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[Cine] Sobran las palabras (2013)

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Sobran las palabras (Enough Said, 2013), 22 de diciembre de 2013.

Aunque las críticas eran razonablemente positivas, no era esta una película Nicole Holofcener que nos atrajese demasiado. Sin embargo, dado que hay estrenos el día de Navidad, los estrenos de este fin de semana pasado han sido limitados en interés. Por otra parte, se trata de la última película antes de fallecer del «mafioso» James Gandolfini, un actor de los que por su físico ha tenido unas oportunidades mucho más limitadas de lucirse que los típicos buenorros macizos, pero que podía dar mucho de sí. Así que decidimos huir de la monserga de la lotería refugiándonos en una matinal de domingo para ver este filme, que lamentablemente no se ha estrenado en Zaragoza en versión original. Lamentablemente, porque cada vez se da uno más cuenta de que los doblajes desvirtúan muchas veces, si no toda la película, sí algunas de sus situaciones, incorrectamente traducidas o adaptadas al castellano. Sucede en esta que nos ocupa hoy.

Nos cuenta la película la historia de Eva (Julia Louis-Dreyfus), una mujer divorciada con una hija de 17 o 18 años a punto de irse a la universidad, por lo que sobre su futuro planea el «síndrome del nido vacío». Todavía atractiva, su estilo de vida es sencillo, su trabajo, su hija, sus amigos,… las amigas de su hija,… En una fiesta conoce a dos personas, muy distintas entre sí. Una es una mujer sofisticada, Marianne (Catherine Keener), poetisa, con la que congenia rápidamente, y a la que ofrecerá sus servicios profesionales como masajista. Con el tiempo, harán amistad, y Marianne le confiará sus confidencias, especialmente las relacionadas con su exmarido, a quien considera zafio y sin sensibilidad. Por otro lado, conoce a Albert (James Gandolfini), un hombre poco atractivo físicamente, calvo y con sobrepeso, no muy pulido en sus maneras, pero muy simpático. Con el tiempo se irá relacionando con él, y acabará iniciando una relación. La cosa se complicará cuando descubra que ambos personajes están más relacionados entre sí de lo que pensaba.

Plaza de San Felipe

Si ayer mostraba fotografías tomadas con la Leica M2 y película Portra 400 en situaciones de luz escasa, hoy muestro la utilización de la misma película con carácter polivalente en la cámara de formato medio Fuji GS645S. Escena en la plaza de San Felipe de Zaragoza.

Filme con sabor a cine independiente, en unos Estados Unidos donde reina lo políticamente correcto, y en la que supongo que la directora intenta establecer una crítica hacia el rechazo que puede producir una persona por su aspecto o modos externos, o si somos influidos por la opinión de aquellas personas que consideramos intelectualmente y socialmente superiores, y que marcan las tendencias de lo que es bueno o malo en la sociedad. En principio, el planteamiento me parece bueno, me parece interesante. Estamos efectivamente en una sociedad donde juzgamos a los demás por elementos muy superficiales, entre ellos su aspecto físico, sin dar la oportunidad sus cualidades. Sin embargo, no me ha gustado el diseño del personaje de Albert. Porque al mismo tiempo es un estereotipo. Hay pocos matices. Sí, es simpaticón y bonachón. Pero al mismo tiempo lleva a cuestas un cortejo de cualidades que convencionalmente se atribuyen juntas, aunque no sea así. Si es hombre, en sus cincuenta, calvo, con sobrepeso,… pues se supone que es zafio, intelectualmente limitado, con escasas maneras sociales, etcétera, etcétera. Un tópico, y no el elemento adecuado para ejercer la crítica. Sin duda estoy muy sesgado porque yo también tengo cincuenta años, soy calvo y con sobrepeso. Pero no me limpio con la corbata, no le hecho zumo de naranja de botella de plástico al Taittinger y le llamo cóctel, y tengo otras inquietudes intelectuales que no pasen por sentarme a ver programas de televisión de hace 30 años. Por lo tanto, desde este punto de vista, que los personajes son demasiado estereotípicos, la película chirría. También es un estereotipo la poetisa. Y la historia de la amiguita que actúa como «hija sustituta» también está metida con calzador. Falta finura en el desarrollo de los caracteres, la película pierde fuerza, y nos lleva a un desenlace previsible, pero no necesariamente razonable.

Mercado Central

Relieves en las fachadas del Mercado Central de Zaragoza.

Las interpretaciones, en un reparto con mucho sabor a cine independiente, son correctas en general. Cada uno pone de su parte lo mejor que tiene para dar vida a unos caracteres, que como ya he dicho tienen algún problema de definición.

Película que partía de premisas interesantes, pero que poco a poco se desinfla y nos deja con un sabor de boca agridulce. Esperábamos algo mejor para la despedida de Gandolfini, aunque el no tiene la culpa.

Valoración

  • Dirección: *** Faena de aliño para una historia escrita por la propia directora que me patina.
  • Interpretación: *** Lo hacen lo mejor que pueden y con oficio.
  • Valoración subjetiva: **  Demasiados estereotipos en una historia que podría haber sido más sutil y más matizada.
Calle de las Armas

Colorida fachada en el entorno de la calle de las Armas.

[Cine] The Hobbit: The Desolation of Smaug (2013)

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The Hobbit: The Desolation of Smaug (2013), 17 de diciembre de 2013.

Esta película fue vista en versión original en inglés subtitulada en castellano; por ello, conservo su título original. En la cartelera española, es posible encontrarla también doblada al castellano con el título literalmente traducido, El Hobbit: La desolación de Smaug.

La primera película de las tres en las que han convertido la divertida y estupenda novela de aventuras de J.R.R. Tolkien, me dejó relativamente defraudado. Estirada en exceso la historia, con la inclusión de escenas inventadas, no extraídas de la novela original, buscaba mucho el tono épico de su antecesora, la trilogía de The Lord of the Rings (El Señor de los Anillos). Esto eliminaba muchas de las mejores cualidades de la obra literaria, incrementaba innecesariamente la duración de la historia con elementos totalmente prescindibles, y apenas reservaba algunos momentos realmente estupendos, justamente aquellos más fieles a Tolkien. La cena en casa de Bilbo, el episodio de los troles, el desafío de los acertijos entre Bilbo y Gollum. No tenía claro si me apetecería gastar en ver la segunda parte, o esperar a su estreno televisivo, para pasar un rato en casa. El dilema se rompió al ser invitado a una visión colectiva, que lleva añadida la diversión de encontrarse con los amigos que siempre está bien. Así que os voy a contar cómo he visto esta segunda parte, y cómo se ha manejado el inefable Peter Jackson.

Tras cruzar las Montañas Nubladas perseguidos por los orcos, las compañía de enanos, con Bilbo (Martin Freeman) y Gandalf (Ian McKellen) se refugian en las estancias del hombre-oso Beorn (Mikael Persbrandt) antes de dirigirse hacia la Montaña Solitaria atravesando el Bosque Negro, donde acechan numerosos peligros, y donde el reino de los elfos silvanos con Thranduil (Lee Pace) el trono, padre de Legolas (Orlando Bloom), es hostil a los enanos. Para complicar las cosas, las noticias que ha recibido Gandalf son preocupantes, y deja la compañía para ir a investigar, lo que lo llevará a confrontar al misterioso Nigromante (Benedict Cumberbatch sólo voz) que mora en la fortaleza de Dol Guldur al sur del Bosque Negro.

