La he visto esta sobremesa en televisión. Más de dos horas de duración para una historia, que cambia el carácter y la historia de los Robin Hood tradicionales, pero que tampoco aporta nada nuevo. Pretenciosa. En algún momento pedante. En otras, un Robin Hood que recuerda a cierto master and commander. No obstante, es una película que puede entretener… en la sobremesa de un sábado.
Cine
[Cine] Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos (2009)… y Blood Simple (1984)
CineNota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian integramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.
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Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos (San qiang pai an jing qi, 2009), 22 de mayo de 2011; Blood Simple (1984), 22 de mayo de 2011 (en vídeo)
Como ya hice hace unos meses, también involucrando a una película de los hermanos Coen, hoy toca un dos en uno. Normalmente, los norteamericanos hacen nuevas versiones de películas asiáticas. Pero en esta ocasión ha sido al revés. Un director chino, de cierto prestigio, Yimou Zhang, ha realizado una nueva versión, muy sui generis, de un filme de los hermanos Coen, Joel y Ethan. Y como se da la situación de que tengo el DVD de aquella opera prima de los Coen, que en castellano titularon Sangre fácil, pues si por la tarde veíamos la nueva versión, por la noche me escapaba del triste mundo electoral viendo aquella veterana película en versión original. Así que intentaré comentar las dos películas en paralelo como hice con True Grit.
Sinopsis
Antes de redactar la sinopsis, que es relativamente coincidente para los dos filmes, haré un cuadro con los personajes principales y sus intérpretes en ambas versiones. En los idiomas orientales lo habitual es que el apellido vaya por delante del nombre propio, sin embargo, para mantener una coherencia en todo el artículo, yo los escribiré al estilo occidental con el nombre propio delante. Así, el director del filme suele ser mencionado como Zhang Yimou, siendo Zhang el apellido. Salvo en el ejemplo anterior, yo lo mencionaré como Yimou Zhang (que es la convención que rige también en IMDb):
Personaje |
1984 |
2009 |
El marido |
Dan Hedaya |
Dahong Ni |
La mujer |
Frances McDormand |
Ni Yan |
El amante |
John Getz |
Xiao Shen-Yang |
El empleado |
Samm-Art Williams |
Ye Cheng |
El detective |
M. Emmet Walsh |
Honglei Sun |
Ambas películas nos cuentan una historia de venganzas. Un marido rico, que abusa físicamente de su mujer, se entera de que esta mantiene relaciones sexuales con uno de sus empleados, por lo que decidirá contratar a un detective privado para que mate a ambos. Mientras, la mujer compra un arma con el fin de llegado el caso matar al marido, harta de la situación. El detective aceptará el trabajo, pero al final, las cosas no serán como parecían. Y un conjunto de traiciones y decisiones basadas en la avaricia llevarán al sangriento final.
Las diferencias argumentales están en que la película de los Coen se sitúa en una zona petrolífera de Tejas en la década de los años 80 del siglo XX, donde el marido regenta un bar que le reporta sustanciosos beneficios, mientras que la película de Yimou Zhang nos traslada a una región desértica de la China de hace unos siglos donde el marido regenta una posada donde sirve de comer a base de fideos chinos, como indica el título de la misma.
Producción y realización
La película de los Coen fue su ópera prima como largometrajistas, contaba un presupuesto muy ajustado, y tiraron de un reparto con nombres no excesivamente conocidos. Así como posteriormente han usado profusamente el humor en sus películas, aquella llevaba a cuestas un guion de cine negro, completamente dramático, con pocas concesiones a la alegría. Un guion que funcionaba, y que con una realización desenfadada y con muchos homenajes a diversos maestros del cine anterior, nos proporcionaba una película bastante notable.
Sin embargo, Zhang se mueve en un terreno totalmente distinto. Tirando de la estética colorista y preciosista que le ha hecho famoso en anteriores películas, se ha decantado por otorgar a la historia un carácter cómico, rozando en ocasiones la parodia. La parodia de sí mismo, en cuanto al tipo de películas que ha hecho anteriormente, y la parodia del cine negro, ante una serie de caracteres eminentemente débiles, que se ven enredados en la trama de odios y avaricias que los consume. Visualmente es muy interesante, y es en ese aspecto donde más destaca. Especialmente, cuando contrasta con la oscuridad y la sordidez con la que está filmada su precursora. Tiene un ritmo pausado, como el que se suele atribuir a las películas orientales, aunque se nota que se inspira también en algunas de las viejas películas del oeste.
Interpretación
Interpretaciones correctas tirando a buenas en la película de los Coen, donde no pesa la falta de nombres sonados. Hay que decir que del reparto de la película sólo Frances McDormand, en aquellos momentos una joven actriz en sus veintitantos, alcanzaría un cierto renombre. La mayor parte de las veces en películas de los Coen, aunque no de forma exclusiva. Ha sido candidata a los óscars en cuatro ocasiones, ganándolo en la buenísima Fargo.
En la película china, lamentablemente no hemos podido verla en versión original. No obstante, es una película en la que los diálogos no abundan, y donde los actores cumplen sobradamente con los papeles, tirando a cómicos, que les prepara el director.
Conclusión
Blood Simple (Sangre fácil) es una película que debería ver todo amante del cine negro. Y al resto de los amantes del cine no les iría mal. Entretenida, con tensión, con un buen diseño de caracteres y una realización ágil y fresca, ha envejecido bien y nos demuestra que para hacer un cine razonablemente bueno no hace falta ni mucho dinero ni muchos efectos especiales.
La película de Yimou Zhang es un caso distinto. Aunque la crítica la ha tratado regular, de hecho ha tardado dos años en llegar a las pantallas españolas, lo cierto es que es una película entretenida. Yo lo pasé bien, y si no me reí a carcajadas, sí que mantuve una sonrisa permanente durante toda la proyección. Y visualmente es impresionante, como suele ser el caso del cine de este director chino. Sin embargo, no haría de ella una recomendación universal. No tiene aportaciones especiales a la trayectoria del director o del cine chino, más allá de ser un entretenimiento curioso. Idónea para pasar el rato, siempre y cuando estés dispuesto a aceptar la estética y los ritmos de otras culturas distintas de los tópicos occidentales. Aunque tiene algo de western en su planteamiento.
