Sip. A mi reciente californiano viaje me llevé algunos rollos de película negativa en color. Normalmente, no lo hubiera hecho. Pero tenía unos cartuchos en mi poder de película en formato 110, un formato subminiatura que se popularizó hasta cierto punto en los años 70 y 80, para luego decaer… aunque no haya caído en el olvido del todo como otros muchos formatos de película fotográfica. La calidad no es buena. En fin… esto es un eufemismo. La calidad intrínseca de la imagen con esta película y la cámara que tengo es infame. Pero si te afanas un poco al componer, el sujeto es llamativo y las condiciones de luz razonable, puede quedar una foto al menos simpática.
Daido Moriyama es un fotógrafo japonés, de los más reconocidos internacionalmente, que ya he recomendado en diversas ocasiones. Pero no me importa volver a él de vez en cuando. Fotógrafo callejero por excelencia, fotógrafo de cámara compacta, reactivo a cualquier situación, de los que disparan con frecuencia, con una estética característica, de altos contrastes y grano duro. Esta última semana se ha asomado a mi pantalla del ordenador por varios caminos, yo lo traigo aquí de la mano de Another Magazine.
Emulando a una pareja de fotógrafos que traigo hoy aquí, paisajes nevados de los Alpes. Con película fotográfica. Hace 26 años. Entonces no podía ser de otra forma. Con película fotográfica. Aunque ya se habían asomado a los escaparates diversas opciones de captura fotográfica electrónica; analógica y digital. Sí analógica… que la fotografía con captura electrónica puede ser analógica o digital.
Muchos conocen al alemán Helmut Newton. Muchos lo admiran. Muchas lo critican. Por su forma de mirar a las mujeres, fundamentalmente. Pero muchos menos conocen a June Newton, su esposa, conocida como Alice Springs en el mundo de la fotografía, pues así es como firmaba sus obras. Australiana, adoptó su pseudónimo del nombre de una conocida ciudad del país-continente de las antípodas. Estupenda retratista, es una fotógrafa que también merece la pena que sea conocida por todos los aficionados a la fotografía. También viene de la mano de Another Magazine.
Andy Warhol es uno de los artistas modernos de referencia, un referente de la historia del arte moderno y contemporáneo. Pero su obra es extensa, casi inabarcable. Y dado que se apoyaba con frecuencia en la fotografía para su labor creadora, el número de fotografías que realizó con distintos fines a lo largo de su vida fue enorme. En Another Magazine nos actualizan con algunas de sus fotografías menos conocidas.
Después de tan famosos artistas, movámonos entre otros menos conocidos y contemporáneos. Me han gustado los paisajes alpinos nevados que podemos ver en Booooooom, del dúo de fotógrafos holandeses Arturo + Bamboo (Arthur Groeneveld y Bamboo van Kampen). Con película fotográfica. En color. Y en blanco y negro. Muy majos.
Nop. No voy a dar una respuesta clara y definitiva a esa cuestión, la del ángulo de visión humano. Una cosa es lo que ve un ojo, y otra cosa es lo que percibe y la información que nos da nuestro cerebro, al cual llegan los datos de la luz que nos llega a los ojos. La visión no es meramente un registro similar al de una cámara de fotos o de cine. Es un proceso integrado en el que interviene los órganos de la visión y la computadora biológica que es nuestro cerebro. Pero las fotos que presento hoy en Panorámicas en cámara de formato medio – Plaubel Makina 67 con Ilford HP5 Plus, me han recordado que es un tema sobre el que habitualmente debaten los fotógrafos. O los charlatanes de la fotografía.
«¿Cuál es la longitud focal de un objetivo fotográfico equivalente al ojo humano o a la visión humana?», se lee muchas veces aunque sean conceptos distintos. Un 50 mm, un 35 mm, el formato panorámico, un gran angular… De todo se oye o lee y todo el mundo lo argumenta con datos científicos. Lo cierto es que el campo visual humano es amplio, puede llegar a 130 º en la vertical, y casi a los 180 º en la horizontal, ovalado, lo cual daría la razón a los que hablan de que los objetivos grandes angulares serían los más próximos. Pero es difícil de afirmar que lo que obtenemos con un 15 mm (siempre focales referidas al formato 24 x 36 mm) no se parece a lo que vemos. Tenemos visión binocular y en tres dimensiones. Y ajustamos el enfoque constantemente de forma automática, inconsciente. Lo que vemos en la parte central de nuestras retinas se ve muy nítido y habitualmente muy enfocado, mientras que los campos laterales tienen poca nitidez, y pueden estar desenfocados. Pero nuestro cerebro, en su constante trabajar hace que lo percibamos todo nítido… aparentemente. Las comparaciones son difíciles.
