[Cine «en TV»] 7 años (2016)

Cine

7 años (2016; 552016-2910)

Dicen que las formas de ver televisión y cine, ficción audiovisual en general, están cambiando. Son muchas las cosas que están cambiando. Este fin de semana, por poner un ejemplo, Sebastiao Salgado anunciaba la desaparición de la fotografía en 20 años. Pero declaraciones como la suya, especialmente si averiguas el contexto en el que se dijo, cómo lo dijo y qué otras cosas dijo, plantean también cuestiones sobre definiciones y conceptos. ¿Qué es fotografía? ¿Qué es imagen? ¿Qué es cine? ¿Qué es ficción televisiva? ¿Dónde están los límites entre unos conceptos y otros? Si es que existen.

Una empresa como Netflix que se creó para proveer servicios de cine y televisión en línea, comenzó hace sólo tres años ha emitir producciones propias, tanto en formato de series, como de documentales, como de películas. Cine o no cine. ¿Las películas rodadas para televisión se consideran cine? ¿Es el mismo planteamiento rodar para un formato o para otro? Sabiendo en unos casos que se proyectará en una gran pantalla blanca a la que podrán mirar simultáneamente decenas o centenas de personas, mientras que en otros se limitará a aparecer en una pantalla de televisión de algo más de 1 metro de diagonal ante la cual encontraremos una o dos personas, o una familia o grupo de amigos reducido. O cuando sabemos que las primeras, concebidas de la primera forma, acabarán viéndose con el tiempo de forma mayoritaria en la segunda modalidad.

No se me ocurría con qué ilustrar esta entrada… así que he rescatado para mostrar algunas fotografías en blanco y negro, captura digital, realizadas hace unas semanas en los suburbios industriales de Zaragoza.

Durante décadas, los formatos de ficción audiovisual han estado claramente diferenciados. Estaba claro cuando veíamos algo producido para televisión y cuando para el cine. Había una serie de diferencias que notábamos. No digamos ya cuando las técnicas de rodaje eran muy distintas. Grabación en video frente a rodaje con película, técnicas de filmación con una cámara frente a las cámaras múltiples, el rodaje con público o sin público,… Pero hoy en día todas esas se han difuminado. De hecho, más de una vez tengo la sensación de que hay ficción televisiva, series, que manejan mejor y de formas más atrevidas u originales el lenguaje cinematográfico que muchos largometrajes realizados para la gran pantalla.

Consideremos por lo tanto a los largometrajes producidos para estos servicios de emisión en línea y bajo demanda como cine. Y analicemos un hito en nuestro país. El primer «largometraje» rodado en España para uno de estos servicios. Ha sido en Netflix, y el director responsable de la película es Roger Gual.

He entrecomillado «largometraje» por la duración del mismo, bastante por debajo de los 90 minutos, que casi lo sitúa en la clase de los «mediometrajes». 77 minutos en concreto, según nos informa la cadena. Pero bueno. Parece que los límites oficiales para las denominaciones son: hasta 30 minutos, cortometrajes; entre 30 y 60 minutos, mediometrajes; más de 60 minutos, largometrajes. Claro que entre estos 77 minutos de la película que nos ocupa y otras producciones actuales que fácilmente le doblan en duración… pues hay muchas diferencias.

Parece que una constante en estas producciones cinematográficas iniciales en estos medios es que los presupuestos son ajustados. Esto puede explicar su duración tan contenida. También el tono de «teatro adaptado al cine» que tiene la película. Un único escenario, cinco personajes, alrededor de los cuales se mueve la cámara durante el tiempo que dura la acción. Que no es en tiempo real, pero casi. Cuatro socios de una empresa (Juana Acosta, Alex Brendemühl, Paco León y Juan Pablo Raba) que, ante la disyuntiva de que sus fiascos fiscales les lleven a la carcel a todos, optan porque uno sólo de ellos cargue con las culpas. El dilema es quién y bajo que razonamiento. Y un mediador (Manuel Morón) para ayudarles a tomar la decisión. Película por lo tanto que aborda cuestiones fundamentalmente relacionadas con la ética y las relaciones interpersonales.

No hay muchas complejidades de producción, no hay un gasto muy grande. Aunque es difícil medir los beneficios que produce la misma. No hay una taquilla… ¿Se podrá medir el impacto en suscripciones? ¿O está descontado porque era un incentivo para suscriptores que ya existen? Por otro lado, una plataforma de exposición mucho más amplia que la gran pantalla. El único comentario que existe en la página de IMDb sobre la película en el momento de escribir esto es de un espectador norteamericano que estudia español, motivo por el que le ha convenido ver el filme. Netflix pone a disposición de todo el mundo, no sólo del mercado español, sus producciones.

¿Y el resultado? Me refiero a cómo queda en términos artísticos y cinematográficos. Pues no vamos a negarlo, no es la octava maravilla del séptimo arte. No me ha generado grandes entusiasmos. Pero también he de reconocer que tampoco me ha desagradado. Alguna de las interpretaciones es manifiestamente mejorable, mientras que otras son bastante dignas. Y la realización, quitado alguna inconsistencia en algún movimiento de cámara, es también digna en su conjunto. Desde luego no es peor que lo que vemos en la pantalla grande con nacionalidad español. Tampoco está al nivel de lo mejor, pero se deja ver. Tendremos que esperar a nuevas experiencias para ver cómo evoluciona el fenómeno. Y estar atentos a lo que se produce en otros países, y que quedará a disposición de los suscriptores españoles también. Esta noche, la Noche de las Ánimas (en realidad en España la Noche de las Ánimas es la del 1 al 2 de noviembre, y no la del 31 de octubre al 1 de noviembre como el «halloween» norteamericano), habrá estreno «fantasmal»… que igual hay que ver. Sale Ruth Wilson.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Little Men (2016)

Cine, Sin categorizar

Little Men (2016; 542016-2710)

Una vez más hemos tenido constancia y la desgracia de comprobar cómo la denominada «fiesta del cine» consiste en tomar el pelo a los reales aficionados al cine, los que vamos todo el año a ver películas, en versión original no adulterada, y que comprobamos cómo cuando estas películas cuestan tres euros cambian la programación, eliminan esas versiones originales para que vayan los espectadores eventuales y que difícilmente serán fieles a las salas durante el resto del año. Es «normal» que determinados «gobiernos» no reconozcan a los distribuidores y exhibidores de cine como empresas culturales, si ellos tampoco se reconocen a sí mismos como tales cuando toca.