Calificación
La calificación corresponde exclusivamente a la película que he visto en pantalla grande, la película china de 2009:
Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***
Recomendación musical
Desde ayer, voy revisando la discografía de Bill Evans, como ya pudistéis comprobar en la anterior entrada. Y ayer me dormí, y hoy tengo puesto, el Blue in Green de 1974, en el que además de revisitar algunas de las piezas del Kind of Blue de Miles Davis en el que participó, tiene alguna curiosidad, como T.T.T. (Twuelve Tone Tune), jazz dodecafónico.
Continúa, más organizado, el campamento de protesta en la plaza del Pilar de Zaragoza; no sé cómo habrán recibido los resultados electorales... tan opuestos a sus planteamientos - Pentax K-x, SMC-DA 70/2,4
[Cine] Midnight in Paris (2011)
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Midnight in Paris (2011), 15 de mayo de 2010.
Este año, la dosis anual de cine de Woody Allen ha llegado pronto. Y además, teniendo muy reciente su presentación fuera de concurso en el festival de Cannes, donde la reacción de crítica y público fue muy positiva, con mayor expectación. Así que la cosa ha ido bien, porque han traído a la ciudad varias copias, y una de ellas en versión original subtitulada. Aunque la película no modifica su título en las versiones dobladas; cosas que pasan, porque mira que es fácil una traducción sin complicaciones. Cosas que tiene el monstruo criminal que pone los títulos a las películas en español. Pero a lo que vamos, comentemos la ración habitual de cine del neoyorquino.
Sinopsis
Gil (Owen Wilson) es un guionista de éxito en Hollywood que quiere dar un salto cualitativo en su carrera como escritor. Está escribiendo una novela. Con motivo de unas vacaciones en París con su novia Inez (Rachel McAdams) y sus futuros suegros, decide que la capital francesa es el lugar ideal para inspirarse. Aunque añora el ambiente creativo que imperó en los felices 20, momento en el que sin duda, su creatividad hubiera sido máxima. Ante el escepticismo de su novia y de los padres de esta, empieza a dar paseos nocturnos por la ciudad, y cuando llegan las doce de la noche, un coche de época le transporta esa edad de oro que él imagina de los años 20 parisinos. En esa época conocerá a muchos grandes artistas, Picasso, Dalí, Buñuel, Scott y Zelda Fitzgerald, Hemingway, Cole Porter, Juan Belmonte, Man Ray,… entre otros. Pero también conocerá a una estudiante de alta costura, Adriana (Marion Cotillard), en quien encontrará un alma gemela y de la que acabará enamorándose… aunque muchas cosas pasarán hasta que la historia se resuelva
Realización y producción
Con un estilo de realización sencillo y directo, como suele ser habitual en el director, con una fotografía muy postalera, de tonos cálidos, se nos ofrece una historia sencilla, con tonos mágicos, amable, con diálogos que pueden llegar a ser muy divertidos, pero sin grandes complicaciones. Las primeras escenas, una interminable sucesión de postales parisinas, nos hace temer que la película se convierta en una especie de ‘publirreportaje‘ de la ciudad-luz, como pasó hace unos años con la aventura española del director. Pero nos encontramos ante un guion más sólido, en el que el director vuelve a incidir sus temas habituales; el amor, las mujeres, el proceso creativo, la inspiración, la muerte, etc. Pero todo en esta ocasión con un tono muy amable.
Interpretación
El protagonista absoluto de la película es Owen Wilson, lo cual me daba mucho miedo, porque siempre asocio este tipo de actores a las comedias zafias que abundan ahora en el cine de Hollywood. La verdad es que si quiero ser justo, tampoco he visto mucho de este actor, porque las películas que hasta ahora ha hechos son filmes a los que simplemente, no voy. Ni veo por la televisión. Pero reconozco que no funciona mal. Es el papel que habitualmente se reservaba para sí en otros tiempos el director, pero no es simplemente un actor imitando los tics de Woody Allen. Se le otorga la personalidad de norteamericano simplón, honesto, algo infantil, que se deslumbra ante la historia y la cultura de la vieja Europa, y más concretamente de la capital francesa, y es algo que se le ajusta como un guante. El resto del reparto cumple. A Rachel McAdams le toca un papel ambivalente. Por un lado le toca estar guapísima, pero al mismo tiempo es un personaje que te tiene que caer mal. Ella y su familia representan todo aquello que normalmente nos cae mal de los americanos; conservadurismo, clasismo, papanatismo, desprecio por lo ajenos,… Pero también lo hace bien. En el lado opuesto, a Cotillard se lo ponen fácil. No sólo tiene que estar guapa, que lo está, con sus vestido de época, sino que además tiene que ser simpática, encantadora. Y lo está. Y tiene oficio de sobra. Entre la multitud de pequeños papeles que van saliendo, no tiene repercusión la primera dama francesa, Carla Bruni, que si lo que hace no lo llamamos cameo es porque sale dos veces. Kathy Bates cumple con las tres o cuatro escenas que le dan. La guapa francesa Léa Seydoux tiene un papelito que desde que aparece en pantalla sabemos que va a tener más trascendencia de lo que parece; Alison Pill, que me sorprendió gratamente en cierta serie de televisión, está guapa y divertida;… Y sobre todo, los momentos más divertidos nos los ofrece Adrien Brody, componiendo un hilarante Dalí monotemático con los rinocerontes. En general, todos cumplen
Conclusión
Comedia amable de Woody Allen, que creo que puede gustar a todo el mundo y no sólo a los incondicionales del director. Está divertida, es bonita de ver por los paisajes parisinos que inundan el filme, con bonitas escenas a orillas del Sena, de las cuales ya nos ofreció algún adelanto hace unos años,… Y bueno, una reflexión sobre el famoso dicho «cualquier tiempo pasado fue mejor», que al final concluye adoptando la teoría más firme que afirma que «cualquier tiempo pasado fue… anterior». En el lado de las debilidades,… básicamente que es relativamente predecible. Quizá demasiado. Salvo porque nunca sabes que nuevo artista famoso va a salir a continuación en los viajes en el tiempo del protagonista. Está bastante visible esta película, es muy entretenida.
