[Cine] En la pequeña pantalla; Fe de Etarras y The Meyerowitz Stories (2017)

Cine

No es la primera vez que comento este hecho. Las plataformas de vídeo bajo demanda no se limitan a producir series de ficción o documentales, que son las fórmulas televisivas por excelencia. También han comenzado a producir largometrajes que van más allá de la clásica fórmula del telefilme. Este último formato ha sido tradicionalmente una producción de duración de largometraje, adaptada a los ritmos publicitarios de las cadenas televisivas, con puesta en escena propia de la pequeña pantalla, y con presupuestos claramente inferiores al de los largometrajes para las salas cinematográficas. Lo que llevaba a repartos de segunda fila y diseño de producción más sencillo.

Pero el objetivo de las nuevas producciones de las plataformas de vídeo bajo demanda son más ambiciosos. Buscan repartos con nombres más reconocidos y respetados, aumenta el presupuesto y el nivel de producción, e incluso se han empezado a remitir estas producciones al circuito de festivales más prestigioso. Uno de los que nos ocupa hoy entró en competición por la Palma de Oro de Cannes. Cierto es que con resistencias notables de la industria tradicional cinematográfica, que no ve con buena cara producciones que no pasan por las poderosas distribuidoras y por los exhibidores en salas de cine. Se están proponiendo exclusiones de los festivales para producciones que no pasen por el aro. La polémica está servida.

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La fotografías de hoy se mueven a caballo entre Madrid y Nueva York, escenarios supuestos o reales de las películas de hoy.

Pero vamos a ir con dos producciones que se han estrenado recientemente en Netflix, y que han venido con aura de películas de cierto nivel. Una de producción nacional y otra estadounidense.

Fe de Etarras (2017; 422017-2210)

Esta comedia dirigida por Borja Cobeaga llegó a su estreno en la plataforma de vídeo bajo demanda rodeada de cierta polémica por los temas que trata. Los sectores más conservadores y reaccionarios del país empezaron con una campaña en contra de la posibilidad de que pudiese haber una película sobre un comando de ETA en términos de comedia. Supongo que serán todos fieles discípulos de cierto personaje de una famosa novela de Umberto Eco, que consideraba que todo aquel que opinase que es lícito reírse había de morir. No sé.

Es 2010. Un comando de ETA dirigido por Martín “El riojano” (Javier Cámara) se reúne en un piso franco en una ciudad no determinada, probablemente Madrid, pero no se explicita, a la espera de órdenes para cometer un atentado. Pero las cosas no van a llevar el curso que se esperaba, y la convivencia va a ser compleja.

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La película venía levantando cierta expectación, y muy pronto se empezaron a ver críticas muy positivas,… que yo me tomé con cierto escepticismo. Ya estoy empezando a cansar de la benevolencia de los medios españoles con las producciones de nuestro país, indudablemente con el acuerdo tácito de llevar más espectadores a verlas. La comedia no encuentra su tono. A ratos entra dentro del terreno de la comedia castiza más chusca, mientras que no deja de ser evidente que sus responsables pretenden dar un fondo un poco más serio a la misma. Algún tipo de reflexión más profunda sobre el sinsentido personal de quien está metido en una organización de este tipo. En mi opinión no les queda bien ni una cosa ni la otra; se quedan nadando entre dos aguas que acaba dando la sensación de que es una historia que no sabe muy bien a dónde quiere ir.

Las interpretaciones son correctas. Sin más. Esta es una película que normalmente no me arrastraría a verla a una sala de cine, pero que teniéndola en casa disponible en la caja tonta, tiene un pase. Nada más. No es de las que en mi opinión sirva para elevar el nivel de las producciones de estas cadenas de cine bajo demanda.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: **

The Meyerowitz Stories (New and Selected) (2017; 432017-2810)

Esta es la película que fue presentada a competición en Cannes. Está dirigida por Noah Baumbach, lo cual es un aliciente puesto que, llegando desde el cine independiente, este director ha hecho propuestas muy interesantes manejándose con presupuestos muy ajustados. Pero por otro lado, su reparto sólo me parecía interesante hasta cierto punto. No obstante, la crítica que la precedía era casi unánimemente positiva.

