografía y otras artes visuales

[Cine] La noche que mi madre mató a mi padre (2016), comedia de enredo ¿o comedia enredada?

Cine

La noche que mi madre mató a mi padre (2016; 262016-2904)

Este fin de semana nos hemos decantado por el cine patrio. No lo tenía yo muy claro, si queréis que os sea sincero. A priori tenía pinta de ser una comedia de enredo, un tipo de comedia que hace mucho mucho mucho tiempo que no me encuentro con una cierta calidad entre las producciones españolas. Pero el reparto que ha buscado Inés París, directora de la que sólo había visto hasta ahora un filme, y que no me gustó gran cosa, tiene un aspecto prometedor. Así que al final,… ¿por qué no?

Se define «la comedia de enredo como un subgénero dramático caracterizado por un argumento complicado e ingenioso y con final inesperado» (1). Los españoles debiéramos ser maestros de este arte, porque fue uno de los tipos básicos de la comedia en el teatro del Siglo de Oro. Y sabemos que en aquella época, cuando se ponía serios, le daban al tema del honor y esas cosas; pero cuando tocaba ser gracioso, nada como un buen embrollo de lo que después se ha dado en llamar la «guerra de sexos» para encandilar al personal. Y esta es la cuestión con esta peliculita. Un matrimonio, él escritor (Eduard Fernández), ella actriz (Belén Rueda), que se relacionan pacíficamente con el ex de ella (Fele Martínez), actor también, y la ex de él (María Pujalte), productora cinematográfica. Entre todos tienen tres hijos que nunca comparte ambos progenitores a la vez, y que en función del título dado al filme, pensaríamos que son el punto de vista desde el que se cuenta la historia. No es así. Completan la función un actor argentino que hace de sí mismo (Diego Peretti), y una jovencita (Patricia Montero), actual relación del ex de ella. Como vemos, no falta embrollo.

No se me ha ocurrido qué fotos poner en esta entrada alusivas a la película… ni siquiera sé dónde está rodada ¿Barcelona? ¿Alguna otra ciudad mediterránea?

A esto añadámosle unas notas de estereotipos al uso. El uno es un neurótico agonías, la otra un poco histérica e insegura, aquel un caradura, esa una reprimida, el recién llegado un donjuán a su pesar,… y la joven… pues tetona y ligera de cascos, claro. ¿Original, verdad? ¿Imprevisible? Pues no, oye. Como decía, estereotipos al uso. Y es que aquí vamos. Si en la definición se supone que hay un argumento lioso, pues lo sería si… se cumpliese la segunda parte de la misma. La resolución inesperada. Y no. Si a alguien de los pocos que estábamos en la sala le sorprendió el desarrollo de la acción que levante la mano. Nadie… ninguna mano a la vista… vaya.

En cualquier caso, os dejo unos motivos primaverales, hoy que parece que realmente es primavera…

Guion flojo, con algunos golpes que despiertan sonrisas aquí y allá, con alguna risa suelta, pero que no deja absolutamente ningún poso. Hace cuatro días que vi la película y ya casi se me ha olvidado. El elenco hace lo que buenamente puede, y gracias a su oficio consiguen hacer que la película llegue al aprobado. Pero ciertamente uno siente añoranza… Yo soy de los que dicen que cualquier tiempo pasado fue… anterior. ¿Mejor? No en la mayor parte de las cuestiones del género humano. Pero en lo que se refiere a la comedia española… cuánto daño han hecho en los últimos quince años. Sin hablar de los tiempos de las «españoladas», o los del cine-caspa «ozoriense» y similares. Claro. Comparado con estos… esta película es Bergman. Pero vamos…

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

… porque lo que ha sido este fin de semana largo pasado,… brrr que viento tan frío para ser las fechas que son.

Cuaderno de Ruta V. 3.0

Diario no diario de Carlos Carreter

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