[Cine] L’avenir (2016)

Cine

L’avenir (2016; 502016-2609)

Hoy va a haber dos entradas en el Cuaderno de Ruta. Pero es que el martes pasaré a modo «solo fotos» por unos días, y quiero dejar comentadas varias cosas antes de eso. El caso es que el lunes pasado fui al cine con una amiga. En cartelera está esta película protagonizada por Isabelle Huppert, actriz francesa que nos gusta mucho, y habíamos oído del estreno de una película de esta actriz muy valorado. Después nos hemos enterado de que no se trata de esta película dirigida por Mia Hansen-Løve. Que a pesar de semejante apellido es nacida en París.

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La película transcurre en su mayor parte en París, pero nos lleva también a los Alpes y a la Bretaña, especialmente a la bella ciudad de Saint-Malo, que pude visitar en 1991, así como ver en la distancia, desde la otra orilla del estuario de la Rance, en 1993. De esos viajes son las fotografías acompañantes.

No me voy a extender mucho porque no ando sobrado de tiempo. La película es una reflexión sobre una época de transición en la vida de una mujer, profesora de filosofía en un instituto parisino, a la que suponemos al final de su década de los cincuenta (quizá un poco más teniendo en cuenta la edad real de la actriz que la interpreta). En un breve plazo de tiempo pasa por una serie de situaciones. Su marido la deja por una mujer más joven. Los responsables de mercadotecnia de la editorial donde publica sus libros de texto o ensayos sobre filosofía la dejan de lado por considerarla ya anticuada. Su hija la hace abuela. Su madre muere. Un joven y prometedor licenciado en filosofía que fue alumno suyo opta por abandonar la vida académica para vivir en el campo de acuerdo a sus convicciones antisistema, lo cual vive como un reproche ante su aburguesada vida… Y de fondo, es consciente que se acerca la última etapa de su vida. Por lo cual, estamos ante una reflexión sobre lo que ese futuro (avenir, en francés), le depara.

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Sinceramente, esperábamos algo más de la película. Incluso dejando aparte que no es la que esperábamos. Ciertamente, Huppert es una actriz muy sólida que sostiene por sí misma el conjunto del filme, con alguna ayuda de otros intérpretes aunque bien es cierto que ella ocupa la pantalla la mayor parte del tiempo, lo que ya supone un interés en sí mismo. Pero a mí me parece que se mueve de alguna forma por lugares comunes, tópicos que si bien son ciertos y motivo de reflexión, tampoco aportan una especial profundidad. Ni la película se atreve a ser más incisiva sobre los sentimientos que afloran cuando el envejecimiento personal se empieza a hacer muy evidente, ni sobre la sensación de soledad que puede sobrevenir a personas mayores en la sociedad actual. Incluso si tienen una potencia cultural e intelectual notable… porque la compañía de los libros puede paliar la soledad, pero no sé si son un sustituto total.

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Se deja ver, aunque no es apta para consumidores compulsivos de palomitas en películas de acción. Nada que ver con eso.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine] El hombre de las mil caras (2016)

Cine

El hombre de las mil caras (2016; 492016-2309)

Sinceramente, cuando me dijeron que la nueva película de Alberto Rodríguez iba sobre las relaciones en Francisco Paesa y Luis Roldán,… las ganas de ir a ver la película tendían peligrosamente a cero.

No pocas veces me he sentido extraño en mi propio país. Tengo muchas veces la sensación de que no pocos de mis compatriotas, demasiados si nos atenemos a los resultados electorales, por mucho que digan estar hartos de la corrupción política, sienten una oculta admiración por el pícaro y por los aprovechados. Que ha muchos de ellos les gustaría estar en lugar de ese al que tanto denostan en las redes sociales. Personalmente, siento una fuerte aversión por las personas que engañan a sus conciudadanos y se enriquecen a su costa bajo el pretesto de que «hacen mucho por el pueblo/comunidad/país/…» (táchese lo que no proceda). He estado en muchas conversaciones de café o de cañas en las que en momentos relajados, ya se sabe, cuando no piensas lo que dices corres el riesgo de decir lo que piensas, personas con cierto nivel cultural son capaces de disculpar, comprender, e incluso jalear la corrupción de personas con cargos públicos. Luis Roldan, para mí, es sencillamente un ladrón y un estafador. Punto. Y Paesa, un tipo oscuro que se relacionó con los servicios de policía y de información del estado en momentos complejos, evidentemente para provecho propio. Ninguna admiración. Cero comprensión. A galeras con ellos.

2012. Viaje a Ginebra, Suiza. Selección de imágenes en blanco y negro. Ginebra. carloscarreter.com | Tumblr | Twitter | Facebook.

Según la película, en Laos lo que se dice Laos, Roldán no estuvo… pero entre él y sus posibles secuaces parece que se recorrieron Ginebra, en las tres primeras fotos, y los alrededores del cerro de Montmartre en París, las dos últimas.

Desde el punto de vista cinematográfico, todavía nos pesa aquellas sensación que sentimos al ver la anterior película de su director. Una de las mejores películas del género negro en la historia del cine español… si no fuera porque la vimos poco después de la primera temporada de True Detective, con la sorpresa de la enorme similitud argumental. Que arrojó la sombra del plagio sobre la pelicula. Mil veces negada por sus responsables. Y razonablemente argumentada esa negación. Pero la duda corroe… es insidiosa.

No obstante, me convencieron para ver el filme, que cuando menos presentaba algunos nombres interesantes en su reparto.