Es una historia familiar. Tres hermanos, Danny (Adam Sandler), Jean (Elizabeth Marvel) y Matthew (Ben Stiller), llevan sus vidas sin mucha relación entre sí. Con el mismo padre, Harold (Dustin Hoffman), un escultor que no ha llegado a disfrutar del reconocimiento que esperaba y se ha dedicado más a la enseñanza, sienten que no han recibido los mismos reconocimientos ni las mismas oportunidades. E incluso han surgido rivalidades y desconfianzas entre ellos, especialmente entre los dos varones. Una exposición retrospectiva de la obra de su padre, al mismo tiempo que aparecen problemas de salud en este, van a obligar a los hermanos a relacionarse y hablar.

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Detrás de un cierto tono de comedia, nos encontramos un drama familiar muy bien montado. A pesar de contar con un reparto mucho más llamativo que anteriores producciones, donde además menudean algunos cameos más o menos simpáticos o pequeñas colaboraciones de intérpretes en alza, no deja de tener su sabor de producción independiente, que se toma su tiempo en desarrollar los personajes, para que podamos entender bien la fuente de sus conflictos. Baumbach se muy bien en este tipo de historias, que además escribe él mismo.

Pero además cuenta con un reparto en estado de gracia. Sandler y Stiller dejan de lado su estilo humorístico tradicional, ofreciendo interpretaciones mucho más matizadas y con un tono dramático convincente y humano. Sin renunciar a los toques de humor o las situaciones más o menos absurdas en las que se meten, generalmente gracias al toque fenomenal de Hoffman, que hace uno de los mejores papeles que le he visto en los últimos tiempos.

Esta sí que es una película plenamente recomendable, a un muy buen nivel, que encontraría injusto que no se midiese en el mundo de los premios y festivales en condiciones de igualdad con las que se exhiben en salas comerciales.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****

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[Fotos] Inauguración de la exposición “SLOWPHOTO – Ejea en San Juan”

Fotografía

En el enlace a continuación, pequeña crónica de la inauguración de la exposición colectiva en la que participo en Ejea de los Caballeros. Aquí, las fotos, como de costumbre.

Origen: Inauguración de la exposición “SLOWPHOTO – Ejea en San Juan”.

Mis fotos en la exposición…

 

Paseo por Ejea, antes de la inauguración…

 

Durante la inauguración de la exposición…

[Fotografía] Recomendaciones semanales – del 15 al 29 de octubre de 2017

Fotografía

Después de un domingo en blanco, vuelvo a mis recomendaciones semanales, que en este caso son quincenales. A través del enlace. Para ilustrar, paisajes urbanos y arquitectónicos en el entorno del puente de la Almozara y el paseo de Ranillas.

Origen: Recomendaciones semanales – del 15 al 29 de octubre de 2017 – Fotografía y otras artes visuales.

Pulsar en las fotografías para verla en grande en forma de pase de diapositivas.

[Cine] The Glass Castle (2017)

Cine

The Glass Castle (2017; 412017-2610)

Habíamos dejado un poco de lado esta película dirigida por Destin Daniel Cretton, cosa que no entiendo muy bien porque la anterior colaboración de este director con la protagonista de la película, la excelente Brie Larson, nos gustó mucho. Pero mucho. Supongo que fue porque el avance que pudimos ver en los cines en los meses anteriores no era excesivamente afortunado. Definitivamente, hay que ignorar los avances. Pero bueno, en un jueves tontorrón, después de recoger un paquete que tenía pendiente, mi libro de fotos de las Lofoten, nos acercamos a la salas de cine para ver este drama familiar.