Empecemos por lo positivo. Esta película esta mejor hilvanada, y es más entretenida que la primera parte de esta forzada trilogía. Es un notable y caro divertimento, película palomitera de buen ver, con bonitos paisajes, y mucha espectacularidad, en la que han conseguido hilar la extendida historia con razonable competencia. En el campo de los efectos especiales, desde luego la estrella es la aparición y acción del feroz dragón Smaug, a quien también pone voz, profunda e intensa, Benedict Cumberbatch, que se multiplica por dos a la hora de dar algo de materia a los malvados de la historia. Pero sigue manteniendo algunos de los problemas o cuestiones negativas de la primera parte, que sospecho van a impregnar al conjunto de la trilogía.

En casa

Hoy, día de quedarse en casa. Me toca de canguro con mi sobrinillo, pero está malito y nos quedamos en casa.

Jackson en un intento de dar un tono épico a una historia que originalmente tenía otro tono y sentido, cambia por completo los valores que transmitía Tolkien en su novela original. En esta, los personajes se meten en líos en los que tienen que pelear. Pero no es su capacidad como guerreros lo que los saca de sus problemas. Es el ingenio, la compasión, la empatía de algunos de los personajes por encima de la violencia lo que les permite seguir adelante en su aventura. De hecho, cuando la novela cierra la aventura con una gran batalla, no es gloria lo que se obtiene sino dolor y pesar. Las guerras traen destrucción y muerte, duelo, sensación de pérdida. En la versión cinematográfica, en aras de una mayor espectacularidad, lo que domina es la acción guerrera. Elfos mortíferos, que tiran muchas flechas, peleas inventadas de los enanos contra el dragón, persecuciones también inventadas de orcos a enanos para aumentar las matanzas con espadas y flechas. Y para atraer a la chicas, supongo, un amorío con un personaje que no sale en el libro Tauriel (Evangeline Lilly), una elfa silvana, no de alta raza como Tranduil y Legolas, que siente algo por el más «apuesto» y «alto» de los enanos, Kili (Aidan Turner). Lo encajado razonablemente bien, pero todos estos elementos sólo contribuyen a estirar innecesariamente la historia y justificar la trilogía, cuando todo se pudo resolver en una película. Y lo que es peor, para adulterar el sentido y el mensaje que transmite la bella novela original.

Respecto a las interpretaciones, hay que reconocer que esta serie de filmes tiene muchos aciertos en el reparto. Freeman es un hobbit mucho más disfrutable, que el pesado de la trilogía original. Mucho más expresivo, transmite perfectamente, sin necesidad de palabras, los dilemas que pasan por su cabeza. Realmente un acierto. Los enanos en su conjunto están bastante bien. McKellen hace que uno no pueda imaginar ya a Gandalf sin los rasgos del prestigioso actor británico. Bloom es un muy limitado, pero está entretenido. Y algunas curiosidades. Stephen Fry da la nota cómica en un caricaturizado gobernador de Esgaroth. Resulta difícil ver en Lee Pace, el simpático protagonista de Pushing Daisies, como el retorcido rey de los elfos del bosques. Y miedo daba ver a Evangeline Lilly en el reparto. La «perdida» siempre fue la cara bonita y el cuerpo danone de la famosa serie de televisión. Pero sus cualidades interpretativas siempre me parecieron limitadas. Curiosamente, a pesar de ser un personaje metido con calzador, sin mucho sentido, cumple con razonable competencia, y no desentona.

En fin, que sigue pareciéndome una ocasión desperdiciada para haber hecho una buena adaptación de la novela. Respetando el tono y el mensaje, aunque hubiese sido a costa de una orientación totalmente distinta. Pero más allá de eso es un espectáculo razonablemente divertido y entretenido.

Valoración

  • Dirección: *** Bien en todos los aspectos técnicos, y una razonable gestión de la estirada historia.
  • Interpretación: *** Los principales personajes están bien; el resto, de todo hay. Preferible la versión original para disfrutar de la profunda voz de Cumberbatch.
  • Valoración subjetiva: ***  Un producto de entretenimiento. Sin más. Muy caro y espectacular, pero sin más.
En casa

Así que mientras comento esta película estoy rodeado por objetos inusuales en casa, y en la tele aparecen las imágenes de los bonitos dibujos animados del estudio Ghibli; Ponyo, Mononoke, Chihiro,…

[Cine – obituarios] En memoria de… Eleanor,… Peter,… Joan,… incluso Lolita

Cine

Ya digo siempre que las gentes, los inmortales del cine nunca se van solas de este mundo. Siempre buscan irse bien acompañados. Aunque en el proceso nos dejen a los humildes mortales más solos y tristes en este mundo. Menos mal que siempre nos queda el celuloide. En sentido real o en el figurado, reconvertido en bits. En pocos días se nos han ido tres presencias de la gran pantalla, que si bien es cierto que tiempo ha que dieron lo mejor de sí mismos, no es menos cierto que eso no impide que les echemos de menos. Gente con mucha, mucha clase.

El día 9 de diciembre nos dijo adiós la norteamericana Eleanor Parker (1922 – 2013), actriz guapa y elegante por demás, que no siempre recibió el reconocimiento que debía, o tuvo las golosas oportunidades de las que otras disfrutaron. No por ello dejó de ser candidata al óscar en tres ocasiones en la década de los años 50 del siglo XX, su época de más gloria. Aunque son diversas las referencias que se podrían hacer, y o me quedo con dos. El contrapunto que ponía en The Naked Jungle (Cuando ruge la marabunta) al animal de Heston, haciendo que una película mediocre en su planteamiento alcanzara cuotas de temperatura impensable cuando la Parker aparece en la pantalla. Y el modo en que eclipsaba a la «monjil» Julie Andrews en The Sound of Music (ridículamente traducida como Sonrisas y lágrimas). Resulta evidente para todo el mundo que Plummer se queda con la monja por exigencias del guion. Que lo que le pedía el cuerpo era otra cosa…

El 14 de este mes de diciembre también nos decía adiós el supuestamente irlandés Peter O’Toole (1932 – 2013), actor que ha estado en activo hasta hace bien poco tiempo. Candidato al óscar en siete ocasiones, se le concedió de forma honorífica en 2002, aunque volvió a ser candidato en 2006 por octava vez. Todo el mundo lo recuerda por su Lawrence of Arabia (Lawrence de Arabia), pero mi favorita es dando la réplica a Katharine Hepburn en la impresionante adaptación de la obra teatral The Lion in Winter (El león en invierno).

Y a las pocas horas, el día 15, se despedía de este mundo la británica nacida en Japón Joan Fontaine (1917 – 2013). Otro ejemplo espléndido de belleza y elegancia, de una época donde el glamour era otra cosa, hoy en día perdida. Porque hay que reconocer que hay mucha zarrapastrosa entre las estrellas del firmamento cinematográfico actual. Siempre he pensado que era mucho más bella que lo que sus habituales arreglos mostraban, y una actriz con mucho más carácter que los que sus más famosos personajes mostraron. Esta sí que ganó una estatuilla en una de las tres ocasiones en que fue candidata al óscar, por Suspicion (Sospecha). Pero creo que hubiera merecido también el premio que le birló Ginger Rogers, aunque reconozco que la Kitty Foyle de esta estaba muy bien, pero frente a la segunda señora De Winter en Rebecca… creo que no había color.