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Desconozco con precisión qué partes de la película son totalmente verídicas desde un punto de vista histórico, que partes son una especulación razonada, y que partes son mera ficción. El propio dirección ha hablado de ella como de una historia de ficción en algún medio. Lo cual está bien, para ajustar expectativas y evitar equívocos. En líneas generales, podríamos definir la película como una especulación sobre lo que pasó desde que Luis Roldán (Carlos Santos) y su esposa en el filme, Nieves Fernández Puerto (Marta Etura; el nombre de la esposa real de Roldan es Blanca Rodríguez-Porto), deciden huir de España llevándose un cifra multimillonaria que han sustraído de las arcas del estado hasta que el antiguo director general de la guardia civil es detenido en Bangkok por la policía española, presuntamente procedente de Laos. Todo ello narrado desde el punto de vista de un tal Jesús Camoes (José Coronado), piloto de aviación amigo del personaje principal, Francisco Paesa (Eduard Fernández), aunque no me consta que sea un personaje real.

Mi recomendación sincera… si vais a verla olvidaos por completo de que está o puede estar basada en hechos reales. Plantearosla como una mera película de estafadores, de esas en las que nunca sabes muy bien quien juega con quien, quien estafa a quien,… y es más que posible que lo paséis bien. Porque la película está bien hecha y tiene ritmo. Y sobretodo, tiene una excelente interpretación de Eduard Fernández, actor a quien a estas alturas no hace falta a descubrir.

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Si os la queréis tomar en serie, desde mi punto de vista comienzan los problemas. La película tiene una introducción sobre los antecedentes de Paesa que pueden contribuir a que para algunos sea comprensible que al final resulte un estafador que deja en evidencia y en ridículo al gobierno. La película se ensaña especialmente con el ministro Belloch… lo cual puede ser que con razón o sin ella… siempre es divertido darle caña al político. Pero se nos olvida que los miles de millones no se los roban al ministro o al gobierno, sino a los españoles. Y por lo tanto, caer en la tentación de acabar viendo a un desaprensivo como un pícaro espabilado, y por lo tanto con esa simpatía que muchos de mis conciudadanos sienten por estos individuos, me causa desasosiego y aflicción. No. Todos unos ladrones. Las víctimas somos los ciudadanos. No se pueden plantear paños calientes.

Por lo demás, la película se deja ver, y a ratos se disfruta bastante. Pero creo que hay que tener las cuestiones éticas bien amarradas, para dejar a cada cual en su sitio. No hay pícaro o sinvergüenza simpático, si las víctimas últimas son los ciudadanos de un país.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine] Free State of Jones (2016)

Cine

Free State of Jones (2016; 482016-1909)

En estos momentos, que Matthew McConaughey aparezca en el reparto de una película es casi un indicativo fijo de que hay que ir a verla. Menos entusiasmo nos producía que el director fuese Gary Ross, pero como la crítica internacional se había mostrado interesada en esta película desde hace tiempo, nos acercamos el pasado lunes a la versión en idioma original subtitulada en castellano. La película también se puede encontrar en versión doblada en la cartelera española con el título no del todo fiel al original de «Los hombres libres de Jones».

La película está basada en hechos ciertos pero mal documentados. Es decir, es conocido que en el condado de Jones en el sur del estado de Misisipi hubo una revuelta encontra del régimen secesionista del estado y de los Estados Confederados de América durante la guerra civil norteamericana. Y que pareció estar liderada por Newton Knight (Matthew McConaughey), un hombre de ese estado, de fuertes convicciones religiosas, contrario a la esclavitud y a la discriminación por cuestión de raza. A partir de ahí, tenemos que considerar que en la película de Ross hay elementos de verdad histórica, elementos de especulación histórica y elementos de ficción histórica. Aunque desconozco en qué proporciones.

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Los «hombres libres de Jones», si fueron como nos lo cuentan en la película, fueron una guerrilla. Poco partidarios del campo abierto a la hora de entablar combate. Bosques, pantanos y ciénagas,… ese era el ambiente en que se movían. A falta de los bosques originales del sur del estado de Misisipi, vagaremos fotográficamente por los bosques de Alsacia en los Vosgos.

La cinta comienza con nuestro protagonista en 1862, alistado forzosamente en el ejército rebelde, del que deserta como consecuencia de la percepción de una serie de injusticias en la política confederada y en las formas en que se lleva la economía de guerra. Convertido en lider de un grupo de desertores y esclavos fugados en los pantanos del sur del estado de Misisipi, y tras conseguir algún éxito parcial en su oposición al ejército secesionista, termina la guerra y conforme la autoridades del norte van devolviendo el poder a los sureños, conforma una comunidad multirracial en la que no faltarán las tensiones con los supremacistas blancos de la zona. También llega al final de la guerra separado de su primer mujer, Serena (Keri Russell) y unido a la que sería su segunda mujer, una esclava liberada, Rachel (Gugu Mbatha-Raw) constituyendo una unión multirracial, prohibidas por los estados del sur de los EE.UU.

En paralelo a esta historia, la película nos ofrece flashes de un juicio que ochenta años más tarde se está celebrando en ese estado de Misisipi, en el que se juzga a un descendiente de Newton Knight, Davis (Brian Lee Franklin), al que se supone también descendiente de Rachel, y por lo tanto con un octavo de ascendencia de color, lo cual lo califica legalmente como un ciudadano de color. Al casarse con una mujer blanca, habría cometido un delito. Este juicio fue real, fue declarado culpable, pero no cumplió sentencia porque temiendo una apelación a tribunales federales, el tribunal superior del estado temió que la ley que prohibía los matrimonios mixtos fuese declarada ilegal y lo exoneró de todo delito.

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La película tiene muchos temas. Y muchos tonos. Empieza como alegato antibelicista, para luego adentrarse en la película de aventuras y acción con los rifirrafes entre los «hombres libres del condado de Jones» y el ejército y las autoridades secesionistas. Después vuelve al modo de denuncia, en este caso sobre las leyes de discriminación racial y las acciones de los supremacistas blancos, con un incipinte Ku-Klux-Klan. El problema es que no acaba de encontrar el tono, que como digo va dando bandazos sin centrarse en profundizar en ninguno de los temas, y dando brochazos más o menos groseros sobre cada uno de ellos.

