La jetée – un fotorrelato de Chris Marker – Fotografía y otras artes visuales.
Un poco de cine experimental, a base de fotografías fijas en blanco y negro. Muy interesante. Si os gustó 12 Monkeys (12 monos) de Terry Gilliam, deberíais conocerlo
Os lo dejo puesto. Y unas fotografías mías en blanco y negro de los alrededores del aeropuerto de Orly, que tiene mucho que ver con el filme.
Como tengo por costumbre, mantengo el título original de la película cuando la veo en versión original, con subtítulos en castellano. Aunque la versión doblada tiene el mismo título, en inglés, con un subtítulo entre paréntesis explicatorio, dejando bien a las claras que la industria del cine en España considera a los potenciales espectadores como, no voy a decir tontos…, digamos… poco avispados. Quedaría así para aquellos que acostumbrar a preferir los sucedáneos como The Imitation Game (Descubriendo Enigma).
¡Qué sorpresa! Sale Benedict Cumberbatch. Veía el otro día una viñeta cómica en la que alguien se hacía un selfi, y quien aparecía retratado era,… sí, lo habéis adivinado. Benedict Cumberbatch. Y es que aparece en todas partes. Pero a lo mejor está relativamente justificado.Igual es que realmente es buen actor. Veamos lo que da de sí en esta película que firma el noruego Morten Tyldum. Mi primera película en pantalla grande del 2015.
No es la primera vez que nos hacen una película sobre la maquinita alemana de codificar mensajes, Enigma. Hubo un drama bélico de submarinos que tocaba el tema, muy entretenido, y un filme que ficcionalizaba por completo las actividades del Bletchley Park respecto a los tejemanejes de los británicos para descerrajar los misterios del chisme. También me pareció muy entretenida, aunque ninguna de las dos han estado nunca excesivamente bien consideradas ni por crítica ni por el público votante en IMDb. Curioso, cosas bastante peores se ven que son más apreciadas. En esta ocasión, nos dicen que nos van a contar los hechos reales. Todo alrededor de la figura del matemático Alan Turing (Benedict Cumberbatch) y sus relaciones en la mencionada instalación militar con la criptoanalista Joan Clarke (Keira Knightley) y otros expertos que trabajaron con él para descodificar la máquina. En paralelo, vamos viendo flashbacks a la adolescencia de Turing, donde va construyendo su compleja personalidad y sus preferencia homosexuales, y flashforwards al momento en que años después de la guerra es sometido a investigación y condenado penalmente por su homosexualidad, lo cual le llevó al suicidio (no, no considero desconsiderado desentrañar el final de una historia que es realmente historia, que está en cualquier enciclopedia o biografía desde hace tiempo; considero incultura estar en la inopia sobre la historia de Turing hasta ahora).
Pasearemos por la campiña británica para ilustrar la entrada de hoy. Paisaje en Solyhull, cerca de Birmingham.
Veamos. Como dijo Jack el Destripador, vayamos por partes. La película está muy bien hecha, de esta forma que los británicos son excelentes a la hora de realizar películas. Realización académica, muy cuidada, perfectamente ambientada, sobresaliente en todos los aspectos técnicos, y con una realización de manual del director competente y conocedor de su oficio. Y además tiene un guión muy bien planteado, con ese ir y venir hacia delante y hacia atrás, que va guiando al espectador en los motivos de lo que pasa en el plano temporal principal, el del trabajo en Bletchley Park, así como las consecuencias futuras del mismo. Muy bien.
Sin embargo, la película es de una cobardía notable. Aunque plantea todos los temas relacionados con la figura de Turing, no profundiza realmente en ninguno de ellos. Es como si quisiera contarnos lo que pasó, pero sin molestar a nadie. Desconozco si la investigación policial que acabó con él como persona fue tal y como se cuenta en la película, sospecho que la película se toma sus licencias con los hechos reales, pero a mí me parece que la forma como lo plantea es como diciendo… «ey, pero buen rollito con los polis, eh, que son buenas personas aunque arruinen la vida de la gente en cumplimiento de su deber». A la película, más allá de alguna diálogo en plan declaración de principios, le falta valentía para meterse en los aspectos más escabrosos, más reales del problema de cómo se trató a Turing, y sobretodo de tratar como se merece el tema principal de la película, el de la diversidad del género humano y el del como tradicionalmente, y ahora también, aquellos que son más diversos, que se salen más de la «norma» son práctica y sistemáticamente castigados por las sociedades en las que viven. Y ahora también, digo. Y Turing se salía de la norma por triplicado. Era sumamente inteligente. Tenía una personalidad poco proclive a triunfar en las relaciones sociales. Era homosexual. Imperdonable. Quizá comprensible si le atribuimos «propiedades clínicas» a sus «problemas». Síndromes… que pueden ser reales o no. ¿Como diagnosticar de una forma de autismo 50 años después? No hablaremos de la «moda» de algunos intransigentes que disfrazan su intransigencia hacia la homosexualidad bajo diagnósticos y tratamientos farmacológicos… Una moda vigente en los años 50 del siglo XX, pero que aun hoy en día podemos escuchar entre los intolerantes con disfraz.
No digamos ya la estúpida y ridícula forma de «perdonar» a Turing por parte del gobierno británico. Se le perdona por sus logros… Y no se concede el indulto y la anulación de condenas de él y los miles de personas que sufrieron persecución similar, pero no alcanzaron logros porque eran mecánicos, carpinteros, barrenderos, camareros, conductores, albañiles,… Y ¿son los gobiernos los que tienen que perdonar a los injustamente condenados, incluso aunque se cumpliera una ley vigente, puesto que las leyes pueden ser injustas o aberrantes? ¿o son los gobiernes y las sociedades los que debieran clamar ser perdonados por esas injusticias, las que se cometieron y las que se cometen hoy en día? Que no son desconocidas, que se pueden analizar y conocer…
De todo esto, la película indica los temas, pero no profundiza. Se queda un poco en, «bueno venga,… todo esto pasó,… estuvo mal,… ¡pero que emocionante lo de la maquinita de los alemanes! ¿no?».
Pasarelas sobre los acantilados de Land’s End, en Cornualles.
Establecido claramente mi punto de vista de que estamos ante una excelente película con una manifiesta cobardía que la rebaja en mi consideración, hemos de considerar la interpretación del elenco. Que como buen reparto británico es excelente. Desde luego es normal que llamen a Cumberbatch para hacer cosas. Es capaz de hacer de todo tipo de personajes. Y en general los hace siempre a un excelente nivel. Por otra parte, aunque algunas cuestiones del personaje de Clarke suenan raras, hay que reconocer que hace tiempo que no veíamos actuar a Kightley sin el palo de escoba metido en el culo, con naturalidad. Casi me recuerda a sus primeras película cuando era una adolescente o poco más y era capaz de soltar un sonrisa ante la cámara sin que pareciera fingida. Se agradece, aunque probablemente su personaje está más hinchado de lo necesario por aquello de meter en la película un romance, aunque sea con calzador. Y hay un montón de secundarios que hubieran dado para mucho más si el guion les hubiera permitido.
