Si hace unos días contaba como me había ido con la EOS 100 para película tradicional, hoy toca hablar de mis tribulaciones con mis primeras réflex digitales, empezando por las de segunda mano cuando eran caras, caras, pero carísimas.
El castillo de Loarre fotografiado con una EOS D60 (no 60D), en mis primeros tiempos con réflex digitales.
Unos años después, con una EOS 40D que compré nueva, y no de segunda mano como los anteriores, viajando por Polonia, y visitando el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau.
Fuimos a ver esta película el domingo por la tarde. En Zaragoza sólo era posible encontrarla en versión doblada. No nos hacía mucha gracia, pero una película dirigida por la alemana Sandra Nettelbeck, a quien debemos aquella pequeña maravilla que fue Bella Martha, interpretada por el siempre interesante y ya octogenario Michael Caine, y con ese encanto que tiene el chic de lo francés que aporta Clémence Poésy, incluso con críticas flojas, nos apetecía verla. Bien. Pues el doblaje de esta película es una catástrofe. Las voces de los principales intérpretes. Incluso la entonación y el tono y volumen de voz utilizados llegan a desvirtuar escenas enteras del filme. Así que ayer me vi, por métodos de esos que no gustan a las gentes de la industria del cine, la versión original,… y cambia. Ya lo creo que cambia. De momento, mi primera recomendación. ¡No vayan a ver la versión doblada en España! ¡Crimen de lesa humanidad! Incluso el título en castellano es una memez comparado con el original, puesto que en la cartelera española encontraréis la película bajo el título Mi amigo Mr. Morgan. ¿Tan nefasto para los intereses comerciales del distribuidor era traducirla como El último amor de Mr. Morgan? Lo he dicho muchas veces ¡Que fusilen al que pone los títulos de las versiones dobladas!
Al comenzar la película nos encontramos al Mr. Morgan (Caine) del título, un profesor universitario de filosofía retirado, que se quedó a vivir en París tras enviudar de su esposa. Vive alejado de su familia, dando largos paseos por la capital francesa, con unas relaciones que se circunscriben a la señora que le atiende la casa, y una señora amiga con la que come los jueves, y que intenta sin éxito que aprenda algo de francés. Y en estas estamos cuando en frenazo de un autobús conoce a una joven francesa, Pauline (Poésy), una profesora de baile, que le acompaña y se preocupa por él. Y comenzará un peculiar amistad, con muchos matices sobre los sentimientos del uno y de la otra. Porque Pauline, a pesar de su calidez y cordialidad, tampoco tiene una vida fácil. Pero claro, todo se complicará más todavía cuando «un problema de salud» del anciano traiga a sus dos hijos a París. Una insoportable y egocéntrica hija, Karen (Gillian Anderson), y un perdido y desconcertado hijo, Miles (Justin Kirk), que tampoco pasa su mejor momento. Y quienes por supuesto van a sospechar las peores cosas de la amistad entre su padre y la encantadora Pauline.
Dos días seguidos paseando por París; qué se le va a hacer, si toca, toca… Podemos pasarnos por el Louvre.
Empecemos dejando las cosas claras. Con muchas cosas en común con aquella Bella Martha, especialmente todo aquello que tiene que ver con la reflexión sobre la soledad y la falta de calidez en las relaciones humanas y familiares, y la presencia fantasmal del pariente cercano fallecido, esta película que nos ocupa hoy no llega al nivel de aquella. Quizá porque el filme de hace 13 años tenía mucho de sencillez, aunque nada de simplicidad, mientras que en esta ocasión el guion alarga la historia y le da vueltas sobre sí misma, sin ir directamente a centrarse en los elementos que importan. Además, creo que el personaje de Pauline no está suficientemente desarrollado, especialmente sus contradicciones internas, para permitirnos comprender mejor lo que allí está pasando. Estas debilidades bajan bastante el nivel de la película, lo cual es un problema dado el estilo algo frío y directo de realización de Nettelbeck. Que puede ser apropiado con determinados planteamientos, pero que si estos no son acertados ocasiona una flojera global que se hace apreciar. De hecho, la película tiene un planteamiento que promete mucho, para luego entrar en cierta confusión en su parte central y llevar a un desenlace, algunos de cuyos componentes están muy cogidos por los pelos. Especialmente en lo que se refiere a como se relacionan Pauline y Miles.
