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[Cine] Wicked: Part I (2024)

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Wicked: Part I (2024; 58/20241127)

He retrasado unos días el comentario de esta película, ya que he intentado volver a ver la película original de la que es precuela, de alguna forma. O sea The Wizard of Oz, una de las películas de referencia en la historia del cine, que lució el Technicolor de los principios del cine en color, y que supuso un bombazo para el cine musical, en su época más dorada. Pero finalmente no he encontrado momento u ocasión, y no me apetece esperar más. Así que vamos con esta adaptación cinematográfica del musical de Broadway, que a su vez es una secuela de una novela que, en realidad, más que ser una precuela de la conocida historia de las aventuras de Dorothy en Oz, es más bien una reimaginación de ese mundo y una relectura de los personajes secundarios y antagonistas de la misma. Dejo esta entrada programada para la tarde del sábado, aunque la redacto con veinticuatro horas de antelación, porque no sí si el sábado tendré tiempo para ello.

Un castillo medieval inglés en las Midlands, Warwick, para representar el mundo de fantasía de Oz.

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La película la estamos conociendo con el título de Wicked (malvada), pero el títular original nos hace observar que es una primera parte, y que habrá al menos una segunda. Y así puedo confirmar que esta película adapta el primer acto del musical de Broadway. Dentro de un añito podremos ver el segundo acto, o sea, la película que nos cuenta la segunda parte. Dirigida por Jon M. Chu, seguimos los primeros años de la vida de la que será conocida como la Bruja malvada del Oeste (Cynthia Erivo), principal antogonista de Dorothy en The Wizard of Oz. Un joven que nació distinta, con la piel verde, lo que generó el rechazo de los demás. Pero también con una fuerte afinidad por la magia. Y especialmente conoceremos de su estancia en la universidad y de su relación con la que será conocida más adelante como la Bruja buena del Norte (Ariana Grande). Y cómo al final se revelará contra el statu quo de Oz, representado por el famoso mago (Jeff Goldblum), y su secuaz (Michelle Yeoh).

La película es una de las muchas que usan (y abusan) de la filmación sobre fondo verde, para luego generar por ordenador los escenarios, paisajes y fondos de la película. Desde ese punto de vista, casi diríase que es una película de animación con personas. Está bien hecha, Hollywood tiene en estos momentos tecnología de sobra para ellos. La trama es la del musical, con sus números musicales, quizá alguno menos y quizá alguno más, no conozco mucho el musical y no puedo decir. Las referencias a la crítica social son obvias. La discriminación por el color de la piel. O por la especie a la que pertenezcas. Todo referencias muy obvias sobre el racismo y la xenofobia. Se avecina en la segunda parte una discriminación por discapacidad; todo el que conozca un poco la obra original sabrá que la Bruja malvada del Este es la hermana de la Bruja malvada del Oeste, y el personaje de la hermana (Marissa Bode) ya ha aparecido de sobras en la película, indicando por donde va a ir el conflicto. Y claramente, lo que trata es subvertir el concepto de bien y de mal, y en qué medida estos están determinados por la ideología y el régimen político y social dominantes. No hay muchas sutilezas. El mensaje es muy obvio.

Con unas interpretaciones correctas, no les veo tampoco nada de especial, y unos números musicales que podrán gustar más o menos, no es de los musicales que más me hayan llamado la atención, me parece una película correcta sin más, por debajo de la expectación días antes había despertado su estreno en Estados Unidos. Pero claro, la popularidad del universo de Oz es mucho menor en nuestro país que en el mundo anglosajón. Y de hecho es improbable que haya tenido en nuestro país un impacto equiparable al que ha tenido en Estados Unidos, a lo que hay que añadir que la afición al cine musical no es excesiva en nuestro país. A mí ni me ha despertado grandes emociones, pero se deja ver y entretiene. Incluso tiene uno tramo final que estaría muy bien si no fuera porque la interpretación de la canción principal, Defying Gravity, me resulta un poquito histriónica y cargante. Lo cierto es que no es una canción de mi agrado. Si a eso añades que… Ariana Grande tampoco es una artista de mi agrado… y bueno. Dejémoslo estar. No está mal. Se deja ver. Y poco más puedo decir. Allá cada cual.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Sedmikrásky (Las margaritas) (1966)

Cine

Sedmikrásky (2024; 59/20241130)

Me estoy saltando una película a la hora de comentar estrenos en estas páginas. Pero es que me quería documentar sobre una cosa antes de hablar de esa película, y no he tenido tiempo. Por eso, paso a comentar un «estreno» de este pasado fin de semana. Una sesión matinal, o de primeras horas de la tarde del sábado, en una extrañas sesiones a las 14:30 de la tarde que han puesto recientemente, a la que fui en solitario por la curiosidad sobre esta película checa de 1966 dirigida por Vera Chytilová. Desconozco exactamente el motivo de esta restauración y de esta proyección en estos tiempos, pero bueno de todo tiene que haber.

Fotografías en Praga, en 1997, treinta años después de la película, cuando ya se estaba consolidando como un destino turístico popular, tras la caída del régimen comunista unos años antes.