Calificación
Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ****
Recomendación musical
Con las películas de Woody Allen, el jazz siempre es una recomendación. Y si se traslada a los años 20, pues también podremos incluir el charlestón y otros animados géneros musicales de la época. Pero ya que sale cantando, recomendaremos la pícara Let’s do it de Cole Porter, que fue escrita para el musical París en 1928.
Pasear en París bajo la lluvia, el ideal del protagonista de Midnight en Paris para inspirarse; menuda ‘inspiración’ se podía coger el día de la foto en las avenidas que confluyen en l’Etoile – Panasonic Lumix LX3
[Cine] Thor (2011)
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Thor (2011), 8 de mayo de 2010.
Cada vez que veo una película de superhéroes me hago el propósito de no volver a caer en la tentación, y no volver a ver ninguna más. Pero como la mayor parte de las que he visto, se han producido en un entorno de
nosotros nos vamos a verla, tú si quieres te vienes y si no te vas solo a ver otra, o te quedas en casa.
Así que antes que quedarme en casa, con la cartelera demasiado floja para encontrar una justificación para irme solo a ver otra película, y con la excusa de que después de todo es de Kenneth Branagh, pues he ido a ver otra de superhéroes. Y el resultado es…
Sinopsis
En algún lugar del espacio sideral, Asgard, residen los individuos que constituyen el panteón germánico. Ya se sabe,… Odín, Thor, Loki, Freya o Frigga, etcétera. En el pasado lucharon contra los gigantes de hielo y los vencieron. Y ahora se dedican a soltar unos discursos muy pretenciosos a comer y a beber… El rey de todos, Odín (Anthony Hopkins), va a comunicar quien va a ser su sucesor entre sus dos hijos; el natural, Thor (Chris Hemsworth), y el adoptado, Loki (Tom Hiddleston). Pero se produce una intrusión en los palacios y queda herido. No sin antes haber desprovisto de sus poderes a Thor, porque es un tarambana, y haberlo enviado a la Tierra, Midgard según la mitología nórdica, sin su martillo y sin su camisa. Allí conocerá a una extraña astrofísica (Natalie Portman) que trabaja en una furgoneta en una especie de nueva versión de una película muy mala sobre tornados que hicieron hace tiempo. Y claro, ante el macizo de sin camisa y con la melena rubia, se le hará el culo gaseosa, caerá derretida por sus huesos, y le ayudará a encontrar el martillo. Y después de eso se sabrá quien es el traidor, y se producirá la superbatalla final, y esas cosas.
Realización y producción
En primer lugar, decir que no hay nada en este filme que haga pensar o sospechar que esté dirigido por Branagh y no por cualquiera de los directores que se dedican habitualmente a este tipo de películas. Mucho efecto especial, mucho trabajo de computadoras, movimientos de cámara raros, y mucho dinero en una gran superproducción para llevar a la pantalla un guion que firman, sorprendentemente entre cinco. Por os puedo asegurar que hay momentos, especialmente en los ratos en los que la acción se desarrolla en la Tierra, que la historia que nos están contando da vergüenza ajena. Los diálogos, en general, en todo momento durante la película, de una simpleza y necedad difícil de igualar, e incluso de emular.
Interpretación
A estas películas no se viene a interpretar. Los macizos se dedican a ensañar músculo, que para eso los destierran sin camisa ni nada, y los demás a recitar los tontos diálogos que sirven de ruido de fondo a todo lo demás. Si a la Portman le dieron un óscar por lo del cisne, supongo que al año que viene le darán un razzie por este engendro. Sería lo justo.
Conclusión
Apta exclusivamente para friquis fanáticos de los cómics de la Marvel. A estos les da igual todo, y supongo que son los que votan en IMDb, y hacen que parezca que tiene algo de calidad. Pero no tienen ni idea. Esto es un bodrio de película. El resto del personal mejor que se abstenga. Por su salud mental. Si la alternativa es quedarse en casa viendo la tele, seguro que en algún canal hay algo miles de veces mejor y más interesante. O es mejor ir a pasear, que es muy sano, especialmente para el corazón. No lo dudéis. Si encima os la tenéis que tragar en 3-D, lo cual en Zaragoza era obligatorio si la querías ver en versión original, encima saldrás mareado, y por culpa de las gafas será más oscura y con menos saturación en los colores, es decir con una calidad de imagen lamentable. Y más caro.
Calificación
Dirección: *
Interpretación: *
Valoración subjetiva: *
Recomendación musical
Sin duda alguna El ocaso de los dioses de Wagner… especialmente en la confianza que se produzca algún buen Ragnarök o Götterdämerung, que acabe con todos estos personajes ridículos, los condene para siempre al olvido, y los estudios se dediquen a financiar algo que, además de producirles dinero, tenga algo de calidad. Aunque lo dudo. Aunque como decía Woody Allen, en Manhattan Murder Mistery (Misterioso asesinato en Manhattan),
I can’t listen to that much Wagner. I start getting the urge to conquer Poland.
que en la versión doblada al castellano se tradujo como,
Cada vez que escucho a Wagner, me entran ganas de invadir Polonia.
Que no es una traducción literal, pero conserva plenamente el sentido de la frase de Woody.
No, no es en esta ópera donde sale la música de la Cabalgata de las valquirias, que tan de moda se puso con Apocalypse Now. Eso es dos operas antes.
¿El Bifröst por donde bajaban los dioses germánicos a la tierra?, o... ¿simplemente el arco iris en una tarde de tormenta en el límite entre Aragón y Castilla visto desde el Ave? - Leica D-Lux 5
[Cine] Tokio Blues (2010)
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Tokio Blues (Noruwei no mori, 2010), 2 de mayo de 2010.