Pocas horas antes de cerrar esta entrada me entero del deceso el 16 de diciembre de Lolita Sevilla, nombre artístico de Ángeles Moreno (1935 – 2013). Comparar a esta tonadillera tipo «folclórica» con los anteriores parece un poco fuera de lugar… salvo porque tuvo un papel no desdeñable en una de las pequeñas grandes películas del cine español, que en este año ha cumplido su sesenta cumpleaños sin haber envejecido un pelo, Bienvenido, Mister Marshall. Las malas lenguas dicen que para burlar la siniestra y a la vez estúpida censura, los responsables del filme lo vendieron como de canciones y ambiente folclórico español, con el fin de lanzar al estrellato a la joven cantante… No sé si fue así, si realmente engañaron a la chica… En cualquier caso, el mero hecho de haber participado en aquella joya del séptimo arte ya le hace merecedora de un huequito en nuestros corazones. Y se va de este mundo con buena e ilustre compañía.

Sostengo en ocasiones que el único cielo tras esta vida que puede existir es el de las gentes del cine, donde ahora estarán animadamente departiendo estos tres astros de la pantalla, y donde aspiramos que nos dejen entrar quienes les hemos sido fieles de por vida peregrinando por las sufridas grandes pantallas. Os dejo con unas fotos funerarias, de hace unos días cuando acompañé a unas amigas al cementerio por un asunto particular,… pero en el que aproveché para llevarme la cámara.

Una tarde en Torrero

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Una tarde en Torrero

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Una tarde en Torrero

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Una tarde en Torrero

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Una tarde en Torrero

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Una tarde en Torrero

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Una tarde en Torrero

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[Cine] 12 Years a Slave (2013)

Cine

12 Years a Slave (2013), 13 de diciembre de 2013.

Dejo constancia que tengo pendiente una entrada de recuerdo a algunas figuras del séptimo arte que nos han abandonado en los últimos días. Eleanor, Peter, Joan, … los rigores del invierno están sentando fatal a los más veteranos de los rostros que han iluminado las pantallas de cine y nuestros sueños… Volveré a ello. De momento, comentaré la que posiblemente sea la película del año, cuyo título original conservo ya que la vimos en versión original subtitulada en castellano. En la cartelera española es posible encontrarla también bajo el título de 12 años de esclavitud.

En cualquier caso, con sólo tres largometrajes a cuestas, el norteamericano Steve McQuen (nada que ve con el magnífico actor de hace unas décadas), se está convirtiendo en uno de los directores más interesantes, más a tener en cuenta del panorama cinematográfico actual. Y nos trae una visión de la esclavitud en Estados Unidos, probablemente una de las más interesantes, honestas y realistas que el cine nos ha ofrecido. Más adelante profundizaré un poco en esto.

La historia que se nos cuenta está basada en el libro de memorias que Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor), el personaje protagonista, dejó escrito de su experiencia cuando, siendo un hombre afroamericano libre en el estado de Nueva York a principios de la década de los años 40 del siglo XIX, mediante engaño fue secuestrado y convertido en un esclavo en el estado de Louisiana, donde fue obligado a trabajar carente de libertad en diversas plantaciones durante 12 años, hasta que pudo comunicar con su familia y conseguir su liberación.

Muchos años han pasado, y los Estados Unidos de hoy en día, Nueva York en particular, en cuyo estado vivía Northup, son un país más diverso y tolerante.

Muchos años han pasado, y los Estados Unidos de hoy en día, Nueva York en particular, en cuyo estado vivía Northup, son un país más diverso y tolerante.

No tengo la sensación de que haya un gran número de películas norteamericanas en las que la esclavitud sea el tema principal. Y no hay muchas en las que el tema esté tratado con rigor. Hay que tener en cuenta incluso, que no pocas producciones de Hollywood nos han pretendido transmitir una visión del sur de los Estados Unidos en el siglo XIX como de un lugar poco menos que paradisiaco, de caballeros de honor y damas elegantes, donde los esclavos trabajaban apaciblemente en las plantaciones convertidos al cristianismo, como en un escalón por encima de su estado semisalvaje en África. Esto ha sido así. Tuvieron que pasar décadas hasta que empezaron a surgir producciones realmente  críticas con la esclavitud en un país que tiene a gala la tradición democrática, y la igualdad de oportunidades para todos sus ciudadanos. Existen profundas contradicciones en un país en el que convivieron durante décadas una constitución modelo con un sistema económico basado en la esclavitud, y durante cien años más con sistemas de segregación racial legalmente sostenida en amplias zonas del país, sin contar con otras formas de segregación en la moral de la ciudadanía. Aun hoy en día, las diferencias socio económicas según el origen étnico son profundas, y los afroamericanos sufren menores niveles de riqueza, de salud, de seguridad, etcétera. Pero no todos los acercamientos a la cuestión de la esclavitud han sido eficaces o realistas. Tampoco han faltado las que han caído casi en el panfleto. Como si el problema no fuera lo suficientemente tremendo tal cual fue, sin necesidad de maquillarlo panfletariamente. Por ello, y como gran virtud de la película, McQueen nos ofrece un filme muy equilibrado, basado en unas memorias que seguramente tendrán sesgos, pero son un valioso testimonio, y que es capaz de evitar maniqueísmos en el conjunto de las personajes que aparecen, aunque inevitablemente el repugnante sistema social de los estados esclavistas dieron lugar a individuos que hoy nos causan profunda repugnancia y que se ven reflejados en el filme. Un filme técnicamente impecable en todos sus aspectos, fotografía, sonido, banda sonora, diseño de producción, y que no carece de atrevimiento y personalidad en sus encuadres, en su acercamiento a los personajes y a la situaciones.

La convivencia entre las diversas etnias parece mucho más fluida y normalizada.

La convivencia entre las diversas etnias parece mucho más fluida y normalizada.

Y si la factura técnica y realizadora del filme es de gran nivel, hay que decir el trabajo del británico Ejiofor es merecedor de un amplio reconocimiento. Gran capacidad para transmitir muchas cosas con muy pocas palabras; para que sintamos es hundimiento personal, junto con los momentos de esperanza, simplemente con la actitud corporal y personal. Impresionante también el trabajo de la desconocida Lupita Nyong’o en uno de los trabajos que más nos impresionan, en un acierto monumental de «casting». Una tercera pata interpretativa fundamental es el personaje compuesto por Michael Fassbender, profundo foso de contradicciones, y personalización de todas las perversiones del sistema social que aun hoy en día probablemente envenena el profundo sur norteamericano. Perfectamente flanqueado eso sí por otros intérpretes con pequeñas pero significativas intervenciones como Paul Dano, una versatil Sarah Paulson, un desconcertantemente contradictorio Benedict Cumberbatch, o un comercialmente despiadado Paul Giamatti, sin que ninguno caiga en la inverosimilitud melodramática. Pequeño papel, aunque importante, el que se reserva para sí Brad Pitt, uno de los productores de la cinta. Pero hay muchos más pesonajes con sus intérpretes, cada uno aportando su grano de arena, y todos ellos funcionando en conjunto como una máquinaria de precisión.

Estamos sin duda ante la película del año, o al menos de la temporada, y de lo mejor que se ha rodado en los últimos 10 a 15 años en su conjunto. No me atrevo a darle la mayor nota en términos absolutos, porque quizá el guion, que no es malo en absoluto, podría haber planteado ciertas cuestiones o ciertos tiempos con un poquito más agilidad. No todo lo que cuenta es trascendental en sí mismo. Pero esto es por poner alguna pega. La película es muy buena, desde mi modesto punto de vista. Probablemente este año no dedique entradas al seguimiento de los óscar. Salvo la carencia de una actriz protagonista, me resulta difícil pensar, de lo que he visto hasta la fecha, alguna categoría en la que esta película no merezca su candidatura y probablemente el premio principal. Aunque aun han de llegar algunas películas con aspiraciones en la temporada de premios a la cartelera española.