Estamos como digo ante una película bien hecha, muy bien hecha. Muy entretenida y excelentemente interpretada. Pero lamento que el director no haya centrado el tema y hubiera profundizado ahí. Que quería un película de espionaje en tiempo de guerra,… pues dale fuerte ahí, profundiza, saca petróleo de los muchos personajes poco aprovechados en torno al principal y diviértenos. Que quieres hacer una defensa de la diversidad y en contra de la intolerancia, pues que le den a la historia de espías y profundiza en esa intolerancia que aqueja a las sociedades humanas, se moleste quien se moleste. Que quieres reivindicar la figura de Turing aceptándolo como fue y con todo lo que pudo haber sido en otras circunstancias… pues también había margen para mejorar en este enfoque. Pero no pretendas hacerlo todo a la vez, pero de forma superficial,… que no sobran las oportunidades en estos días para hacer película memorables. Buenas o muy buenas se hacen muchas, pero memorables…
Ruinas de la abadía de Glastonbury.
En esta ocasión, el título en inglés no se corresponde con mi preferencia de ver las películas en versión original. Desgraciadamente, la versión original de esta película se ha estado programando en horarios muy inconvenientes para nosotros, así que fuimos el domingo pasado a una sesión matinal en versión doblada. Una pena ya que algunos aspectos del doblaje, especialmente el del protagonista masculino, son bastante lamentables. Intentaré que esto no empañe demasiado mi valoración del filme.
Un filme por el que teníamos unas ciertas expectativas. Su director, Tim Burton, aunque da la sensación de que ya ha dado al mundo del cine lo mejor de sí mismo, siempre puedes esperar que te dé alguna agradable sorpresa. Por otra parte, la pareja protagonista parecía bastante atractiva, formada por dos de los intérpretes más en voga en los últimos años, que nos han ofrecido muy buenos trabajos. Veamos lo que dio de sí esta película. Ya advierto que me he estado pensando mucho sobre qué decir, y aclarando mis ideas sobre lo que me parece. Signo de controversia en mi propia consideración.
Los Keane no son los únicos artistas contemporáneos que han flirteado con lo «kitsch». Warhol lo hizo. Y en mi última visita a París, en el Centro Pompidou había una exposición de Jeff Koons, que como veremos buscaba en lo «kitsch» el motivo para su obra. Quien si no haría obras de arte con aspiradoras domésticas.
Supuestamente, la película de Burton nos cuenta una historia real. La de Margaret Keane (Amy Adams), una mujer divorciada y con una hija, pintora aficionada, que a finales de los años 50 del siglo XX se casó con Walter Keane (Christoph Waltz), pintor también, temporalmente trabajando como agente inmobiliario. Margaret aparece como una mujer tímida y poco hábil en las relaciones públicas, mientras que Walter está dotado para hablar en público y para camelar a la gente. De este modo, Walter comenzó a vender las características obras de Margaret, pinturas de niños tristes con grandes ojos, como si fueran suyas, consiguiendo un gran éxito de ventas, y haciéndose muy populares, creando muchas mercaderías del tipo postales, pósters y otros del estilo que les suponían pingües beneficios. Hasta que este engaño acabó agotando a Margaret que dijo basta y destapó el pastel.
Me he estado pensando mucho sobre como considerar esta película. Para empezar, es de las menos burtonianas de Tim Burton, con una manufactura clásica, sin los ambientes barrocos a los que nos acostumbra, sin las historias fantásticas que le han caracterizado. Realización correcta y académica para una película atípica del director.
Casado un tiempo con Cicciolina, ¿la recordáis? ¿actriz porno y eurodiputada del partido radical italiano?,… su matrimonio también fue inspiración para su obra.
Parece que Burton tiene amistad con la auténtica Margaret Keane, y decidió hacer una película reivindicando su figura. Pero aquí empieza mi confusión o empiezan las contradicciones de la película. Porque la Margaret que nos presenta Burton es una persona difícilmente reivindicable. Una mujer débil que no elige bien sus parejas, que es engañada como una boba por el charlatán de Keane, o que es demasiado cobarde para oponerse a sus mentiras y tejemanejes. De hecho, en algún momento parece mucho más encantador Walter como pícaro simpático que Margaret como artista engañada. Puede caer más simpático. El retrato de una Margaret como una mujer débil se completa viendo como tras la separación permanece desconcertada y sin saber que hacer, hasta que entra dentro de los círculos de un grupo religioso, que por lo que yo sé a veces bordea los comportamientos sectarios. Desde luego, no encuentro por ningún lado la reivindicación de la persona, o su presunta actuación como precursora del feminismo. Durante todo el siglo XX, anteriores a Margaret Keane, y desde luego contemporáneas, hubo artistas femeninas de reconocido prestigioso que actuaron de forma mucho más decidida y clara por la justa consideración de las mujeres al mismo nivel que los hombres en el mundo del arte. Sinceramente, no llego a alcanzar en qué modo Burton quiere presentarnos a la protagonista como una heroína.
Los inflables de Koons son muy característicos, y aquí se apropia de un icono de la cultura popular, «La Masa», «The Hulk», para una representación del mundo de la música.
No voy a entrar tampoco a juzgar el papel de la protagonista dentro del mundo del arte moderno y contemporáneo. A mí, los cuadros de los niños con ojos grandes me parecen que flirtean con el kitsch, si no lo son claramente, como nos sugiere durante la película el personaje de John Canaday (Terence Stamp). Personaje este que sin embargo es tratado como un antipático desagradable, reivindicando la simpatía y el encanto de Walter Keane. Pero no me considero tan entendido como para establecer opinión firme; puedo estar totalmente equivocado. También resulta demasiado superficial la posible crítica de la película a la acción de la prensa como creadora de fenómenos de la cultura pop, de ídolos con pies de barro. Entramos ahí en ese punto en que Burton toca diversos palos en el filme, sin desarrollar con claridad ninguno de ellos.
Una evolución lógica de la película hubiese sido la de utilizar el caso para analizar y criticar el funcionamiento de la institución matrimonial y familiar, pero también en este caso queda en una situación algo extrema de marido claramente caradura y mujer claramente dependiente, que difícilmente puede llevar a reflexiones más allá del tópico o la anécdota puntual.
Todo ello sostenido por una interpretaciones que me parecen correctas, a falta de una valoración más apropiada por las incorrecciones que introduce el doblaje. No podemos culpar a los protagonistas de la ambigüedad del largometraje, ya que supongo que se limitan a hacer bien lo que les mandan. A dibujar correctamente unos caracteres tal y como vienen en la concepción y en el guion del filme.
En lo clásico y lo contemporáneo, no le falta cierto minimalismo y atractivo a esta escultura.
Como digo, cierto desconcierto. Salvo que la intención de Burton haya sido la de coger el personaje de su presunta amiga pintora y utilizarla para dibujar lo que parece. El retrato cinematográfico de una mujer débil e influenciable que se refugia en su pintura para salvar sus dificultades para moverse por el mundo con auténtica independencia y asertividad. Si esa fuese la intención original, casi diría que la película es un éxito. Pero no es esto lo que nos venden ¿verdad? El caso es que mientras ves la película es bastante entretenida. De verdad. El problema es cuando te lo empiezas a pensar después; cuando intentas comprender lo que has visto. Pero si eres de los que prefieres no plantear nada y simplemente disfrutar del momento, es muy posible que salgas contento de la sala de cine.