Aun así, una mayoría de «expertos» abogará por el 40-50 mm. O focales que se encuentren cerca de la diagonal del formato fotográfico. 43 mm en el caso del 24 x 36 mm. Es fácil de calcular si conoces el teorema de Pitágoras; la raíz cuadrada de la suma de 24 al cuadrado y 36 al cuadrado. Pero yo siempre he tenido la sensación de que esas llamadas focales normales lo son porque son más fáciles de diseñar que los extremos angulares o teleobjetivos. Algunos hacían referencia a los cuadros de los pintores clásicos, antes de la llegada del impresionismo y el arte moderno, para argumentar. Pero algún estudio se ha hecho que los hay de todo tipo, con una predominancia de lo que consideraríamos un teleobjetivo corto. Lo cual tiene sentido si consideras que hay muchos cuadros que son retratos y bodegones. En fin… que la visión es una cosa, y las imágenes que creamos es otra, y que no merece la pena mucho hacer caldo de cabeza con estas cosas.
Leo en una entrada de Instagram de Magnum Photos que es el centenario del nacimiento de Inge Morath. Nacida un 27 de mayo de 1923 en Graz, Austria, en tiempos confusos y convulsos, procedía de una familia cultivada, padres científicos, que le dieron una educación amplia y cosmopolita. Tras vivir su adolescencia y juventud en Berlín, acabó escapando al final de la guerra a Viena, donde inició un trabajo como corresponsal de prensa lo que le llevó a empezar a hacer fotos, donde destacó, siendo en 1949, con solo 26 años todavía, la primera mujer en la agencia Magnum, cuando esta se formó y empezó a funcionar. Y a partir de ahí,… una vida apasionante. Le «birló» el marido a Marilyn Monroe… oye. Y a propósito de estos, su trabajo con Cartier-Bresson fotografiando el viaje en coche atravesando Estados Unidos desde Nueva York hasta Reno, donde se rodaba The Misfits y conoció a Monroe, y a su entonces marido, Arthur Miller, todavía es uno de mis libros de fotografía favoritos, que hojeo con mucha frecuencia. Siendo una de mis fotógrafas favoritas… qué voy a decir. Que es absolutamente recomendable y que todo aficionado a la fotografía debería conocer su trabajo.
Acompaño la entrada de algunas fotos del viaje a San Francisco más centradas en la «fauna» humana que me pude encontrar por allí
Y poco más esta semana. Quizá las recomendaciones que aparecen en un artículo de Aesthetica, donde hay fotógrafos contemporáneos, y alguno que no, que creo que viene bien conocer también. Veamos quienes son.
Farah al Qasimi (Instagram), fotógrafa nacida en Abu Dhabi hace 32 años y que ofrece una colorida propuesta, como dicen, entre el horror y el humor, en la cual reinterpreta el espacio doméstico de cualquier familia que resida en una urbanización burguesa al uso en países como los Estados Unidos y otros. Se inspira en las películas de horror de los 70 y los 80. Una fotógrafa joven y muy dinámica.
Saul Leiter es un clásico redescubierto hace unos años que, por su carácter de pionero de la fotografía en color seria, hace mucho tiempo que me atrapó y ya no me soltó. Imprescindible.
No soy muy dado a los fotógrafos de moda, pero si uno quiere tener una visión completa del mundo de la fotografía también tiene que prestarles atención de vez en cuando. Por lo menos a algunos de ellos. Y creo que Tim Walker es de los que merecen la pena(Instagram mantenida por aficionados al fotógrafo, aunque abandonada desde 2016; una pena).
Otra mujer, otra pionera del uso del color, en esta ocasión en el retrato; Yevonde Middleton, conocida como Madame Yevonde. Retratos muy elegantes, muy influido por los surrealistas, aunque no una surrealista ella misma. Curiosamente, su mejor obra en color lo hizo con un proceso pionero, Vivex, pero que dejó de estar disponible a finales de 1939. Demasiado complejo, y poco práctico, para competir con los procesos que iniciaron lo que hoy conocemos como fotografía con película fotográfica en color. Pero era el alma de su estética, de colores saturados y bien definidos, aunque no necesariamente realistas. Pero a quién le importa la realidad; con lo gris mediocre que resulta muchas veces.