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Estamos ante una película con un contenido fuertemente surrealista, en la que las situaciones suelen tener fuerte carácter simbólico, de una forma más o menos sutil según los casos. La película fue dirigida y filmada en la Checoslovaquia de los años sesenta del siglo XX, antes de la llamada Primavera de Praga, cuando ya la sociedad checoslovaca había empezado a dar signos de descontento y deseo de cambio ante el régimen dictatorial comunista y prosoviético que se había instalado en el país tras la Segunda Guerra Mundial. La película sigue las aventuras de dos mujeres jóvenes mujeres Maria I, la morena, (Jitka Cerhová) y Maria II, la rubia, (Ivana Karbanová), aventuras que consisten en una serie de secuencias inconexas entre sí en la mayor parte de las ocasiones, aunque a veces se encuentren referencias cruzadas entre ellas, en las que las dos protagonistas realizan actos de libertad personal de carácter transgresor. En ellas cuestionan las figuras del patriarcado, hombres mayores, serios y con traje, que quieren aventuras con ellas, flirtean con el suicidio, con la gula, con los símbolos fálicos que son cortados y comidos, con los conceptos de existencia y no existencia. Como decía, escenas simbólicas críticas con distintas realidades del mundo del momento.

La película entra dentro de la categoría de eso que se conocía en aquellos momentos como cine experimental o cine de arte y ensayo, unas categorías que hoy en día se usan menos, siendo más frecuente la denominación «cine de autor», aunque esta es una categoría que sirve de paraguas para películas de muy distinto calibre, incluso de algunas de carácter marcadamente comercial, lo que no es el caso de aquel cine de ensayo de los años 60 y 70.

La película ridiculiza los valores y los modales de la época. Las chicas se comportan de modo infantil, al mismo tiempo que procaz, subvirtiendo el concepto de la época de la mujer, especialmente de la mujer joven, como un ser escasamente racional, y voluble. Y lo hacen bien. No obstante, es difícil valorar la interpretación de las dos protagonistas, actrices que apenas tuvieron recorrido en el mundo de la actuación. De alguna forma, reciben unas directrices generales, y ellas actúan, en el sentido de realizar acciones más que de actuación artística, dejándoles cierta libertad de improvisación.

La película es notable, por lo menos desde el punto de vista de las intenciones de la directora, del montaje, y del contenido. Pero no es una película comercial al uso, y por lo tanto ha de visualizarse con un determinado estado de ánimo. Es una película recomendable para quien no le importe arriesgar cuando se sitúa ante la pantalla de cine, dispuesto a admitir una diversidad de opciones, y dispuesto a dar un pensamiento a lo que suceda en la pantalla ante sus ojos. Pero no es recomendable para quien busque un entretenimiento. Y, por supuesto, no es recomendable para los que aborrecen cualquier tipo de transgresión y desorden. Es lo que hay. Ya no está en cartelera, no sé si el fin de semana volverá o han sido unas proyecciones puntuales en este fin de semana pasado. En cualquier caso, con una duración de unos 70, una experiencia cinematográfica curiosa.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] The instigators (2024)

Cine

The instigators (2024; 57/20241120)

En esta irregular temporada cinematográfica de otoño, seguimos con dificultades para personarnos en las salas de cine. Una mezcla de «tengo la vida más liada que de costumbre» y «vaya horarios birriosos que dejan para las películas en versión original». Sip. Nos negamos ya a ver películas dobladas. Una vez que te has acostumbrado a escuchar los originales, te das cuenta de que los doblajes, incluso los mejores, son horrorosos. Y una adulteración de la obra original. Así que la semana pasada, con una agenda muy apretada, no hubo salas de cine, pero el miércoles tras una larguísima jornada de trabajo, me apoltroné en el sofá de casa y puse este estreno de este año de Apple TV+ dirigido por Doug Liman, un director que mezcla en su carrera productos notables con muchos otros de carácter anodino. Por otro lado, uno tiene la sensación de que los estrenos directos en la plataforma de la manzana mordida tienen algo más de nivel que los de otras plataformas,… aunque también nos da algún disgusto de vez en cuando.

La acción transcurre en Boston, ciudad que no he tenido ocasión de visitar; pero constantemente se habla de huir a Montreal, que sí visité en su momento, y por cuyas calles pasearemos fotográficamente en esta entrada.

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Entendámonos, cuando me decidí por esta película no tenía una expectativas muy altas. Me bastaba con que me entretuviera entre la hora de la cena y la de irse a dormir. Al fin y al cabo la pinta que tenía era la de comedia de acción. Pues eso, puro entretenimiento. Dos individuos (Matt Damon y Casey Affleck), con motivaciones muy distintas, se apuntan a un robo en la sede de la campaña electoral del corrupto alcalde de Boston (Ron Perlman) durante la velada tras el cierre de las urnas. Pero siendo los únicos supervivientes del robo, se ven involucrados en una persecución, bajo la presunción de que han matado a un policía, que no ha sido así, y porque ponen en peligro la carrera política del alcalde. En su huida, contarán con la ayuda de la psiquiatra (Hong Chau) de uno de ellos, que quiere echarle una mano… de alguna forma.

Lima configura una buddy movie de manual, en la que virtualmente están todos los elementos tradicionales del género. Dos hombres, diferentes en personalidad y motivaciones, que han de compartir una aventura, salir de aprietos y colaborar, incluso forjar una relación de amistad y confianza, mientras se suceden tiroteos y persecuciones. Y con los esquemas tradicionales del género. Nada nuevo. Una más como tantas. Con una virtud. El conjunto del reparto, no sólo los dos protagonistas, deciden tirar de oficio y, junto con un ritmo ágil, una narración correcta y una realización técnicamente adecuada, sacan adelante una película que nos da exactamente eso que decía, un entretenimiento adecuado para disfrutar tranquilamente en casa.