Desde antiguo, el cine tiene una tradición de «no hacer sangre» con el conflicto bélico que enfrentó a los estados del norte de la Unión, partidarios de un estado federal, con los del sur, más proclives a una confederación donde cada estado tuviera preponderancia sobre la política global. De fondo, dos modelos económicos distintos, uno industrializado y otro agrario, este último soportado por la vergonzosa institución de la esclavitud. De hecho, películas emblemáticas de la historia del cine, entre ellas como máximo exponente Gone with the Wind (Lo que el viento se llevó), donde se muestra una visión del sur de damas bellas y galantes, hombres apuestos, valientes y caballerescos, y una visión de los esclavos como de niños que no podrían subsistir por sí mismos sin la guía del hombre blanco. Pura propaganda para sustentar un regimen de appartheid y discriminación racial en buena parte de los Estados Unidos hasta muy avanzado el siglo XX, que aun hoy en día muestra que todavía tiene temas sin resolver. Hace unos años, pudimos ver una película, Cold Mountain, que no entraba en el tema de la esclavitud, pero que al menos rompía con la idea de guerra entre caballeros y con la visión idealizada del ejército rebelde y esclavista. Curiosamente, no tuvo un gran éxito, aunque desde mi punto de vista era una película más apreciable de lo que la crítica nos contó. Pero lo hizo en momentos donde soplaban vientos de guerra en Irak y Afganistán, y no se veían bien las obras antibelicistas.

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Puestos a escarbar en la historia del cine. Durante años he intentado saber cuál era el título de una película que vi en la televisión en algún momento en la transición de mi infancia a la adolescencia, y que hablaba de un «estado libre de Lebanon» como un reducto de oposición a la guerra de secesión. Con motivo de esta película me he enterado que se inspiraba, aunque se alejaba muchísimo de los hechos reales, en lo acontecido en el condado de Jones. Su título fue Tap Roots (Raíces de pasión), y a pesar de que a mí me causase cierta impresión, no está excesivamente bien considerada.

Volviendo a la película que nos ocupa hoy, su indudable punto fuerte está en la interpretación de McConaughey, que sigue en estado de gracia, que llena la pantalla con su presencia. También eso conlleva a que su personaje se come a otros que podrían haber tenido más presencia, más potencia y no poco interés. Salimos del cine con la sensación de que las dos mujeres con mayor presencia en el filme están desaprovechadas. Tanto Keri Russell como la británica Gugu Mbatha-Raw son actrices capaces. Incluso muy capaces. Y de la propia interacción entre ellas en lo que en la práctica fue un matrimonio bígamo hubiera dado para una película, aunque fuera de ficción, que podría ser notable.

Terminemos, que me está saliendo un comentario muy largo. Las intenciones de la película son buenas, los medios utilizados para desarrollarlas están también bien, las interpretaciones de primer nivel,… y sin embargo la película, siendo razonablemente recomendable, no acaba de dar de sí todo lo que podría. En algún momento se desinfla, llevándonos incluso a un final anticlimático que nos deja un poco en la duda de adónde exactamente nos quería llevar el director. No obstante, se deja ver bien, y puede ser una opción a considerar en la cartelera de estos días de principios del otoño.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

 

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[Cine] Tarde para la ira (2016)

Cine

Tarde para la ira (2016; 472016-0909)

Primer largometraje de Raúl Arévalo, actor metido a director, que llega a las carteleras avalado por buenas críticas, redondeadas por el éxito para una de sus actrices, Ruth Díaz en el papel de Ana, que ha conseguido uno de los premios de la última bienal de Venecia. No el de interpretación femenina en la sección oficial, pero no deja de ser un galardón prestigioso.

Largometraje de duración muy moderada, en la que la acción va bastante al grano aunque sin que se salte ningún elemento necesario para la narración de la historia, donde se desgrana una venganza que se pone en marcha cuando ocho años más tarde del atraco a una joyería con muertes y lesiones graves, el único detenido sale de la trena, Curro (Luis Callejo). Y junto con el parroquiano de un bar, José (Antonio de la Torre), donde trabaja su novia, Ana, de la cual parece colgado el solitario parroquiano, comienza en circunstancias que no mencionaré por no destripar, la búsqueda de los violento criminales que quedaron impunes. Porque Curro, al fin y al cabo, sólo era el conductor que se buscaron para la huída y, como he dicho, el único que pagó el pato.

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Como hacen en la película, nos iremos por Castilla un poco, por su parte más rural. En el encabezado y esta picota, Berlanga de Duero.

Rodada con un sucio y granujiento Super  16, con frecuencia cámara en mano y siguiendo muy de cerca a los personajes, el director y su equipo buscan meternos muy dentro de la acción y de las sensaciones que viven sus personajes, con eventuales descansos para situarnos en entornos generales y encuadrar la acción. Cutredad visual buscada, y que no creo que se deba a motivos económicos. Últimamente viene siendo más barato rodar en digital que en película tradicional.

Todo ello apoyado por excelentes interpretaciones especialmente del trío protagonista mencionado. De la Torre ya nos tiene acostumbrados a interpretaciones sobrias de personajes atormentados, y Callejo resulta convincente en esa mezcla de aturdimiento y ansiedad que sufre el personaje al salir del talego. Ruth Díaz no me sonaba más que de haberla visto de pasada en alguna teleserie, sin que me hubiese llamado la atención por nada en especial. Es evidente que tenemos que esperar a que los intérpretes españoles vayan madurando con la edad, porque sus comienzos en la televisión suelen venir acompañados de notable mediocridad.

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Ermita de San Bartolomé en el cañón del Río Lobos.

Dicho todo lo cual, la película es más que digna y tiene su mérito, aunque a mí no me acaba de enganchar del todo, ya que estas producciones en las que abunda la testosterona más o menos violenta no me seducen mucho. Pero puede gustar a más de uno, por qué no.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
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Casa de los Cueto Caraveo en la Plaza Mayor de Ciudad Rodrigo.

[Libros] El cielo sobre Berlín… cuando el niño era niño…

Cine, Literatura

Comienza la película de Wim Wenders Der Himmel über Berlin (Cielo sobre Berlín)Der Himmel über Berlin (Cielo sobre Berlín) con los versos del Lied vom Kindsein (Canción de la niñez) de Peter Handke (también coguionista de la película).