Esta encantadora joven no la encontré en la exposición de Koons, sino en la de Marcel Duchamp; pero estuve observando un rato cómo se desenvolvía «armada» de una veterana cámara réflex para película tradicional, buscando con cuidado el mejor punto de vista ante de dispara y gastar un precioso negativo de la película.
Comienzo la entrada con una introducción similar a la de años anteriores en la que intento explicar mi proceso para comentar y puntuar mis películas.
Como todos los años llega el momento de hacer un repaso del cine que he visto durante el año anterior. Esta entrada trata de las películas vistas en salas de cine, independientemente de si han sido estreno durante el año o no. Excluye en principio las vistas en televisión. Aunque en algún caso, por las deficiencias en la distribución de la película y mi/nuestro deseo de verla en el momento de su estreno, fueron vistas acudiendo a otros canales. Todas ellas están recogidas desde el 28 de diciembre de 1997 en mi base de datos cinematográfica. Para todas ellas incluyo cuatro valoraciones: dirección, interpretación, subjetiva y global. Para conocer los criterios por los que valoro las tres primeras, visitad la explicación correspondiente. La valoración global es el resultado de aplicar una fórmula matemática de mi invención:
Global = (Subjetiva*3 + Dirección*2 + Interpretación)/6
–
Por supuesto, el dar más peso a unos elementos que a otros es algo totalmente personal. Pero es que si incluyo algo que se llama “valoración subjetiva” en la fórmula, pues tampoco podéis esperar más que eso. Una valoración subjetiva pero motivada de lo que más me gusta. Que no necesariamente tiene que ser lo que le guste a otros.
Nuevamente, algunas de las últimas fotografías de 2014; nuevamente el soto de Cantalobos y alrededores, pero con un aspecto más natural.
Hay otra cuestión. Si se contrasta la lista que ofrezco en la entrada de hoy con las valoraciones de cada una de las películas en el momento en que las vi y las comenté, pueden no ser iguales. La valoración personal de una película cambia con el tiempo, y también puede suceder que visionados posteriores, por ejemplo en vídeo o televisión, hagan cambiar también esa valoración. Pondré un ejemplo. Está próxima a comenzar la emisión de una serie de televisión basada en 12 Monkeys, la película de Terry Gilliam, que ya se remonta al año 1995. Estos días de navidad le he dado un repaso previo a ver los primeros episodios de la teleserie, y mi apreciación por esta película va en aumento. Lo que en el momento de su estreno hubiese sido un 3, ahora sería un 4 en valoración subjetiva.
Durante 2014 he visto 11 películas de estreno menos que en el año anterior, quedando un total de 64 largometrajes. Que no está nada mal, porque salen a más de una película a la semana. En este año se ha dado una cuestión no presente en años anteriores. Ha habido varios estrenos, al menos tres, que han llegado a la televisión por satélite al mismo tiempo o con antelación a su llegada a la gran pantalla. En estos casos, aunque no he visto las películas en sala de cine, las he incluido en la lista. Hay que suponer que es algo que puede ir pasando con cierta frecuencia en un futuro.
También es el año en que la valoración media de las películas ha subido marcando un récord anual. La valoración promedia ha sido de 3,18 puntos, y ha sido uno de los años con menos variabilidad en la puntuación. Podría decir que cada vez selecciono mejor las películas que voy a ver. Pero ayer, cuando comentaba este hecho con una amiga, y mirando la lista de película me comentó que probablemente se debía a que con más frecuencia que en años anteriores había rechazado la oferta de ir a ver determinados blockbusters. Creo que son dos variantes del mismo hecho, lo que pasa es que la visión de mi amiga es más franca, directa y sencilla de explicar. El cine de accion, de superhéroes, de fantaciencia ficción en pocas ocasiones me merece la pena en estos momentos, aunque ha habido honorables excepciones. Se puede poner el ejemplo de Interstellar o el de Al filo del mañana (Edge of Tomorrow) que se ha quedado a las puertas de entrar en la lista de seleccionadas.
Zona verde de Zaragoza ideal para pasear y relajarse, puede ser especialmente con la suave luz de la tarde de invierno.
A continuación, las «diez» películas que más he valorado. Entrecomillo lo de «diez» porque debido a empates en puntuación siempre es una lista de más de diez.
| 1 | The Broken Circle Breakdown | 4,67 |
| 2 | Boyhood | 4,50 |
| 2 | Ida | 4,50 |
| 4 | Inside Llewyn Davis | 4,33 |
| 5 | August: Osage County | 4,17 |
| 5 | Nebraska | 4,17 |
| 5 | Gone Girl | 4,17 |
| 5 | Interstellar | 4,17 |
| 9 | Las venus de las pieles (La Vénus à la fourrure) | 4,00 |
| 9 | The Grand Budapest Hotel | 4,00 |
| 9 | L’enfant d’en haut | 4,00 |
| 9 | Short Term 12 | 4,00 |
| 9 | La isla mínima | 4,00 |
| 9 | Magical Girl | 4,00 |
| 9 | Relatos Salvajes | 4,00 |
| 9 | The Salt of the Earth | 4,00 |
| 9 | Kaze Tachinu (風立ちぬ) | 4,00 |
En líneas generales, con el repaso de puntuaciones que realicé unos días, antes de pensar en el artículo, me ha quedado una lista bastante coherente con mis impresiones generales. Quizá August: Osage County podría perder alguna posición, pero sin salir de la lista, y quizá para El viento sopla (Kaze Tachinu (風立ちぬ)) influya un poco mi subjetividad favorable a Miyazaki y esté un poco por los pelos. Pero la he vuelto a ver recientemente, y aunque con alguna irregularidad en el guion, es todavía una película que me conmueve lo suficiente como para que me alegre de que esté ahí.
Un invierno que tiene todavía toques de otoño, porque no ha habido grandes fríos este año. Al menos todavía.
También me alegro de que esté en esa lista de «diez» que son diecisiete película dos filmes españoles, y sin forzarlos, por méritos propios. Al final, me he decantado por creer en la «inocencia» de los responsables de La isla mínima al plantearme sus excesivas similitudes con la primera temporada de True Detective, y le he dado la mejor puntuación que me plantee. Es realmente una buena película. Y Magical Girl me parece una propuesta osada, diferente, y hay que premiar el riesgo y las ganas de hacer e innovar. A pesar de la coproducción entre España y Argentina, creo que corresponde adjudicar a Relatos Salvajes una nacionalidad y pedigree absolutamente argentino. No entra pues en este comentario dedicado al cine patrio.
Sí que observo que buena parte de las mejor puntuadas, las que tienen más de 4 puntos, corresponden a película de la temporada de premios de hace un año y no a las de la actualidad. O lo mejor del cine del 2014 no nos ha llegado todavía, o ha habido un bajón. No lo sé.
Veamos cómo ha ido la cosa por meses, para hacernos una idea de cómo ha ido el año estacionalmente.
Enero – Inside Llewyn Davis, una película que a la crítica y a buena parte del público no entusiasmó tanto como a mí, y eso que a mi me costó dos viajes al cine verla entera.