Sin complicaciones. Tampoco es una película que vaya a pasar a la historia del séptimo arte. Ni dejará mucho poso en el espectador. Probablemente, dentro de unos meses,… me haya olvidado de ella. Pero en ese momento cumplió su misión, y ya me vale. ¿Recomendable? Si ajustas tus expectativas en los parámetros mencionados, sí. Sin más.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Juror #2 (2024)

Cine

Juror #2 (2024; 56/20241111)

Sorprende que Clint Eastwood siga dirigiendo películas a sus más de 90 años. Sorprende en parte por su edad, pero sorprende sobretodo porque no son pocos los directores que se han tenido que retirar por no encontrar financiación de las productoras cuando llegaban a cierta edad. Y eso ha incluido en la historia del séptimo arte a nombres muy importantes. Pero bueno, supongo que tener tu propia productora ayuda. Aunque otra cosa es la distribución. Me cuentan que la distribución de la película ha sido muy limitada en su país de origen, y algo más digna en Europa. Desconozco lo que ha pasado en otras partes del mundo. Pronto irá a parar a una plataforma de contenidos en internet, donde la distribuidora tenía pensado llevarla de inicio. El país del mundo donde más ha recaudado hasta ahora es Francia. O por lo menos hasta que leí los datos. No Estados Unidos. Que probablemente tampoco ocupará el segundo lugar. Y eso que el consenso en la crítica es unánime. La película es buena, tirando a muy buena.

Me perdí algunas de las últimas películas de Eastwood. El director nunca ha escondido su ideología conservadora. Pero también sus mensajes se diferenciaban de la mayoría de los conservadores norteamericanos por su nivel de tolerancia y moderación. No obstante, desde que «hizo aterrizar un avión en el Hudson», su deriva me empezó a molestar. Sumado a que las críticas dejaron de ser tan buenas como antaño, dejamos de ir a ver sus película, que tampoco nos llamaban la atención por sus temas. De hecho, esta película la vi un poco por casualidad. Tenía un día de fiesta entre semana… no había otras opciones interesantes en versión original a una hora adecuada, teniendo en cuenta que hay que dormir y que madrugo… pues vale, incluso si el género judicial no es uno de mis favoritos, aunque haya verdaderas joyas en la historia del cine que transcurren en una sala de juicios.

Un hombre casado (Nicholas Hoult), con su esposa en avanzado estado de gestación, es elegido como miembro de un jurado popular en un juicio por homicidio. Un hombre ha matado a su novia. El transcurso del juicio es muy negativo para el acusado (Gabriel Basso), que probablemente será condenado, como así opinan la mayoría de los miembros del jurado. Pero este hombre sabe que no ha sido así. Lo sabe muy bien. Sabe que fue un atropello con fuga, y no una agresión directa. Y lo causó otra persona. Y otro miembro del jurado (J.K. Simmons), un policía retirado también tiene sus sospechas. Y ahí comienza un debate, mientras en paralelo, el abogado defensor (Chris Messina) logra introducir en la fiscal (Toni Collette), una mujer con aspiraciones políticas, la duda razonable sobre la culpabilidad del acusado.

La película está dirigida de modo funcional. No hay grandes ejercicios de estilo autoral en la forma que Eastwood se enfrenta a esta historia. La cuenta de forma directa, con una desarrollo lineal del juicio y las deliberaciones, con los eventuales flashbacks que nos reconstruyen los hechos como los vieron los testigos. U otras personas que no forman parte de los testigos. Donde destaca la película es en las interpretaciones, que lejos de la frecuente estridencia o histrionismo que preside las películas de juicios, son naturalistas, verosímiles y creíbles. Como todo el entorno de la película. Todo el elenco esta a muy buen nivel, incluso los nombre poco o nada conocidos, y hay que mencionar especialmente al protagonista, que nos muestra a una persona, esencialmente decente en su forma de ser y comportarse en sociedad, pero sometido a un dilema prácticamente irresoluble. ¿Qué haríamos todos nosotros en su lugar, en su situación personal y familiar?

Si ese dilema ético personal es el centro de la película, Eastwood aprovecha, como viene siendo norma, para criticar el funcionamiento de las instituciones del estado. En este caso, el trabajo de investigación de la policía judicial, de la fiscalía (que en Estados Unidos es la encargada de la instrucción de las causas, no el juez de instrucción como en España), y de la propia institución del jurado y el procedimiento judicial. Lo malo de Eastwood es que critica las instituciones, pero en su posición de conservadurismo con notas de libertarianismo capitalista, no propone nada en su lugar, lo cual vacía un poco de contenido su propuesta política. Incluso con ese cierre con fundido a negro, con el cual cada cual puede pensar lo que quiera sobre lo que va a suceder. Yo creo que para Eastwood ese fundido a negro es pesimista sobre si la justicia corregirá sus propios errores. Pero en cualquier caso la interpretación está abierta.

Dicho todo lo cual, la película quedó por encima de mis expectativas. Bastante por encima. Y además, ha crecido en el recuerdo. Está muy bien, merece mucho la pena. Es muy recomendable. Es una pena que esté pasando desapercibida. O que quizá no responde ya a los intereses de unos espectadores que cada vez van menos al cine para pensar, y se dirigen simplemente con un interés de evasión, incluso si para ello han de ver producciones repetitivas, inanes, formulaicas. Que muchos creen que no tienen ideología, pero sí la tienen, y no necesariamente las más positivas. Pero es lo que hay.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

[Cine] Look Back (2024)

Cine

Look Back (2024; 55/20241110)

Volvía el domingo pasado de pasar el día en el valle de Nocito, cansado, pero no exceso, y me planteé que ver en la televisión mientras cenaba algo, antes de irme a dormir. No es que tuviera muchas prisas. El lunes me cogí un día de fiesta. Pero bueno… y recordé que un par de días antes había leído un comentario sobre un estreno en Amazon Prime Video, una película de animación, que en alguna página decían que tenía su interés. Y así me encontré con este mediometraje de estreno dirigido por Kiyotaka Oshiyama. Y resultó ser una sorpresa, muy agradable, que todavía está creciendo en mi recuerdo.