Para evitar el derrumbe del filme están los intérpretes. La solidez interpretativa de Caine y la dulzura de Poésy convierten en perfectamente razonable la relación entre ambos personajes. Una relación que no siempre está ni quiere estar bien definida. ¿Es el «último amor» al que se refiere el título original? ¿Es la amistad mencionada en el título español? ¿Es a ratos esa cercanía que a veces tienen los abuelos con sus nietos, aunque en este caso sea una nieta surrogada, y que no han sido capaz de tener con sus propios hijos? O simplemente, es el encuentro entre dos personas en soledad que por encima de la distancia que marcan sus edades, saben comunicarse y establecer puentes de comprensión y de calidez. Esto salva el filme. Anderson, en plan hija egocéntrica, aparece demasiado poco para dar juego. Y Kirk parece un intérprete que se mueve mejor en la comedia, y que no acaba de encontrar su sitio en el papel que le toca, aunque debería ser la tercera pata imprescindible del trípode que sujetase con firmeza la película.
O animarnos con la multitud de turistas en la escalinata de Montmartre.
Estamos pues ante una película a la que osamos acercarnos a pesar de que las referencias no eran muy optimistas, y que efectivamente es un producto con defectos. Pero también con unas virtudes y unos temas que nos permiten meternos en ella y empatizar con sus protagonistas principales. Especialmente en la muy superior versión original sobre la doblada. No me atreve a recomendarla con carácter general, pero por lo menos podremos disfrutar de quizá una de las últimas interpretaciones de Caine, del chic de Poésy y de unos estupendos paseos por París.
Sinceramente, acabé leyendo este libro porque me equivoqué al seleccionarlo. Me equivoqué de autor, no era obras de Michel Bussi lo que buscaba. Y «me equivoqué» de tema. No es que fuera una equivocación exactamente esto último. Yo iba con una idea en la cabeza, pero la sinopsis de este libro me llamó la atención, y acabé pinchando el botón de comprar. Ahora, en un momento, os cuento se la «equivocación» mereció la pena o no.
Un avion sans elle Michel Bussi Presses de la cité, 2012 Edición electrónica
Introducción al libro, en vísperas de la navidad de 1980, un avión procedente de Estambul con destino París sobrevuela los Alpes, y cuando enfila las cimas del Jura, en la frontera entre Suiza y Francia una novela comienza a desestabilizar al aparato. Pocos minutos después, entra en pérdida y cae sobre las laderas del Monte Terrible, donde comienza un incendio que acaba con la vida de los posibles supervivientes. Salvo que unos metros del accidente aparece una niña, un bebé de tres meses que, milagrosamente, ha sobrevivido en muy buen estado. A partir de aquí, dieciocho años más tarde, un detective privado está decidido a acabar con su vida. En dieciocho años no ha conseguido desentrañar el principal misterio de aquel suceso. La identidad de la niña, convertida ya en una joven atractiva e inteligente. Una niña que se disputaron en su momento dos familias. Dos parejas de presuntos abuelos, una de ellos, ricos, de la periferia pija de París, poderosos, influyentes, conservadores,… La otra, pobres, vendedores de pescado frito en una furgoneta de Dieppe, de izquierdas convencidos, no menos orgullosos… A estos últimos, la justicia les entregó la niña. Pero sobretodo son dos personas las que quieren saber la auténtica identidad de la chica. Uno, el presunto hermano mayor según la justicia, que no quiere que la chica sea su hermana… La otra, la que hubiese sido hermana mayor de la chica si la justicia hubiese fallado de otra forma, que mataría porque la chica fuese su hermana… Y algunas muertes por el camino.
Buena parte de la acción de la novela sucede en París y alrededores. No recuerdo si pasan en algún momento por Concorde, porque van de metro en metro, pero aquí queda.
Se supone que en la novela hay un misterio. No se supone, lo hay. Pero es un misterio que, para cualquiera que tenga dos dedos de frente, algún conocimiento del desarrollo de la genética y sus aplicaciones judiciales, o capacidad para consultar en internet, sabe que es imposible que el misterio dure 18 años. Aun contando la época en que sucede la acción como las vísperas del año 2000. Luego eso quiere decir que esos análisis son inconclusos. Lo cual deja sólo dos posibilidades… no entraré a hacer el trabajo de quien quiera leer el libro. Al final, mi hipótesis inicial, la que construyo en los primeros minutos tras abrir el libro es la que triunfa. Y cualquier lector mínimamente avispado lo deducirá, incluso con los magros datos que he dado en esta entrada.
Por lo tanto, como principal interés del libro está el camino que recorren los personajes del libro. El protagonista no es la chica. Emily, la chica en cierto modo es el macguffin que lleva a actuar a Marc, su hermano mayor según decisión de la justicia. Y que en el plazo de un par de días tiene que asimilar toda la información que el detective, de improbable nombre Crédule Grand-Duc, ha adquirido en dieciocho años, y llegar a la conclusión correcta. Y eso, supone desentrañar muchos secretos, algunos de ellos tristes, otros incómodos. Y también ir en contra, y a veces a favor, de las personas del entorno, especialmente la también improbable hermana mayor «alternativa» de Emily, Malvina de Carville, personaje entre lo bufo y lo siniestro.