Finalmente, Wendy Red Star (Instagram), aborigen americana Apsálooke, más conocida como Crow. Una fotógrafa, artista en general, también muy colorida, que constantemente plantea el conflicto y el contraste entre las culturas aborígenes de Norteamérica y la cultura colonizadora, mezcla de culturas fundamentalmente europeas, aunque no únicamente, si lo piensas bien. Y disfruta de un excelente buen humor. También desciende de irlandeses… que durante mucho tiempo, para los ingleses, fueron tratados como un pueblo aborigen, pero nativos de las islas Británicas. Qué cosas.
De vez en cuando, una cámara de fotos, u otro objeto de nuestro afecto, llega al final de su vida útil. O quizá podría repararse,… pero no merece la pena. No sé. El caso es que algo así ha sucedido con una cámara originalmente pensada como cámara familiar. Lo cuento en ¿Toca retirar una cámara de forma definitiva? – Olympus mju-1 con Kodak Portra 160. Y os dejo alguna foto del último rollo que he hecho con ella y que ha confirmado el fin de sus días.
Como podéis ver, la nitidez en las fotos brilla por su ausencia, y es una pena porque por lo demás podrían ser buenas fotos. Sigue siendo capaz de hacer algunas fotos nítidas y correctas… pero cuando no decides tú cuando sucede este, y te encuentras al albur de los azares… pues mejor no. En fin. Que en paz descanse.
Ya mostré algunas fotos de esta prueba deportiva hace unas semanas, aprovechando unas recomendaciones fotográficas, de las que hice con cámara electrónica digital. Mientras estaba de viaje en estas vacaciones me llegaron los resultados del revelado de algunos rollos de película hechos en el mes de abril, y tengo más fotos de ese día. El comentario técnico lo podéis encontrar en XVI Maratón de Zaragoza – Canon EOS 3 con Lomography Color Negative 800. Aquí os dejo algunas fotos de aquel día, de la prueba y alguna cosita más.
Llevaba algunas semanas sin publicar el domingo mis habituales recomendaciones semanales, por un motivo u otro. Desde hace un mes o así. Ayer tampoco lo hice, porque me apetecía hablar de algunas series y películas de animación que me han gustado recientemente. Pero de hoy, aprovechando que estoy de vacaciones, ya no pasa. Y aunque sea de forma rápida, aquí van algunas. Acompañadas de unos tulipanes y narcisos, fotos realizadas en marzo, y que todavía no había tenido tiempo de revisar. Y de comentar en Florecimiento de bulbosas en el Parque Grande – Canon EOS 3 con Cinestill 50D.
Coco Capitán es una fotógrafa sevillana, basada en Londres, que dice ser tímida. En cualquier caso, hace unas semanas, en Another Magazine mostraron algunas fotografía suyas, de la juventud adolescente, realizadas en Kioto, Japón, que me parecieron interesantes. El tema de la adolescencia empieza a estar muy trillado, especialmente for fotógrafas, mujeres digo, pero bueno… supongo que es que da mucho de sí.
Siguiendo por Japón, los paisajes de Toshio Shibata, muchas veces marcados por la presencia humana a través de sus obras con cemento y hormigón, me han interesado en varias ocasiones. Y nuevamente me aparecen, esta vez en Booooooom.
Roger Deakins es un director de fotografía (cinematografía) bastante prestigioso y premiado. El repaso a las películas en las que ha sido director de fotografía es bastante impresionante. En PetaPixel nos recordaron que también le gusta la fotografía fija. Y en contraste con el interesante manejo del color de sus obras cinematográficas, con una blanco y negro muy elegante.
Siguiendo en la relación entre cine y fotografía, en Feature Shoot nos hablaron hace unos días de cuatro fotógrafos que se han inspirado en la saga Star Wars para sus proyectos fotográficos. Se trata de Ashly Stohl, Thomas Dagg, Mako Miyamoto y Daniel Picard.
Mikiko Hara también es una fotógrafa con la que me he encontrado de vez en cuando. Y tiene algunas fotografías que siempre me han intrigado. Dentro de ese estilo de baja fidelidad que da cierto uso de la película fotográfica, y con la sobriedad del formato cuadrado, nos da nuevas visiones de elementos aparentemente banales de la vida cotidiana. Y lo hemos visto en Lensculture.