Basada en un manga, un relato gráfico autoconclusivo, no una serie, nos cuenta la historia de dos chicas que, siendo escolares de primaria, comienzan a dibujar tiras cómicas para el boletín escolar. Una de ellas, Fujino, asiste a clase normalmente, lleva una vida aparentemente normal, aunque muy entregada a su afición, dibujar manga. La otra, Kyōmoto, tiene fobia social y estudia desde casa. Nadie la conoce. Y durante un par de años, Fujino competirá contra la desconocida, al reconocer su mayor calidad, hasta que se verá tentada a abandonar. Al final de la primaria, el profesor le encarga llevar el certificado de estudios a Kyōmoto, y así se conocerán. Para su sorpresa, Kyōmoto no la ve como una rival ni nada de esto, sino como una inspiración. Y deciden colaborar. Publican en su adolescencia trabajos conjuntos. Pero al llegar a la época universitaria, mientras Fujino pasa de estudiar y decide trabajar directamente como mangaka, con éxito, Kyōmoto decide estudiar bellas artes, tomarse un tiempo, aprender y madurar… hasta que sucede una tragedia.

Es difícil hacer el comentario de la película sin destripar la trama. Y creo que una parte de la salsa de la historia es la sorpresa de cómo evoluciona la trama cuando llega la tragedia que he mencionado. Cuando la película rompe con ingenio y habilidad con la continuidad en el espacio y en el tiempo. Como juega con el «y si hubiera hecho esto otro…» y cómo nos ayuda a profundizar en cada una de las dos protagonistas. Una historia de superación, amistad y reafirmación personal, que al mismo tiempo nos muestra el difícil, exigente y sacrificado trabajo de mangaka, al mismo que sitúa en el centro de la historia a la persona por encima de la circunstancia.

Siendo un medio metraje, 58 minutos de duración oficial, es fácil de entender por qué no ha llegado a las pantallas de las salas de cines y se ha estrenado directamente en plataformas de contenidos en línea. Pero muy posiblemente es la mejor película de animación que he visto este año. Bien hecha, sin alharacas, pero con profundidad y corazón, apta para todos los públicos, es decir, apta también para el público adulto. Si tenéis acceso a Prime Video os la recomiendo. Incluso si no os va la animación habitualmente. Igual encontráis un motivo para cambiar de opinión. Aunque los «adultos» son muy cabezones en estas cosas, cuando dicen que «estas cosas» no van con ellos.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

[Cine] Wolfs (2024)

Cine

Wolfs (2024; 54/20241106)

En las dos últimas semanas, ni he tenido ocasión para ir al cine, ni la cartelera ha estado lo suficientemente estimulante como para esforzarme en buscar esa ocasión. Para colmo, la llamada «fiesta del cine», para la «promoción de la cultura» vuelve a hacer de las suyas. Parece que la «promoción de la cultura» pasa por suprimir prácticamente todas las sesiones de versiones originales, a las que acudimos fieles clientes de las salas de cine, para sustituirlas por versiones dobladas a las que irán aquellos clientes que sólo van en estas fechas y el resto del tiempo o ven sus películas en casa. O en las plataformas de contenidos o pirateándolas. Qué absurdamente lamentable es la actitud de desprecio de la cultura y el cine que tienen los distribuidores y los exhibidores de este país. O al menos, de esta ciudad, Zaragoza. Lamentable.

En fin. Que por decir «voy a ver algún estreno», he tirado de plataforma de contenidos en línea. Pero escamado con los bodrios y mediocridades de Netflix, me fijé en una película de Apple TV+ con un reparto (aparentemente) de campanillas. Dirigida por Jon Watts, que la verdad sea dicha no es una referencia entusiasmante, está protagonizada por George Clooney y Brad Pitt, con la presencia de la siempre interesante, aunque excesivamente breve en este caso, Amy Ryan. Esta última interpreta a la fiscal del distrito del lugar, que se va de picos pardos a un hotel con un jovencito, y allí, el muy destalentado sufre un accidente y queda inconsciente y ensangrentado en el suelo. Por lo que la fiscal, llama a un contacto para que le mande a un «solucionador» de «situaciones» (Clooney). Pero aparecen dos (Pitt), porque la dirección del hotel, que tiene cámaras en las habitaciones ¡¡¡??? ha querido «solucionar» también el problema. A partir de ahí, los «solucionadores» y el «cadáver» del jovencito (Austin Abrams) iniciarán una noche muy movida, cuando aparezca en la habitación del hotel un importante alijo de droga.

Sinceramente, no voy a perder mucho tiempo en el comentario. No es ningún bodrio. Pero no es nada de especial. Con un guion mínimamente decente y algo de imaginación, aprovechando el potencial del reparto, se podría haber hecho una comedia de acción bastante entretenida. Pero obviamente los actores se lo toman como un trabajo alimenticio, ponen de si lo justito, el guion es formulaico, de manual, sin imaginación, y la dirección pues… de un técnico, muy alejada de esa imagen que algunos tenemos del directo de cine como autor. Nada… un encargo para rellenar el catálogo de la plataforma de contenidos en línea. Inane. Entretiene un rato… lo justo. Mientras cenas y en la sobremesa, luego te vas a la cama, y ya te has olvidad. No hay más. Punto. Es lo que hay. O mejor dicho, es lo que NO hay. Aprueba… pero por los pelos.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] The room next door (2024)

Cine

The room next door (2024; 53/20241021)

Sí… la película es española, pero el título oficial está en inglés. La película está rodada en inglés. No es la primera de Pedro Almodóvar en este idioma, pero si es el primer largometraje. Ya rodó un interesante corto no hace mucho, con una de las protagonistas de la película que nos ocupa hoy. Que está basada en una novela de una autora norteamericana. Rodada en Nueva York y otras localizaciones de Nueva Inglaterra, y con unos temas que tal y como se plantean pueden ser universales, pero están muy vinculados a la realidad estadounidense.