Pero pasado esos tres días de taquillazo a base de «blockbusters» más o menos descafeinados, estas «fiestas» nunca se dan cuando llegan los éxitos de ventas más notables del año, las cosas vuelven a su ser, y ya encontramos de nuevo las películas sin adulterar en cartelera. Y como nuestro amor por el cine supera la antipatía que nos genera la empresa que monopoliza las versiones originales en Zaragoza, vamos al cine. A pagar el doble de lo que el día anterior se pagaba. Simplemente porque a nosotros sí que nos gusta el cine como fenómeno auténtico y cultural, y no como mero entretenimiento devaluado.

Transcurre mayormente en Brooklyn la película, e integramente en Nueva York; así que nos vamos a Brooklyn,… en la película los preadolescentes también juegan al fútbol… al de verdad, no al de los americanos.

Elegimos esta película de Ira Sachs, de la cual se ha hablado poco, pero lo poco que se ha hablado ha sido para bien. Una película sencilla, que no llega a la hora y media de duración, con intérpretes poco conocidos. El que más suena es Greg Kinnear, que interpreta al padre de uno de los protagonistas, y antagonista del personaje que interpreta Paulina García, madre del otro protagonista. Ya os comento, en cualquier publicidad, cartel o comentario de la película, es difícil ver o reconocer el nombre de los dos chicos protagonistas, Theo Taplitz y Michael Barbieri. Supongo que hay cláusulas en los contratos que hace que los actores con más nombre aparezcan por delante de los que cargan con la labor importante y dura. Por cierto, la versión doblada se titula «Verano en Brooklyn», lo cual me parece una memez. Entre otras cosas porque la acción parece transcurrir en primavera. Hace buen tiempo, pero los chicos van al colegio. No están de vacaciones.

Estos dos chicos interpretan a dos jóvenes preadolescentes, a punto de entrar en el instituto (la «high school» norteamericana que abarca los cuatro últimos años de la educación obligatorio; estos chicos estarían en la «middle school», algunos de cuyos cursos en España también se estudian en nuestros institutos de educación secundaria). Los dos tienen inquietudes artísticas, uno dibuja y pinta, el otro quiere actuar. Ambos quieren entrar en la conocida La Guardia High School, instituto especializado en disciplinas artísticas y en el que, según creo, se inspiró tanto la película Fame, como la serie que vino después.

Pero si los dos chicos se hacen amigos cuando la familia de uno de ellos, al morir el abuelo, se muda a vivir a un apartamento sobre la tienda que regenta la madre del otro, los conflictos por el dinero del alquiler de la tienda enfrentarán a las dos familias y pondrán a prueba la bella pero frágil relación de amistad entre ambos.

La película es sobria pero emotiva. No esconde los dramas ni se para en mientes de buscar finales felices melosos y forzados, pero tampoco se refugia en el melodrama. La naturalidad es lo que mueve a los personajes y la acción. No recuerdo la última vez en la que en una ficción audiovisual norteamericana los adolescentes se parecieran a los adolescentes que yo he conocido toda la vida, y no sean una colección de estúpidos estereotipos, la más de las veces poco creíbles. Por otra parte, la película en sí misma es un canto a la amistad por una lado, pero también a la familia, por diversa que esta pueda ser por otro. A las solidaridad genuina que surge entre amigos o miembros de una familia cuando surgen los conflictos. No es maniquea, no hay un malo y un bueno. Hay gente corriente sometida a tensiones. Porque todo el mundo acarrea sus problemas en la vida, intenta resolverlos como puede, y eso, en ocasiones, perjudica a terceros.

Con buenas interpretaciones y una puesta en escena austera pero eficaz, es una película que mejora en el recuerdo conforme pasa el tiempo, y es digna de atención por parte del respetable, aunque probablemente no atraiga a los devoradores de palomitas que están dispuestos a pagar más dinero por unas toneladas de este panizo salteado con toneladas de sal y grasa y los refrescos carbonatados e hiperazucarados acompañantes con los que lo acompañan, que por ver un buena obra cinematográfica.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

[Cine] A Monster Calls (2016)

Cine

A Monster Calls (2016; 532016-1810)

Acudimos hace ya casi una semana al último estreno de J. A. Bayona, uno de los directores más pujantes y más de moda del cine español, con sólo tres largometrajes en su haber, de los que los dos anteriores ninguno supo llamar mi atención especialmente. Aquí repite la experiencia de rodar en inglés, con un reparto formado por intérpretes británicos y estadounidenses. Evidentemente, los amos del dinero parecen confiar en la capacidad de Bayona para llevar gente a las salas y recuperar la inversión.

Hablar de esta película como de una película «española» es algo que me deja un poco incómodo. No es que me importe gran cosa, pero siento que las tradiciones que rodean a la historia, sus planteamientos y su producción están más próximos del cine anglosajón, más allá de que ya hemos dicho que su versión original, la que vemos, está en inglés. En la cartelera española se puede encontrar la versión doblada al castellano con el título «Un monstruo viene a verme». De hecho está basada en una novela para niños y jóvenes del escritor británico-estadounidense Patrick Ness.

La película de hoy transcurre en Inglaterra y la ilustro con vistas de Londres y Canterbury.

La historia nos lleva a algún lugar de Inglaterra donde un niño, Conor (Lewis MacDougall), vive en conflicto permanente por la grave enfermedad de su madre (una Felicity Jones que nos llega antes de convertirse este invierno en rebelde galáctica), por la separación de sus padres que incluye un padre ausente viviendo en los Estados Unidos, por los abusos que sufre por parte de sus compañeros de colegio, y porque la persona que tal vez tendría que estar paliando estos problemas, su abuela (Sigourney Weaver), no es la abuela cariñosa y empática que todos imaginaríamos, que vive entre su propia austeridad y el dolor de ver sufrir a su hija con la enfermedad. La única forma que tiene Conor de evadirse es vivir en un mundo imaginario, en el que un gigantesco hombre-arbol, un tejo centenario que se transforma por las noches siempre a las 12:07, y que le cuenta una serie de historias con la voz de Liam Neeson.