Als das Kind Kind war,
ging es mit hängenden Armen,
wollte der Bach sei ein Fluß,
der Fluß sei ein Strom,
und diese Pfütze das Meer.

… … …

Cuando el niño era niño,
andaba con los brazos colgando,
quería que el arroyo fuera un río,
que el río fuera un torrente,
y este charco el mar.

… … …

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Nos vamos a Berlín, fotográficamente… y veremos las actuaciones de acróbatas y malabaristas en Alexanderplatz.

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Recorreremos la ciudad a borde del S-bahn.

Y a continuación, con la inmensa fotografía en blanco y negro del poeta de la luz, Henri Alekan, y acompañando a los ángeles Cassiel (Otto Sander) y Damiel (Bruno Ganz), sobrevolamos y recorremos la ciudad de Berlín, una ciudad todavía dividida por el vergonzoso y vergonzante muro, llena de cicatrices de la hórrida guerra que desde su cancillería se desató, metáfora de todo lo bueno y todo lo malo que la humanidad atesora. Unos ángeles con capacidad de pensamiento pero sin capacidad de acción. No son ni mensajeros, ni guardianes, ni justicieros de los actos de la humanidad; sólo testigos, aunque con capacidad para empatizar, para sufrir con los seres humanos a los que observan y acompañan, sin que estos perciban esta presencia. Salvo los niños…

Als das Kind Kind war,…

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Pasaremos un rato reflexionando en la East Side Gallery, en los antiguos lienzos del muro que dividía la ciudad.

El filme de Wenders, para mí una de las dos grandes obras de su cinematografía junto con Paris, Texas, con permiso de Alice in den Städten (Alicia en las ciudades), nos muestra la capacidad del séptimo arte para la poesía. Para trasladar emociones, al mismo tiempo que belleza; para suscitar reflexión, al mismo tiempo que esperanza. Porque al fin y a la postre, puestos a elegir, algunos ángeles prefieren la mortalidad y el sufrimiento del ser humano, a cambio de la posibilidad de sentirse vivos, de amar. Hay muchas enseñanzas ahí. Y Marion (Solveig Dommartin)… que merecería una entrada para ella sola.

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Buscaremos la presencia de algún ángel entre las alas de la Victoria en la Siegessäule.

Paseando a principios de julio por un mercadillo en el casco viejo de Zaragoza, entre en una librería, y estuve hojeando un poquito en la sección de libros ilustrados. Experiencias previas con obras de Haruki Murakami, hacen que me interese por lo que publican los Libros del Zorro Rojo, y allí me encontré con la reciente adaptación al formato de historieta de la película de Wenders de la mano de Sebastiano y Lorenzo Toma.

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Deambularemos bajo el paso del tren en Hackesher Markt.

Hay una serie de diferencias entre el cómic y la película, aunque expresamente se basa en esta con intención de ser fiel a la historia y a su espíritu. Hay una traslación de época, y en lugar de situarnos en el Berlín de final de la guerra fría, todavía dividido por el muro, con la Potsdamer Platz convertida en un descampado y con los ángeles reuniéndose en la biblioteca, nos encontramos en el Berlín actual, con la Potsdamer Platz convertida en un nudo de convivencia y comunicaciones para los berlineses y con los ángeles reuniéndose en el monumento a los judíos asesinados en Europa por el nazismo. También obvia la subtrama que protagoniza Peter Falk en la película. Y lo hace sin que se eche faltar, a pesar de que en el filme tiene su importancia a la hora de comprender la decisión de Damiel, de renunciar a sus alas.

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Conoceremos las vidas de quienes se opusieron a la peor cara de la ciudad en el siglo XX en el Lustgarten.

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Nos dirigiremos hacia Potsdamer Platz a la sombrar de los distintos horrores que ensombrecieron la capital alemana.

En lo que se refiere a la realización de la historieta, se basa en la reproducción de las escenas por parte de actores y artistas de circo reales, que son filmados y fotografiados, para luego las escenas ser reproducidas con dibujos para el cómic. Por ejemplo, el papel de Marion es realizado por Lise Pauton, contorsionista francesa, que pone su cara y sus movimientos a beneficio de la pizpireta trapecista que roba y calienta el frío corazón del ángel Damiel. Solveig Dommartin, en la película, aunque no era acróbata de circo, aprendió los ejercicios del trapecio y la cuerda, que realizó por sí misma, sin doblaje por especialistas. La autenticidad siempre ha sido un factor importante en la obra, tanto la fílmica como la gráfica. Hay algunos personajes que son encarnados por los mismos intérpretes en ambas obras. La prostituta bajo el paso elevado, por ejemplo, tanto en la película como en el cómic recibe el rostro de Beatrice Manowski.

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Nos perderemos en el tumulto actual de la renovada Potsdamer Platz.

Cuál es el resultado final de la adaptación. Interesante. No pierde ni un ápice de la esencia de la obra original, pero sirve para actualizarla a la situación del mundo y de los seres humanos, casi treinta años más tarde, ya entrados en el siglo XXI. Y nos sirve para comprobar que el mensaje es universal y válido con el paso del tiempo. Yo lo recomiendo. Pero quizá primero y antes de nada, ver la película. No será del gusto de aquellos cuya máxima aspiración a la hora de ver cine sea la de atragantarse comiendo palomitas y bebiendo refrescos de cola… pero para aquellos con una cierta sensibilidad… merece la pena el esfuerzo.

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Y reflexionaremos, o pasearemos, incluso jugaremos, entre las estelas del Monumento a los judíos asesinados en Europa.