Valoración

  • Dirección: ***** Tengo la sensación de que si sigue por este camino, estamos ante uno de los grandes directores de la época..
  • Interpretación: ***** Muy bien, todos. Un premio al elenco, y no sólo a los individuos.
  • Valoración subjetiva: ****  Totalmente recomendable, creo que le falta algún leve pulido para alcanzar el grado de obra maestra absoluta. Muy honesta.
Sin embargo, en el reino de lo políticamente correcto, no hace falta ser un lince para notar que la igualdad social es todavía una utopía. Pero no miremos la viga en el ojo ajeno, que en todas partes cuecen habas.

Sin embargo, en el reino de lo políticamente correcto, no hace falta ser un lince para notar que la igualdad social es todavía una utopía. Pero no miremos la viga en el ojo ajeno, que en todas partes cuecen habas.

[Cine] La grande bellezza (2013)

Cine

La grande bellezza (2013), 8 de diciembre de 2013.

Esta película ha sido vista en su versión original en italiano con subtítulos en castellano, y por eso conservo su título original. En la cartelera española es posible encontrarla también doblada al castellano bajo el título traducido de La gran belleza.

La verdad es que hasta que apareció en la cartelera española apenas habíamos oído hablar de esta película del italiano Paolo Sorrentino. Los horarios con los que se estrenó en la cartelera de Zaragoza, tampoco invitaban a ir a verla. Pero su triunfo en los premios europeos del cine nos hizo plantearnos el esfuerzo. Más con la curiosidad añadida de tanto comentario sobre el toque «felliniano» del filme.

La película nos permite seguir las andanzas de un vividor de las noches romanas, Jep Gambardella (Toni Servillo). Famoso y rico gracias a una novela de éxito que escribió en su juventud tras un amor fracasado con la misteriosa Elisa, después nunca volvió a escribir otra, y se dedica a escribir artículos sobre los ambientes selectos de la sociedad romana para una revista de sociedad o de cotilleos. Llegado su 65º cumpleaños, Jep se plantea cosas sobre su vida. Sobre el miedo al fracaso, sobre las mujeres, sobre la «gente guapa» e «importante» con la que relaciona, sobre la belleza de las cosas.

El Coliseo desde el Foro Palatino

La privilegiada terraza donde celebran sus «fiestuquis» la «biutiful pipol» de la película tiene vistas al Coliseo; estas están tomadas desde la colina Palatina.

Efectivamente, con una exquisita realización, con una cuidada fotografía, con una estética impecable, Sorrentino nos ofrece su versión de «la dolce vita» pero en la segunda década del siglo XXI. Cincuenta años más tarde que la visión de Fellini sobre cuestiones semejantes. No faltan muchos de los elementos del absurdo felliniano. Enanos, gordas, prostitutas, viejos que se niegan a reconocer que han perdido la juventud, jóvenes starlettes, la aristocracia venida a menos, fiestas locas y absurdas en la noche, la fama,… Tampoco vamos a decir que sea una copia del cine de Fellini; ni tampoco un homenaje. Digamos que es un intento, relativamente exitoso, de seguir esas sendas narrativas décadas más tarde.

Dejando aparte la omnipresencia de Servillo, la película es absolutamente coral con gran número de personajes, todos ellos realizando bien su trabajo. Un momento estupendo, un auténtico homenaje a la auténtica belleza y estilo es el pequeño cameo de Fanny Ardant en la noche de las calles de Roma.

En general, a pesar de algunos, no pocos, miedos que nos acompañaron a la sala de cine sobre lo que nos podíamos encontrar, salimos contentos. Y no sé si es lo mejor que se ha presentado en el cine europeo en el último año pero está a buen nivel. Aunque no me atrevería a recomendarla a todos los públicos. Sí a los más cinéfilos y a los más osados. Porque ya aviso que no nos cuenta propiamente una historia, sino una reflexión vital.

Valoración

  • Dirección: **** Creo que hay muchos valores y atrevimiento en la labor de realización de la pelicula.
  • Interpretación: **** Muy bien el protagonista, los demás en su sitio y cumpliendo.
  • Valoración subjetiva: ***  Me ha parecido un producto interesante, que ya he dicho que no me atrevo a recomendar a todos, pero que tampoco me ha matado de entusiasmo.
Campo dè Fiori

Y muchas escenas nocturnas, no puedo recordar si también en el Campo dè Fiori, pero ¿por qué no?

[Cine] Captain Phillips (2013)

Cine

Captain Phillips (2013), 5 de diciembre de 2013.

Está película fue vista en versión original subtitulada en castellano, y por eso conserva su título original en inglés. En la cartelera española se estrenó doblada con el título literalmente traducido, Capitán Phillips.

Película que quedó en el cajón de pendientes con motivo de una triste situación durante la «semana del cine». Un error de programación, acompañado de una atención descuidada o indiferente que no nos gustó nada. Así que quedamos que la película veríamos, en versión original como teníamos intención, pero por el medio que fuese, aunque fue uno de esos «alternativos» que no gustan a la «industria del cine». Pero cuando la «industria del cine» no se comporta… a veces pasan estas cosas. Y mira que a nosotros lo que nos gusta es ir pacíficamente y como manda la tradición a la sala de cine a ver la película cómodamente y en pantalla grande. Pero no siempre esto es algo que la «industria del cine» esté dispuesta permitir, aunque luego se empeñe en culpabilizar al ciudadano de sus problemas de ingresos. Como si el ciudadano no tuviese suficientes problemas con sus propios ingresos. Hemos visto por fin esta película, que tan buenas críticas recibió, dirigida por Paul Greengrass, y cuya interpretación fue tan aplaudida.

Esencialmente la película nos cuenta la historia del ataque por piratas somalíes del carguero MV Maersk Alabama, que se encontraba bajo el mando del capitán Richard Phillips (Tom Hanks), y que tras una serie de escaramuzas fue secuestrado en un bote salvavidas por los asaltantes hasta que las fuerzas navales americanas del dispositivo de vigilancia contra la piratería en el Índico actuaron para resolver la situación.

Puerto de Hamburgo

La entrada de hoy la ilustraremos entre los contenedores y los grandes mercantes que visitan el puerto de Hamburgo.

Basada en las propias memorias del propio capitán protagonista, sobre la precisión de las mismas tendremos que fiarnos en la medida en que unas memorias de uno de los protagonistas más los efectos de una adaptación de Hollywood las puedan hacer fiables. Parece ser que unos ven a este capitán de la marina mercante como un héroe y otros como un temerario que podría haber adoptado otra ruta que hubiese evitado el asalto. No tengo elementos suficientes para pronunciarme en una u otra dirección. Lo que sí que tengo elementos para pronunciarme es que Greengrass, con algún antecedente ya en su haber, es un director eficaz para llevar a cabo una película de acción, en la que combina un relato dinámico, con la verosimilitud (que no hay que confundir con la veracidad) de lo que estamos contemplando. Todo ello hace de esta película un ejemplo de buen producto que combina el drama, el entretenimiento y el suspense (entendido como la capacidad del espectador para ponerse en la piel del protagonista y padecer con él), sin necesidad de las pirotecnias asociadas a otros productos de acción.