Lamentablemente no tengo fotografías del Jura ni de la Alta Normandía, así que más París, el Arco de Triunfo de l’Etoile.
Al final tenemos un thriller en el que los investigadores son gente, que tendrían que haber llevado sus vidas, y se meten en este lío improbable. Improbable por la cantidad de coincidencias que el escritor obliga a que sucedan para que la historia pueda durar más de 500 páginas, quizá un número excesivo. Improbable, porque tanta carambola puede resultar de difícil tragaderas para el lector, especialmente el más avispado. Improbable, porque casi imposibles son algunos de los caracteres que se nos proponen. No obstante, el libro se deja leer, entretiene, tiene algún momento de emoción y de atrapamiento de lector, aunque esté muy lejos de ser una obra redonda. A mí me ha servido para practicar la lectura en francés. Eso sí. Y a darle varias vueltas a la homofonía de un avion sans elle y un avion sans ailes… aunque sin necesidad de darle vueltas a esta homofonía, la resolución del misterio está por ahí…
En cualquier caso, en Google Maps, el Monte Terrible, como Mont Terri, aparece integramente en el cantón suizo del Jura y no en Francia… y esta entrada porticada no es a una plaza dedicada a estos montes sino a los Vosgos… que son unos montes estupendos, y la plaza también.
Guardians of the Galaxy (2014), 15 de agosto de 2014.
Sí, sí, claro. Ya sé que es un blockbuster de la marvel,… pero incluso estas películas son mejores en versión original. Aunque en este caso el título de la versión doblada que podéis encontrar en la cartelera, y que probablemente llenará las salas, no los cuatro gatos que estuvimos nosotros, es bastante fiel al original con su Guardianes de la galaxia. Más sobre el problema del doblaje cuando dentro de unos días os hable de la segunda película que vimos este fin de semana. Y es que cuando te tienes que quedar en el Charco un fin de semana largo de mitad de agosto, pues algo tienes que hacer. Te vas al cine con quien quede por ahí.
Uno de mis propósitos de este año era el de pasar por completo de las de superhéroes, porque… vista una, vistas todas,… y porque, en general, son ridículas. Pero nos animamos a dirigirnos a ver esta porque parece más de antihéroes que de superhéroes, porque parece que es una space opera, y porque hay cierta unanimidad en la autodenóminada crítica en que es diferente al resto del género. Nos decidimos a probar este producto que dicen que está dirigido por James Gunn.
Y se nos cuenta la historia de un tal Peter Quill (Chris Pratt), que a sí mismo se denomina con el pomposo sobrenombre de Star-lord, un huérfano de madre, cuyo padre parece que es un ser angelical o un alien. Probablemente esta trama es la excusa para una segunda película. Abducido de la Tierra por unos contrabandistas facinerosos el día que murió su madre, se convierte en uno de ellos. Y en una de rapiñas se hace con un objeto llamado el Orbe (mira tú que originales), que contiene un objeto de poder cuasi infinito (aquí también han estado sembrados, nunca me lo hubiera figurado), que pondrá en peligro al universo entero (o al menos, la galaxia) si cae en malas manos. Para evitarlo acabará juntándose con cuatro seres de lo más diversos, un mapache, un árbol, un bruto que se lo toma todo al pie de la letra y una mujer verde, Gamora (Zoe Saldana), con quienes intentará evitarlo.
Creo que a la película de hoy, para llegar a todos los tópicos, sólo le han faltado bichos asquerosos de algún tipo…
Veamos… esta película es un refrito de ideas o situaciones de la más diversa procedencia. Tiene su momento Indiana Jones, tiene varios momentos Star Wars, de quien podemos decir que hace algo más que inspirarse, por un momento tiene sus puntitos, no los suficientes ni lo suficientemente aprovechados, en común el autostopista galáctico, nos recuerda en alguna ocasión a Firefly, algunos de los malos son muy del estilo Star Trek,… no me atrevería a decir que haya nada en absoluto que pueda considerarse original en este filme. Nada. Cero. Todo está visto. Incluso la banda sonora basada en éxitos setenteros y ochenteros podría salir de cualquier película de Shrek. Hasta sale un árbol andante y (parcamente) hablador que podría haberse escapado del Señor de los Anillos. Y el guion es también de manual. Todo absolutamente previsible; estructura general, la de las películas de la saga Star Wars que luego ha sido copiada un número de n veces, cuando n tiende a infinito, elevado a la enésima potencia. Pero eso sí, todo hilado y encajado con razonable profesionalidad para ofrecer un producto palomitero razonablemente entretenido, y con un tono de parodia general del género, aunque no sé si es ese el efecto que buscan. Creo que se plantean más bien una comedia de aventuras y les sale casi sin querer un parodia. No me imagino yo a los productores de estas película con un nivel de inteligencia más allá del que les permita hacer caja con facilidad.