He tardado casi una semana en escribir este comentario, porque mis sensaciones conforme ha pasado el tiempo han ido variando respecto a las que sentíamos en el momento de terminar el filme. La película es emotiva, profundamente emotiva. Ante una enfermedad terminal, ante el fallecimiento próximo de un familiar próximo, querido, un padre o una madre, que lleva tiempo sufriendo por la enfermedad y que ocasiona también no poco sufrimiento en quienes rodean al enfermo. La ansiedad, el deseo que todo se acabe, colisiona con el miedo a perder al ser querido, e incluso nos hace sentir mal. Lo digo en primera persona porque es algo que he sentido y no me importa reconocerlo. La película es hábil en tocar esa fibra sensible en el espectador. Si a eso le unes un diseño de producción de gran calidad y unas interpretaciones absolutamente impecables, empezando por su jovencísimo protagonista, bien arropado por sus prestigiosos compañeros de reparto, te quedas con la idea de que has visto una película notable.

La cuestión viene cuando dejas reposar la película, te sacudes la emotividad y piensas lo que te cuenta. Las historias del tejo monstruoso son comunes, no específicas y valen para esta película como para varias otras con diversas temas. Las situaciones escolares y familiares son tópicas, y no están bien explicadas. Por ejemplo, no entiendes muy bien por qué los compañeros de clase se ensañan con Conor. ¿Es todo una excusa para mostrar el momento de rabia e ira del pequeño? Poco a poco llegas a la sensación de que la película, aunque válida en su conjunto, está más vacía de lo que parece, y que fundamentalmente el interés está en la forma y el alarde técnico. Insisto… se ve bien… con un nudo en la garganta muy hondo en muchos momentos… pero el guión, la historia, los valores y las motivaciones de los personajes podrían haber sido más cuidados y tratados más en profundidad.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children (2016)

Cine

Miss Peregrine’s Home for Peculiar Childen (2016; 522016-1410)

La semana pasada, vuelto del viaje a Hong Kong, y con la ciudad invivible por culpa de las fiestas patronales, acudí dos días seguidos al cine con el fin de recuperar un poco las omisiones de las novedades de la cartelera debidas al viaje.

Antaño, el estreno de una película dirigida por Tim Burton era un «must see» para nuestro grupo de amigos aficionados al cine. Sin embargo, con esta última película y tras las últimas experiencias, nos embargaba un sentimiento contradictorio entre el «hay que ir» y el «¿realmente hay que ir?». La duda de que el californiano sea capaz alguna vez de sorprendernos y maravillarnos como antaño con sus mundos llenos de fantasía, de belleza estética y de significados inundaba nuestro ánimo. Si se revisa a fecha de hoy su cinematografía como director, empiezan a pesar más los «meh» que los «bieeeen». Incluso se puede detectar algún fiasquillo por ahí.

Buena parte de la película está ambientada en los bellos paisajes de País de Gales, y con paisajes de esta interesante parte de la Gran Bretaña ilustraré el comentario del filme.

En cualquier caso, no sé si fue por la fuerza de la costumbre o porque alguna crítica habíamos leído que salvaba esta nueva película, fuimos. Como habitualmente en la medida de los posible, a la versión original en inglés. Los nombres que veíamos en el reparto también ayudaban a empujarnos a pasar las más de dos horas que dura la película, que ya adelanto que son excesivas, pero sin que suponga un problema.

La historia que nos cuenta… Pues mira, nada original. De hecho, todos los años o con frecuencia, las grandes productoras aliadas de Marvel nos cuentas sus historias de mutantes que son rechazados por la humanidad y acaban conviertiéndose en superhéroes. Lo que pasa que aquí cambiamos al calvo en la silla de ruedas por el encanto de Miss Peregrine (Eva Green), y nuestros mutantes no son aguerridos guaperas o intrépidas y esculturales mozas, todos ellos imbutidos en pijamas de colores. En lugar de ellos son un grupo de adolescentes y niños que parecen recién salidos de una novela con un tono gótico. Estamos pues ante la enésima reivindicación de la diversidad y la diferencia en un mundo que teme la heterogeneidad del género humano, donde soportamos mal a los que son distintos. Todo ello aderezado con la habitual lucha entre el bien, capitaneado por una discreta Miss Peregrine frente al mal a cuya cabeza se encuentra Barron, un ligeramente sobreactuado Samuel L. Jackson. Viajes en el tiempo, que están muy de moda, y una historia de amor, que sabe ser natural y sin cursilerías, entre el protagonista de la película, Jake (Asa Butterfield) y la chica, que por lo menos es algo más que un florero, Emma Bloom (Ella Purnell).

Aderezado todo ello con un buen diseño de producción y la presencia en pequeños papeles de unos cuantos insignes del cine británico, mayormente, nos deja un producto simpático, que se ve con agrado. No nos devuelve lo mejor del director, que parece que ya recorrió sus momentos de gloria hace dos o tres décadas, pero que entretiene y se deja ver sin problemas. Corrección formal y entretenimiento son las claves de la película, que no es excesivamente original en su argumento, aunque por lo menos sí en su ambientación. Se puede ir a verla sin mayor problema.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Elle (2016)

Cine

Elle (2016; 512016-1310)

Comentaba hace unas semanas que habíamos ido al cine a ver una película protagonizada por Isabelle Huppert, convencidos de que era el filme del que tanto se venía últimamente hablando, una oportunidad de la excelente actriz francesa de optar a un oscar y esas cosas. Pero no era. Lo curioso es que a la vuelta de las vacaciones nos hemos encontrado en cartelera la que sí es. Dirigida nada menos que por Paul Verhoeven, director holandés que se ha mostrado con el tiempo capaz de grandes cosas y de grandes bodrios, por igual. Incluso aunque algunos intenten reivindicar a toda costa dichos bodrios. Carrera desigual la del director que de un tiempo a esta parte se hace caro de ver en la pantalla grande, y que parece que ha abandonado Hollywood para rodar en su continente de origen. Lo que desde mi punto de vista le sienta razonablemente bien.

Vistas parisinas para la entrada de hoy, como no podía ser de otro modo; incluso con un toque de humor, mucho menos negro que el que despliega la película de hoy.

Así pues, notable pareja para un filme que ha gozado de notable éxito en Francia, donde se rodó y en cuyo idioma acudimos a la versión original del filme. Acompañados por algún que otro ilustre de la cartelera del país vecino de los cuales la que más conozco es la siempre interesante Anne Consigny.