Mucho se ha alabado la interpretación de Hanks, y esto de parte de los que aseguran que hace un espléndido trabajo, y que realmente debe ser considerado como una opción en la temporada de premios. Cuando Hanks adopta una posición sobria en sus trabajos ya sabemos que es capaz de interpretaciones notables, y en esta película nos ofrece un buen ejemplo. Lo que me parece más injusto es la escasa atención que ha recibido el trabajo de los somalíes, que me parece que están espléndidos igualmente, y merecerían algún reconocimiento. Quizá el que interpreta al lider Muse (Barkhad Abdi), quizá por su mayor presencia en pantalla. Pero todos ellos lo hacen muy bien.

Valoración

  • Dirección: **** Una dirección con mucho oficio, muy eficaz y que sirve muy bien a una historia, a la que dota de ritmo y dinamismo.
  • Interpretación: **** Muy bien el protagonista, pero necesariamente para que funcione, muy bien los de reparto.
  • Valoración subjetiva: ****  Las cuatro estrella vienen del hecho de que una historia que en inicio me interesara sólo hasta cierto punto, me ha enganchado.

Podemos resumir que hemos visto una excelente película, que lamentablemente no pudimos ver en su momento en la forma debida para disfrutarla más todavía, y que si alguien la tiene a mano, que la vea que no creo que se arrepienta. Además no abusa en exceso de las americanadas. Lo cual se agradece.

Puerto de Hamburgo

Una visita al puerto es obligada cuando uno visita la ciudad hanseática del note de Alemania. Es una atracción más en sí misma.

[Exposiciones] Dibujos animados y un viaje por el Paraná en el Centro de Historias

Arte, Cine, Cultura

Este domingo pasado quedamos tranquilamente a tomar un chisme en la cafetería del Centro de Historias de Zaragoza, y de paso repasamos las exposiciones que había en ese momento, distintas de las que visitamos hace un par de meses. Una dedicada al cine de animación español, que vimos con una mezcla de simpatía y escepticismo hacia los logros conseguidos. La otra, dedicada a una exposición que relata la Expedición Paraná Ra’anga (artículo en formato PDF, 2,69 Mbytes, en Arxiv), viaje en barco por el río Paraná de un grupo de artistas en intelectuales. No pudimos dejar de pensar en la novela que Stella Gibbons podría haber hecho con ese tema… La verdad es que nos pilló con un el diente un poco afilado la mañana… Pero al final también la vimos con simpatía. Como siempre, llevaba alguna cámara encima, y así os lo cuento con fotos.

Una de las estrellas de la animación española es "Tadeo Jones"; una película aceptable, como mucho. Y que muestra la falta de imaginación patria. Obsérvese el cartel. Tadeo Jones es una parodia de Indiana Jones, la chica es un clon de Lara Croft, y el pájaro parece sacado de los Angry Birds. ¿Nada nuevo que aportar?

Una de las estrellas de la animación española es «Tadeo Jones»; una película aceptable, como mucho. Y que muestra la falta de imaginación patria. Obsérvese el cartel. Tadeo Jones es una parodia de Indiana Jones, la chica es un clon de Lara Croft, y el pájaro parece sacado de los Angry Birds. ¿Nada nuevo que aportar?

Siempre es interesante cuando hay elementos de atrezzo, más materiales, como este traje de astronauta, cuyo origen no recuerdo en este momento.

Siempre es interesante cuando hay elementos de atrezzo, más materiales, como este traje de astronauta, cuyo origen no recuerdo en este momento.

Y sí que nos resultó realmente interesante el repaso a las distintas técnicas de animación que se pueden utilizar. Especialmente, el "stop motion" con muñequitos.

Y sí que nos resultó realmente interesante el repaso a las distintas técnicas de animación que se pueden utilizar. Especialmente, el «stop motion» con muñequitos.

También gusta contemplar los elementos históricos, como el praxinoscopio. Aunque hubiera estado bien algún elemento de interactividad, y no urnas de no tocar.

También gusta contemplar los elementos históricos, como el praxinoscopio. Aunque hubiera estado bien algún elemento de interactividad, y no urnas de no tocar.

Una ruta en barco por el río Paraná, saliendo del río de la Plata y remontando hacia el Paraguay tiene que estar realmente bien.

Una ruta en barco por el río Paraná, saliendo del río de la Plata y remontando hacia el Paraguay tiene que estar realmente bien.

Algunas instantáneas de los participantes en el evento, álbum de recuerdos del viaje. Falsas polaroids.

Algunas instantáneas de los participantes en el evento, álbum de recuerdos del viaje. Falsas polaroids.

Nos ofrecen algunas muestras del arte que originó el viaje, como estos estupendos carboncillos sobre tela de Félix Eleazar Rodríguez sobre la industrialización a orillas del río.

Nos ofrecen algunas muestras del arte que originó el viaje, como estos estupendos carboncillos sobre tela de Félix Eleazar Rodríguez sobre la industrialización a orillas del río.

Abundancia de material audiovisual que explica distintos avatares del viaje, claro está.

Abundancia de material audiovisual que explica distintos avatares del viaje, claro está.

Y no puede faltar la fotografía. Me gustaron bastante los 24 paisajes en blanco y negro de Facundo de Zuviria.

Y no puede faltar la fotografía. Me gustaron bastante los 24 paisajes en blanco y negro de Facundo de Zuviria.

En la expedición también participaban científicos, y me gustó la referencia a que en el sur el cielo se ve diferente. Incluso la Luna, que nos parece siempre la misma.

En la expedición también participaban científicos, y me gustó la referencia a que en el sur el cielo se ve diferente. Incluso la Luna, que nos parece siempre la misma.

[Cine] De tal padre, tal hijo (2013)

Cine

De tal padre, tal hijo (Soshite chichi ni naru, 2013), 30 de noviembre de 2013.

Vaya dos semanas dedicadas a cómo ven los directores de cine las relaciones familiares. Si hace una semana veíamos Tôkyô kazoku (Una familia de Tokio), nueva versión de Tôkyô monogatari (Cuentos de Tokio), en los días siguientes por gentileza de una cadena por satélite volvía a ver la original, que se confirma como muy superior, tanto en la forma como en los elementos de la historia, por iguales que parezcan en este aspecto, esta semana nos hemos ido a ver esta última película de Hirokazu Koreeda, muy premiada y reconocida en festivales de cine. Además, después del buenísimo sabor de boca que nos dejó Kiseki (Milagro), del mismo director, parecía obligatorio ir a verla. La lastima es que no ha llegado a Zaragoza en versión original.

Huertos del Parque de la Memoria

Frente al entorno urbano, de grandes rascacielos considerados como grandes logros, el ambiente semirural, sencillo, los huertos y los parques.

En esta ocasión nos presenta a Ryota Nonomiya (Masaharu Fukuyama), un arquitecto de éxito, para quien el trabajo y el éxito lo es todo después de venir de una familia y un ambiente difíciles, que además tiene lo que parece una familia prácticamente ideal. Una esposa, Midori (Machiko Ono), guapa, cariñosa y dedicada, con un hijo en quien proyectar sus anhelos de futuro. De repente, cuando el niño cumple 6 años, les llaman de la clínica donde nació anunciándoles que hubo un error en el nacimiento. Y hubo un intercambio de niños. Su hijo biológico ha sido criado por los Saiki, una familia de clase trabajadora, con tres niños, que salen adelante con una tienda de reparaciones electrónicas. La madre, Yukari (Yôko Maki), es cariñosa y atenta, pero enérgica y nada sobreprotectora. El padre es una aparente catástrofe de hombre, Yudai (Rirî Furankî a veces escrito Lily Franky), pero todo corazón. El dilema viene sobre qué hacer. Intercambiar o no a los niños. Quedarse con el que cada familia a cuidado durante seis años, u optar por el tirón de la sangre.