Las interpretaciones son lo suficientemente correctas como para sacar adelante la papeleta, aunque con el punto débil de las chicas, que tienen un tipazo tremendo, especialmente Karen Gillan, exchica Doctor Who, que aquí sale calva y azul. Creo que no se enteraron que la virtud de esta actriz era la de ir por la vida de vecinita mona de la casa de al lado, con ganas de aventura y con redaños, y que le queda mejor ir de pelirroja que con una calva azul. El protagonista, muy alabado en algunos sitios, suficiente para lo que se buscaba. Bueno… yo propongo a la voz de Vin Diesel al óscar al mejor árbol de reparto por haberse pegado toda la película diciendo «I am Groot». Su mejor papel hasta la fechas. Sin duda. Y el único memorable. Es decir, el único cuyas frases podemos rememorar sin problemas.
… arañas o así… las arañas son muy socorridas…
En resumen, una película aceptable para pasar el rato, lo que está tan por encima de la media de su productora de tebeo, que ha provocado un entusiasmo absolutamente desmesurado en muchos nuevos críticos de nuevo cuño, que se destetaron en esto del cine con las aventuras de héroes vestidos con coloridos pijamás. No. No es para tanto. Es un producto prefabricado más. Razonable, especialmente para una sosa tarde de verano, pero sin más. Y que aún no se han dado cuenta que los tebeos de la Marvel son bastante malos en general. Yo me aficioné a ellos cuando tenía 9 años. Y cuando tenía 11 ya me parecían un tontería. Pues eso.
Todas las semanas os traigo las recomendaciones sobre fotografía y fotógrafos que publico en carloscarreter.es. En esta ocasión con un paisaje de antiguas trincheras de la guerra civil española a pocos kilómetros de Zaragoza.
Trincheras de Los Petrusos, a pocos kilómetros de Villamayor de Gállego (Zaragoza).
El ocaso llega a las nueve de la tarde, con el Moncayo destacando en el horizonte.
Recuperando diapositivas de los cajones… Estas tienen casi quince años…
Locomotora eléctrica de la serie 1000 en el Museo del Ferrocarril de Villanueva y la Geltrú.
Un paseo por Sitges.
Un Euromed en la estación de Tarragona – Estos trenes fueron comprados para la línea del AVE aMadrid a Sevilla, pero resultó que sobraban (¡¡¡???)… fueron adaptados para circular por el Corredor Mediterráneo entre Alicante y Barcelona…
Foto nostálgica que apareció en aquel carrete… grupo de tenis del cursillo de septiembre de 1999 a las 20 horas en el Centro Deportivo Municipal de La Granja.
En mi sitio web dedicado a la fotografía, os cuento como evolucionó mi equipo Canon EOS desde que compre la primera cámara de esta cámara, en aquel momento para película de sales de plata de toda la vida, una EOS 100 que todavía conservo y funciona perfectamente.
Esta era la cámara y los objetivos que más frecuentemente usaba en mis viajes en el final de la década de los 1990s y al principio de los 2000s.
Taula, monumento megalítico menorquino, fotografiado con la Canon EOS 100 y el EF 28-135/3,5-5,6 IS USM.
Siempre se ha dicho. Las gentes del cine nunca se van al otro barrio solas. De dos en dos, de tres en tres. Pero nunca solas. Y se van, seguro, al cielo de las gentes del cine y de los que amamos el cine. El único cielo, la única vida después de esta vida que creo que merece la pena que exista. Cualquier otro sería demasiado aburrido para vivirlo toda la eternidad.
Pero las dos pérdidas de esta semana parece que han hecho más daño que las que se producen en otras ocasiones. Nos han producido más tristeza. En cualquier caso, conviene que los recordemos, y les guardemos un rinconcito cálido en nuestros corazones.
Williams fue un actor muy prolífico. Quizá demasiado. Cuando uno hace tantas cosas seguro que hace algunas cosas mal, o acaba metiéndose en proyectos de calidad discutible, o indiscutiblemente mala. Si hago repaso de las películas en la carrera de Williams veo que hay un porcentaje elevado de películas que no he visto ni me apetece, y algunas que me arrepiento de haber visto. Esta es la realidad, por mucho que en los últimos días se nos presente de otra forma.