Febrero – The Broken Circle Breakdown, la película belga fue todo un descubrimiento y considero que es de lo mejor que he visto en los últimos años, todas las cinematografías del mundo incluidas.
Marzo – Ida, nuevamente algo que se sale de la cinematografía norteamericana, y es que esta película tan dura como bellamente realizada, aún está ahí en candelero, peleando por los premios en lengua no inglesa este año.
Abril – Kaze Tachinu (風立ちぬ), ese viento que se levanta de Miyazaki, mucha nostalgia y tristeza en su metáfora sobre un país que equivocó completamente el rumbo en la primera mitad del siglo XX y al que a pesar de todo ama.
Mayo – L’enfant d’en haut, una película que llegó con mucho retraso a nuestras carteleras, que pasó prácticamente desapercibida, y que sin embargo a mí me pareció estremecedora, y con excelentes interpretaciones. Quizá el mejor papel de Léa Seydoux a pesar de estar un poco eclipsada por el joven protagonista.
Junio – Al filo del mañana (Edge of Tomorrow), un blockbuster para variar. Pero realmente, y a pesar de la presencia del chupacámara de Tom Cruise, la película me pareció un divertimento de muy buen nivel. A punto ha estado de entrar en la lista de selectas, a pesar de ser programada en un mes tradicionalmente de bajo nivel.
Julio – Short Term 12, cine independiente americano del mejor, con la excelente interpretación que nos brinda la guapa e interesante Brie Larson, interpretando a esa Grace, cuidadora en un centro de acogida de menores, que tantas capas tiene y que hay que descubrir poco a poco. Ganas tengo de verla otra vez.
Agosto – Begin Again, películita decente, pero sin más, para el que probablemente haya sido el mes más flojo del año, sin ningún filme cerca de la lista de honor.
Septiembre – Boyhood, cuasi peliculón que te cagas el de Linklater, rodado a lo largo de un montón de años, y lleno de momentos muy emotivos e interesantes. La segunda en mi «lista de éxitos» del año.
Octubre – Gone Girl, otra película que me apetece mucho volver a ver, y que tengo la sensación de que si ya lo hubiera hecho, mi consideración podría haber mejorado. Porque el poso que me dejó es muy notable. Decir que en este mes se estrenaron, o vi, las dos películas españolas mencionadas con anterioridad.
Noviembre – Interstellar, esta historia excelente de ciencia ficción me dejó también muy marcado, y también me apetece volver a verla para confirmar si lo que vi y lo que se me pudo pasar por alto justifican esa sensación y si podría estar más alta en la lista. La recuerdo mucho. Mención especial en este mes para la película documental que también ha entrado en la lista, The Salt of Earth, excelente repaso a la vida del fotógrafo Sebastião Salgado.
Diciembre – Sorpresa en un mes que tendría que haber tenido varias opciones a estar en lo más alto. Pero si la que situaría en cabeza de este mes es Magic in the Moonlight, la dosis anual de Woody Allen, no está mal, tampoco es una película del nivel de las que he ido comentando anteriormente. Un problema ha habido en este mes. Además de la posible flojera de la cartelera en el mes, alguna película interesante en versión original la han programado a horas intempestivas, y me he quedado de momento sin verla.
Bueno, creo que esto es todo por este año. Un año más interesante de lo que imaginaba en un principio, de la sensación con la que llegaba a redactar esta entrada. Pero oye, mejor, ¿no?
Todavía no he salido con la cámara en este 2015, todavía no he abierto el catálogo del año; espero no tardar mucho. En cualquier caso, buena año y mucho cine del bueno para todos.
Dos cosas se produjeron desde que me regalaron el lector de libros electrónicos: leo más en general, leo menos ensayo o divulgación. Antes alternaba más frecuentemente la ficción con el ensayo sobre temas históricos o con la divulgación científica. Pero estos libros no se encuentran tan frecuentemente en formato electrónico como la ficción. O no es fácil que los veamos propuestos. O no me dedico a buscarlos. No lo sé. En fin. Tendré que buscar algún tipo de remedio a este problema. Porque viene bien leer este tipo de libros. En cualquier caso, hace unas semanas terminé con uno de estos títulos, que os traigo aquí y ahora.
The Science of Interstellar
Kip Thorne
W. W. Norton & Company, 2014
Edición electrónica
Como su propio nombre indica, este libro nos cuenta la ciencia que hay detrás de la película de ciencia ficción Interstellar, de la que ya os hablé en su momento. Según lo que nos cuenta el científico, físico teórico por más señas, Kip Thorne, las primeras ideas sobre la película partieron de algunas cuestiones planteadas por el mismo, aunque finalmente el trabajo de guionistas y directores (hubo varios metidos en el proyecto), fueron modificando la historia hasta dejarla como la hemos visto en las salas de cine. El libro intenta explicar al lector y probable espectador de la película cuáles son las bases científicas de las historias y las imágenes planteadas en el filme. En cada uno de los capítulos y apartados el científico nos marca si lo que se muestra está basado en ciencia real y comprobada, si es una extrapolación plausible más o menos probable o improbables basada de la ciencia conocida, o si es un especulación que no sabemos si se confirmará o no. También nos informa de algunas licencias que se toman los realizadores de la película para no comprometer el desarrollo dramático de la historia.
Probablemente, entre los mundo descritos en el libro, el planeta de Miller, sumido profundamente en el pozo gravitatorio del gigantesco agujero negro Gargantua, es uno de los más interesantes.
En líneas generales, el libro es muy apologético, casi demasiado, de la película. Todos los que participaron son gente muy inteligente, maravillosa, muy trabajadora, según la versión de Thorne. Todo fue estupendo. Paradójicamente, la producción tardó ocho años en salir adelante. Pero bueno, es normal esta postura; es juez y parte. Y cobra del éxito del filme. Al fin y al cabo aparece como uno de los productores ejecutivos del mismo. Pero bueno, aparte de eso, creo que es un científico riguroso y podemos contar con que haya sido más que razonablemente honesto a la hora de divulgar la ciencia que hay apoyando o implícita a la película.
Dicho lo cual, no es necesario conocer nada de lo que nos cuenta para disfrutar el filme. Al fin y al cabo, cuando vamos al cine o leemos un novela de ficción, nos sumergimos en un estado de suspensión temporal de la incredulidad. Damos por buenas cuestiones sobre las que no tenemos conocimientos y no sabemos si son ciertas, o aun a sabiendas de que lo que sucede contradice las leyes de la naturaleza que rigen nuestro mundo, u otras cuestiones, las damos por buenas como parte del universo de ficción que se nos muestra. Siempre que no nos tomen el pelo, que es lo mismo que decir que se pasen sus propias leyes, las creadas para la ficción, por el forro de la entrepierna. Que en las producciones mediocres pasa con frecuencia. No es así en este caso. Pero si tienes curiosidad por la ciencia, este es un libro que puede interesarte. No es el divulgador científico más ameno, más organizado y más claro que he leído, y es posible que más de un lector se pierda en alguna de sus explicaciones. Pero es un producto razonable. Sin más.
Dejando aparte las enormes olas de marea que lo recorren, el enlentecimiento del paso del tiempo debido al efecto de la gravedad, tiene unas posibilidades y unas consecuencias tremendas.