La tentación era demasiado fuerte. Ya hemos discutido eventualmente sobre las novelas de Murakami, lo más para algunos, un tostón para otros. Pocos quedan en el punto medio. Quizá algunos como yo, que encontramos elementos muy interesantes, pero no acabamos de ver el cuadro en su conjunto. No pocos se defienden diciendo que es que es un escritor muy oriental. En su país lo acusan de estar muy occidentalizado. Y tras veinte años de rumores, propuestas y peticiones, por fin se ha adaptado su novela más representativa, que citaré por su título original, Norwegian Wood, como la canción de los Beatles. Porque nunca he entendido el que le pusieron en España y otros países, y que ha heredado la versión en castellano de la película.
Pero vamos a esta última. Como decía, la tentación de comprobar si era o no posible adaptar esta película al cine era muy fuerte. Y más si el director es el franco-vietnamita Anh Hung Tran, que tiene un par de películas previas que me gustaron mucho.
Sinopsis
Toru Watanabe (Kenichi Matsuyama) es el amigo de la adolescencia de Naoko (Rinko Kikuchi) y Kizuki, que a su vez son novios. Este último se suicida al final de su adolescencia, y los otros dos se perderán de vista hasta el momento en que Toru se encuentre realizando sus estudios en una modesta universidad tokiota. Allí volverán a encontrarse, e iniciarán un romance que se verá estorbado por los desequilibrios mentales de Naoko, que la llevarán a un sanatorio mental en las montañas entre los bosques. Mientras, Toru conocerá a otra chica, una compañera de clase, Midori (Kiko Mizuhara), por quien empezará a sentir algo progresivamente a pesar de que esta sale con otros chico. Pronto Toru se verá atrapado entre los sentimientos profundos que siente por las dos chicas, mientras va transcurriendo su vida como universitario. Otros personajes irán salpicando y modulando las acciones y los sentimientos de los personajes. Narasawa (Tetsuji Tamayama), el cínico y mujeriego amigo de Toru. Hatsumi (Eriko Hatsune), la novia enamorada pese a todo del anterior. Reiko (Reika Kirishima), la compañera y amiga de Naoko en el sanatorio psiquiátrico. Pero finalmente, todo quedará en lo que les pase a los miembros del triángulo formado en torno a Toru.
Realización y producción
Un gran problema y una gran virtud marcan este filme.
El gran problema es que la dificultad de adaptación de la novela, los mil matices y pequeñas historias que cubren sus páginas, obliga a una translación al medio cinematográfico casi esquemática. Yo supongo que desconcertante para quien no haya leído la novela. Se pierde la noción del paso del tiempo. Las elipsis no están claras. Apenas podemos distinguirlas por algunos detalles en el cambio del aspecto físico de los personajes. Sólo unas pocas escenas son tratadas con la profundidad que merece la historia.
Y aquí viene la gran virtud. En las escenas en las que el director se para, se detiene y nos muestra con detalle, encontramos retazos de cine de alto nivel, con encuadres y ambientes tremendamente bien logrados y ajustados, con una fotografía maravillosa, con una luz que acompaña perfectamente el ánimo de los personajes en escenas, con elementos cargados de simbolismos, especialmente en las secuencias rodadas en la naturaleza. Los bosques, las praderas, los montes, dan todo sentido a esa relación entre los personajes, entre los ambientes, y con la canción que da título a la película en el punto central de la misma. El título original, Norwegian Wood, no la tonta traducción española. El momento del duelo del protagonista, a orillas del mar, ese mar encrespado, con esas olas que nos recuerdan las pinturas japonesas de antañao, y que nos hablan de la agitación que por dentro sufre el personaje. Creo que sólo por algunas de estas secuencias, ya merece la pena ver la película.
Interpretación
Me hubiera gustado ver la película en versión original. Como todas. Nuestros dobladores están más acostumbrados a los doblajes de películas anglófonas, y cuando trabajan en otras filmografías hacen que esta penosa práctica se vuelva más penosa todavía. Pero en general, a pesar de esta limitación, creo que los jóvenes actores que participan están razonablemente bien, cumpliendo con sus papeles, y con el espíritu de los personajes que han de encarnar. Curiosamente, me llaman más la atención algunos de los secundarios, como por ejemplo Eriko Hatsune (Hatsumi), cuando cuestiona la ética de las andanzas de Toru y su novio, Narasawa, o la dignidad que representa siempre Reika Kirishima (Reiko), siempre en un segundo término de la relación entre Toru y Naoko, pero que al final se reivindica y busca su camino de la mejor forma que puede y sabe.
Conclusión
Una película con indudables debilidades, que se pueden deducir de lo que he comentado antes. De su esquematismo, de que hay cosas de las que no te enterás si no conoces previamente la historia, pero justifica sobradamente su visión por algunas de las escenas, propias del cine oriental, llenas de gran belleza, de hermoso simbolismo, y que muestran la calidad del director, que en este caso se mete en la misión casi imposible de salir airoso de la adaptación de semejante novela.
Calificación
Dirección: ****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***
Recomendación musical
Resulta demasiado obvia la recomendación de la canción de los Beatles que da título a la película, Norwegian Wood. Pero con algunas matizaciones. La traducción correcta al castellano del título de la canción, y que se extrae del contexto de la letra de la misma es ‘madera noruega’. Porque así estaba decorado el apartamento de la chica con la que al final no se acuesta el chico protagonista de la canción. Sin embargo, el título original japonés del filme, Noruwei no mori, sólo se puede traducir como ‘bosque noruego’, que podría ser una traducción válida del título de la canción si no fuera porque el contexto nos dice que no. Y tiene más que ver con algunos de los paisajes en los que se desarrolla la película.
Dicho lo cual, Horace Silver, pianista y compositor de jazz, hardbopero con un estilo muy funky, tiene un disco que se titula The Tokyo Blues, como el título en castellano del filme, y que a mí me gusta un montón.