No fue un actor de fama inmediata y juvenil. Tenía más de 30 años cuando empezaron a llegarle los éxitos y el reconocimiento. Es decir, se lo tuvo que currar. Por eso quizá luego no fue todo lo selectivo que podría haber sido. Cuando pasas años de vacas flacas… Y fue entonces cuando empezaron a llegar momentos estupendos en la carrera de este actor de características fundamentalmente teatrales. Formado en las artes escénicas, con una gran expresividad corporal, calificarlo de histrión es no comprender su origen y su modo de entender la profesión. Que afortunadamente es variada. Si no, todos los actores y actrices nos parecería iguales.
Hoy recogeremos una flores para ponerlas en el recuerdo e Robin y Betty (como era conocida familiarmente Lauren Bacall).
Realizar ahora un repaso a toda su carrera sería un ejercicio banal. Prefiero detenerme, como he hecho en ocasiones parecidas en aquellos momentos que más se han quedado en mi memoria. Y estos son tres. Y no. No está entre ellos el «O Captain, My Captain»… porque esta película me parece que es bastante tramposa en su mensaje. Hace tiempo que dejé de pensar en ella. Pero de eso no tiene la culpa Williams que puso lo mejor de su parte en ella. Para mí, los momentos imborrables son los monólogos ante el micrófono de Adrian Cronauer en Good Morning, Vietnam, una película que detrás de su disfraz de comedia con canciones esconde un drama que todavía hoy se repite constantemente en muchas partes del mundo. Es también el vagabundo Parry en busca del Santo Grial en The Fisher King (El Rey Pescador). Y es Mel el hombre que se ve desenfocado, qué tremenda metáfora, en Deconstructing Harry (Desmontando a Harry).
Una vez más, insisto. No quiero decir que sean sus mejores papeles, o sus mejores trabajos, o las mejores película en las que participó. Simplemente son el recuerdo que de él me quedará. Una persona que en un momento dado, a pesar del éxito, de la fama, del bienestar económico,… no encontró su lugar en el mundo, y decidió salir de él. Un acto que cuando se produce, siempre nos queda la duda de si fue un acto libre que hay que respetar, o si como tantos nos quieren hacer ver, a veces para no conceder a las personas su últimas decisiones sobre sus vidas, el último acto de una persona enferma. Nunca sabremos con seguridad qué pasaba por su cabeza cuando decidió hacer mutis y pasar a fundido a negro en la pantalla de la película de su vida.
Os dejo con algunas escenas seleccionadas de Good Morning, Vietnam, cuya banda sonora estoy escuchando en estos momentos.
A Billy Wilder no le cayó bien en principio Humphrey Bogart, aunque luego fue de los que le visitó y le apoyó cuando enfermó antes de morir. Dijo de él en una ocasión que era «un antisemita que se casó con una judía del Bronx«. No sé. Billy está entre mis favoritos. ¿No sufriría un tremendo ataque de celos como los muchos que tuvieron que darse en los años cuarenta y cincuenta al ver como Bogie acababa llevándose a casa a una de las actrices más interesantes de la historia del cine?
Porque indudablemente esta era Bacall, una de las mejores actrices y una de las mujeres más interesantes del mundo del séptimo arte. Los calificativos que más se repiten estos días suelen ser «elegante», «inteligente», «comprometida», «adelantada a su tiempo»,… Lo que sea. También ha dado muestras de tener genio, y de poder ser bastante cascarrabias. Especialmente cuando la Academia le ha negado a lo largo de su carrera la estatuilla de un «eunuco dorado», teniendo que conformarse con uno de carácter honorífico. Desde luego podemos encontrar en su carrera papeles merecedores de este premio. Desde luego que ha habido muchas actrices que se lo han llevado con mucho menos mérito. Pero así es la industria del cine norteamericana. Si la quieres la coges y si no,… también. Bueno, su única candidatura la perdió contra Juliette Binoche(The English Patient), y se le puso una cara de vinagre inenarrable. Pero creo que Binoche fue justa ganadora esa noche.
Las recogeremos frescas y coloridas, con los aromas del verano.
El caso es que Bacall era una de las últimas representantes de una forma de entender el «star system». Buena presencia, buena actriz, adorada por el público, cuando llegó a la fama sin haber cumplido 20 años era otra cosa muy distinta de la panda de «zarrapastrosas» que ahora alcanzan el éxito a esas edades. Era una de esas presencias que justifican el apelativo para Hollywood de fábrica de los sueños.