[Cine] Kubo y las dos cuerdas mágicas (2016)

Cine

Kubo y las dos cuerdas mágicas (Kubo and the two strings, 2016;462016-0409)

El estudio que nos ofreció hace unos años esa maravilla que fue Coraline, con el director Travis Knight que estuvo en el equipo de animadores de aquella, nos vuelve a traer un nuevo largometraje de acción y fantasía basado en la técnica del «stop motion». Técnica de animación que, ya adelanto, ha adquirido altos niveles de desarrollo en la película que hoy nos ocupa. Véase la secuencia de los ojos en el fondo del mar. En fin… como vamos a ver, película ambientada en el antiguo Japón, por lo que fotográficamente viajaremos a los bosques de bambú de Kioto a los santuarios y bosques de Nikko.

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La historia busca su inspiracion en los mitos y tradiciones del folclore y el shinto japoneses. Nos habla de un muchacho que vive sólo con su madre trastornada, como contador de historias, hasta que de repente se introducido como protagonista en esas mismas historias, en las que hay una pugna entre los héroes terrenales y las frías divinidades que habitan la luna. ¿Alguien por ahí levanta la mano para comentar algo sobre semejanzas con el cuento de la princesa Kaguya? Alguna semejanza se podría encontrar, aunque las historias son diferentes. Y por aquí se le notan las costuras a la historia de Kubo. Aunque basada en el folclore nipón, carece de la profundidad de las historias que nos cuentan desde el país del sol naciente, por ejemplo desde el Studio Ghibli. Es una película entretenida, que le hace a los cuentos japoneses un roto que puede ser parecido al que Disney le hace a algunos cuentos de la tradición europea. Sin que por ello quede una película mala, ni mucho menos. Es muy entretenida, y la animación está fenomenalmente hecha. Pero más allá de la espectacularidad de algún momento… mucho más superficial de lo que el tema permitía.

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Sí, es así. Se hacen concesiones a los estándares esperados. Y, por ejemplo, Kubo toca el shamisen más como un adolescente del medio oeste americano tocaría el banjo que como se toca realmente el instrumento oriental. Y al final, todo se desliza hacia un buenrollismo que no llega a ser empalagoso, pero que no pega con una historia más agridulce que lo que nos plantean.

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Dicho todo lo cual, no me arrepiento en absoluto de haber buscado la excusa de ir con mi sobrino Diego, de siete años, al cine para ver la película. Es de lo mejor que ha llegado a la cartelera en este verano que tan largo se nos está haciendo. Y por lo demás, lo único realmente lamentable es no haber podido disfrutar de la voz original de los actores en la versión en inglés… que igual le quita alguna estrella por lo menos en mi valoración de la interpretación, pero bueno. Si tenéis algún peque en casa, hay que ir a verla. Y si no, buscaros uno o sacudiros la vergüenza e id a verla de todos modos.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***

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[Cine] Café Society (2016)

Cine

Café Society (2016; 452016-3008)

Es una tradición de décadas, que cuando llega el otoño toca reencontrarse con Woody Allen, que sigue a su ritmo de película por año… y nos cuentan que tiene también pendiente de estreno una miniserie de televisión. Lo único que cambia es que en años recientes, más que en otoño, el estreno de la película de Allen es más en los finales del verano. Es posible que el neoyorquino no tenga ya el tirón de antaño, y las distribuidoras y exhibidores cinematográficos no le reservan fechas de tanto prestigio como antaño. Como sea.

La cuestión es que hemos tenido nuestra dosis anual de… lo mismo. El romance, la religión, el éxito y la fama, la muerte,… el sentido de la vida en general, siguen siendo sistemáticamente los temas que interesan al peculiar director de cine que a lo tonto modorro nos presenta esta película con los 80 años ya cumplidos.

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Inevitablemente nos vamos a Nueva York fotográficamente hablando, y pasearemos por Brooklyn a orillas del East River.

Una película que no ofrece nada realmente novedoso. Momentos de comedia que nos pueden recordar a Annie Hall, paisajes de Nueva York que nos retrotraen a Manhattan, asuntos de familia que han podido ser tratados en Hannah y sus hermanas o en Días de radio, el crimen organizado que ya vimos en Ballas sobre Broadway, o el mundo de las celebridades que trato en Celebrity… Salvo esta última, que a mí no me convenció a pesar de su reparto de campanillas, todas las anteriores son ampliamente superiores a la obrita que nos trae en este 2016.

Y sin embargo, salimos del cine con buenas sensaciones. Buena música de jazz, maravillosa fotografía de Vittorio Storaro, mujeres guapas, y un romance de sabor agridulce, que sin embargo tiene más miga de lo que parece. En cualquier cosa, Woody Allen consigue algo que yo consideraba poco probable, y es que dos de los intérpretes más siesos y antipáticos de Hollywood a mis ojos (apreciación muy personal y que no tiene porque ser coincidente con otras personas), Jesse Eisenberg y Kristen Stewart, nos caigan bien y simpáticos. Y nos ofrecen un romance que en sí mismo no tiene sentido salvo que integremos en el mismo al conjunto del reparto. Por que de una forma u otra, el personaje de Stewart, Vonnie, se enamora del mismo hombre, en dos época de su vida, representados por Eisenberg y por Steve Carell, este último interpretando al tío del primero. Y el personaje de Eisenberg se enamora de una idea de mujer, representada por las dos Veronicas, la Vonnie interpretada por Stewart, y la Veronica interpretada por una desaprovechada Blake Lively, que si la primera consiguen que salga bien guapa con el diseño de vestuario, esta segunda sale absolutamente espectacular, gracias entre otras cosas a su casi metro ochenta de estatura.

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Donde contemplaremos la silueta del bajo Manhattan.

De fondo, los problemas de familia y el mundo del famoseo, que proporcionan el tono humorístico, desenfadada e incluso cómico a esta historia de amor más sustancial de lo que podría parecer al principio, con una galería de personajes secundarios que nos alegran francamente la sesión. Fenomenal la escena entre los dos padres del protagonista, discutiendo las «ventajas» del cristianismo sobre el judaísmo, y sobre las formas de afrontar la irremediable muerte que a todos nos llega.

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O nos pasearemos bajo el puente de Queensboro en Roosevelt Island.