Si no recuerdo mal, hace más de una semana que vi la película, las primeras imágenes me parecieron tomadas desde la isla de Roosevelt, como las fotografías con las que acompaño esta publicación.

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Una escritora (Julianne Moore), mientras firma libros en un acto de promoción, un libro sobre el miedo a morir y el rechazo a la muerte, se entera de que una buena amiga suya (Tilda Swinton), de la que se encuentra extrañada desde hace años, está enferma de cáncer y pasándolo mal, por la dureza del tratamiento. Esto le lleva a contactar de nuevo con la amiga y retoman la relación, sirviendo de fuerte apoyo a la enferma, especialmente cuando las cosas van a peor. Pero un día la enferma le confiesa que no está dispuesta a que la enfermedad se adueñe de su destino, que se suicidará con un fármaco antes de que las cosas se pongan mal, y que precisa de su compañía y apoyo, aunque no de su ayuda física para el suicidio.

Los temas que más han destacado en los comentarios sobre la película son la libertad y la autonomía personal, y el derecho a una muerte digna, la eutanasia. Pero creo que hay que insistir que hay un tema muy importante en la película, la amistad genuina, la que implica comprensión y aceptación del otro, incluso cuando en ocasiones sus valores entran en conflicto con los nuestros. No hace falta decir que la película está rodada con infinito esmero, y con la estética habitual del director, más matizada y menos estridente que en su juventud. Estridencias de color que nunca me molestaron, todo he de decirlo. Al contrario. Pero el valor principal de la película está en las dos protagonistas del largometraje, en su presencia, saber estar, en sus diálogos, en los sentimientos y sensaciones que transmiten. Con la colaboración puntual, pero destacable, de un simpático y humanista John Turturro. Excelente trabajo interpretativo, al servicio del cual Almodóvar pone todo su saber cinematográfico.

Ya digo que para mí el tema principal es esa amistad, esa solidaridad interpersonal, basada en el respeto al otro y a sus valores, incluso cuando no coinciden exactamente con los propios. Sobre el derecho a una muerte digna, la legislación actual sobre eutanasia, con sus virtudes y sus defectos, por motivos profesionales estoy muy familiarizado con ella y con las personas que solicitan la prestación de ayuda para morir, nos pone varios escalones sobre la situación en muchos estados de Estados Unidos y en muchos países del mundo. Por ello, de alguna forma, el debate que plantea al respecto la película lo tengo más superado. Para algunos será fundamental… pero a mí me parece más un macguffin para hablar de esas relaciones interpersonales basadas en el respeto y en la autonomía personal, en la capacidad de decidir. Que no es poco. En cualquier caso, una película más que recomendable. Y que puede interesar tanto a los aficionados al cine del director, como a quienes no lo son. Frente a otras películas de Almodóvar que dividen más las opiniones de los espectadores, creo que esta debería concitar más consenso. No obstante, aquellos que ideológicamente no esté por la libertad personal por motivos políticos, religiosos, generalmente gentes poco tolerantes, que se abstengan. No lo pasarán bien.

Por cierto, que hay una escena de la película en la que el personaje de Swinton lanza una potente diatriba contra determinadas actitudes sobre la enfermedad grave, sobre el cáncer en especial, actitudes de postureo social que están imperando en la sociedad y en las redes sociales, con la que me siento fuertemente identificado, porque hace mucho que me siento un tanto asqueado sobre determinadas actitudes públicas, especialmente de famosos, que están causando mucho daño en el ánimo y en la forma de afrontar la enfermedad de muchos pacientes y sus familias. Lo he vivido con frecuencia profesionalmente. No voy a entrar con detalle en estos momentos, no tengo el tiempo, ni es el lugar para ello… pero me alegro de que esas ideas se lancen con claridad desde la película.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: *****
Valoración subjetiva: ****

[Cine] La infiltrada (2024)

Cine

La infiltrada (2024; 52/20241013)

Desde hace ya unos cuantos años, mi relación con el cine español es difícil. No voy a entrar en detalle de cuáles son las causas por las que habitualmente no acudimos a ver las producciones de carácter nacional. Pero el cansancio por los temas que trata, el bajón en el nivel interpretativo por ser la televisión la «escuela» de muchos actores y actrices, la desconfianza en la objetividad de los críticos y comentaristas sobre estas películas (hace tiempo que sospechamos una coalición de intereses para empujar a estas películas al espectador) y algún otro que ahora no caigo hace que normalmente sean títulos que no nos motiven. En principio, con esta película pasó lo mismo. Hasta las narices de darle vueltas al tema de ETA… Y la desconfianza ante las valoraciones positivas,… ya nos hemos encontrado con demasiadas pifias alabadas por los «listos» de la cosa como «maravillosas». Pero algunos comentarios de medios poco acomodaticios, bien razonados, y la falta de otras ofertas de interés, nos llevó a una matinal en el último día de las fiestas del Pilar.

Dirigida por Arantxa Echevarría, la historia que se nos cuenta se basa en hechos reales. Aunque hay que asumir un grado de ficcionalización importante por diversos, y justificados, motivos, nos lleva a los siete u ocho años en los que estuvo infiltrada entre las filas del movimiento independentista vasco una muy joven agente de la policía nacional, interpretada por Carolina Yuste, y que le llevó a entrar en contacto con elementos importantes de la organización «militar» de ETA y a participar en la desarticulación del llamado Comando Donostia de la banda terrorista.