Ya que el título del filme, el original, homenajea una canción de los Beatles, os traigo una foto de un detalle de una ilustración que se puede encontrar en la exposición 'Los Beatles - Made in Spain', que se puede visitar en el Centro de Historia de Zaragoza - Canon EOS 5D Mk.II, EF 50/1,8
[Cine] No Strings Attached (2011)
CineNota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.
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No Strings Attached (2011), 29 de abril de 2011
Esta es la tercera vez, creo, que puedo ver una película de reciente estreno, en pantalla grande, en circunstancias peculiares, en versión original. No detallaré las circunstancias, que no son importantes.El caso es que cuando me surge la ocasión, acudo, aunque luego pueda arrepentirme ya que no puedo elegir la película. Y eso es un riesgo. Y a priori sabía que en esta ocasión, una comedia romántica, dirigida por Ivan Reitman, que no es santo de mi devoción, iba a ser un riesgo mayor todavía. En español se ha estrenado con el título Sin compromiso (tanto les costaba titularla ‘sin ataduras’ que es más literal y no queda mal).
Sinopsis
Un chico (Ashton Kutcher) y una chica (Natalie Portman) tienen distintos encuentros a lo largo de su vida desde los 14 hasta los veintitantos años. Pero, siempre por la reticencias de ella, que no se siente capaz de llevar a buen término una relación, lo van dejando. Hasta que llegan a un acuerdo. Van a ser amigos con derecho a roce. Sexo sí, pero sin compromiso alguno. Por supuesto, un acuerdo tan sencillo y tan conveniente desde muchos puntos de vista no tardará en complicarse por la naturaleza romántica y bondadosa del chaval.
Realización y producción
Comedia romántica al uso, con cierto grado de enredo, y con conflicto entre los personajes, y una pléyade de secundarios que los rodean sin que tengan que ver gran cosa con la historia central. Casi todos son prescindibles. Guion típico y tópico, sin momento de brillantez destacables. Realización técnicamente correcta, como es lo normal en este tipo de productos. Por lo demás, anodina, carece de cualquier tipo de implicación emocional con la historia que está desarrollando.
Interpretación
La Portman sale guapa. Y aunque delgadita, a ratos sexy. Más que en otras películas. Pero pocos méritos más se le puede añadir a la reciente ganadora de un premio de la academia. En cuanto a Kutcher, es un individuo que he visto poco, porque las películas que hace, pocas veces me interesan. No voy a decir que sea una catástrofe de la interpretación, pero es un tipo absolutamente prescindible para la historia del cine. Y en esta película también. Sale por ahí, totalmente desaprovechado, Kevin Kline, interpretando al padre del mozo. El guion es el culpable de que no se luzca y nos divierta un poco con esas buenas dotes que tiene para lo comedia. Lo mismo podríamos decir de otros secundarios, que se les nota que tienen mucho más garbo y ganas que los protagonistas, pero que no se les da la oportunidad de que animen un poco el cotarro.
Conclusión
Comedia romántica, que no resulta nada cómica y, por previsible, tampoco especialmente romántica. A no ver, salvo que seas… no sé muy bien a quien puede convenir esta película. La verdad. La encuentro regular incluso para el público, joven y mayoritariamente femenino, a quien está dirigido. Soy de los que creen que la gente no es (del todo) tonta. Pero me puedo equivocar. Y mucho.
Calificación
Dirección: **
Interpretación: *
Valoración subjetiva: **
Luz crepuscular en la subida de Cuellar, en Zaragoza - Leica D-Lux 5
[Cine y foto] Historias de Filadelfia / Alta sociedad
Cine, FotografíaHace unos días vi el célebre fotograma final de la película Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story), y recordé que uno de los personajes más importantes de la película, aunque no protagonista, Liz Embrie, es una fotógrafa de una revista del corazón encubierta en la boda de la célebre Tracy Lord. Por supuesto, lo mismo sucede en su versión posterior, colorida y musical, Alta sociedad (High Society). Por lo tanto, ambas han sido incluidas en mi colección de películas relacionadas con la fotografía, pero en un mismo paquete, incluidas en una única reseña, cuyo enlace acabo de poner.
En cualquier caso, sabéis que tenéis el enlace de acceso a esta colección de películas de cine relacionadas con la fotografía en la columna lateral de la derecha.
Recomendación musical
Disfruté hace un par de tardes de una retransmisión en Mezzo Live HD de Le Songe, un ballet coreografiado por Jean-Cristophe Maillot sobre la base de la música de Mendelssohn Bartholdy, El sueño de una noche de verano, y ejecutado por Les ballets de Monte-Carlo. No soy nada entendido en temas de ballet, pero me pareció un espectáculo espléndido, moderno y con una retransmisión televisiva de una gran calidad. Claro que la música incidental que el música alemán compuso para la excelente comedia romántica del Bardo, incluye una famosa marcha nupcial, que se aviene bien a acompañar a estas dos películas que tratan de bodas. Y en general al día de hoy, en el que la noticia principal, desgraciadamente, es cierta boda.
Por cierto, esta obra de Shakespeare es una de mis favoritas de la literatura universal.
Anda que no habrá gente ni nada hoy alrededor de la abadía de Westminster, en Londres - Pentax P30N, con un objetivo de 28 mm de cuyo nombre no puedo acordarme
[CineTren] Código fuente
Cine, TrenesSi el protagonista de la película vuelve repetidametne, gracias a unos misteriosos avances científicos, a los últimos 8 minutos de un tren de cercanías de la red metropolitana de Chicago para intentar pescar al terrorista que pone una bomba en el convoy. Si se enamora de una guapa chica en ese tren. Si buena parte de la película esta rodad en el tren o en sus alrededores con abundante ambiente ferroviario. Si todo esto sucede, evidentemente es una película candidata a figurar en mi colección de películas del ferrocarril en la historia del cine.
Y esto es lo que sucede con Código fuente (Source Code), película dirigida por Duncan Jones, director que fue también de la interesante Moon, y que nos vuelve a llevar a una película de ciencia ficción donde juega con los viajes en el tiempo, o quizá más precisamente con las realidades alternativas. Pero dentro de un tren de la red metropolitana de cercanías de Chicago. CCR en la ficción; Metra en la realidad. Los trenes son los mismos.