Frente al dinamismo y alegría que nos trasmitía la película antes comentada del mismo director, aunque no faltasen los problemas, en esta ocasión estamos ante un filme más introspectivo, más reflexivo. Estamos ante una serie de personas que se ven enfrentadas ante un fuerte dilema, que tiene que trastocar mucho sus vidas. ¿Quién es su hijo? ¿Ese niño que han estado queriendo, cuidando y educando durante seis años, y que en ningún momento han visto de otra forma que no fuese como un hijo propio? ¿O es ese niño totalmente desconocido, de costumbres extrañas, pero que lleva tus mismos genes, tu misma «sangre»? La familia protagonista son los Nonomiya; una familia privilegiada, pero insatisfecha. Vemos una madre cariñosa y preocupada, pero dañada por las circunstancias y consecuencias de su maternidad. Vemos un padre que nunca estará satisfecho, porque más que querer aspirar a ser algo, está luchando por escapar de algo. Y un niño cogido en medio, condenado a sufrir unas expectativas que no sabemos, que no sabe, si puede llegar a satisfacer. Hay muchos detalles que son significativos. Y alguno demoledor. Tremendo el certamen de piano. La cantidad de cosas que es capaz de decir el director en escenas en las que no se dice una sola palabra. Qué capacidad para el lenguaje cinematográfico. Qué drama el del padre atrapado en su propia trampa moral. No me estoy olvidando de los Saiki. Son fundamentales en la película. Pero no son los protagonistas. Son los antagonistas. Son personas satisfechas con lo que se les ha dado. Que viven la vida con mucha más sencillez. Pero no nos están contando sus dilemas, sus problemas, sus conflictos. No caigamos en la trampa. Están ahí para que los rasgos de Nonomiya aparezcan más acusados. En el borde de la distorsión. Tremenda exposición de conflictos éticos.

Todo ello con colaboración necesaria de unos intérpretes muy contenidos, pero muy eficaces en sus trabajos, que encarnan perfectamente a los personajes. Probablemente, el hecho de que no sean para nosotros intérpretes conocidos, los hacen más creíbles, los vemos con menos prejuicios en sus respectivos papeles. La lastima es el doblaje. Que hace que nos perdamos muchos matices que están ahí.

Una película recomendable. No para los tontos ruidosos e impacientes que no hicieron más que molestar, probablemente porque no tenían ni idea de qué película iban a ver. Si lo que te va es empapuzarte de palomitas mientras ves a ruidosos y verborreicos personajes evolucionar sin sentido, pero con muchas explosiones, y a veces vestidos con pijamas de colores, esta película probablemente no sea para ti. Si te interesa una interesante reflexión sobre la paternidad, la familia, los modelos de convivencia, con drama, pero con alguna ocasión para el (buen) humor.

Valoración

  • Dirección: **** Me parece impresionante su capacidad para contar una historia con diálogos contenidos.
  • Interpretación: *** Gran credibilidad en interpretaciones también muy contenidas.
  • Valoración subjetiva: ****  Una película que mejora con el recuerdo de la misma.

Esta película va a quedar incluida en mi colección de películas sobre Cine y Fotografía. Ficha de la película.

Parque de la Memoria

Y un momento de inflexión en el protagonista de la película al pasear entre árboles, y tomar conciencia de lo que tarda la naturaleza en construir sobre lo que el ser humano destruye.

[Cine] The Hunger Games: Catching Fire (2013)

Cine

The Hunger Games: Catching Fire (2013), 22 de noviembre de 2013.

Está película fue vista en versión original subtitulada y por eso conservo su título en inglés. En la cartelera española puede encontrarse doblada al castellano bajo el título de Los juegos del hambre: En llamas.

No tenía yo pensado ir a ver esta película. Especialmente, después de la flojera de la primera parte, y teniendo en cuenta que claramente no pertenezco al sector del púbico al que va destinada la película. Pero se terció juntarse un grupo de gente, de edades diversas, con opción de cena posterior, y me apunté. Por otra parte, ver a la chica guapa de moda en el cine americano tampoco esta mal. Y decía la crítica que, tras el cambio de director, Francis Lawrence había dejado la historia y la película bastante mejor apañaditas. Vamos a ver qué pasó.

Tras las aventuras y desventuras de Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) teniendo que pelear a muerte los sádicos juegos para adolescentes en esos Estados Unidos distópicos en los que transcurre esta saga de aventuras para jovencitos, o más bien jovencitas, volvemos al mismo escenario, donde el malo malísimo presidente del lugar, Snow (Donald Sutherland), se ha empeñado en hacerles la pirula a la chica y al sosillo que la acompañó en la aventura anterior, Peeta (Josh Hutcherson). Eso sí, no olvidemos que hay otro macizo por ahí rondando, que parece que el estándar romántico para chicas adolescentes son los tríos. Así que el malvado se busca una excusa para volver a repetir toda la trama de la película anterior, aunque con final en cliffhanger. Porque básicamente, salvo detalles a los que cada cual le pueda dar la importancia que quiera, es prácticamente la misma historia.

Hojas de otoño

Mucho bosque en estas películas, así que un poquito de hojas otoñales para ilustrar la entrada.

Veamos,… ciertamente, el director de esta versión, o reimaginación, o segunda parte, o como lo quieras llamar, es más ducho y habilidoso, y consigue hacer que la película tenga momentos entretenidos, muy entretenidos. Especialmente, en algunos momentos del principio, y en los dichosos juegos. Hay una parte central en la que pasan las mismas cosas que en la versión anterior, o primera parte, o lo que sea, y que es un rollo, que sólo sirve para estirar tontamente la película y para que las niñas se emboben con los vestidos y los peinados de la «prota». Esta parte se hace eterna. Por repetida, casi insufrible. Pero parece que las escritoras que perpetran las obras literarias en las que se basan, exigen total fidelidad a sus «maravillas» del lenguaje escrito. Y este es un gran problema. Una adaptación más libre, más ágil, con más rasmia en según que situaciones, y podríamos estar ante una película de bastante buen nivel. Cosa que no sucede, digan lo que digan los críticos o los votantes de IMDb.

En cuanto a la interpretación, es cierto que la Lawrence parece estar en estado de gracia y saca partido incluso de un personaje como este. Bien es cierto que una mujer con esta actriz, con su tipo, su presencia, y su todo… hace falta algo más que una «suspensión temporal de la credulidad» para creerte que estás viendo a una adolescente de 17 años. Una adolescente de 16 o 17 años parecía cuando tenía su edad y la hicieron pasar por la versión joven de la Theron, donde a mí ya me parecía que apuntaba maneras, aunque la película no fue bien recibida por la crítica. A mí me gustó. Lo que son las cosas. Del resto… pues que los que mejor lo hacen que son el ya mencionado Sutherland, el etílico Woody Harrelson, y un más que inspirado, como de costumbre, Philip Seymour Hoffman, salen demasiado poquito para que metan un poco de chicha en este producto destinado a reventar taquillas a costa de los más jóvenes.

Para terminar, no nos equivoquemos. Tiene cosas buenas esta película. Tiene momentos de aventuras muy entretenidas, que te tienen en vilo y te divierten. Pero son ratos. El conjunto, con un romance a tres bandas bastante mal traído y llevado, y con esa manía de coger a la protagonista y jugar a las «barbies» con ella, a base de vestiditos raros… pues hace que se quede un producto segmentado para un sector de la población, en lugar de desarrollar una historia que podría ser apta para todos los públicos. En cualquier caso, ya me he reconocido como fuera del público diana de este producto comercial.