The Hobbit: The Battle of the Five Armies (2014)
Como tengo por costumbre, cuando veo la película en versión original subtitulada, conservo el título de la misma también su versión original. Y en este caso, la película se puede encontrar en la cartelera española en versión doblada al castellano con el título traducido literalmente; El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos.
No voy a perder mucho tiempo en comentar esta última parte de la adaptación de la novelita de fantasía de Tolkien que Peter Jackson a llevado a la gran pantalla con gran derroche de pirotecnia, efectos visuales y vil traición al espíritu de la obra original. Es curioso que para destrozar por completo la obra original Jackson haya tenido que montar un equipo de cuatro guionistas, incluido él mismo. Vengo observando últimamente que, cuanto más catastrófico es el guion, más manos lo firman. Será para echarse la culpa mutuamente por si algo sale mal. Mejor dicho, no «si» sino «cuando» sale mal.
La Tierra Media está basada en la Europa Occidental; aquellas de sus regiones más agradables en la campiña británica, incluso la más agreste y fría de Escocia.
Supongo que tendré que advertir que en esta entrada puede haber datos que desentrañen el argumento. Dado que la fecha de publicación de la novelita es 1937 y ha estado a la venta de forma casi continuada durante décadas, si alguien se sorprende de algo de lo que comento, o se molesta si considera que «le he chafado» la sorpresa,… pues oye… que si es suficientemente mayor, tiempo ha tenido para leer la obra original, la buena, como para esperar al espectáculo pirotécnico.
Para empezar, decir que la batalla que da título a esta película que se acerca a las dos horas y medias de duración y que ocupa una buena parte de la misma, en mi versión anotada traducida del libro de origen ocupa unas siete páginas de cerca de doscientas. Por lo tanto, es evidente que los sucesos de la misma, al autor de la historia le importaban relativamente… poco. En realidad, una de las principales enseñanzas que obtenemos del original es que cuando los protagonistas intentan resolver sus problemas con la violencia, todo va mal y se estropean los mejores planes, cuando tiran de inteligencia y astucia, especialmente de la del pequeño hobbit, las cosas van mejor. Uno de los datos que demuestran que Jackson desvirtúa la obra de Tolkien, ya que en este larguísimo filme hace un canto al ardor y a la habilidad guerrera frente a cualquier otro valor. De hecho, la muerte de Thorin Escudo de Roble y buena parte de su compañía de enanos es consecuencia de su cabezonería y de tensar su codicia y egoísmo hasta el punto de atraer a todos los malvados hasta la antesala de la Montaña Solitaria.
Esta «montaña solitaria» está en Holyrood Park al lado de Edimburgo… pero nos tendrá que valer en este momento.
Por supuesto, está la cuestión de resolver los líos argumentales inventados para la película. El más absurdo, la historia de amor entre Kili y la elfa inventada… En el libro, Fili y Kili estiran la pata. Suponía que aquí también… una forma como otra cualquiera de evitar algo que no está en la mitología inventada de Tolkien, la unión de elfos y enanos. Pero bueno, una de tantas situaciones a las que se busca una resolución compleja y rebuscada para estirar la película todo lo posible, o justificarla cuando no tenía sentido más allá del afán recaudatorio.
En cuanto al trabajo actoral… pues Martin Freeman sigue estando razonablemente bien. Todos los demás se quedan en los estereotipo en los que los instala el equipo de guionistas. Y entre estos y Orlando Bloom están consiguiendo que los aficionados a las novelas de Tolkien tengamos tanto «cariño» a Legolas, como los aficionados a Star Wars tienen a Jar Jar Binks. O por lo menos este es mi caso. Frente a la frescura, la profundidad, la sobriedad y la discreción del personaje en la obra de Tolkien, no aparece en El Hobbit sólo en El Señor de los Anillos, aquí aparece convertido en un saltimbanqui de circo con momentos relativamente patéticos.
Pero no hay que preocuparse. El público votante de IMDb está encantado. Y la gente va a la salas a empapuzarse de palomitas mientras aparecen en pantalla miles y miles de orcos clonados por ordenador en un exceso sin sentido que lleva al absurdo el conjunto de las situaciones. O para ver a los elfos convertidos en extraños autómatas, de corte algo fascista, más emparentados con los vulcanos de Star Trek que con el mundo de las hadas anglosajón. Será cosa de las orejas puntiagudas. No sé… quizá ahora Jackson pueda dedicarse a sacar diez o doce trilogías de las historias del Silmarilion. Al fin y al cabo, la Batalla de los Cinco Ejércitos es como una algarada de patio de vecinos en comparación con la Dagor Bragollach o la Nirnaeth Arnoediad. No sé. Por favor, señor Jackson deje a la Tierra Media descansar en paz. Que su codicia se aplaque de una vez.
Sin embargo, Jackson se la lleva a nuestras antípodas, a Nueva Zelanda,… como si no hubiera paisajes estupendos al norte del Ecuador.
Título en inglés por que vimos la versión original en inglés de la obra, que es lo que tiene sentido ver, más siendo una adaptación teatral de casi escenario único. Pero para los que no se adapten a esta forma de ver el cine, en la cartelera española está la película doblada con el título traducido de La señorita Julia. Es adaptación de la obra teatral Fröken Julie de August Strindberg.
Personalmente tenía muchas ganas de ver esta adaptación teatral. Por tres motivos. Por la intensidad de la obra en sí misma, por las ganas de volver a ver un película de Liv Ullman después de su estupenda última película de hace 14 años, y porque los dos tercios femeninos del reparto de la película me parecían más que interesantes. Rodada en inglés y ambientada en la Irlanda ocupada por los ingleses, en lugar de en la campiña sueca.
Miss Julie (Jessica Chastain) es la hija inteligente, pero consentida y algo caprichosa, de un barón de la nobleza anglo-irlandesa. En las celebraciones de la Noche de San Juan, se insinúa al ayuda de cámara de su padre, John (Colin Farrell), un hombre que tiene algo de mundo y educación y que aspira a algo más en la vida que permanecer en el servicio. Esto a pesar de estar medio comprometido con Kathleen (Samantha Morton), la modesta y conservadora cocinera de la casa. Los flirteos entre la joven aristócrata y el sirviente conducirán a la consumación en la cama de la relación. De la que surgirá el conflicto moral que determinará el destino de los personajes.
Nos iremos a Irlanda, como lo hace Ullman para rodar la película. Bien elegida la localización por las contradicciones entre modernidad y tradición religiosa que ha sufrido históricamente.
Con un diseño de producción exquisito y una realización quizá excesivamente académica desde el punto de vista formal, Ullman quiere jugar una vez más a ser la heredera espiritual del cine de Ingmar Bergman. Sin embargo, la contención formal del genio sueco y de trabajos previos de la directora y actriz que tan buen resultado habían mostrado con anterioridad, aquí nos llevan a una excesiva frialdad que desde mi punto de vista establece una barrera emocional entre el conflicto de los personajes y el espectador sentado en la butaca. Esta es una obra de un momento histórico de transición y crisis. Se pone en crisis el sistema de clases, se pone en crisis la relación entre hombre y mujer, hay mucho valores tradicionales puestos en cuestión, y por lo tanto la obra precisaría de esta emoción de es calor, quizá ardor, que nos hiciera sentir ese conflicto. Por pesimista que sea la conclusión de la obra. No lo consigue esta película.