Nos venden la película como una película de suspense, que de partida nos sorprende cuando la acción se inicia y escuchamos unos sonidos que asociamos inmediatamente a un acto sexual violento. Efectivamente, aunque apenas vemos el final del acto, la película comienza con la violación en su domicilio de Michèle, su personaje protagonista. A partir de ahí entraremos en una serie de situaciones en las que víctima y agresor se marcan en proximidad, lo que nos hace suponer que el violador es alguien próximo y conocido de la víctima. Pero el escaparate de personajes que nos ofrecen para elegir es tremendo. Tanto entre los posibles perpetradores, los hombres, como con las mujeres que por allí aparecen. Michèle procede de una familia que vivió un episodio dramático en su infancia cuando su padre la lió parda matando a unos cuantos vecinos, episodio en el que también participó la niña Michèle. Amantes, vecinos, familia cercana, amistades, compañeros de trabajo, todos constituyen una feria de caracteres que hacen que el filme se mueva constantemente entre el drama y la comedia negra.

La película no está mal, pero tampoco nos ha entusiasmado tanto como para satisfacer algunas de las expectativas levantadas. Es cierto que trabajo actoral, empezando por supuesto por Huppert, es más que notable. De gran nivel. Pero como le pasa a muchas películas de Verhoeven, nunca queda claro exactamente lo que nos está contando. Aunque con el tiempo muchos listo dirán que es evidente. Para mí hay un problema narrativo ahí que no llega a arruinar la película, que es bastante recomendable. Lo único que no me la imagino ganando premios en Hollywood. Ni para el filme ni para la actriz. Entre el tema de la violencia sexual, curiosamente resuelto, más los ataques relativamente frontales que se realizan a la familia, a la religión y a alguna otra sacrosanta institución… no me la imagino muy del gusto de muchos académicos norteamericanos. Aunque nunca se sabe.

De todos modos, si estáis interesados, no dejéis de ir a verla. Y si puede ser, mejor en versión original. No quiero ni imaginarme el desastre que habrán hecho con la versión doblada, como suele suceder con las películas francesas.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] L’avenir (2016)

Cine

L’avenir (2016; 502016-2609)

Hoy va a haber dos entradas en el Cuaderno de Ruta. Pero es que el martes pasaré a modo «solo fotos» por unos días, y quiero dejar comentadas varias cosas antes de eso. El caso es que el lunes pasado fui al cine con una amiga. En cartelera está esta película protagonizada por Isabelle Huppert, actriz francesa que nos gusta mucho, y habíamos oído del estreno de una película de esta actriz muy valorado. Después nos hemos enterado de que no se trata de esta película dirigida por Mia Hansen-Løve. Que a pesar de semejante apellido es nacida en París.

La película transcurre en su mayor parte en París, pero nos lleva también a los Alpes y a la Bretaña, especialmente a la bella ciudad de Saint-Malo, que pude visitar en 1991, así como ver en la distancia, desde la otra orilla del estuario de la Rance, en 1993. De esos viajes son las fotografías acompañantes.

No me voy a extender mucho porque no ando sobrado de tiempo. La película es una reflexión sobre una época de transición en la vida de una mujer, profesora de filosofía en un instituto parisino, a la que suponemos al final de su década de los cincuenta (quizá un poco más teniendo en cuenta la edad real de la actriz que la interpreta). En un breve plazo de tiempo pasa por una serie de situaciones. Su marido la deja por una mujer más joven. Los responsables de mercadotecnia de la editorial donde publica sus libros de texto o ensayos sobre filosofía la dejan de lado por considerarla ya anticuada. Su hija la hace abuela. Su madre muere. Un joven y prometedor licenciado en filosofía que fue alumno suyo opta por abandonar la vida académica para vivir en el campo de acuerdo a sus convicciones antisistema, lo cual vive como un reproche ante su aburguesada vida… Y de fondo, es consciente que se acerca la última etapa de su vida. Por lo cual, estamos ante una reflexión sobre lo que ese futuro (avenir, en francés), le depara.

Sinceramente, esperábamos algo más de la película. Incluso dejando aparte que no es la que esperábamos. Ciertamente, Huppert es una actriz muy sólida que sostiene por sí misma el conjunto del filme, con alguna ayuda de otros intérpretes aunque bien es cierto que ella ocupa la pantalla la mayor parte del tiempo, lo que ya supone un interés en sí mismo. Pero a mí me parece que se mueve de alguna forma por lugares comunes, tópicos que si bien son ciertos y motivo de reflexión, tampoco aportan una especial profundidad. Ni la película se atreve a ser más incisiva sobre los sentimientos que afloran cuando el envejecimiento personal se empieza a hacer muy evidente, ni sobre la sensación de soledad que puede sobrevenir a personas mayores en la sociedad actual. Incluso si tienen una potencia cultural e intelectual notable… porque la compañía de los libros puede paliar la soledad, pero no sé si son un sustituto total.

Se deja ver, aunque no es apta para consumidores compulsivos de palomitas en películas de acción. Nada que ver con eso.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] El hombre de las mil caras (2016)

Cine

El hombre de las mil caras (2016; 492016-2309)

Sinceramente, cuando me dijeron que la nueva película de Alberto Rodríguez iba sobre las relaciones en Francisco Paesa y Luis Roldán,… las ganas de ir a ver la película tendían peligrosamente a cero.

No pocas veces me he sentido extraño en mi propio país. Tengo muchas veces la sensación de que no pocos de mis compatriotas, demasiados si nos atenemos a los resultados electorales, por mucho que digan estar hartos de la corrupción política, sienten una oculta admiración por el pícaro y por los aprovechados. Que ha muchos de ellos les gustaría estar en lugar de ese al que tanto denostan en las redes sociales. Personalmente, siento una fuerte aversión por las personas que engañan a sus conciudadanos y se enriquecen a su costa bajo el pretesto de que «hacen mucho por el pueblo/comunidad/país/…» (táchese lo que no proceda). He estado en muchas conversaciones de café o de cañas en las que en momentos relajados, ya se sabe, cuando no piensas lo que dices corres el riesgo de decir lo que piensas, personas con cierto nivel cultural son capaces de disculpar, comprender, e incluso jalear la corrupción de personas con cargos públicos. Luis Roldan, para mí, es sencillamente un ladrón y un estafador. Punto. Y Paesa, un tipo oscuro que se relacionó con los servicios de policía y de información del estado en momentos complejos, evidentemente para provecho propio. Ninguna admiración. Cero comprensión. A galeras con ellos.

2012. Viaje a Ginebra, Suiza. Selección de imágenes en blanco y negro. Ginebra. carloscarreter.com | Tumblr | Twitter | Facebook.