La película, realizada con sobriedad y con realismo, se distancia mucho de las películas sobre infiltrados a los que estamos acostumbrados, que nos llegan principalmente desde los Estados Unidos. Suelen ser películas de acción, más o menos vertiginosas, más o menos inquietantes. Pero en esta película, Echevarría nos lleva a la vida cotidiana de la agente infiltrada, que transcurre entre diversos trabajos y en las tabernas abertzales de la Parte Vieja de San Sebastián, hasta que tras siete años consigue entrar en contacto con agentes terroristas. Vive entre la angustia de ser descubierta y la inquietud de tener que permanecer pasiva cuando suceden actos violentos para no comprometer la operación. La historia invita a reflexión sobre los aspectos psicológicos y éticos de este tipo de operaciones. No obstante, en la medida que avanza hacia una resolución activa de la situación, el tercer acto de la película avanza hacia una mayor tensión y una mayor acción en la pantalla. Pero siempre con buen ritmo y bien dosificada.

La película tiene no pocas virtudes, como ya he adelantado en el párrafo anterior. Pero se ancla con firmeza en el trabajo de su protagonista, bien flanqueada por los personajes secundarios. Yuste sobresale en su actuación, aportando mucha verosimilitud al personaje y a las situaciones. Desconozco en qué medida han contado con la colaboración de los auténticos protagonistas de los hechos históricos, pero tienes la sensación de que lo que estas viendo, si no pasó exactamente como se nos cuenta, pudo ser así.

Creo que estamos ante una película de notable interés. Echevarría no se enrolla a la hora de contar su historia. 100 minutos más o menos. Una estructura lineal en el relato con algunos flashbacks que aportan contexto, y centrarse en cuestiones esenciales. Sin discursos y sin demoras en la narración. Con una buena gestión de las elipsis. Al fin y al cabo pasan muchos años entre el principio y el final de la acción policial de la agente. Y un desenlace que, no podemos negarlo, es conocido porque es historia. No está en ello la emoción de la trama. En cualquier caso, creo que aporta un nuevo enfoque a los temas tratados, con razonable frescura. Y aun situando claramente a la banda terrorista como el elemento negativo de la historia, no duda en plantear las pequeñas miserias del día a día de las gentes y las instituciones, sin olvidarse de reivindicar a las personas, a los gentes que se lo curran para hacer las cosas lo mejor posible. Merece la pena verse.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

[Cine] Jeon, ran [전,란] (Invasión, insurrección) (2024)

Cine

Jeon, ran [전,란] (2024; 51/20241011)

Este estreno reciente de Netflix procedente de Corea del Sur me interesó e intrigó por la presencia en Park Chan-wook en los créditos de la película. Park tiene títulos muy interesantes en su carrera. Por indicar algunos de los que he visto en pantalla grande en los últimos años, podemos hablar de este muy reciente, de un clásico del cine coreano de este siglo, de una película de intenso y elegante erotismo, y… menos interesante, una incursión en el cine norteamericano. Park aparece como guionista de la película, y nos decían las crónicas que su intención era dirigir este drama de acción histórica, pero otros compromisos hicieron que esa tarea pasase al más bisoño Kim Sang-man. Así pues… el aliciente estaba ahí. El mismo viernes que la estrenaron, por la noche, me dispuse a verla.

La acción nos traslada a finales del siglo XVI, durante las invasiones japonesas de la península de Corea. Y nos habla de la rivalidad entre un joven noble (Park Jeong-min) y su criado/esclavo (Gang Dong-won) de edad similar. Entre la amistad y el odio, ambos quedarán separados justo antes de las invasiones niponas por la crueldad en el trato de los esclavos por parte de la familia del joven noble. Tras la expulsión de los japoneses del país, el reino de Joseon se encuentra arruinado, hay hambre, y las población siente que los gobernantes no les prestan atención, por lo que es terreno abonado para los levantamientos e insurrecciones. Y ambos jóvenes, ya no tan jóvenes, volverán a encontrarse enfrentados.

El reino de Joseon fue un reino muy encerrado en sí mismo cuya sociedad fue configurada en torno a un confucianismo extremo. Frente a los muchos papanatas que ven las filosofías asiático-orientales como siempre estupendas, espirituales y superiores al materialismo occidental. Pero lo cierto es que el confucianismo promueve una fuerte estratificación social, prácticamente un sistema de castas, donde el que nace siervo o esclavo así permanece, no existe ascensor en la escala social, y los nobles «eruditos» conservan perpetuamente sus privilegios. Teóricamente la filosofía de Confucio predica la prevalencia del estudio y el mérito, pero en la práctica sólo los hijos de los nobles «eruditos» pueden convertirse en la siguiente generación de privilegiados. Además es profundamente patriarcal, reservando a la mujer un papel pasivo y absolutamente dependiente del hombre. Por lo tanto, en la base de la película hay material para una reflexión social importante. Especialmente en un momento de la historia del país especialmente revuelto. Pero al final, el desarrollo de la historia queda como un conjunto de peripecias aventureras, con luchas de capa y espada, siempre tan excesivas en el cine asiático, con idas y venidas en el tiempo, mal engarzadas, la película no está correctamente construida. Y el resultado es más bien confuso y banal. A pesar de que se han introducido medios.