No será porque los intérpretes no le ponen ganas. Decir a estas horas que Chastain y Morton son dos excelentes actrices, de lo mejor del momento, me resulta una obviedad. Y lo demuestran de nuevo en la medida en que la realizadora se lo permite. Farrell me parece un protagonista más cuestionable, por sus carencias interpretativas sobre todo, aunque su origen irlandés y su aspecto físico se acomodan perfectamente al personaje al que se enfrenta. Sale bien parado del envite. Y aquí tenemos otro motivo para preferir la versión original. La diferencia entre los acentos y la forma de expresarse de los personajes es fundamental para marcar los tiempos y las relaciones entre ellos. El acento irlandés es muy característico en comparación con el inglés, aunque estemos ante el mismo idioma.
No quedamos muy contentos. No acabamos de engancharnos a la película. Sentimos en todo momentos esa barrera de frialdad que he mencionado antes. Y es una pena. Porque había oficio y porque el material de partida es muy interesante.
Y por la relación de dominio y explotación de clases que los ingleses establecieron durante siglos en la isla.
Como tengo por costumbre cuando veo una película en versión original, conservo su título en su idioma de origen, en este caso el inglés. En la cartelera española se puede encontrar también en versión doblada al castellano con el título traducido literalmente Magia a la luz de la luna, aunque desaconsejo vivamente ver esta versión. Y es que esta dosis anual del cine de Woody Allen, rodada fundamentalmente en la Riviera francesa, incluye una mezcla de intérpretes de ambos lados del Atlántico, cuyos acentos y matices se pierden irremediablemente en el doblaje.
En esta ocasión Allen opta por la comedia ligera para hablar de sus temas de costumbre. Un prestigioso ilusionista de los años 30 del siglo XX, magos les llaman algunos, Stanley/Wei Ling Soo (Colin Firth) es llamado por uno de sus amigos y compañeros de profesión para que desenmascare a una descarada, y guapa, norteamericana Sophie Baker (Emma Stone) que con su madre (Marcia Gay Harden) se dedica a vender sus servicios como medium espiritista a los crédulos aristócratas que pasan su tiempo de ocio en la Costa Azul y en la Riviera francesas. Pero cuando Stanley conozca a Sophie las cosas se le pondrán difícil. Por dos motivos. Porque es difícil encontrarle el truco, si es que lo tiene, y porque es más difícil todavía resistirse al encanto de la chica. Más en las noches mediterráneas a la luz de la luna.
Entre «mis defectos» está el de no haber recorrido adecuadamente la Provenza y la costa mediterránea francesa; lo más parecido que tengo en fotos son los paisajes de la Riviera de Levante en Liguria, Italia.
Woody Allen sigue con sus temas de siempre. El destino, la muerte, la religión, la superstición,… y el misterio del amor y del romance. En este caso, acompaña los temas de un tono ligero, un tono de comedia romántica, en medio de la calidez, belleza y sensualidad de los paisajes mediterráneos del sur de Francia. En su conjunto, encaja una película sin excesivas pretensiones pero que se ve con mucho agrado gracias a un guión con razonable ritmo, heredera de la screwball comedy de moda en la época en la que se sitúa la acción, en el que tenemos un personaje femenino fuerte que lleva de calle al serio y circunspecto galán. La gran diferencia con aquellas comedias es que mientras que en aquellos tiempos los temas eran banales, y sólo importaba el romance entre la improbable pareja, en esta el director sigue con las mismas obsesiones temáticas que le han acompañado a lo largo de su carrera. Y que le da un tono un tanto menos acelerado, ligeramente más melancólico como consecuencia.
Colin Firth no tiene el carisma ni la presencia de Cary Grant. De hecho, me gusta más en los dramas en los que hace de malo. Y a Emma Stone todavía le falta mucho recorrido para que se pueda comparar con Katharine Hepburn, Carole Lombard o Claudette Colbert, que destacaron en el género. Pero no lo hacen nada mal. Especialmente la segunda, Firth siempre parece demasiado estirado, ya que está atractiva y muy simpática.
Pero estamos hablando del mismo tipo de tierras y paisajes, por lo que las Cinque Terre nos servirán perfectamente para ilustrar esta entrada.
No. Que nadie espere algo del nivel de To Be or Not To Be (Ser o no ser), It Happened One Night (Sucedió una noche) o Bringing Up Baby (La fiera de mi niña),… pero tampoco hagáis mucho caso de esos críticos a los que tanto les gusta despellejar a Allen cuando bajan un peldaño o dos por debajo de Manhattan. La película es muy entretenida y se ve con bastante agrado. Y esta por encima de muchas mediocres y previsibles comedias románticas que nos hemos chupado en las últimas décadas que gozaron del favor popular. Así que por qué no elegirla para pasar un rato amable ante la gran pantalla. Su principal defecto,… que podrían haberle buscado un mejor «contrincante» a Stone para mejor lucimiento. Realmente Firth a veces resulta un poco sieso.
Eso sí. Aunque ahora me despida con una fotografía de la península de Portofino, me hago el propósito de resolver en un futuro esta carencia.
Teníamos buenas referencias de esta película del alemán Volker Schlöndorff desde hace unas semanas. Pero nuestra preferencia por las películas en versión original habían postergado esta adaptación de una obra de teatro al cine por el hecho de que en Zaragoza, lamentablemente, sólo se puede ver doblada. Algo absurdo siempre, pero más por el hecho de ser una película rodada en más de un idioma, en la que el doblaje impide disfrutar de los matices introducidos por este hecho. Pero este fin de semana ha sido de estrenos anodinos, quizá por la entrada en cartelera de un blockbuster orientado al público adolescente, cuyo horrible nombre rima con ajo, badajo, carajo, rajo o tajo. O grajo, que parece que está en el origen del neologismo. A ver quien hace poesía con un «palabro» semejante por mona que sea la actriz protagonista. Así que le hemos dado una oportunidad a esta versión adulterada de esta película francoalemana.
Nos encontramos en el mes de agosto de 1944. Tras la invasión aliada en Normandía, las tropas americanas y de las divisiones blindadas francesas de Leclerc se encuentran a las puertas de los suburbios de París. El gobernador militar de la ciudad, el general Von Choltitz (Niels Arestrup), dispone de escasas tropas y escasos medios materiales para defender la ciudad. Y además ha recibido una orden clara de Hitler. Si no queda más remedio que abandonarla a los aliados, hay que destruirla. Y un plan hay establecido para ello. Pero en su habitación de un hotel de la Rue Rivoli, en medio de un apagón, recibe la visita sorpresa del cónsul general de Suecia en la capital francesa, Raoul Nordling (André Dussollier), que habiendo trabajado ya previamente en la liberación de presos políticos y en otras acciones de carácter humanitario, actuando de mensajero de las autoridades de la Francia Libre, intentará convencer a Choltitz para que desobedezca al demencial orden.
El Arco del Triunfo en la plaza de la Estrella, actualmente del General de Gaulle, un monumento emblemático a la gloria de otro personaje que también llevó la miseria de la guerra a toda Europa, y que hubiera quedado destruido según el plan de Hitler.