Según la película, en Laos lo que se dice Laos, Roldán no estuvo… pero entre él y sus posibles secuaces parece que se recorrieron Ginebra, en las tres primeras fotos, y los alrededores del cerro de Montmartre en París, las dos últimas.

Desde el punto de vista cinematográfico, todavía nos pesa aquellas sensación que sentimos al ver la anterior película de su director. Una de las mejores películas del género negro en la historia del cine español… si no fuera porque la vimos poco después de la primera temporada de True Detective, con la sorpresa de la enorme similitud argumental. Que arrojó la sombra del plagio sobre la pelicula. Mil veces negada por sus responsables. Y razonablemente argumentada esa negación. Pero la duda corroe… es insidiosa.

No obstante, me convencieron para ver el filme, que cuando menos presentaba algunos nombres interesantes en su reparto.

Desconozco con precisión qué partes de la película son totalmente verídicas desde un punto de vista histórico, que partes son una especulación razonada, y que partes son mera ficción. El propio dirección ha hablado de ella como de una historia de ficción en algún medio. Lo cual está bien, para ajustar expectativas y evitar equívocos. En líneas generales, podríamos definir la película como una especulación sobre lo que pasó desde que Luis Roldán (Carlos Santos) y su esposa en el filme, Nieves Fernández Puerto (Marta Etura; el nombre de la esposa real de Roldan es Blanca Rodríguez-Porto), deciden huir de España llevándose un cifra multimillonaria que han sustraído de las arcas del estado hasta que el antiguo director general de la guardia civil es detenido en Bangkok por la policía española, presuntamente procedente de Laos. Todo ello narrado desde el punto de vista de un tal Jesús Camoes (José Coronado), piloto de aviación amigo del personaje principal, Francisco Paesa (Eduard Fernández), aunque no me consta que sea un personaje real.

Mi recomendación sincera… si vais a verla olvidaos por completo de que está o puede estar basada en hechos reales. Plantearosla como una mera película de estafadores, de esas en las que nunca sabes muy bien quien juega con quien, quien estafa a quien,… y es más que posible que lo paséis bien. Porque la película está bien hecha y tiene ritmo. Y sobretodo, tiene una excelente interpretación de Eduard Fernández, actor a quien a estas alturas no hace falta a descubrir.

Si os la queréis tomar en serie, desde mi punto de vista comienzan los problemas. La película tiene una introducción sobre los antecedentes de Paesa que pueden contribuir a que para algunos sea comprensible que al final resulte un estafador que deja en evidencia y en ridículo al gobierno. La película se ensaña especialmente con el ministro Belloch… lo cual puede ser que con razón o sin ella… siempre es divertido darle caña al político. Pero se nos olvida que los miles de millones no se los roban al ministro o al gobierno, sino a los españoles. Y por lo tanto, caer en la tentación de acabar viendo a un desaprensivo como un pícaro espabilado, y por lo tanto con esa simpatía que muchos de mis conciudadanos sienten por estos individuos, me causa desasosiego y aflicción. No. Todos unos ladrones. Las víctimas somos los ciudadanos. No se pueden plantear paños calientes.

Por lo demás, la película se deja ver, y a ratos se disfruta bastante. Pero creo que hay que tener las cuestiones éticas bien amarradas, para dejar a cada cual en su sitio. No hay pícaro o sinvergüenza simpático, si las víctimas últimas son los ciudadanos de un país.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Free State of Jones (2016)

Cine

Free State of Jones (2016; 482016-1909)

En estos momentos, que Matthew McConaughey aparezca en el reparto de una película es casi un indicativo fijo de que hay que ir a verla. Menos entusiasmo nos producía que el director fuese Gary Ross, pero como la crítica internacional se había mostrado interesada en esta película desde hace tiempo, nos acercamos el pasado lunes a la versión en idioma original subtitulada en castellano. La película también se puede encontrar en versión doblada en la cartelera española con el título no del todo fiel al original de «Los hombres libres de Jones».

La película está basada en hechos ciertos pero mal documentados. Es decir, es conocido que en el condado de Jones en el sur del estado de Misisipi hubo una revuelta encontra del régimen secesionista del estado y de los Estados Confederados de América durante la guerra civil norteamericana. Y que pareció estar liderada por Newton Knight (Matthew McConaughey), un hombre de ese estado, de fuertes convicciones religiosas, contrario a la esclavitud y a la discriminación por cuestión de raza. A partir de ahí, tenemos que considerar que en la película de Ross hay elementos de verdad histórica, elementos de especulación histórica y elementos de ficción histórica. Aunque desconozco en qué proporciones.

Los «hombres libres de Jones», si fueron como nos lo cuentan en la película, fueron una guerrilla. Poco partidarios del campo abierto a la hora de entablar combate. Bosques, pantanos y ciénagas,… ese era el ambiente en que se movían. A falta de los bosques originales del sur del estado de Misisipi, vagaremos fotográficamente por los bosques de Alsacia en los Vosgos.

La cinta comienza con nuestro protagonista en 1862, alistado forzosamente en el ejército rebelde, del que deserta como consecuencia de la percepción de una serie de injusticias en la política confederada y en las formas en que se lleva la economía de guerra. Convertido en lider de un grupo de desertores y esclavos fugados en los pantanos del sur del estado de Misisipi, y tras conseguir algún éxito parcial en su oposición al ejército secesionista, termina la guerra y conforme la autoridades del norte van devolviendo el poder a los sureños, conforma una comunidad multirracial en la que no faltarán las tensiones con los supremacistas blancos de la zona. También llega al final de la guerra separado de su primer mujer, Serena (Keri Russell) y unido a la que sería su segunda mujer, una esclava liberada, Rachel (Gugu Mbatha-Raw) constituyendo una unión multirracial, prohibidas por los estados del sur de los EE.UU.

En paralelo a esta historia, la película nos ofrece flashes de un juicio que ochenta años más tarde se está celebrando en ese estado de Misisipi, en el que se juzga a un descendiente de Newton Knight, Davis (Brian Lee Franklin), al que se supone también descendiente de Rachel, y por lo tanto con un octavo de ascendencia de color, lo cual lo califica legalmente como un ciudadano de color. Al casarse con una mujer blanca, habría cometido un delito. Este juicio fue real, fue declarado culpable, pero no cumplió sentencia porque temiendo una apelación a tribunales federales, el tribunal superior del estado temió que la ley que prohibía los matrimonios mixtos fuese declarada ilegal y lo exoneró de todo delito.