Si tuviera que escoger algún momento sobre cuál es la imagen que recordaré de ella… Sin duda, Slim de To Have and Have Not (Tener y no tener). Su primera película. Aquella en la que se comía en la pantalla a todo el que se le cruzara por delante, Bogart incluido. O especialmente a Bogart. Aquella película genial concebida a partir de la peor novela de Hemingway como una apuesta personal de Howard Hawks. Aquella que contenía todos los elementos esenciales de Casablanca, pero con el final que todos quisimos. Que le den a los ideales, que el héroe se queda con la chica. Aquella que cuando no quedaba más remedio que soportar siempre las películas dobladas, cuando cantaba con Hoagy Carmichael nos permitía descubrir una voz intensa, profunda, que salía muy desde dentro de ese cuerpo delgado, estilizado, de chica «yo no soy mala, es que el mundo me ha hecho así». Desde luego, conservo muchos otros recuerdos de la actriz, pero este se suele imponer.
Por supuesto, os dejo con esa maravillosa Am I Blue? cantada a duo entre Bacall y Carmichael. Aunque la respuesta a esta pregunta está muy clara en estos momentos. Sí, estoy triste. Pero nos quedan sus películas. La de Bacall y las de William. Que se habrán encontrado por el camino al cielo de las gentes del cine. El único que merece la pena que exista.
Aunque he comentado en varias ocasiones que el nivel de las series que nos trae el verano está siendo irregular, no es menos cierto que ha habido mucha variedad y no han faltado novedades, incluso ahora con el verano tan avanzado. Veamos lo que nos ha deparado esta última semana.
Vuelve la segunda temporada de Cuckoo, comedia de situación británica donde se instaló hace un tiempo un extraño individuo como marido de la hija mayor, creando todo tipo de situaciones absurdas. Sigue la cuestión, pero cambiando el protagonista. Era simplemente razonable, todavía no tengo claro cómo le sentará el cambio de «cuclillo».
Ha llega un nuevo drama de época, The Knick. El enésimo médico de carácter arrogante, casi insoportable, interpretado por protagonista de postín, Clive Owen, pero en esta ocasión trasladado a los primeros años del siglo XIX. Como leí el otro día en una crítica en The New York Times, el primer episodio ha sido estupendo, «a pesar» de los caracteres tópicos y manidos. Veremos como evoluciona. Al público de IMDb le ha encantado. Insisto, ya veremos…
Con tanto país «en guerra», le dedicaremos las fotos de hoy a otro que es tradicionalmente neutral.
Como no podía ser menos, ya que en estas semanas hemos estado en pleno centenario del comienzo de la Primera Guerra Mundial, algunas series de ficción han llegado para recordarnos el conflicto. Dos. Muy distintas.
Del Reino Unido nos llega Our World War, recreaciones de algunos momentos históricos del ejército británico durante la Gran Guerra. Es decir, combinamos drama con historia. Se busca el rigor, ya que está basado en documentos de la época. El primer episodio ha dramatizado el desastre de Mons, el primer encuentro entre el ejército de levas forzosas alemán y el ejército profesional británico, que no pudo contener el empuje germánico en agosto de 1914, y se vio obligado a una retirada ordenada pero que duró dos semanas, hasta las proximidades de París. Todo centrado en torno a una de las compañías de fusileros que mal defendían uno de los puentes de la ciudad belga. Mostrando los británicos sin complejos el hecho cierto de que iban a esa guerra sin tener ni idea de a lo que iban. De momento, diría que es una serie que no hay que perderse bajo ningún concepto.
O por lo menos no beligerante,… nos iremos a Suecia, a la ciudad de Malmö…
Desde Australia nos llega ANZAC Girls, un drama sobre el cuerpo de enfermeras del ejército australiano, que incluía voluntarias neozelandesas, y que acompañaron a los ANZAC (Australian and New Zealand Army Corps). Mezcla de aventuras, situaciones dramáticas por la guerra y romance a costa de estas chicas que fueron a uno de los principales desastres aliados de la guerra, la campaña de Galípoli. Esta desde luego un escalón por debajo de la anterior en interés y calidad. Pero se deja ver. También habrá que ver como sostiene la comparación con otra serie de enfermeras en la guerra que presentaron los británicos hace unos meses, aunque creo que con elementos comunes, la orientación es distinta.