Las críticas leídas a priori sobre esta película nos habían creado unas expectativas bajas, muy influenciadas por la tremenda flojera de la dosis del año pasado. Pero lo cierto es que salimos con una sonrisa en la boca, una buena sensación en el cuerpo y dispuestos a admitir que, si bien lo mejor de la creatividad de Woody Allen pertenece al pasado, no nos importa que nos «importune» cada año con peliculitas como esta, que por otra parte superan en interés a practicamente cualquier otra comedia romántica que se estrene en estos tiempos.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
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Y como no, por Central Park, todas ellas localizaciones muy propias de las películas de Woody Allen.

[Cine] Star Trek: Más allá (2016)

Cine

Star Trek: Más allá (Star Trek Beyond, 2016; 442016 – 2108)

Primera declaración pública, que quiero dejar clara. No soy ni he sido nunca «anti» Star Trek. Es más, esta saga de productos televisivos y cinematográficos forma parte inseparable de mis recuerdos agradables de la infancia.

Segunda declaración pública, sobre la que también voy a ser contundente. Los 10 largometrajes rodados entre 1979 y 2002, de los cuales sólo el primero vi en el cine en pantalla grande, los demás los fui viendo en televisión ocasionalemente, me parecen malos. Algunos incluso muy malos. El primero, el que vi en pantalla grande, me pareció un tostón. Y me desligó por completo de la saga. Pensemos que en aquellos momentos Star Wars estaba en todo su esplendor.

Tercera declaración pública, sobre la que también tengo una firme opinión. Los dos largometrajes del relanzamiento de la saga a partir de 2009 supusieron que la franquicia se sacudiera mucha de la caspa acumulada, pero están lastrados por guiones infumables.

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Con la serie original de Star Trek pasa una cosa curiosa; esta rodada en color, pero se emitía en blanco y negro.

Como he comentado, mis recuerdos sobre la serie se remontan a la infancia. Durante la misma, cuando se emitió por primera vez en TVE, fue conocida como «La conquista del espacio». Era prácticamente única en cuanto a temática, aunque había alguna serie de animación de marionetas británica que también trataba de aventuras más o menos espaciales. Con posterioridad, se volvió a emitir, pero con el título que recibió en Latinoamérica, «Viaje a las estrellas», traducción más próxima a ese «star trek» original. Varios de aquellos episodios quedaron grabados en mi memoria. Recuerdo en especial el titulado Miri, donde la tripulación llega a un planeta habitado por niños y adolescentes, ya que, infectados por un extraño virus, mueren cuando se acercan a la edad adulta. ¿A alguien le suena de algo reciente? Bueno, aquel episodio causó mucha angustia en mi yo infantil.

Cuando el día 15 de agosto volví de viaje, de Estocolmo, tuvieron la gentileza de venirme a buscar a la estación con coche mi hermana y mi sobrino de 7 años. Y Diego, así se llama me sobrino, me anunció entusiasmado que anunciaban en las marquesinas de las paradas de los autobuses «la última de Star Wars». Pues no. Era «la última de Star Trek». Tomamos la decisión de que al peque había que enseñarle la diferencia, y que luego eligiese lo que más le gustase. Star Wars ya lo conoce de sobra… en mi familia siempre hemos sido muy de «star wars» para lo bueno y para lo malo.

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Actualmente, se puede ver en color… DVD, Blu-ray y esas cosas… pero los colores resultan muy extraños, porque estaban pensados en la escala tonal que producirían al convertirse en matices del gris.

Con estos antecedentes nos fuimos este domingo a la matinal de la tercera época de esta nueva época. Que para mi venía precedida de dos antecedentes insatisfactorios. Será por las bajas expectativas o por otros motivos que ahora comentaré, pero ya adelanto que sin ser una experiencia inolvidable pasamos un rato entretenido. Desde mi punto de vista, en esta ocasión sacrifican parte de la espectacularidad de las dos anteriores entregas a cambio de una aventurilla mejor contada y engarzada. Es cierto que un poco más larga de lo necesario… mal común a buena parte del cine de acción actual, cuyo metraje está innecesariamente estirado para lo que hay que contar. Y sufre… cómo no, porque el reparto es el mismo, de un mismo problema que las dos anteriores. Las interpretaciones son más bien flojas. Flojas, flojas. Sin entrar ya en que algunos de los personajes han pasado de tener un papel destacado a ser meros floreros. Masculinos o femeninos. Y que siempre tendremos el lastre de que el nuevo Señor Spok (Zachary Quinto) no le llega al anterior ni a la suela del zapato.

¿Cuál es la conclusión sobre esta película dirigida por Justin Lin? Mi sobrino opina que Star Wars es mejor. Pero que nos lo pasamos bien. Un producto adecuado para pasar una matinal de un domingo de agosto, comiendo patatas fritas y conguitos. Exactamente lo que considero que debería estar prohibido en cualquier película seria.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: ***
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Quizá por eso he decidido acompañar esta entrada con estas fotografías que he estado repasando estos días. Son de hace dos años, película Kodak Tri-X 400 expuesta con la Leica CL, en los alrededores de Erla, pequeña población aragonesa.

[Cine] Regreso a casa (2014)

Cine, Sin categorizar

Regreso a casa – Going Home (Guīlái [归来], 2014; 432016-1708)

No. No han tenido muy claro cómo titular esta película que en Zaragoza no hemos podido disfrutar en versión original. En cartelera a aparecido con el doble título en castellano-inglés… de un título chino que parece que significa simplemente «retorno».

Y estamos ante la última película dirigida en solitario por uno de los directores chinos más conocidos, Zhang Yimou, que vuelve a la carga con una historia basada en la época de la Gran Revolución Cultural Proletaria, época de muchos quebrantos en China, después de una película que pudimos ver hace unos años ya, y se aleja del cine espectacular de artes marciales, que es el que le ha dado más fama en occidente, aunque yo prefiero el cine que hacía hace más de 20 años, mucho más íntimo.