Pues sí. El rollo de película del que hablo en Negativos excesivamente subexpuestos – Leica M2 con Kentmere 400 es una metedura de pata considerable. Están muy subexpuestos; una vez positivados, las fotos quedan muy oscuras. Que a alguna de las imágenes no les va mal… pero no era la intención.
A la mayor parte de las personas les cuesta reconocer que cometen errores. Que meten la pata. Todos, en plan coloquial, comentan el tópico, «todos nos equivocamos», pero la mayor parte de la gente lo deja como un comentario casual y general, pero no habla de sus errores. Eso da reparo. Sin embargo, creo que es negativo. Primero, porque nadie se cree que todo te vaya bien en la vida, por lo que si todo lo que presentas es positivo, aquellos con capacidad de pensar desconfiarán de tu credibilidad, o de tu honestidad. Segundo, porque existe la posibilidad de que te creas tus propias mentiras… y eso no es nada bueno tampoco. Tercero, porque no aprendes. No soy excesivamente partidario de la pedagogía del fracaso. Creo que hay que trabajar para hacer las cosas bien desde el principio y aprender de ahí. Pero como va a ser inevitable que de vez en cuando surjan problemas o cometamos errores, mejor que lo asumamos, lo reconozcamos, aprendamos, y si lo compartimos, ayudemos a otras personas a evitar los errores en los que hemos caído. Así que seguiré comentando, en igual de condiciones, mis rollos de película exitosos y mis meteduras de pata. Creo que es lo mejor. Y los que «lo hacéis todo bien»… que sepáis que no os creo y no me merecéis confianza.
Últimamente todos los días es el día mundial de algo. Ayer, el «May the 4th» fue el día mundial de Star Wars. Algunos dicen que el día mundial de los friquis, pero hay otros días en el calendario que se apuntan a esa celebración. Y el domingo pasado fue The Pinhole Day, el Día del Estenopo, o sea, el día de la fotografía estenopeica. Por supuesto, salí a hacer algunas fotos con este tipo de técnica fotográfica primitiva, cuyas cuestiones técnicas encontraréis en “The Pinhole Day”, el día de la estenopeica – Holga 120 WPC con Ilford Delta 400.
Por si alguien no se cosca, en la fotografía estenopeica, la cámara no tiene un sistema óptico con lentes para componer y enfocar la imagen. Es simplemente un orificio muy muy muy fino. Y, siguiendo el principio de la cámara oscura, conocido desde la antigüedad, se forma la imagen sobre la superficie sensible. Es un tipo de fotografía alternativo, que gusta a los niños y adolescentes porque se pueden fabricar sus propios aparatos reciclando materiales y con poco coste, y cuyos resultados finales dependen de la imaginación y la creatividad, en mayor medida que con aparatos electrónicos tecnológicamente avanzados. Y caros.
En este caso, la celebración del día mundial o internacional tiene un carácter fundamentalmente lúdico y festivo. Aunque no falta el punto reivindicativo, invitando a volver a lo esencial, liberarse de las tecnologías complejas, de la carrera de los megapíxeles, de los miles de ruedas y botones y de las pantallas LCD, y de la presión consumista. Reivindicar la creatividad, imaginar lo que puede salir antes de hacer la foto, pero sorprendernos por lo imprevisto cuando esta aparece ante nuestros ojos. Este tipo de días mundiales… sí que gustan.
Hoy quería haber redactado una página con recomendaciones fotográficas diversas, pero por la mañana he estado liado haciendo unas fotos. Hoy es el día de la fotografía estenopeica. Bien,… pues ya he decidido que las fotografías digitales son inutilizables. Esperaremos a revelar un rollo de Ilford Delta 400 que he hecho con la Holga 120 WPC (de Wide Pinhole Camera). A ver si alguna de las seis fotos de 12 x 6 cm es aprovechable. Que esta mañana no estaba yo muy inspirado, ni muy atinado. Y por la tarde he estado entretenido con cosas de mis vacaciones próximas, que empezaré dentro de dos semanas, con un viaje programado para unos poquitos días más tarde. Ya os contaré en su momento.