Siempre me ha gustado el teatro adaptado al cine. Hay varias obras maestras del séptimo arte que tiene su origen en textos pensados para los escenarios teatrales. Ahí está la habilidad del director de turno para saber realizar la adaptación, en la cual, respetando el texto literario, se enriquezca con las posibilidades visuales que permite el cine. La adaptación de Schlöndorff no es especialmente arriesgada. Un rodaje mayoritariamente centrado en una suite de hotel, convertida en cuartel general del militar, donde asistimos a un duelo interpretativo entre ambos protagonistas. Aparte de esto, unas pocas escenas que nos permite apreciar la belleza de la capital gala, o que complementan el desarrollo de la historia con un poco de dramatismo, aunque superfluas. Buen trabajo artesanal, corrección técnica, pero pocos riesgos. El interés, la profundidad y la viveza de los diálogos al fin y al cabo está en la obra original para las tablas.
Donde la película brilla es en las interpretaciones, ya que los dos veteranos actores que se lanzan al duelo argumentativo están estupendos. Bien sea la picardía escasamente nórdica y sí muy francesa que otorga Dusollier a su personaje, bien sea la angustia vital del militar alemán, roto entre su deber militar, su deber a sus seres queridos y su conciencia, más o menos establecida, de la inutilidad del acto de barbarie. Un personaje que mantiene a duras penas su dignidad, puesto que los propios diálogos que el autor pone en su boca manifiestan las barbaridades cometidas bajo su mando durante el conflicto. Quizá lo que más extrañe durante toda la representación,… perdón, la filmación, sea la edad de los intérpretes, mucho más avanzada de la que imaginas en los protagonistas reales de la situación histórica.
También el puente de Alejandro III se hubiera hundido y sumergido en las aguas, actuando sus restos y los de los demás puentes como represas para una crecida destructura del Sena.
Sobre si esta confrontación dialéctica entre ambos hombres se produjo durante aquella noche se ha comentado de vez en cuando. Aparece en una novela y la obra de teatro que hemos mencionado hoy, ambas adaptadas al cine. Pero no está claro que sea un hecho histórico. Seguro que ambos hombres se entrevistaron varias veces en aquellas semanas. Pero el cómo París fue salvada del desastre total parece que fue algo en el que intervinieron muchos factores, muchos de los cuales tenían que ver con la progresiva desafección de los militares de carrera alemanes respecto a Hitler, que cada vez confiaba menos en ellos. Al fin y al cabo, la resistencia alemana en el frente occidental fue mucho menor, con más número de rendiciones y de acuerdos ante los aliados, que las que se produjeron en el frente oriental, donde el odio racial provocó una resistencia feroz y una lucha mucho más encarnizada.
Pero en esta película lo importante no son los hechos históricos, sino la defensa que se hace de la tolerancia, de la educación, de la cultura y de la civilización frente a la perversa lógica militarista y fascista. Y desde ese punto, disfrutamos de unos diálogos interesantes, bien llevados y que con una duración de menos de hora y media, no cansan nada en absoluto.
Crecida que hubiera afectado especialmente al Marais (la marisma), que hubiera quedado inundada, lo que hubiera producido el derrumbe de edificios. Quizá entre ellos el Hôtel de Ville.
Hoy ando cabreado como un mono, porque después de tener prácticamente redactado este comentario a la última película que he visto en pantalla grande, no sé que demonios he hecho y me la he cargado. Así que la repito en plan telegráfico.
La he visto en versión original. La versión doblada se titula Orígenes, pero se pierde el doble sentido del título. I Origins (el origen del yo) es homófono en inglés con Eye Origins (el origen del ojo).
Por lo menos en la película que comentamos hoy nos damos algún paseo por Nueva York.
La cosa va de algo parecido a la ciencia ficción, en la que un biólogo molecular y escéptico respecto a lo sobrenatural que estudia la evolución del ojo se enamora de una modelo de publicidad que está muy buena y que es muy creyente en las cosas trascendentes. Esta se mata en un estúpido accidente, y luego mediante piruetas argumentales, resulta que la reencarnación o algo así existe.
El argumento me parece una soberana tontería, lleno de trampas para llegar a la conclusión que le interesa al director. No me parece serio. Más que ciencia ficción me parece ciencia aflicción.
Los intérpretes están más bien sositos, salvo la chica catalana que han contratado para que enseñe las tetasque está muy buena. Supongo que las yanquis son muy remilgadas para eso aunque sea en películas de las llamadas «independientes».
A mí, no me convenció mucho. Y tras dos días de pensármelo, he llegado a creer que es un tomadura de pelo. Pero a algunos críticos y al público votante de IMDb les gusta ¡?.
Y hay que reconocer que los atardeceres en Brooklyn son muy fotogénicos.
Últimamente da un poquito de miedo ir a ver una película de ciencia ficción que venga con intenciones serias. Las de fantasía que se venden como «ciencia ficción» ya sabes un poco a que atenerte. Pero las que aparentemente vienen con un hala de ser ciencia ficción propiamente dicha, aunque se tomen sus licencias,… últimamente nos dejan insatisfechos por uno u otro motivos. Con la película que hoy traigo a estas páginas me pasaba un poco eso. Miedo a la decepción. Porque además tiene más alicientes. Un director, Christopher Nolan, que empieza a estar considerado como uno de los mejores de su generación. Bien es verdad que a mí no todo lo que ha hecho me ha resultado atrayente, independientemente de su oficio, que lo tiene y mucho. También nos ofrece unos protagonistas que como veremos están entre los intérpretes que más alabanzas han atraído en los últimos tiempos. Así que muchas expectativas,… más probabilidad de salir defraudado. Veremos lo que ha dado de sí, en una película de un género que siempre me ha atraído, la «space opera«.
La hipótesis de que la humanidad se vaya al garete no como consecuencia de un cataclismo global sino por una mezcla de factores ecológicos y económicos, especialmente por el agotamiento de recursos. Esto conllevaría hambrunas y retorno a tecnologías más atrasadas.
Estamos en la Tierra, en un futuro no excesivamente lejano. Ha habido guerras y la ecología está hecha unos zorros. Estamos en una situación no postapocalíptica como gustan en otras producciones, sino preapocalíptica. El final de la especie humana puede encontrarse a muy pocas generaciones en el futuro. Una especie humana que se dedica sobretodo a producir los alimentos que puede, habiendo perdido mucho conocimiento científico y tecnológico. Ahí está Cooper (Matthew McConaughey), un antiguo ingeniero y piloto de la NASA, reconvertido en granjero. Viudo, con dos hijos, de los cuales la chica, Murph (Mackenzie Foy/Jessica Chastain/Ellen Burstyn) es inteligente e inquisitiva. Y dice que tiene un «fantasma» en la habitación. Intentando desentrañar el misterio del «fantasma», descubrirán que la NASA no ha desaparecido, que tiene unas instalaciones clandestinas dirigidas por el profesor Brand (Michael Caine) y en la que participa también su hija Amelia (Anne Hathaway). Su proyecto es el de llevar a la especie humana a las estrellas. Y cuentan con Cooper. Aunque este tendrá que abandonar a su familia. Y no sabe cuándo y cómo los volverá a ver. Porque el viaje se verá afectado por los efectos relativísticos sobre el tiempo.