Valoración

  • Dirección: *** Un director con oficio y poco más.
  • Interpretación: *** Una interpretación correcta en la protagonista y algunos secundarios desaprovechados, anodina en el resto.
  • Valoración subjetiva: ***  Sube un escalón sobre la anterior, aunque por los pelos. No entiendo el optimismo de muchos medios.
Palomas y arbol otoñal

Y palomas en vez de ¿sinsajos?… Parece que es una mezcla de sinsonte, un ave que sólo se encuentra en américa, y grajo… Pues nada…

[Cine] Tôkyô kazoku (2013)

Cine

Tôkyô kazoku (2013), 24 de noviembre de 2013.

Esta película ha sido vista en versión original y por ello conserva su título en japonés. En la cartelera española es posible encontrarla doblada al castellano con el título Una familia de Tokio. Eso sí, siempre que sea posible, por el medio que sea, recomiendo verla con su sonido e interpretaciones originales. En los doblajes de las películas japonesas se pierden muchos matices, más todavía de los que se pierden en los doblajes de películas con idiomas occidentales.

Arriesgada decisión la del veterano director japonés Yôji Yamada la de realizar una nueva versión de aquellos Tôkyô monogatari (Cuentos de Tokio) de 1953, dirigida por Yasujirô Ozu. Una película que vi hace tiempo en un pase televisivo de un canal por satélite dedicado al cine clásico. Arriesgada porque he oído comparaciones del tipo de que la película de Ozu sería al cine japonés lo que Citizen Kane (Ciudadano Kane) al cine norteamericano. No sé si alguien se le ocurriría hacer una nueva versión de esta última, aunque no parece probable.

Amaneceres

La película de hoy está llena de imágenes de la gran ciudad al amanecer o al atardecer; me ha gustado la iluminación de la película.

Esencialmente, se nos cuenta la visita  a sus hijos de un matrimonio de personas ya mayores, los Hirayama, Sukichi (Isao Hashizume) y Tomiko (Kazuko Yoshiyuki), que viven en una de las islas del Mar Interior del Japón, donde han pasado la vida, siendo Sukichi profesor retirado de una escuela de educación secundaria. Sus hijos viven todos en Tokio. El mayor es médico, la mediana regenta una peluquería, y el pequeño, al que todos suponen un desastre, se gana la vida con los decorados de las obras de teatro. Todos están muy ocupados, y tras la alegría inicial del reencuentro con los padres, los van dejando de lado, despreocupándose de ellos, enfrascados en sus rutinas cotidianas. Sólo Noriko (Yû Aoi), la cariñosa y atenta novia del hijo menor sabe ganarse la atención y el cariño de Tomiko. Aunque nadie sabe como será recibida por el austero y severo Sukichi, siempre en riesgo de recaer en sus problemas con el alcohol. Un dramático incidente será la ocasión para saber cómo serán las vidas en el futuro de la familia.

Lo primero que hay que decir es que salvo por el rodaje en color, en mi opinión con una excelente dirección de fotografía, y la ambientación en el Japón de 2012, la película es muy fiel al original de 1953, que me hubiera gustado volver a ver para este comentario. Pero el ritmo pausado, los encuadres con la cámara por debajo de los intérpretes, muy estática, lo que condiciona el montaje y la sucesión de planos, intenta recordar u homenajear, por no decir imitar al original. Aunque entiendo que hay más verborrea en esta versión moderna. Y siendo una película que se deja ver sin problema, con algún momento emotivo, sin embargo hay una serie de momentos que fallan. Y quizá, el principal de ellos, la confrontación final entre el viejo patriarca y la joven futura nuera, una confrontación de la que esperábamos más intensidad, más emoción. No es que no conmueva, pero no alcanza el climax que uno espera, o que uno recuerda en el original.

Amaneceres

Con el otoño y con el cierzo, Zaragoza disfruta de luces notables a primeras horas de la mañana.

Las interpretaciones son entre correctas y buenas, estando cada uno de los intérpretes bien en su papel. El ser en su mayoría desconocidos para el público occidental es algo que siempre veo como una ventaja, ya que ves la película con un nivel menor de prejuicios de lo que esperas de ella. A mí, en general me han convencido.

De todos modos, siendo como he dicho una película que se deja ver, me parece una película innecesaria. Como son innecesarias la mayor parte de las nuevas versiones de películas, si no tienen algo nuevo que aportar a los originales, si no tienen algún matiz diferenciador, o si no son capaces de mejorar el producto. Pueden funcionar las nuevas versiones de películas mediocres pero con una historia con potencial que se puede explotar. Pero difícilmente pueden tender sentido las nuevas versiones de películas magistrales. Pero no está mal. Se deja ver.

Valoración

  • Dirección: *** Un director con oficio, pero que no introduce nada nuevo al limitarse a imitar los métodos de su maestro, Ozu.
  • Interpretación: *** Una interpretación correcta, a la que hechamos en falta algo más de emoción en algún momento importante.
  • Valoración subjetiva: ***  Quizá una película correcta pero innecesaria, que lo que nos deja es con ganas de recuperar el original.
Amaneceres

Y lo que tiene trabajar en una cuarta planta, sin grandes alturas alrededor, y llegar pronto, es que a veces pillas estas luces de amanecer.

[Cine] Blue Jasmine (2013)

Cine

Blue Jasmine (2013), 19 de noviembre de 2013.

Acudir al cine a ver todos los otoños la película de Woody Allen se podría considerar en nuestro caso una costumbre. Llevo 21 años continuados viendo el estreno de la película de Allen. Desde Husbands and Wifes (Maridos y mujeres). Y buena parte de las anteriores también las fui viendo, pero con alguna interrupción que luego resolví en cineclubs o en vídeo, desde 1982, con A Midsummer Night’s Sex Comedy (La comedia sexual de una noche de verano), que vi en los malogrados Multicines Buñuel. Si no he contado mal, en los últimos 31 años, salvo en cuatro ocasiones(*), he acudido a ver la película de Allen en las semanas de su estreno. A estas alturas, venga como venga, con las críticas que traiga,… yo voy a ver el estreno del neoyorquino. Si fallo algún año, sentiré que algún problema importante hay en mi vida. Así que a no fallar. El caso es que este año, además, el estreno viene acompañado de buenas críticas.

En esta ocasión nos cuenta la historia de Jasmine (Cate Blanchett), una mujer de alta sociedad neoyorquina que, tras quedar viuda por el suicidio en la cárcel de su marido muchimillonario, Hal (Alec Baldwin), que fue a la trena por chanchullos financieros de todo tipo, totalmente deprimida se refugia en San Francisco con su hermana Ginger (Sally Hawkins). No es su hermana genética. Ambas fueron huérfanas que fueron adoptadas por la misma familia. Pero Ginger, más discreta, permaneció dentro de la clase obrera saliendo adelante como podía, con un matrimonio fracasado con Augie (Andrew Dice Clay) y un par de hijos. Ahora sale con un tal Chili (Bobby Cannavale), que tampoco es ninguna joya. Y Jasmine, nacida Jeanette, era la guapa y elegante, y ascendió hasta la posición de esposa florero de la élite económica de Nueva York. Con la reunión de las dos hermanas, y aun con las dificultades de adaptación a la vida en común, a ambas les surgirán segundas oportunidades en sus vidas.