Pero en cualquier caso, os hablaré de las dos exposiciones que visité ayer. La primera de ellas, «Somos el sol – Mujeres artistas en las colecciones de Asia Oriental», es la típica del Museo de Zaragoza en la que sacan obra de sus fondos de arte oriental, que estén más o menos conectadas por un tema, y las exponen durante un tiempo, hasta que cambian la exposición dedicada al arte de esa región del Mundo. Hacía ya un tiempo que la quería visitar. En una ocasión entré, llegué a ella… y había una visita organizada. Ya tengo la experiencia de que la persona que hace estas personas guiadas es muy invasivo, tanto en lo que se refiere a que consigue que su grupo, sea grande o pequeño, bloquee o moleste la visita de otras personas, como por el hecho de que habla con un tono de voz enormemente alto, no te puedes sustraer a lo que dice… y ya le he oído decir alguna tontada que otra. No digo que no sepa, pero hace observaciones que, o están fuera de lugar, o si son gracietas, no tienen gracia. Nada grave, pero sí molesto.
En otro orden de cosas, intenté visitar la exposición otros dos días… pero no conseguí acertar con los días en los que la sección de bellas artes del museo está abierto. Porque en este museo es casi imposible ver todo el museo en una sola visita. Casi siempre está cerrada una u otra sección. En Twitter publican al principio de la semana como es el calendario de cierres. Pero no siempre te acuerdas de mirar, o pasas de improviso porque tienes tiempo en ese momento, o no encuentras el tuit. Lo que más me sorprende es que la sección de bellas artes, con toda la obra de Goya de la que disponen, no esté abierta a todas horas durante los festivos y los fines de semana. Nunca había sabido el motivo de estos cierres alternativo, pero hace unos días, molesto porque un sábado por la mañana estuviera cerrada toda la planta de bellas arte con la exposición incluida, una vigilante de seguridad intentó hacerme comprender que era normal, que como el museo andaba mal de personal, no podían abrir todo. Como si esa fuera una explicación razonable. Y tampoco entendió que no era una empleada de una empresa ajena al Departamento de Cultura del Gobierno de Aragón, por digna que me parezca, no es la persona para dar explicaciones y para aleccionar a los ciudadanos sobre lo que nos debe parecer bien o mal. No entendió, claro está, porque llevaba cara de ajo, muy molesto con la situación. Y una vergüenza (más) del Gobierno de Aragón, al que no me cansaré de criticar, aunque me pague la nómina todos los meses, por sus múltiples desatinos.
En fin, ayer la pudimos visitar y nos gustó. Quizá no tanto como la última que vimos dedicada al invierno, pero bastante. Espero que sigan haciendo estas exposiciones temporales, que suelen permanecer tres o cuatro meses, y que las renueven con regularidad. Por lo menos que hagan algo bien.
Y después, a las 12 del mediodía había convocatoria en Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ para visita guiada con Judith Prat (Instagram) de su exposición «Brujas» en el Centro de Historias de Zaragoza. No es la primera vez que visito una exposición de Judith, y no es la primera vez que lo hago en una guiada por ella misma. La exposición ya la había visitado. Y me gustó bastante. Tanto en el aspecto formal como en el fondo. Pero que te la cuente la autora, que además narra estupendamente y es muy cercana, es un plus muy importante. Así que estupendo. Además bien acompañado por otros colegas de la asociación a los que siempre me alegro de ver.
La intención de la fotógrafa es normalizar el recuerdo y la figura de las muchas mujeres que fueron asesinadas durante el periodo que comprende los siglos XV al XVIII en toda Europa, y en particular en las comarcas pirenaicas de Navarra, Aragón y Cataluña. También hay algunas fotografías del País Vasco francés. Fueron asesinadas acusadas de «brujas», cuando simplemente eran mujeres que iban a lo suyo y no se ajustaban a los estándares de la sociedad patriarcal del momento. Judith ha fotografiado a mujeres actuales que tienen estilos de vida alternativos o profesiones poco habituales entre las mujeres. Serían las «brujas» actuales. Y no deja de ser una advertencia para las «cazas de brujas» que nunca han dejado de existir, aunque no se manifiesten quemando mujeres en la hoguera, en las que se reprime la libertad de vivir y trabajar de las mujeres. O de otros colectivos, aunque Judith se centra en las mujeres. Casi podría decir que si estás en Zaragoza, es imprescindible. Durante el verano, la exposición se podrá visitar en Alcalá de Henares dentro de la programación de PhotoEspaña 2023. Y luego empezará a circular por otras ciudades de España.