Podéis ver mi reseña a través de este enlace, o accediendo a través de la página principal de CineTren, cuyo enlace encontráis también en la columna lateral de la derecha.
Un tren de la red de cercanías de Zaragoza, perteneciente a Renfe, en la estación de Miraflores - Panasonic Lumix GF1, G 20/1,7 ASPH.
[Cine] Country Strong (2010)
CineNota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.
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Country Strong (2010), 23 de abril de 2011.
No teníamos especiales preferencias para ir al cine este fin de semana pasado. La cartelera estaba bastante lánguida, no sabemos si por efecto de las fiestas o por efecto de la incapacidad de los cineastas para suministrar una cantidad suficiente de productos interesantes para las 52 semanas del año. Y nos encontramos con esta película con un reparto relativamente atractivos, en versión original, y con música. Aunque no había unanimidad sobre la apreciación de los que íbamos a la música country. Pero bueno, había que probar con este filme realizado por la directora Shana Feste, novedad para mí.
Sinopsis
Kelly Canter (Gwyneth Paltrow) es una cantante de éxito de música country, que se encuentra en un centro de rehabilitación para alcohólicos después de un accidente en un concierto en Dallas en el que estaba bebida, y que le produjo la muerte del feto de 5 meses que gestaba. En el centro ha encontrado el consuelo y el apoyo de Beau (Garrett Hedlund), uno de los cuidadores, músico de country también, aficionado, y con quien parece que ha hecho algo más que amistad. Pero su marido y representante James (Tim McGraw), la saca precipitadamente del centro. Ha conseguido una gira por distintas ciudades tejanas, que terminará nuevamente en Dallas, y que puede ser una oportunidad para relanzar su carrera. Entre los teloneros irá Beau y también una jovencita, Chiles (Leighton Meester), que amenazará la seguridad de la veterana cantante. El salir de nuevo a la carretera será una ocasión, pero también una amenaza para la cantante. Especialmente cuando vuelvan a surgir sus inseguridades, y cuando los afectos románticos entre los cuatro personajes empiecen a entrelazarse.
Realización y producción
Correctamente rodada y producida, tampoco es una película complicada para los estándares americanos, el principal problema del filme es el guion. Y es que el guion no vale. Desde luego, no es nada nueva la historia sobre el conflicto en una mujer entre el éxito y la felicidad. O la amenaza de la actriz madura por la estrella incipiente. Las múltiples versiones de Ha nacido una estrella (A Star Is Born), El crepúsculo de los dioses (Sunset Blvd.), Eva al desnudo (All About Eve) y otras muchas películas ya nos lo han contado desde múltiples puntos de vista. Y esta película no aporta nada nuevo. Salvo el mundillo de la música country; aunque parece que también hay algún ejemplo previo de esto pero que yo no he visto. Pero es que además, los diálogos son muy flojos, muy tópicos, con situaciones absolutamente previsibles y en ocasiones ridícular. El único punto positivo que realmente se le puede poner a la realización de la película es el rodaje de las actuaciones en los conciertos, muy espectaculares.
Interpretación
Lo cierto es que toda la película está puesta al servicio de la protagonista. La Paltrow sale guapa, elegante, y canta. Razonablemente bien. El resto del reparto hace lo que puede igual que ella, ya que los mimbres con los que tienen que trabajar son muy flojos. Especialmente difícil me parece el paper de Leighton Meester ya que su papel me parece catastróficamente definido. Al principio se supone que es una lela que lo único que tiene es que es joven, guapa y canta, para luego resultar que tiene talento, una dramática vida detrás, y es muy profunda. Pero no hay transiciones, no hay nada que explique porque en momento dado parece una cosa y al final otra. Una pena, porque esta chica que viene de algún culebrón televisivo, creo que tiene materia gris suficiente para hacerlo bien. En cualquier caso, las debilidades de la película no son culpa de los intérpretes, que hacen lo mejor que saben. Pero el guion, los diálogos y la dirección no ayudan gran cosa.
Conclusión
Un producto fallido. Claramente. Salvo los aficionados a la música country, o incondicionales de la rubia protagonista, pocos más pueden estar interesados en este producto. Y para los que vayan por la música, aclarar una cosa. Lo que se ofrece es en líneas generales son canciones en el más puro estilo country pop, es decir, digeribles para todos, y no temas de cierta hondura o estilísticamente interesantes. Lo que hay es más parecido a Taylor Swift que Alison Krauss, por poner algún ejemplo, desde mis muy modestos y limitados conocimientos sobre este tipo de música.
Calificación
Dirección: *
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **
Recomendación musical
Supongo que debería recomendar la banda sonora de la película. Aunque el ánimo pesetero de las productoras me joroba bastante. Han sacado dos discos que se venden por separado. Uno es la banda sonora «oficial», con algunas canciones cantadas por los protagonistas de la película, pero con muchos temas cantados por otros cantantes. Y después han sacado otro disco con «más canciones de la película», en el que están las versiones cantadas por los protagonistas de la película. Es decir, para bien o para mal, esta es la auténtica banda sonora del film. Creo.
En cualquier caso, ya he comentado que es un country muy pop en muchas ocasiones, que es el que menos me atrae. Así que puestos a recomendar una banda sonora con raíces en el country,… ¿por qué no revisitar la de la película Cold Mountain, que presenta una variedad de estilos, música de los Apalaches, canciones de Alison Krauss, sacred harp, y es mucho más interesante?
La vegetación a orillas del río Ebro a su paso por Zaragoza se ha puesto frondosa con la llegada de la primavera - Pentax K-x, SMC-DA 40/2,8
[Cine] The Way Back (2010)
CineNota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.
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The Way Back (2010), 17 de abril de 2011
Un poco tarde, y en circunstancias un poco raras que no voy a detallar, veo esta película en versión original, que en español se ha estrenado bajo el título Camino a la libertad. Mucho más rimbombante que «el camino de vuelta» que propone el título original en inglés. Dirigida por el interesante aunque irregular Peter Weir, vamos a ver que da de sí está película de aventuras en tiempos de la segunda guerra mundial.