La película tiene muchos temas. Y muchos tonos. Empieza como alegato antibelicista, para luego adentrarse en la película de aventuras y acción con los rifirrafes entre los «hombres libres del condado de Jones» y el ejército y las autoridades secesionistas. Después vuelve al modo de denuncia, en este caso sobre las leyes de discriminación racial y las acciones de los supremacistas blancos, con un incipinte Ku-Klux-Klan. El problema es que no acaba de encontrar el tono, que como digo va dando bandazos sin centrarse en profundizar en ninguno de los temas, y dando brochazos más o menos groseros sobre cada uno de ellos.

Desde antiguo, el cine tiene una tradición de «no hacer sangre» con el conflicto bélico que enfrentó a los estados del norte de la Unión, partidarios de un estado federal, con los del sur, más proclives a una confederación donde cada estado tuviera preponderancia sobre la política global. De fondo, dos modelos económicos distintos, uno industrializado y otro agrario, este último soportado por la vergonzosa institución de la esclavitud. De hecho, películas emblemáticas de la historia del cine, entre ellas como máximo exponente Gone with the Wind (Lo que el viento se llevó), donde se muestra una visión del sur de damas bellas y galantes, hombres apuestos, valientes y caballerescos, y una visión de los esclavos como de niños que no podrían subsistir por sí mismos sin la guía del hombre blanco. Pura propaganda para sustentar un regimen de appartheid y discriminación racial en buena parte de los Estados Unidos hasta muy avanzado el siglo XX, que aun hoy en día muestra que todavía tiene temas sin resolver. Hace unos años, pudimos ver una película, Cold Mountain, que no entraba en el tema de la esclavitud, pero que al menos rompía con la idea de guerra entre caballeros y con la visión idealizada del ejército rebelde y esclavista. Curiosamente, no tuvo un gran éxito, aunque desde mi punto de vista era una película más apreciable de lo que la crítica nos contó. Pero lo hizo en momentos donde soplaban vientos de guerra en Irak y Afganistán, y no se veían bien las obras antibelicistas.

Puestos a escarbar en la historia del cine. Durante años he intentado saber cuál era el título de una película que vi en la televisión en algún momento en la transición de mi infancia a la adolescencia, y que hablaba de un «estado libre de Lebanon» como un reducto de oposición a la guerra de secesión. Con motivo de esta película me he enterado que se inspiraba, aunque se alejaba muchísimo de los hechos reales, en lo acontecido en el condado de Jones. Su título fue Tap Roots (Raíces de pasión), y a pesar de que a mí me causase cierta impresión, no está excesivamente bien considerada.

Volviendo a la película que nos ocupa hoy, su indudable punto fuerte está en la interpretación de McConaughey, que sigue en estado de gracia, que llena la pantalla con su presencia. También eso conlleva a que su personaje se come a otros que podrían haber tenido más presencia, más potencia y no poco interés. Salimos del cine con la sensación de que las dos mujeres con mayor presencia en el filme están desaprovechadas. Tanto Keri Russell como la británica Gugu Mbatha-Raw son actrices capaces. Incluso muy capaces. Y de la propia interacción entre ellas en lo que en la práctica fue un matrimonio bígamo hubiera dado para una película, aunque fuera de ficción, que podría ser notable.

Terminemos, que me está saliendo un comentario muy largo. Las intenciones de la película son buenas, los medios utilizados para desarrollarlas están también bien, las interpretaciones de primer nivel,… y sin embargo la película, siendo razonablemente recomendable, no acaba de dar de sí todo lo que podría. En algún momento se desinfla, llevándonos incluso a un final anticlimático que nos deja un poco en la duda de adónde exactamente nos quería llevar el director. No obstante, se deja ver bien, y puede ser una opción a considerar en la cartelera de estos días de principios del otoño.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Tarde para la ira (2016)

Cine

Tarde para la ira (2016; 472016-0909)

Primer largometraje de Raúl Arévalo, actor metido a director, que llega a las carteleras avalado por buenas críticas, redondeadas por el éxito para una de sus actrices, Ruth Díaz en el papel de Ana, que ha conseguido uno de los premios de la última bienal de Venecia. No el de interpretación femenina en la sección oficial, pero no deja de ser un galardón prestigioso.

Largometraje de duración muy moderada, en la que la acción va bastante al grano aunque sin que se salte ningún elemento necesario para la narración de la historia, donde se desgrana una venganza que se pone en marcha cuando ocho años más tarde del atraco a una joyería con muertes y lesiones graves, el único detenido sale de la trena, Curro (Luis Callejo). Y junto con el parroquiano de un bar, José (Antonio de la Torre), donde trabaja su novia, Ana, de la cual parece colgado el solitario parroquiano, comienza en circunstancias que no mencionaré por no destripar, la búsqueda de los violento criminales que quedaron impunes. Porque Curro, al fin y al cabo, sólo era el conductor que se buscaron para la huída y, como he dicho, el único que pagó el pato.

Como hacen en la película, nos iremos por Castilla un poco, por su parte más rural. En el encabezado y esta picota, Berlanga de Duero.

Rodada con un sucio y granujiento Super 16, con frecuencia cámara en mano y siguiendo muy de cerca a los personajes, el director y su equipo buscan meternos muy dentro de la acción y de las sensaciones que viven sus personajes, con eventuales descansos para situarnos en entornos generales y encuadrar la acción. Cutredad visual buscada, y que no creo que se deba a motivos económicos. Últimamente viene siendo más barato rodar en digital que en película tradicional.

Todo ello apoyado por excelentes interpretaciones especialmente del trío protagonista mencionado. De la Torre ya nos tiene acostumbrados a interpretaciones sobrias de personajes atormentados, y Callejo resulta convincente en esa mezcla de aturdimiento y ansiedad que sufre el personaje al salir del talego. Ruth Díaz no me sonaba más que de haberla visto de pasada en alguna teleserie, sin que me hubiese llamado la atención por nada en especial. Es evidente que tenemos que esperar a que los intérpretes españoles vayan madurando con la edad, porque sus comienzos en la televisión suelen venir acompañados de notable mediocridad.

Ermita de San Bartolomé en el cañón del Río Lobos.

Dicho todo lo cual, la película es más que digna y tiene su mérito, aunque a mí no me acaba de enganchar del todo, ya que estas producciones en las que abunda la testosterona más o menos violenta no me seducen mucho. Pero puede gustar a más de uno, por qué no.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Casa de los Cueto Caraveo en la Plaza Mayor de Ciudad Rodrigo.