Jeannette (Brie Larson/Ella Anderson/Chandler Head) es una joven periodista de éxito en Nueva York, hacia finales de los años 80 del siglo XX, prometida a un profesional de las finanzas con éxito (Max Greenfield), y que vive relativamente extrañada de su extravagante familia. Mediante una serie de flashbacks intercalados con su evolución en su vida actual, conoceremos como fue su vida en su infancia y adolescencia con sus hermanos, con su madre (Naomi Watts) y especialmente con su padre (Woody Harrelson).

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La película transcurre a caballo entre el presente en Nueva York y el pasado en diversos lugares, principalmente Virginia Occidental. Pasearemos por lo tanto por Nueva York.

He de reconocer que he vivido esta película con una sensación de ambivalencia. La película está basada en las novela autobiográfica de la periodista Jeannette Walls, y sobre la base de que la esencia de la historia son hechos reales. El problema es que durante toda la película me olí el final… y con la experiencia que me ha dado mi profesión de lo que es el contacto con familias de padres abusadores, descuidados y alcohólicos,… hay muchas cosas que no me cuadran. No digo que no hayan sido verdad de alguna forma, simplemente que no me cuadran. Porque estamos ante una de esas situaciones que les gustan a los norteamericanos de vez en cuando en la que, da igual las burradas que alguien haga, al final, todo el mundo es bueno. Y si me perdonáis… pues no.

Pero más allá de esto, la película tiene una gran aliciente. Con un director que muestra oficio, aunque dista de estar tan afortunado como en la película que tanto nos gustó hace unos años, el reparto es un reparto en estado de gracia, con notables interpretaciones por todas las partes, incluido los críos que interpretan a los cuatro hermanos en su infancia o adolescencia. Watts queda un poco en segundo plano, pero tiene algún momento notable. Harrelson es un actor que ha ido mejorando y enriqueciéndose con el tiempo. Y Larson es una actriz que me gusta desde su trabajo en alguna serie de televisión en su adolescencia, que es sobria, como a mí me gusta, que ya se ha visto premiada con antelación por la calidad de sus trabajos, y que tal vez no esté en el mejor de ellos, pero tiene una solvencia notable. Esperemos que no se arruine ahora que se está metiendo en el mundo de las películas superheroicas. Se arruine como actriz,… que el nivel de su cuenta corriente seguro que mejora mucho.

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Película que ha pasado relativamente discreta por la cartelera española, pero que aun es posible encontrar en los cines en versión doblada en Zaragoza. Si queréis la versión original, u os esperáis a que pase a la televisión, o la pirateáis, que ya está disponible. Por eso traigo aquí el comentario con el título en original, porque le he dado una oportunidad a su idioma original, que es lo que corresponde. Las versiones dobladas, con carácter general, son una cagarriña, se mire como se mire.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***

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[TV] Cosas de series; mujeres en el infierno

Televisión

Ya hace unas semanas que terminé de ver las dos temporadas de las series que traigo hoy aquí. Dos series muy distintas. Con protagonistas femeninos, aunque en la segunda que traigo hoy, también los hay masculinos.

Orange is the new black – Temporada 5

Reconozco que en los últimos años esta es una de las series que más me ha gustado y convencido de la televisión. El drama carcelario con tonos de comedia, o viceversa, la comedia carcelaria con tonos dramáticos, e incluso trágicos, ha mostrado ser una de las series que más humanidad ha mostrado. Especialmente cuando dejó de centrarse en su presunta, y repelente, protagonista y se abrió al conjunto de la comunidad de presas, donde hay varias joyas, tanto como desarrollo de personajes como por las interpretaciones de las actrices que las encarnan.

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Como en otras ocasiones, aprovecho la entrada televisiva para repasar las últimas novedades en mi fotoblog viajero (enlaces al final). Últimamente, hemos visitado la estación de St Pancrass en Londres (en el encabezado) y el bello valle de Baztan en Azpilkueta.