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China no se ha democratizado, pero su capitalismo de estado ha generado una clase pudiente que, aunque una mínima proporción de la población china, son suficientes como para que se les vea por todo el mundo… En Londres…

Olvidémonos de los aspectos políticos de la época en la que se sitúa la acción. No es un filme de denuncia política. Por lo menos, a mí me parecería cínico considerarlo así, puesto que el régimen que sustituyó al de aquella época en China es más del gusto de Occidente, pero igualmente dictatorial. Y Zhang Yimou parece que se lleva bien con él… recordemos su participación en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Pekín, evento eminentemente propagandístico del régimen chino.

Así pues, estamos ante un drama familiar desencadenado por las condiciones sociopolíticas del momento, en el que se exploran los temas del amor incondicional, el valor de la familia, el perdón o la fidelidad. Todo ello en las peripecias de una familia en la que el padre es un preso político por pertenecer a la intelectualidad del país, mientras que la madre está a la eterna espera, y la hija, cuando empieza la película, es una joven adolescente, y como tal egocéntrica y deseosa de encajar y ser aceptada. Lo que no necesariamente son ingredientes para una vida feliz.

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En las Mil Islas del San Lorenzo cerca de Kingston en Canada…

La película es una historia pequeña, austera, visualmente interesante pero sin aspavientos, y que descansa en gran medida sobre los hombros de sus intérpretes entre ellos una inconmensurable Gong Li, asumiendo sin problemas papeles de mujer madura, y un notable también Chen Daoming, que nos emociona con el estoicismo del que dota a su personaje. Sin problemas también para la joven Zhang Huiwen, que cumple con nota la papeleta de acompañar a dos protagonistas tan notables.

No vamos a decir que sea una obra maestra, pero es una película que, como digo, si nos olvidamos de la parte política, es honesta y emotiva. O por lo menos nosotros encontramos momentos suficientes para emocionarnos con el devenir de esta familia. Probablemente de lo más recomendable en una cartelera en la que hay mucho ruido y pocas nueces. Como suele ser habitual en verano.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
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O junto al ayuntamiento de Estocolmo en Suecia… Y todas ellas quieren hacerse muchas muchas muchas fotos… Podríamos hablar también del significado de las fotografías en la película que comentamos hoy… interesante…

[Cine] Jason Bourne (2016)

Cine

Jason Bourne (2016; 422016-0108)

Sesión de cine palomitero veraniego a costa de una nueva entrega de una de las pocas sagas de cine de espías que nos ha llegado a convencer en algún momento. Cuando hace ya catorce años recibimos la primera entrega de esta saga que primero fue adaptada a televisión, nos encontramos con una entretenida película, nada que fuera a hacer historia por si misma, pero que ofrecía una protagonista con posibles como se ha demostrado posteriormente. Y sobretodo, permitía encontrar sus sitio en el mundo a un actor que en aquel momento no pasaba de ser un intérprete normalito, bastante inexpresivo. Pero como Jason Bourne (Matt Damon) tenía que ser inexpresivo, miel sobre hojuelas.

La segunda entrega no estuvo mal, pero no aportó nada nuevo, y encima nos dejó sin la presencia de la muy atractiva Marie (Franka Potente), personaje que se aleja de los bollicaos habituales de las películas de espías sin perder un ápice de atractivo, aunque es una saga que no trata especialmente bien a los personajes femeninos. Y si no que se lo pregunte a la pobre Nicky (Julia Stiles). En cualquier caso, aunque entretenida, parecía que marcaba una dirección descendiente en la saga. No superaba a su predecesora y no era especialmente memorable. Por lo menos yo no recuerdo muy bien los detalles de la película. Entretenimiento sin más.

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Una de las características de estas películas de espías que te recorren medio mundo en dos horas.

Pero en estas estábamos, cuando nos llegó la tercera entrega, que casi se me pasa porque no confiaba ya que una tercera iteración de lo mismo nos ofreciera nada nuevo o interesante, y mira tú por donde nos ofrece la mejor entrega de la saga y la que hace que destaque de otras sagas sobre temas similares. Un guion más que notable y un desarrollo más basado en la intriga y la inteligencia que en la mera acción y espectacularidad. Aunque también hubiera de esto.

Ignoramos el spin-off protagonizado por otras gentes y que no fue especialmente bien tratado por la crítica, y que no incluyo como cuarta parte de la saga, sino como una derivación de la que no nos vamos a preocupar. Lo cierto es que mi sensación era que la tercera entrega había dado un cierre convincente a la historia, y que probablemente no era necesario más. Una oportunidad para que en Hollywood fueran un poco creativos y pensaran en otras historias originales. Pero no. La industria del cine de acción y entretenimiento norteamericana está muy estancada en el hábito de exprimir hasta la extenuación aquellos productos que se han mostrado rentables en su momento, y decidieron ir a por esta cuarta entrega de hoy, dirigida como la segunda y la tercera por Paul Greengrass.

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De los lugares que recorre la película de hoy, sólo tengo fotografías de dos, las anteriores de Berlín, y estas dos últimas de Londres.

No voy a preocuparme mucho de explicar de que va… es más de lo mismo. Los malos, que en esta saga no son misteriosas organizaciones rusas o islámicas, sino la propia CIA, de nuevo a por Bourne. Aunque con el equipo renovado… Vemos aparecer por ahí a Tommy Lee JonesAlicia Vikander y Vincent Cassel. Nicky también aparece… pero ya digo que esta saga trata muy mal a las chicas… Todos cumplen con sus papeles con suficiente dignidad y oficio, porque son buenos intérpretes, pero sin más.