Sinopsis
A un campo de concentración soviético, en algún lugar de Siberia, al norte del lago Baikal, va a parar un oficial polaco (Jim Sturgess) al que los soviéticos han condenado por espía, tras torturar a su joven y guapa esposa. Allí, tras analizar la situación e ir tomando nota del panorama, va conociendo a otra serie de gente, y a plantearse la escapada. Entre estos hay un duro ruso (Colin Farrell) o un misterioso norteamericano (Ed Harris) entre otros. Que se considera casi imposible, por lo inhóspito del lugar y por las enormes distancias hasta regiones del mundo que se puedan considerar seguras. No obstante, un grupo de 6 prisioneros, durante una ventisca consiguen escapar, a lo que se unirá más adelante una adolescente polaca (Saoirse Ronan), huida a su vez de una granja colectiva. Su destino, el sur. Hacia Mongolia, primero, y el Tibet y los Himalayas después.
Dirección y realización
Con gran profusión de paisajes que van desde la tundra siberiana, a los desiertos de mongolia y a los altos picos de los Himalayas, técnicamente podemos considerar la película irreprochable, y una sucesión de postales pintorescas del Asia Central muy notable. El director tiene oficio suficiente para dar y vender, y con un buen equipo técnico, saca adelante el filme sin mayor problema. Eso sí. Se ha rodado en diversos países del mundo en los que hay paisajes similares a los que interesaban, pero salvo en la India, en ninguno de los originales.
El guion está basado en la historia contada por Sławomir Rawicz, un oficial polaco preso durante la segunda guerra mundial por los soviéticos, que afirmó en un libro haber protagonizado con otros una odisea similar a la contada. Sin embargo, la historia de esta persona está puesta en duda. Lo cierto es que hay momentos en la historia narrada en el filme, en la que la supervivencia del grupito de fugados raya la inverosimilitud. Y parece que el libro de este señor incluía un par de avistamientos del yeti…¡?, que venturosamente no se han reflejado en la película.
Sobra por completo el miniepílogo que recorre la historia del comunismo y que nos dice que el oficial polaco no se reúne con su mujer hasta décadas más tarde. Una memez. Tanto por su planteamiento, como por su realización
Interpretación
Los actores cumplen. Los más veteranos, con oficio. Los más jóvenes, un poco justos. Quizá la más floja es la chica, cuyo personaje me resulta en todo momento un poco como metido con calzador y sin mucho sentido. Claro que el libro en que se basa la película lo incluye. En fin. Faena de aliño, pero tampoco creo que ninguno de estos intérpretes pase a la historia por su papel en esta película.
Conclusión
Película digna como entretenimiento, para pasar una tarde tonta de domingo, pero que te deja un poco frío en su conjunto. No acabas de emocionarte ni solidarizarte con los personajes, que resultan fríos y poco empáticos. El director está muy lejos de otras películas suyas que realmente nos emocionaron.
Calificación
Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***
Vivimos lejos de los grandes fríos siberianos; aunque hace unos años, en diciembre de 2005, una cencellada debida a una combinación de nieblas densas y bajas temperaturas, nos dejó Zaragoza como si hubiese nevado - Canon EOS D60, EF 28-135/3,5-5,6 IS USM
[Cine] En un mundo mejor (2010)
CineNota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.
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En un mundo mejor (Hævnen, 2010), 4 de abril de 2011.
A priori nos la planteamos como una película que podía ser interesante. Ganadora de varios premios, entre ellos mejor película de habla no inglesa en los Globos de oro y en los Oscars, está película danesa viene respaldada por muy buenas referencias por parte de la crítica. Y también he de reconocer que desde esas latitudes, de vez en cuando llegan productos cinematográficos curiosos. Por cierto, esta vez pena capital al responsable de dar un ‘título internacional’ al filme. En su idioma de origen, el título significa venganza. Concepto muy alejado de los del mundo mejor. Lamentablemente también, no ha llegado ninguna copia en versión original a Zaragoza. Cada vez llevo peor el tema del doblaje.
Sinopsis
Anton (Mikael Persbrandt) es un médico que pasa su tiempo alternando estancias como médico en un campo de refugiados en algún lugar de África y períodos en una idílica población danesa con su familia, aunque con problemas con su mujer Marianne (Trine Dyrholm) que le está planteando el divorcio por una infidelidad de Anton. Tienen dos hijos, de los cuales el mayor, Elias (Markus Rygaard), tiene problemas de integración en el colegio donde sufre frecuentes abusos, por su origen sueco y por llevar una ortodoncia para sus incisivos (‘cara de rata’ le llaman). En el campo de refugiados, uno de los problemas que más le preocupan son los ataques de un señor de la guerra a las mujeres embarazadas, a quien abren el vientre con cuchillos para extraer el feto.
Por otro lado, Claus (Ulrich Thomsen), de una familia muy acomodada, acaba de quedarse viudo, con un hijo Christian (William Jøhnk Nielsen), que se muestra deprimido y muy introvertido. Este se trasladará a vivir en la casa familiar con su abuela paterna, en la misma localidad que la familia de Anton. Y coincidirá en el mismo colegio con Elias, en defensa del cual saldrá, aunque utilizando métodos poco ortodoxos, violentos.
A partir de ahí, encontraremos como Anton y el resto de los personajes deben lidiar con su comportamiento ante situaciones de violencia, cuando por un lado, en África, tenga la oportunidad de tratar como médico al señor de la guerra, mientras los dos chicos en Dinamarca buscan la venganza ante un individuo zafio y matón que agredió en un momento dado a Anton.