[Libros] El cielo sobre Berlín… cuando el niño era niño…

Cine, Literatura

Comienza la película de Wim Wenders Der Himmel über Berlin (Cielo sobre Berlín)Der Himmel über Berlin (Cielo sobre Berlín) con los versos del Lied vom Kindsein (Canción de la niñez) de Peter Handke (también coguionista de la película).

Als das Kind Kind war,
ging es mit hängenden Armen,
wollte der Bach sei ein Fluß,
der Fluß sei ein Strom,
und diese Pfütze das Meer.

… … …

Cuando el niño era niño,
andaba con los brazos colgando,
quería que el arroyo fuera un río,
que el río fuera un torrente,
y este charco el mar.

… … …

Nos vamos a Berlín, fotográficamente… y veremos las actuaciones de acróbatas y malabaristas en Alexanderplatz.

Recorreremos la ciudad a borde del S-bahn.

Y a continuación, con la inmensa fotografía en blanco y negro del poeta de la luz, Henri Alekan, y acompañando a los ángeles Cassiel (Otto Sander) y Damiel (Bruno Ganz), sobrevolamos y recorremos la ciudad de Berlín, una ciudad todavía dividida por el vergonzoso y vergonzante muro, llena de cicatrices de la hórrida guerra que desde su cancillería se desató, metáfora de todo lo bueno y todo lo malo que la humanidad atesora. Unos ángeles con capacidad de pensamiento pero sin capacidad de acción. No son ni mensajeros, ni guardianes, ni justicieros de los actos de la humanidad; sólo testigos, aunque con capacidad para empatizar, para sufrir con los seres humanos a los que observan y acompañan, sin que estos perciban esta presencia. Salvo los niños…

Als das Kind Kind war,…

Pasaremos un rato reflexionando en la East Side Gallery, en los antiguos lienzos del muro que dividía la ciudad.

El filme de Wenders, para mí una de las dos grandes obras de su cinematografía junto con Paris, Texas, con permiso de Alice in den Städten (Alicia en las ciudades), nos muestra la capacidad del séptimo arte para la poesía. Para trasladar emociones, al mismo tiempo que belleza; para suscitar reflexión, al mismo tiempo que esperanza. Porque al fin y a la postre, puestos a elegir, algunos ángeles prefieren la mortalidad y el sufrimiento del ser humano, a cambio de la posibilidad de sentirse vivos, de amar. Hay muchas enseñanzas ahí. Y Marion (Solveig Dommartin)… que merecería una entrada para ella sola.

Buscaremos la presencia de algún ángel entre las alas de la Victoria en la Siegessäule.

Paseando a principios de julio por un mercadillo en el casco viejo de Zaragoza, entre en una librería, y estuve hojeando un poquito en la sección de libros ilustrados. Experiencias previas con obras de Haruki Murakami, hacen que me interese por lo que publican los Libros del Zorro Rojo, y allí me encontré con la reciente adaptación al formato de historieta de la película de Wenders de la mano de Sebastiano y Lorenzo Toma.

Deambularemos bajo el paso del tren en Hackesher Markt.

Hay una serie de diferencias entre el cómic y la película, aunque expresamente se basa en esta con intención de ser fiel a la historia y a su espíritu. Hay una traslación de época, y en lugar de situarnos en el Berlín de final de la guerra fría, todavía dividido por el muro, con la Potsdamer Platz convertida en un descampado y con los ángeles reuniéndose en la biblioteca, nos encontramos en el Berlín actual, con la Potsdamer Platz convertida en un nudo de convivencia y comunicaciones para los berlineses y con los ángeles reuniéndose en el monumento a los judíos asesinados en Europa por el nazismo. También obvia la subtrama que protagoniza Peter Falk en la película. Y lo hace sin que se eche faltar, a pesar de que en el filme tiene su importancia a la hora de comprender la decisión de Damiel, de renunciar a sus alas.

Conoceremos las vidas de quienes se opusieron a la peor cara de la ciudad en el siglo XX en el Lustgarten.

Nos dirigiremos hacia Potsdamer Platz a la sombrar de los distintos horrores que ensombrecieron la capital alemana.

En lo que se refiere a la realización de la historieta, se basa en la reproducción de las escenas por parte de actores y artistas de circo reales, que son filmados y fotografiados, para luego las escenas ser reproducidas con dibujos para el cómic. Por ejemplo, el papel de Marion es realizado por Lise Pauton, contorsionista francesa, que pone su cara y sus movimientos a beneficio de la pizpireta trapecista que roba y calienta el frío corazón del ángel Damiel. Solveig Dommartin, en la película, aunque no era acróbata de circo, aprendió los ejercicios del trapecio y la cuerda, que realizó por sí misma, sin doblaje por especialistas. La autenticidad siempre ha sido un factor importante en la obra, tanto la fílmica como la gráfica. Hay algunos personajes que son encarnados por los mismos intérpretes en ambas obras. La prostituta bajo el paso elevado, por ejemplo, tanto en la película como en el cómic recibe el rostro de Beatrice Manowski.

Nos perderemos en el tumulto actual de la renovada Potsdamer Platz.

Cuál es el resultado final de la adaptación. Interesante. No pierde ni un ápice de la esencia de la obra original, pero sirve para actualizarla a la situación del mundo y de los seres humanos, casi treinta años más tarde, ya entrados en el siglo XXI. Y nos sirve para comprobar que el mensaje es universal y válido con el paso del tiempo. Yo lo recomiendo. Pero quizá primero y antes de nada, ver la película. No será del gusto de aquellos cuya máxima aspiración a la hora de ver cine sea la de atragantarse comiendo palomitas y bebiendo refrescos de cola… pero para aquellos con una cierta sensibilidad… merece la pena el esfuerzo.

Y reflexionaremos, o pasearemos, incluso jugaremos, entre las estelas del Monumento a los judíos asesinados en Europa.

[Cine] Kubo y las dos cuerdas mágicas (2016)

Cine

Kubo y las dos cuerdas mágicas (Kubo and the two strings, 2016;462016-0409)

El estudio que nos ofreció hace unos años esa maravilla que fue Coraline, con el director Travis Knight que estuvo en el equipo de animadores de aquella, nos vuelve a traer un nuevo largometraje de acción y fantasía basado en la técnica del «stop motion». Técnica de animación que, ya adelanto, ha adquirido altos niveles de desarrollo en la película que hoy nos ocupa. Véase la secuencia de los ojos en el fondo del mar. En fin… como vamos a ver, película ambientada en el antiguo Japón, por lo que fotográficamente viajaremos a los bosques de bambú de Kioto a los santuarios y bosques de Nikko.