Y ha llegado a su final la primera temporada de Murder in the First, serie policiaca de un tipo que se está poniendo de moda últimamente. Aquellas que dedican toda una temporada a resolver un único caso. No se ha confirmado todavía si habrá o no segunda temporada, o yo no me he enterado. Los diez episodios han sido entretenidos en general, pero sin que sea tampoco el no va más del futbolín. Previsible en muchas ocasiones, la identidad del asesino no ha sido el misterio principal ya que apuntaba desde el principio, y lo confirmaron a mitad de temporada. La duda era cómo acababa. Pero eso también ha sido previsible. Algunas buenas interpretaciones, contrarrestadas por una cierta confusión inicial que no dejaba claro que líneas argumentales secundarias iban a ser importante y cuales no. Al final, se han centrado en el caso, ha sido como digo entretenido, aunque el final no ha deparado grandes sorpresas.
… a la hora de la puesta del sol. Que en verano es bastante tarde.
No, no me olvido de que nos han abandonado Robin Williams y Lauren Bacall. Una cierta dosis de tristeza me acompaña mientras escribo estas líneas. Pero he decidido darme unos días para escribir un obituario, porque hay cosas que me hacen reflexionar estos fallecimientos. Especialmente, por el cine que estoy viendo estos días desde casa, el que bajo legalmente de la plataforma Yomvi de Canal Plus. Probablemente el viernes, que es fiesta y tendré tiempo, os hablaré de ello.
Como en otras ocasiones, especialmente cuando las películas llegan con retraso, aunque vemos la película doblada en las salas de cine, si está disponible por la red de redes, aunque sea por mecanismos que no son del gusto de la industria del cine, la veo también en mi casa en versión original. Cada película que veo me convenzo más de que el doblaje de las películas es una lacra. En cualquier caso, que nadie se equivoque. Aunque el título oficial de esta película de Erik Poppe está en noruego, los diálogos de la película están predominantemente hablados en inglés.
Última película filmada por lo tanto por este fotógrafo de prensa noruego reconvertido en cineasta, y que sitúa como protagonista a una reportera gráfica, Rebecca (Juliette Binoche), una de las más importantes del panorama de la actualidad, que a través de sus contactos ha conseguido llegar hasta el lugar donde se prepara un mujer integrista como bomba humana para realizar un atentado en Kabul. La acompaña en su recorrido hacia su destino durante un tiempo hasta que decide bajarse del coche, momento en que hace algo que llama la atención de la policía, y desencadena la detonación de la bomba humana, que la alcanza y queda mal herida. Durante el periodo de recuperación en su casa de Irlanda, comprueba que los riesgos de su profesión están afectando a su familia, especialmente a su marido, Marcus (Nikolaj Coster-Waldau), y a su hija mayor, Steph (Lauryn Canny), una introspectiva pero inteligente adolescente de quince años. Un viaje con esta a África provocará la crisis en el entorno familiar, y la necesidad de replantearse toda su vida.
La familia de nuestra protagonista vive en Irlanda, probablemente no en Cork, pero en un lugar igualmente agradable.
Película ambiciosa en cuanto a los temas que trata. La necesidad del fotógrafo en zonas de conflicto, la necesidad de la libertad para realizar su trabajo, la censura, la ética del fotógrafo en cuanto a mero espectador o potencial actor de lo que está sucediendo, el delicado equilibrio de la mujer que trabaja, y además poniendo en riesgo su vida, y su compromiso hacia su familia,… Hemos de suponer que Poppe tendrá bien pensados los temas, ya que él mismo desarrolló este trabajo. También que, por ese motivo, las escenas de la fotógrafa en situación de conflicto debemos considerarlas realistas, o al menos, de una forma razonable.Y sin embargo, pese una realización correcta en los aspectos técnicos fundamentales, a la historia, que podría estar cargada de situaciones fuertemente emocionales resulta algo fría. Además de excesivamente previsible en algunos momentos. Quizá esa limpieza y corrección académica en la realización pasa factura a una película con unos temas que precisan un poco más de barro, de meterse en la mentalidad de los personajes, de sentir la fricción intensa de los conflictos desatados,… La película discurre a pesar de los temas tratados dentro de cierto convencionalismo, y eso no le sienta bien.
El trabajo del marino, biólogo marino, les hace vivir en la costa, no en la de Atlántico, en Connemara, que vemos en la foto, sino en la del mar de Irlanda.
Y eso que los intérpretes ponen de su parte para que la cosa salga a flote. Binoche es un valor seguro que da todo lo que puede en sus papeles. Curiosamente no es la primera vez que la vemos empuñando una cámara fotográfica, aunque ha llovido mucho desde entonces. Coster-Waldau, que abandona su pose de duro espachín en la que le hemos podido ver reciente, también está convincente en su papel de biólogo marino comprometido, y padre de familia no menos comprometido. Incluso la joven Canny cumple su difícil papel, que le obliga a confrontar a una peso pesado como es Binoche.