La película es un entretenimiento que realmente no aporta nada a lo visto hasta la fecha en la saga. Es simplemente el típico ordeñamiento hasta la extenuación de la vaca lechera… hasta que deje de dar beneficios. Cierto es que entretiene. Que no es ninguna bazofia. Que se deja ver sin mayores problemas. Pero no deja de ser una oportunidad desaprovechada de utilizar los buenos dineros que cuestan estas películas para hacer algo realmente interesante. Un comentario aparte merecería la cuestión de las buenas actrices actuales que acaban haciendo papeles flojos en las franquicias de hacer dinero. El caso de Vikander en esta película que tiene un papel que tendría muchos más matices y posibilidades que los que nos ofrecen… Totalmente desaprovechada… Pero hay tantas otras buenísimas actrices que pasan de triunfar en producciones interesantes a ejercer de floreros de lujo en las producciones de acción. Creo que la última en apuntarse a la moda ha sido Brie Larson, que tras su éxito en los últimos oscars parece que va a pasar de ser musa del cine independiente a enfundarse los estúpidos leotardos de colores del cine de superhéroes… ¿estamos de nuevo ante el final de una gran actriz? Poderoso caballero es don dinero.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
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Y aunque estaba pasando por mi cabeza visitar por mi cabeza algún otro país de extremo oriente, me he dado cuenta de qué no sé por qué no he visitado todavía Grecia.

[Cine] Lolo (2015)

Cine

Lolo (2015; 412016-2907)

Hubo dos motivos para ir a ver el viernes pasado esta película. Por un lado tener la oportunidad de entrenar un poco el oído con el francés, que últimamente lo tenemos un poco oxidado. La película está también en cartelera doblada al castellano con el aclaratorio, tópico y vulgar título de «Lolo, el hijo de mi novia». La tontada de costumbre. Por otro lado, más sustancial en lo cinematográfico, hace muchos años… desde cierto color «blanco» por lo menos, que tenemos cierta debilidad por Julie Delpy, que convertida en un gran «Juan Palomo, yo me lo guiso, yo me lo como» escribe, dirige y protagoniza esta comedia romántica del país vecino. Sip. Delpy nos gusta… incluso si hay quien en este país que la confunde con la novia del presidente de la república, craso error. Incluso ahora que ya no oculta su condición de cuarentona,… mejor cuarentañera, no vaya a ser que nos ofendan algunas, de culo amplio, sobre lo que ella misma no duda en ironizar en los diálogos de la película. Bien por su sentido del humor.

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Aunque hay algunas escenas en Biarritz y Londres, la película se desarrolla principalmente en París, con varias coñas relacionadas con la torre Eiffel.

Pero, ay, que «amemos» a Julie Delpy no impide para que tengamos que ponernos un poco «serios» a la hora de evaluar este filme. Despy encarna a Violette, mujer parisina, separada desde hace tiempo, con un hijo asperiante a artista contemporáneo que no tardará en cumplir los 20 años, y a la que lo mismo le va estupendamente en su vida profesional de directora artística de «nomeacuerdoqueexactamente», que ve como sus sucesivas relaciones con los hombres van naufragando una tras otra. Animada por su mejor amiga, Ariane (una imponderable Karin Viard que merece mucha más presencia y protagonismo; extraordinariamente dotada para la comedia), durante unas vacaciones en Biarritz liga con un ingeniero informático, Jean-René (Dany Boon), que aunque no juega en las mismas ligas de la relación social, la hace feliz en otros aspectos de la vida. Especialmente, cuando se trata de la relación horizontal en la cama. Pero su retoño Lolo (Vincent Lacoste) no parece ver con buenos ojos la relación… Y cuando un retoño es una persona creativa y un tanto borde, rozando la sociopatía… cualquier cosa puede pasar.

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Así que nos pasearemos por su parques, como el de las Tullerías,…

Delpy tenía dos opciones en este comedia. O tirar por el lado francamente amable, del enredo con final feliz y sin más consecuencias, lo cual nos hubiera decepcionado en una persona de la inteligencia que le suponemos, o tirar directamente por la comedia borde y con final imprevisible que pusiese a caldo con desliciosa mala leche las instituciones pareja/familia/materno-filial todas de un plumazo. El caso es que no se decanta, y de hacerlo al final lo hace por el lado más amable, por lo que una comedia que comienza con unos mimbres muy interesantes, acaba vulgarizándose y no pasando de un mero entretenimiento con altibajos. Los varones de la función no acaban de dar la talla, Delpy monopoliza en exceso, y ya digo que echamos de menos una mayor presencia de Viard, cuyas escenas suben de modo casi sistemático el nivel de lo que estamos presenciando. De todos modos, la película se va volviendo previsible hasta desembocar en un final un poco precipitado y algo forzado.

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O por las orillas del Sena…

Entendámonos, seguiremos amando a Julie Delpy. Es un amor generacional, que dedicamos a esas mujeres del cine nacidas en los años 60 del siglo XX, comparable al el que profesamos por alguna que otra actriz francesa o española, cada una en su estilo, por mencionar a algunas, y al que ninguna actriz de Hollywood puede aspirar, porque siempre las veremos de papel couché o celuloide, mientras que las de este lado del oceano las sintamos de carne y hueso, más de verdad. Pero en esta ocasión nos ha dejado con las ganas… La película navega por una cierta mediocridad con apenas algún que otro momento salvador. Otra vez será.

Valoración

  • Dirección: **
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
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O por donde el romanticismo que atribuirmos a la ciudad-luz, merecido o no, nos lleve.

[Fotografía/cine] Películas documentales – Don McCullin y Robert Mapplethorpe – Fotografía y otras artes visuales

Cine, Fotografía

En las últimas semanas he tenido la oportunidad de ver desde la televisión de casa un par de interesantes películas documentales sobre dos fotógrafos del siglo XX, uno de ellos todavía vivo, que con estilos e intereses muy distintos, han marcado de alguna forma la historia de la fotografía contemporánea. En el enlace, os los cuento con detalle. Y si no os dejo los dos vídeos que he encontrado en youtube, la versión completa del dedicado a Don McCullin, con subtítulos en castellano, y el trailer del dedicado a Robert Mapplethorpe.

Origen: Películas documentales – Don McCullin y Robert Mapplethorpe – Fotografía y otras artes visuales

 

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