Estas flores de Almendro que fotografíe en estos paisajes cerca de Almudévar, en Aragón, ya no se pueden ver; esos árboles desaparecieron. En los 11 años que estuve yendo y viniendo a Huesca a trabajar, pude comprobar un deterioro progresivo del paisaje por la mano del hombre.
Muchas cosas se me ocurren. Y por eso he tardado cinco días en ordenar un poco mis ideas.
La película es una delicia desde el punto de vista visual. Desde el polvoriento paisaje terrestre a las visiones planetarias o estelares, hay un cuidado esmerado en buscar la verosimilitud. Que no es lo mismo que la veracidad. Quizá, hablando de ficción, más importante.
Es ciencia ficción casi dura. Por supuesto que hay concesiones al interés dramático de la trama; nadie espera otra cosa. Pero por fin vemos algo más que ciencia ficción basada en Newton con toques de fantasía. Estamos en un universo donde reina la física del siglo XX/XXI. Con algún toque de fantasía. Es casi inevitable. Otros se han dedicado a comentar lo que es buena ciencia y lo que es mala ciencia en el filme. A mí globalmente, me vale. Mucho mejor que prácticamente cualquier otra cosa hecha recientemente.
Tiene momentos de debilidad. Ese momento en que Hathaway como Amelia Brand suelta un monólogo en el que dan ganas de irte a preguntar al CERN si están buscando la partícula que media en ese campo de fuerzas que impregna el universo y que se llama «amor», me parece una tontada. Pero claro, es para preparar alguna otra cosita del final…
Se nota demasiado que hay un deseo de homenajear, quizá ponerse a la altura del 2001 de Kubrick. Acoplamientos espaciales dando vueltas. Algo o alguien que se vuelve loco lejos de la Tierra. Una estructura clara en tres parte; en la Tierra, el viaje espacial, y el retorno más o menos psicodélico… Y los robots, con forma de monolito cuando están en reposo… Pero no es lo mismo… Nop. Lo tomaremos como un homenaje; en ese caso resulta simpático. Si es un pretensión de ponerse a la altura de Stanley…, entonces es pretencioso. Claro. Estoy de buenas. Me resulta simpático.
La cosa dura casi tres horas. Pero no me cansé ni un pelo. Y reconozco que en algún momento me resultó emotiva. Así que, incluso en sus salidas de tonillo, la cosa aguanta. Yo me lo pasé muy, muy, muy bien.
Son diversos los autores que en los últimos tiempos observan fenómenos que podrían llevar a lo que llaman «una nueva Edad Media». Una caída global de la civilización, con paralelismos con la civilización mediterránea constituida por Roma, que llevaría no a una situación apocalíptica, sino a un empobrecimiento, una mayor morbilidad y mortalidad, una profunda caída demográfica, incluso a caída de las comunicaciones a larga distancia en la especie humana. Por ejemplo, para los componentes de ordenadores son necesarios elementos químicos muy raros en la superficie terrestre, que se extraen de zonas de conflicto. Si se acaban o se vuelven inaccesibles… poneros a imaginar.
Si ya hemos dicho que técnicamente hablando la fábrica de la película es de muy buena hechura, la cosa funciona especialmente porque efectivamente sus intérpretes están también en estado de gracia. McConaughey sigue en racha, y es un héroe con el que simpatizamos. Tanto la jovencita Foy como la excelente Chastain colaboran para que el personaje de Murph robe todos lo planos en que aparece. Un personaje femenino interesante contra el que no puede el que le toca en suerte a Hathaway, que no obstante está también a un muy buen nivel. Pero es que además hay una rueda de secundarios a su alrededor, Caine, John Lithgow, Matt Damon, brevemente Ellen Burstyn, y otros que funcionan muy bien.
No es una película definitiva. No ocupará en nuestro corazoncito un lugar similar a HAL 9000 y Bowman, a Robby y al doctor Morbius, a Klaatu y Gort, al coronel Taylor y Zira, a los replicantes, a Ripley y la Nostromo,… y a alguno más que me dejo. Pero será una película de ciencia ficción recordada con agrado, y que no me importaría volver a ver otra vez. O de vez en cuando.
La pobreza, el abandono de las ciudades, la pérdida del conocimiento científico y tecnológico podrían llevar a mayor fanatismo religioso, a la desaparición de los estados de derecho y otras estructuras sociales, si no en todo sí en buena parte del globo. Estaríamos ante un ocaso de la humanidad. En ese caso ¿quedaría alguien con tecnología y recursos suficientes para llevarnos a las estrellas como en el filme de hoy? Lo dudo.
Película británica dirigida por Jon S. Baird que vemos para asegurar nuestra dosis de ficción después del documental de S. Salgado, en versión original, que si no la titula Filth, el sucio, y en la que las motivaciones de partida está en ver un cambio de registro en su protagonista, y en que es adaptación de una novela de Irvine Welsh, a quien debemos la celebrada hace ya unos años Trainspotting. Así que los políticamente correctos, abstenerse.
Y es que aquí volvemos a Edimburgo, donde el sargento de la policía Bruce Robertson (James McAvoy), un tipo corrupto, un sinvergüenza con las mujeres, con sus compañeros, con el mundo en general,… alcohólico, consumidor de drogas,… etcétera,… pretenderá ascender a inspector, pero para ello tendrá que librarse de dos cosas. Del conjunto de colegas que le disputan el puesto, y con los que utilizará las bajezas más rastreras que pueda imaginar para eliminarlos de la carrera, y del esclarecimiento del asesinato de un joven estudiante japonés, que amenaza con sacar al descubierto un secreto de su vida íntima y familiar.
Dos protagonistas en la película, el poli corrupto y la ciudad de Edimburgo.
En el mismo tono irreverente y políticamente incorrecto que ya nos ofrecía aquella excelente película de mediados de los años 90, volvemos a encontrarnos con un protagonista amoral, sin principios de solidaridad por sus semejantes de ningún tipo. Aunque en esta ocasión haya una explicación por debajo, una serie de secretos y acontecimientos traumáticos en la vida de Bruce que tal vez sirvan (o no) para explicar su forma de ser y de actuar. Con una realización ágil, a ratos casi espasmódica, nos movemos a toda velocidad entre lugares, acontecimientos, alucinaciones. Todo para asumir una visión relativamente desesperanzada de la naturaleza humana.
Al servicio de todo ello está el protagonista, McAvoy, habitualmente buen chico en las películas en las que participa, o quizá la película esté al servicio del lucimiento actoral del actor, que resulta razonablemente convincente en el papel. Es un buen actor, aunque yo no veo una interpretación tan brillante como había leído en algún sitio. Quizá sea más sencillo actuar en el exceso que en papeles con caracteres más matizados y sutiles.
Edimbrugo, que hace unos meses era protagonista en una película con canciones buenrollista y de buenos sentimientos.
En conjunto, es una película aceptable aunque el impacto que me ha producido está muy lejos de su antecesora. Visible y razonablemente interesante, tampoco dejará una huella tan profunda en mi memoria.
Ahora vuelve a su versión más gamberra y despiadada, como en tiempos de un joven «obiguanquenobi».
Cuaderno de Ruta V. 3.0 