Pero la película, que se deja ver, se me queda un poco corta. No llega como he comentado a producirme las sensaciones y las emociones que esperaba. Y desde ese punto de vista, aunque le doy un aprobado, lo consigue por los pelos. Ni que decir tiene que irá a engrosar mi lista de películas con temática fotográfica.
Y esto les permite dar románticos paseos por las playas, quizá no en estas con peligrosas corrientes cerca de Derrynane en el condado de Kerry, pero estupendas playas.
Todavía mantengo cierta esperanza de que a mitad de septiembre me voy de viaje a Japón, aunque hay algunas cosas en mi entorno que tengo que empezar a ver más claras para que eso sea así. En cualquier caso, sigo con mi plan de irme acercando a la cultura de aquel país desde diversos puntos de vista, y en esta ocasión ha tocado una novela corta de Takashi Hiraide, que venía muy recomendada, y que desde luego tiene un planteamiento que se sale de lo habitual.
El gato que venía del cielo Takashi Hiraide; traducción de Yoko Ogihara y Fernando Cordobés Editorial Alfaguara, 2014 Edición electrónica
Dicen que todos los aficionados a la fotografía tienen su «época gatos»… vamos… que les da por fotografiar gatos cuando empiezan a soltarse con la cámara.
Calificada como en comentado en el primer párrafo como novela corta, a duras penas encontramos en esta obra el esquema general que aprendíamos en el colegio de planteamiento, nudo y desenlace. Más bien nos encontramos con la descripción de las vivencias del escritor, desconozco si son biográficas o ficticias, cuando se traslada con su esposa a vivir a un agradable vecindario, con una no menos agradable casita, en un tranquilo barrio de Tokio, con el fin de dedicarse a tiempo completo a su profesión de escritor, abandonando su empleo como editor en una editorial de la capital japonesa. Y las vivencias de la pareja durante el tiempo en que viven en esta casita y su ajardinado entorno están en relación con su relación con el gato de los vecinos, a quien adoptan a tiempo parcial. O más bien es el gato quien les adopta a tiempo parcial. Una relación que sirve para ir transmitiendo otros sentimientos y otras vivencias que simultáneamente experimenta la pareja, y en particular el escritor.
Yo pensaba que no era mi caso; que como empecé en la época de las cámaras para película, y esta costaba dinero, uno no se dedicaba a tirar tontamente fotos a los gatos.
Recuerdo cuando muy jovencito en el colegio, el profesor de lenguaje y literatura nos hablaba de los géneros literarios. Nos hablaba de las diferencias entre prosa y poesía. Y nos hablaba de cuando ambas se encuentran en lo que nos enseñaban como prosa poética. El ejemplo tradicional del género, Platero y yo de Juan Ramón Jiménez. Obras escritas en prosa, pero en las que el relato no existe o tiene una importancia secundaria, estando subordinado a los aspectos más líricos o estéticos del escrito. Pues al igual que el famoso asno de Jiménez, el gato de Hiraide va por esos tiros. Lo más importante del libro es la transmisión de sentimientos, de estados de ánimo, de sensaciones, de la belleza de los momentos. El relato de fondo de cómo el matrimonio se traslada a vivir, se relaciona con los vecinos y en un momento abandona la casa y se muda de nuevo no es más que un marco. Y el gato no deja de ser una metáfora de un tiempo vivido con armonía y con intensidad. Que da su comienzo cuando aparece el felino y convive con ellos, y tiene su final cuando el animal deja de estar en sus vidas.
Pero hace unos días repasé mis fotografías hechas con la Canon EOS 60D, mi primera DSLR comprada de segunda o tercera mano,… y en 2007… fue mi «year of the cat», aparentemente.
Desde luego, obra no apta para quienes el ideal de literatura sea el best seller de acción o de romances más o menos creibles o verosímiles, para consumo rápido de personas que si no no leería nada. Esta obra obliga a adoptar un estado de ánimo, una predisposición a una lectura serena, a prestar atención al detalle, a la metáfora, a la fotografía literaria. Si uno está dispuesto a entrar en este juego, disfrutará de la obra. Será recomendable. Conocerá otros modos de pensar, otras culturas, otras formas de relación familiar o vecinal, otros planteamientos vitales. Si no… mejor abstenerse. Y en cualquier caso, que nadie se asuste, la prosa de Hiraide, por lo menos tal y como nos la han traducido del japonés, manteniendo esa dimensión lírica, es bastante más asequible que la de Juan Ramón Jiménez.
Ahora estos mininos me vienen bien para ilustrar la entrada. Las dos primeras fotos, en Uncastillo. Las dos últimas, en Medinaceli.
Cuaderno de Ruta V. 3.0 