Las interpretaciones son correctas. Entre los intérpretes coreanos hay bastante más oficio de lo que las teleseries del país nos muestran, y eso se aprecia. Pero no bastan para levantar la calidad de una película que tenía muchos mimbres para ser interesante, incluso bastante buena, y se queda en una mediocridad absoluta con pretensiones. Allá cada cual si es suscriptor de Netflix si se anima o no con ella.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

[Cine] Megalopolis (2024)

Cine

Megalopolis (2024; 50/20240928)

Otra película pendiente de comentario vista antes de salir de viaje de vacaciones, en una matinal de sábado. Una película que llegaba acompañada de polémica y división de opiniones, un proyecto muy personal de Francis Ford Coppola, que sufrió muchas vicisitudes hasta que se hizo realidad, en las cuales no voy a entrar, y que antes de estrenarse pasó por diversos festivales, generando una división de opiniones notable entre la crítica, y aventurando un posible pinchazo en la taquilla, como así parece que ha sucedido. Una película relativamente larga, de dos horas y cuarto algo largas, y que podría haber sido más larga todavía, dado que hubo mucho metraje rodado.

Coppola nos lleva a una Nueva York alternativa, bajo el nombre de Nueva Roma, inspirada por la inestabilidad de la Roma republicana en sus últimas décadas, en la que las instituciones republicanas fueron amenazadas constantemente por la corrupción, la crisis económica, y las amenazas golpistas de dictadores de origen militar o apoyados por los militares, tanto entre los patricios como entre los plebeyos, de tono más populista estos. En concreto, se inspira la historia en los enfrentamientos entre Cicerón y Catilina, aunque el argumento que plantea Coppola no reproduce la famosa conspiración de Catilina contra la República. Algo que hubiera sido muy complejo, ya que nunca tendremos certeza de los que sucedió por aquello de que la historia la escriben los vencedores, y todos los relatos fueron sesgados y afines a Cicerón, así que muy contrario a Catilina. Aquí nos encontramos que Cicerón (Giancarlo Esposito) es el alcalde de la ciudad, un pragmático dispuesto a hacer compromisos para que las cosas funcionen aunque sean con deficiencias, y con un cierto grado de corrupción. Mientras, un torturado Catilina (Adam Driver), por la muerte de su esposa de la que fue acusado por el primero, y con la capacidad para parar el tiempo, tiene visiones de una Roma distinta, más estética, más artística y más equitativa y pensada para sus gentes. Pero el entorno que les rodea es de intereses contrapuestos y corruptos, lo que amenaza el gobierno de uno y las visiones de futuro del otro. Un elemento, Julia (Nathalie Emmanuel), la hija de Cicerón, podrá servir de puente, cuando se enamore y se case con Catilina.

La película ha suscitado las reacciones tan contrapuestas, en mi humilde opinión, más por las polémicas que han rodeado su rodaje, su promoción y su distribución que por sus cualidades cinematográficas. Obviaré esas polémicas y me centraré en la historia que nos cuenta, la forma en que nos la cuenta y en el trabajo interpretativo.

Basar la historia en la República Romana tardía es complejo. Establecer paralelismos entre ese periodo de la historia en la que la pequeña y expansiva república mediterránea se transforma en un imperio de ámbito casi continental, y la evolución de los Estados Unidos que surge de la ilustración como una república con valores democráticos, pero que acaba convirtiéndose en una potencia global, con las dosis de corrupción moral y política que acompañan a ambos, es complejo. Los estadounidenses siempre han sentido una cierta fascinación por Roma, y son muchos los que se han comparado con las principales figuras de la Roma republicana. Pero es arriesgado. Las semejanzas me parecen cogidas por los pelos. Los Cicerón y Catilina históricos pueden tener muy poco que ver con los de la película. Más cuando el Catilina original pasó a la historia como un villano golpista (ya he mencionado lo de la historia escrita por los vencedores), mientras que el Cicerón original ha pasado a la historia como una figura de prestigio, de la élite de la República tardía. No son esos los papeles que representan sus alter ego de la ficción de Coppola. Es complicado. Y es complicada esa tesis de fondo de que el arte y la belleza acompañan los valores de equidad y justicia, tal y como las plantea Coppola a través de su Catilina de ficción. Por lo tanto, la tesis planteada por Coppola y su reflejo en el argumento de la película no me parece que quede totalmente resuelto, y presenta diversas goteras.

Donde la película destaca, y a veces abruma, es en un representación visual. Coppola plantea un espectáculo visual llamado a impactar y a dejar una herencia de lo que es su visión artística y cinematográfica, que a veces acompaña bien, y otras no tan bien, a la historia. Es peligroso confiar en las formas y en el espectáculo lo que no está bien hilado en el concepto y la historia que estamos contando. Y eso que la película tiene un activo importante, y es el buen trabajo, en mi opinión de sus intérpretes. Incluso si en ocasiones no está claro el camino que llevan sus personajes. Pero me parece que el esfuerzo es destacable. El reparto es muy amplio para mencionar a todos los que participan de forma destacada. Pero el trío protagonista actúa con solvencia.

Globalmente creo que la película sólo puede merecer un juicio duro desde el punto de vista de las pretensiones con las que se presenta; un espectáculo magno con una tesis política, testamento de la visión de su director. Y no llega a cumplir con esa misión. El desequilibrio entre virtudes y defectos afecta a esas pretensiones de forma grave. Pero no podemos negar algunas cuestiones, sin esas elevadas expectativas, la película es una producción muy interesante. Tiene ideas interesantes, tiene momentos interesantes, tiene atractivo visual, tiene buenas interpretaciones. Lo que falla es la integración. Y en algunos momentos falla la metáfora. Pero no creo que sea la calamidad que muchos han visto ni mucho menos, al contrario, creo que es un producto cinematográfico que merece la pena contemplar, incluso si sus defectos puedan dar la sensación de que es un producto fallido, al menos hasta cierto punto.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Hokkyoku Hyakkaten no Konsheruju-san [北極百貨店のコンシェルジュさん] (The Concierge) (2023)

Cine

Hokkyoku Hyakkaten no Konsheruju-san [北極百貨店のコンシェルジュさん] (2023; 49/20240928)

Antes de irme de viaje a Singapur dejé pendientes de comentario dos películas de estreno. Curiosamente, de ninguna de las dos teníamos expectativas altas, y curiosamente las dos nos aportaron cosas. Y en concreto, la película de animación japonesa que nos ocupa hoy nos gustó bastante más de lo que pensábamos, ha ido creciendo en la memoria, y en estos momentos mi opinión es que está francamente infravalorada.