La historia busca su inspiracion en los mitos y tradiciones del folclore y el shinto japoneses. Nos habla de un muchacho que vive sólo con su madre trastornada, como contador de historias, hasta que de repente se introducido como protagonista en esas mismas historias, en las que hay una pugna entre los héroes terrenales y las frías divinidades que habitan la luna. ¿Alguien por ahí levanta la mano para comentar algo sobre semejanzas con el cuento de la princesa Kaguya? Alguna semejanza se podría encontrar, aunque las historias son diferentes. Y por aquí se le notan las costuras a la historia de Kubo. Aunque basada en el folclore nipón, carece de la profundidad de las historias que nos cuentan desde el país del sol naciente, por ejemplo desde el Studio Ghibli. Es una película entretenida, que le hace a los cuentos japoneses un roto que puede ser parecido al que Disney le hace a algunos cuentos de la tradición europea. Sin que por ello quede una película mala, ni mucho menos. Es muy entretenida, y la animación está fenomenalmente hecha. Pero más allá de la espectacularidad de algún momento… mucho más superficial de lo que el tema permitía.

Sí, es así. Se hacen concesiones a los estándares esperados. Y, por ejemplo, Kubo toca el shamisen más como un adolescente del medio oeste americano tocaría el banjo que como se toca realmente el instrumento oriental. Y al final, todo se desliza hacia un buenrollismo que no llega a ser empalagoso, pero que no pega con una historia más agridulce que lo que nos plantean.

Dicho todo lo cual, no me arrepiento en absoluto de haber buscado la excusa de ir con mi sobrino Diego, de siete años, al cine para ver la película. Es de lo mejor que ha llegado a la cartelera en este verano que tan largo se nos está haciendo. Y por lo demás, lo único realmente lamentable es no haber podido disfrutar de la voz original de los actores en la versión en inglés… que igual le quita alguna estrella por lo menos en mi valoración de la interpretación, pero bueno. Si tenéis algún peque en casa, hay que ir a verla. Y si no, buscaros uno o sacudiros la vergüenza e id a verla de todos modos.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Café Society (2016)

Cine

Café Society (2016; 452016-3008)

Es una tradición de décadas, que cuando llega el otoño toca reencontrarse con Woody Allen, que sigue a su ritmo de película por año… y nos cuentan que tiene también pendiente de estreno una miniserie de televisión. Lo único que cambia es que en años recientes, más que en otoño, el estreno de la película de Allen es más en los finales del verano. Es posible que el neoyorquino no tenga ya el tirón de antaño, y las distribuidoras y exhibidores cinematográficos no le reservan fechas de tanto prestigio como antaño. Como sea.

La cuestión es que hemos tenido nuestra dosis anual de… lo mismo. El romance, la religión, el éxito y la fama, la muerte,… el sentido de la vida en general, siguen siendo sistemáticamente los temas que interesan al peculiar director de cine que a lo tonto modorro nos presenta esta película con los 80 años ya cumplidos.

Inevitablemente nos vamos a Nueva York fotográficamente hablando, y pasearemos por Brooklyn a orillas del East River.

Una película que no ofrece nada realmente novedoso. Momentos de comedia que nos pueden recordar a Annie Hall, paisajes de Nueva York que nos retrotraen a Manhattan, asuntos de familia que han podido ser tratados en Hannah y sus hermanas o en Días de radio, el crimen organizado que ya vimos en Ballas sobre Broadway, o el mundo de las celebridades que trato en Celebrity… Salvo esta última, que a mí no me convenció a pesar de su reparto de campanillas, todas las anteriores son ampliamente superiores a la obrita que nos trae en este 2016.

Y sin embargo, salimos del cine con buenas sensaciones. Buena música de jazz, maravillosa fotografía de Vittorio Storaro, mujeres guapas, y un romance de sabor agridulce, que sin embargo tiene más miga de lo que parece. En cualquier cosa, Woody Allen consigue algo que yo consideraba poco probable, y es que dos de los intérpretes más siesos y antipáticos de Hollywood a mis ojos (apreciación muy personal y que no tiene porque ser coincidente con otras personas), Jesse Eisenberg y Kristen Stewart, nos caigan bien y simpáticos. Y nos ofrecen un romance que en sí mismo no tiene sentido salvo que integremos en el mismo al conjunto del reparto. Por que de una forma u otra, el personaje de Stewart, Vonnie, se enamora del mismo hombre, en dos época de su vida, representados por Eisenberg y por Steve Carell, este último interpretando al tío del primero. Y el personaje de Eisenberg se enamora de una idea de mujer, representada por las dos Veronicas, la Vonnie interpretada por Stewart, y la Veronica interpretada por una desaprovechada Blake Lively, que si la primera consiguen que salga bien guapa con el diseño de vestuario, esta segunda sale absolutamente espectacular, gracias entre otras cosas a su casi metro ochenta de estatura.

Donde contemplaremos la silueta del bajo Manhattan.

De fondo, los problemas de familia y el mundo del famoseo, que proporcionan el tono humorístico, desenfadada e incluso cómico a esta historia de amor más sustancial de lo que podría parecer al principio, con una galería de personajes secundarios que nos alegran francamente la sesión. Fenomenal la escena entre los dos padres del protagonista, discutiendo las «ventajas» del cristianismo sobre el judaísmo, y sobre las formas de afrontar la irremediable muerte que a todos nos llega.

O nos pasearemos bajo el puente de Queensboro en Roosevelt Island.

Las críticas leídas a priori sobre esta película nos habían creado unas expectativas bajas, muy influenciadas por la tremenda flojera de la dosis del año pasado. Pero lo cierto es que salimos con una sonrisa en la boca, una buena sensación en el cuerpo y dispuestos a admitir que, si bien lo mejor de la creatividad de Woody Allen pertenece al pasado, no nos importa que nos «importune» cada año con peliculitas como esta, que por otra parte superan en interés a practicamente cualquier otra comedia romántica que se estrene en estos tiempos.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

Y como no, por Central Park, todas ellas localizaciones muy propias de las películas de Woody Allen.

Cuaderno de Ruta V. 3.0

Diario no diario de Carlos Carreter

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