High Line

Por un momento nos pareció que Woody había abandonado Nueva York por San Francisco… pero no. Es cierto que se pasea por la ciudad de la Bahía, pero no abandona su querido Manhattan. En la foto, la High Line sobre la 23ª Oeste.

Allen abandona buena parte de sus temas tradicionales, y se centra en su particular análisis de las relaciones entre sociedad, clase social y economía en la actualidad estadounidense. Entre Jasmine y Ginger heredan buena parte de las características de los papeles protagonistas del de Brooklyn. Neuróticas, inseguras de sí mismas, de sus relaciones,… en algún momento llevada la situación al extremos, constituyen un espejo donde se reflejan los problemas sociales norteamericanos. En su conjunto nos encontramos con una comedia profundamente pesimista, ya que esconde un drama intenso, probablemente el drama que de una forma u otra vive mucha gente, y que no deja de tener sus toques de tragedia griega, es decir de personajes marcados por el destino, del que no pueden escapar, aspecto que también es muy querido por el realizador. Como nota de interés local, hay presencia española en el filme, ya que la fotografía del filme la firma uno de los grandes de este oficio de nuestro país, Javier Aguirresarobe, que parece que está bastante asentado en Hollywood, aunque no necesariamente en producciones de prestigio aunque supongo que bien pagadas. Me llama la atención porque leí en su momento unas declaraciones del director de fotografía vasco en la que parecía no haber quedado muy contento de su colaboración previa con Woody Allen. Conste que a mí me parece un director de fotografía excelente.

Indudablemente, el mérito de la película no se puede aplicar exclusivamente al director. Porque el trabajo de interpretación es excelente. Desde luego, Blanchett está en absoluto estado de gracia. Pero no es la única. Todo el elenco lo hace estupendamente, con Sally Hawkins dándole una perfecta réplica como su hermana, con momentos estupendos de Cannavale, y con el placer de ver Alec Baldwin en un papel que nos recuerda a su Jack Donaghy, pero en canalla.

En fin. Que Woody está a un par de años de su 80º cumpleaños y parece estar en buena forma para los que somos sus admiradores cinematográficos. Es cierto que ha tenido sus altibajos, algún que otro truño en los últimos años, pero todavía podemos aspirar a que nos ofrezca momentos de buen cine. Y lo dicho. Mientras nos siga trayendo películas, no pienso romper la racha de estos últimos más de 20 años.

Valoración

  • Dirección: **** Quizá no el Woody Allen más brillante, pero con una historia interesante y con algo que contar y que nos da sobre lo qué reflexionar.
  • Interpretación: **** Intérpretes que dan lo mejor de sí mismos cuando trabajan con el neoyorquino.
  • Valoración subjetiva: ****  Una buena tragedia disfrada de comedia, con momentos que nos llevan desde la hilaridad hasta la tristeza con gran naturalidad.

Los cuatro largometrajes de Woody Allen que no vi en su estreno desde 1982 hasta 2013 son: Broadway Danny Rose, Another Woman (Otra Mujer), Alice y Shadows and Fog (Sombras y niebla). Esta última es la única película del neoyorquino que no he visto nunca en ningún medio.

East River y Bajo Manhattan

En cualquier caso, aún no hacen dos meses desde mi visita a la Gran Manzana, y ya me apetece volver a contemplar la silueta de Manhattan al otro lado del East River.

[Cine] Malavita (2013)

Cine

Malavita (2013), 17 de noviembre de 2013.

En un fin de semana feo por el clima, frío y lluvioso, en el que no teníamos previsto cine porque si todo va bien iremos entre semana a ver la última de Woody Allen, nos escapamos a primera hora de la tarde del domingo a ver alguna que echen en versión original y que pueda ser razonable. No muy convencido por mi parte, nos metemos a ver este filme firmado por Luc Besson, conocido por haber hecho alguna cosa memorable, pero también algún que otro truño de mucho cuidado, o por haber nadado tranquilamente por la mediocridad cinematográfica.

Nos encontramos en algún momento de finales de la década de los noventa en Francia. Deduzco la época por los coches y porque todavía usan francos y no euros. Una familia de mafiosos se traslada a un pueblecito de Normandía. Están en el programa de protección de testigos del FBI, por que el cabeza de familia, Giovanni Manzoni (Robert De Niro), delató a toda su familia que lo quiere muerto. A él y a su mujer Maggie (Michelle Pfeiffer), su hija de diecisiete años Belle (Dianna Agron) y su hijo de catorce Warren (John D’Leo). En el pueblecito intentarán encajar, lo cual no será fácil porque todos tienen en algo en común con Giovanni. Una afición tremenda a engañar a manipular a los que les rodean, y resolver con gran violencia los conflictos con quienes se interponen a ellos. El agente que lleva su protección es un veterano agente federal, Stansfield (Tommy Lee Jones), que anda ya un poco quemado con el encargo. Y además, un desliz en uno de los miembros de la familia va a poner en riesgo la vida de todos.

Bayeux

Tengo la sensación de que el ficticio Cholong-sur-Avre está en la Alta Normandía, y no en la Baja Normandía como Bayeux; pero este último están en el departamento de Calvados… que tiene un nombre más sugerente.

No me extenderé mucho. En principio, esta película es una comedia. Con tintes negros. Es cierto que tiene su parte de drama. Oscila entre la parodia y el homenaje. Los guiños cinéfilos son abundantes. Especialmente para quien es aficionado al cine de gángsters y mafiosos. Aunque el último cuarto de la película no deja de recordarnos por detalles diversos a High Noon (Sólo ante el peligro), y no faltan tampoco las alusiones al cine de institutos. Entre las cuestiones que se ponen en solfa, con frecuencia, están las idiosincrasias nacionales de franceses, norteamericanos, italianos,… y hasta con los tomates españoles se meten. Injustamente. La cuestión es que durante el planteamiento de la película se levantan muchas expectativas, que no siempre quedan satisfechas. Esta película parece constantemente un querer y no poder, o no saber. Sin embargo, uno se entretiene.

Las interpretaciones son razonables. Especialmente por los intérpretes veteranos. Tanto De Niro como Pfeiffer como Jones tienen muchas tablas, tienen en su haber películas relacionadas con el papel que hacesn, y se mueven en sus papeles cumpliendo sin mayores problemas. Y sin mayor brillo, tampoco. El chaval de catorce años creo que está desaprovechado, podría dar más de sí. Y la chica, Agron, que es conocida por su paso por una célebre serie de televisión de institutos donde todos cantan, pues canta. Porque aunque tiene cara de jovencita, es un pedazo de mujer que difícilmente la ves como una adolescente de diecisiete años, que pueden ser casi diez menos que los que en realidad tiene. Pero bueno. Pase.

En fin, un entretenimiento como ya he dicho. Que tenía material para algo más incisivo, con más mala leche, con más intensidad y mejor, y se queda a medio camino. Por lo que tenemos que suponer que realmente Besson tampoco tiene mucho más que dar. O no le apetece. En cualquier caso, es visible, aunque probablemente olvidable.

Valoración

  • Dirección: *** Se cumple el expediente con razonable oficio y poco más.
  • Interpretación: *** Volvemos al tema de que hay oficio, y se saca la papeleta adelante sin más problema.
  • Valoración subjetiva: ***  Aprueba, por poco, pero aprueba; nos hemos entretenido y hemos consumido tranquilamente una tarde de domingo que amenazaba sosa.
Manhattan desde Brooklyn Bridge Park

Los componentes de esta peculiar familia padecen morriña de Brooklyn, y quizá de las vistas de Manhattan desde esta última.