Dirección y producción
La historia está contada con razonable competencia por Susanne Bier, directora y una de las guionistas del filme. Con una fotografía poderosa, de tonos fuertemente saturados, contrastados y muy cálidos, cuando nos trasladamos a África, y algo más matizados cuando filma en Dinamarca, va poniendo en constante contraste el mundo en el que se desarrollan los acontecimientos, la dura África o la teóricamente acogedora Europa del norte, con los acontecimientos que se nos narran, intentando establecer paralelismos entre distintas situaciones. Sin embargo, tengo la impresión de que los paralelismos están muy cogidos por los pelos. El personaje central del filme es Anton, un hombre imperfecto pero entregado a sus causas y con la paz por bandera. Junto a él, dos niños en conflicto interno por motivos distintos. No siempre hay una relación clara entre todas las vivencias que aparecen. Es como si hubiese dos películas en paralelo, con un protagonista en común. Aunque el tema sea el mismo. El uso de la violencia o la justificación de la venganza en determinados momentos.
Interpretación
Los tres papeles adultos principales están interpretados por actores que ya he tenido oportunidad de ver en alguna producción previa, y son actores razonablemente sólidos y profesionales, aunque desconocidos por estos lares por su origen nacional. Y eso que alguno se ha dejado ver en producciones internacionales. En cualquier caso, pocas pegas se pueden poner a unas interpretaciones contenidas, en la tradición del cine nórdico. A mi me gustan. Los dos niños protagonistas también están muy bien, aunque un poco destrozados por los doblajes al español por adultos con voz aniñada. Pero en lo que corresponde a actitud y expresividad, tampoco sabría buscarles ninguna pega.
Conclusión
Una película realmente interesante y recomendable a pesar de que se le puede aplicar el viejo dicho de que ‘quien mucho abarca, poco aprieta’. Hay muchos temas en el ajo. La violencia, tanto en su versión cotidiana como en situaciones extraordinarias, la venganza, las relaciones paterno-filiales, las relaciones de pareja, el odio al extranjero, el acoso escolar,… Como ya he dicho, incluso a ratos da la impresión de que estás viendo dos películas entremezcladas, lo que quita potencia al conjunto. Pero a pesar de estos defectos, y de no haber podido disfrutar de la versión original, puede ser una buena opción para ir al cine en estos tiempos.
Calificación
Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***
Recomendación musical
Escuchando Night and Day en versión de Bebel Gilberto de su disco Momento. La hija de Joao Gilberto y Miucha, de la aristocracia de la música brasileira.
Una fotografía de tonos cálidos, saturados, contrastados,... aunque en este caso no es África ni Dinamarca, sino el Ebro a su paso por Zaragoza - Pentax K-x, SMC-A 50/2
[Cine] Sucker Punch
CineNota: Existen algunos sitios en internet que chupan el contenido original de otros para montar sus blogs. Copian íntegramente los contenidos, supongo que basándose en las etiquetas de entradas como estas y de formas más o menos automáticas, llenan todo de publicidad muy intrusiva, descarajan la cuidadosa maquetación que algunos pensamos para bien del lector, y se quedan tan contentos. Este sitio esta bajo licencia Creative Commons y permite sin más restricción que el respeto por el contenido original, la cita de la fuente original y el uso no lucrativo de la reproducción de contenidos. Creo en la libre circulación de la información en internet, pero también creo en un mínimo de ética a la hora de hacerlo. Y un mínimo de estilo. Por tanto, si te encuentras este texto en un sitio horrible, puedes pasar a leerlo por carloscarreter.com, que no es perfecto pero es honesto.
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Sucker Punch (2011), 27 de marzo de 2011
Lo cierto es que cuando me invitaron a ver este filme dirigido por Zack Snyder no sabía muy bien lo que iba a ver. También es muy posible que si hubiera recordado que el director es responsable de ciertos engendros de gran fama, a lo mejor hubiese declinado la oferta. Pero bueno, lo típico, «te vendrá bien despejarte con una de acción», «las chicas son guapas», «es en versión original»,… así que fuimos a verla.
Sinopsis
Bueno. Con la excusa de que un malvado padrastro encierra a la hija de su fallecida esposa en un frenopático, donde se ve amenazada por todo tipo de males, la imaginación de esta se traslada a un burdel, donde ella y otras chicas se ven obligadas a bailar para babosos clientes. Gracias a sus especiales bailes conseguirán los elementos necesarios para iniciar una fuga. En estos bailes se trasladan las cinco chicas a distintos escenarios donde mediante la acción consiguen sus objetivos. El japón de los samurais, una primera guerra mundial con sabor steampunk, un ferrocarril en un lejano planeta con una bomba a bordo, un castillo lleno de orcos al puro estilo «señor de los anillos», etc. No sé si os habéis enterado muy bien de lo que va, pero es que tampoco tiene mucho más sentido.
Realización y producción
Hablar de guion en un producto así no es más que un chiste. La mínima historia de fondo, la de la fuga, no es más que una excusa como otra cualquiera, ni siquiera muy bien conseguida para mostrar un grupo de cinco chicas jóvenes, con pose de lolitas, en escenas de acción que no tienen más interés que mostrar los grandes adelantos que en los últimos tiempos ha habido en el cine de animación asistido por ordenador. Mucho fuego de artificio, y poco más.
Interpretación
Las cinco lolitas están interpretadas por Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens y Jamie Chung. No se les pide que actúen. Sólo que estén monas y que den volteretas. Desde ese punto de vista, cumplen. Por ahí sale también Carla Gugino en su papel más patético de los que le he visto hasta la fecha. El resto de los que por ahí salen, no merecen ni mención.
Conclusión
Esta película sólo puede ser apta para fanáticos de este ridículo director de mascaradas, para pervertidos aficionados a las lolitas aunque pasen de los 20, y para despistados que se sientan incapaces de salirse del cine una vez que han pagado la entrada y están en el interior de la sala. Salvo alguna que otra escena de acción, poco más hay que salvar. A mí me hicieron gracia los soldados alemanes de la primera guerra mundial en versión steampunk, pero poco más.
Calificación
Dirección: *
Interpretación: *
Valoración subjetiva: *
Para olvidar los excesos visuales de la película esta, las relajantes vistas de las riberas del Ebro a su paso por Zaragoza, en una tarde tras la lluvia - Pentax K-x, SMC-A 50/2
Cuaderno de Ruta V. 3.0 