Gifu - Japón

Dirigida por Yoshimi Itazu, está basada en el manga del mismo título. El título original en japonés se traduce como La conserje de los Grandes Almacenes del Polo Norte. Y nos habla de las peripecias de una nueva empleada de estos grandes almacenes, cuya inspiración clara son los primeros grandes almacenes parisinos del siglo XIX, de los que por ejemplo nos hablaba Zola en Au bonheur des dames, una novela que también trata de una joven que entra a trabajar en los grandes almacenes que dan nombre a la novela. Pero la historia de esta película se aparta pronto del naturalismo del escritor francés, y entra de lleno en el ámbito de la fantasía. Los clientes de estos grandes almacenes son animales… animales extinguidos principalmente. Muy torpe al principio, la bondad natural de Akino, la protagonista, la hará desvivirse por atender las necesidades de los clientes, y orientarlos hacia aquellas secciones del establecimiento que más les convienen

Película de muy buen rollo, en la que es muy fácil coger cariño a la protagonista, esa joven un tanto atolondrada de gran corazón, que acabará siendo querida por todos, compañeros y clientes. Pero las peripecias de la joven es un macguffin para trasladar los riesgos que la vida salvaje tiene ante la acción depredadora, invasiva y modificadora de los ecosistemas del ser humano. Durante buena parte de la historia de forma inconsciente, pero hoy en día de forma egoísta, codiciosa, y al mismo tiempo previsible. Con una animación totalmente basada en el manga de origen, de líneas claras, sencillas, pero muy expresivas, es una película que nos enganchó, y que como ya he dicho, en mi caso, ha ido creciendo en el recuerdo.

Gifu - Japón

Por todo lo anterior, la encuentro muy recomendable. No obstante, está pasando relativamente desapercibida. Y quizá por la ausencia de espectacularidad en su planteamiento o en sus aventuras, está injustamente infravalorada por el público. Aunque el material de origen, el manga, fue muy apreciado y premiado en su momento, lo que debió influir para proceder a la adaptación a largometraje de animación. Que también goza de cierto aprecio por la crítica y por los festivales dedicados al género.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ****

Gifu - Japón

[Cine] His three daughters (2023)

Cine

His three daughters (2023; 48/20240925)

Esta semana parece que se ha animado un poquito la cartelera cinematográfica en salas de pantalla grande. Aunque probablemente tarde un tiempo en comentar las películas de estreno, porque voy a hacer un paréntesis, y el Cuaderno de ruta entrará en modo de «sólo fotos». No obstante, el miércoles pasado dejé las series que veo después de cenar en favor de una película estrenada directamente en plataforma en línea, con un reparto sumamente atractivo. Dirigida por Azazel Jacobs, de quien sólo he visto episodios de teleseries, creo, tiene sabor a teatro adaptado al cine, aunque es una obra original para el cine escrita para Jacobs, que yo sepa.

Tres hermanas se reúnen en un apartamento de Nueva York, donde vive su padre (Jay O. Sanders) con una de ellas (Natasha Lyonne), para esperar el fallecimiento de este que se encuentra en cuidados paliativos terminales en su casa. La mayor (Carrie Coon) vive también en Nueva York con su propia familia, pero pasa poco a visitar a su padre y a su hermana. La menor (Elizabeth Olsen) vive también con su propia familia en la costa oeste, por lo que aún visita con menos frecuencia. La que vive con el padre no es hija biológica, ya que era hija de su segunda esposa, aunque la adoptó y la crio como propia. Durante estos días surgirán las diferencias entre las tres hermanas, con distintos caracteres y distintos valores, a las que sólo parece unirles una cosa. Su padre. Que ahora está muriendo.

Como ya he comentado, tiene sabor a teatro. Prácticamente sólo hay un escenario, el apartamento. Hay unas pocas escenas exteriores, en un banco delante del edificio donde se encuentra el apartamento. Y básicamente lo que hay son diálogos. Los diálogos entre las tres hermanas, y eventualmente con los secundarios que aparecen. Los temas son previsibles. El principal está claro; qué es ser familia. La familia es un grupo de personas en las que sólo dos, cuando existe una pareja fundadora, han decidido ser familia. Los demás han llegado ahí sin ser preguntados. Y a pesar de ellos, se supone que existen unos vínculos, unas relaciones de afecto, una red de apoyo mutuo. Pero, ¿cuáles son sus límites? Y, ¿cómo conciliar los diferentes valores y perspectivas de quienes forman la familia?

Ya he mencionado que decidí ver la película por su reparto. Las tres actrices han mostrado una solvencia y una profesionalidad actoral más que sobrada a lo largo de su carrera, independientemente de que unas u otras hayan hecho otro tipo de trabajos más alimenticios o lucrativos. Son buenas actrices dramáticas, y en esta película son el principal aliciente. El director/guionista les ofrece una buena base, no especialmente original, es una historia que resuena, que tiene elementos de «esto ya lo he visto en alguna ocasión», pero ellas se encargan de darle alma y hacer que merezca bastante la pena dedicar estos 100 minutos a ver cine. Si tenéis Netflix, no os la perdáis.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****