Pero también es cierto que daba la impresión en la cuarta temporada de que el microcosmos de esta particular prisión ficticia en el estado de Nueva York estaba empezando a agotarse. Algo de lo que se dieron cuenta también los responsables y guionistas de la serie, porque terminaron dicha temporada con un tono dramático importante, al mismo tiempo que dejaban un cliffhanger, el comienzo del motín en la prisión, que ha servido de ancla para el desarrollo de toda esta quinta temporada. Que ha sido eso, la crónica, a ratos cómica, a ratos dramática, a ratos rozando la tragedia, como de costumbre, de ese motín.

El intento ha sido notable. Pero sigo con la sensación de que el tema está un poco agotado. La denuncia sobre la privatización del sistema de prisiones está establecida. La humanización de las presas, también. Quien quiera haberse convencido, ya lo estará. Y los recalcitrantes, seguirán con sus rancias formas de pensar. Pero me ha costado llegar hasta el final. Pospongo la decisión sobre si seguiré viendo la sexta temporada, está anunciada ya hasta la séptima,… pero igual hay que ir dando paso a nuevas cosas.

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El Duomo de Ferrara en Italia.

The Good Place – temporada 1

Cuando hace ya hace un año se anunció esta serie no me llamó la atención. Ni poco, ni mucho, ni nada. Me pareció el enésimo intento de Kristen Bell de intentar reverdecer los laureles que conquistó con Veronica Mars. Así como el intento de Ted Danson de hacer lo propio, tras una carrera después de Cheers relativamente anodina. La premisa de partida tampoco me hacía mucho tilín. Un individua muere, y después de haber sido una tía egoísta y no demasiado buena gente, llega a lo que se denomina el “buen lugar” tras la muerte, dando por descontado que hay un “mal lugar” al que ir. A partir de aquí una comedia de enredos, en la que lo que más rabia me da es que el giro de los últimos episodios de esta temporada lo tenía que haber imaginado,… y estuve un poco lento.

En fin. Que resulta en una comedia de situación con unas ligeras pizcas de mala leche, atacando el maniqueísmo imperante en los valores de buena parte de las sociedades humanas, que se ve con facilidad, te saca con frecuencia alguna que otra sonrisa, y te pone en general de buen humor. Gracias sobretodo a los guiones, y un trabajo interpretativo que es más coral de lo que pensaba. Se deja ver. Ahora estoy con la segunda temporada, que va apareciendo en Netflix semana a semana, en lugar de todos los capítulos a la vez como sucede con sus series propias en exclusiva. Esta va en acuerdo con otra cadena.

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La catedral de Uppsala en Suecia.

De viaje con Carlos

Una foto al azar

[Libro] D’entre les morts (Sueurs froids)

Literatura

Hace poco más de un mes, en el marco de las actividades de la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza AFZ dedicamos un sábado por la mañana a un taller sobre la imagen subliminal en las obras cinematográficas, dirigido por José Barrena, a propósito de una de las películas consideradas como una de las mejores obras maestras de la historia del séptimo arte, Vertigo [Vértigo (De entre los muertos) en España] de Alfred Hitchcock.

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Buena parte de la primera parte de la novela que nos ocupa hoy transcurre en el París de “la drôle de guerre”. Así que pasearemos fotográficamente por la capital francesa.

Durante el taller se comentó algo que yo sabía en tiempos, pero que había olvidado casi por completo. La película es una adaptación de una novela de Boileau-Narcejac (Louis Boileau y Pierre Ayraud “Thomas Narcejac”). No es la única novela de esta pareja de escritores que se ha llevado a la gran pantalla. Otra de ellas, Celle qui n’était plus, dio lugar a una célebre versión francesa y otra bastante menos afortunada norteamericana. Esta última se conoce más a menudo por el título de su adaptación cinematográfica francesa, Les diaboliques. La que hoy nos ocupa es la obra original en la que se basó la obra de Hitchcock, cuyo título original es D’entre les morts (De entre los muertos), pero que con frecuencia, y es el caso de la versión electrónica que he leído, ha aparecido reeditada con el título Sueurs froids (Sudores fríos), que es el título que recibió la película cuando se estrenó en Francia.

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Básicamente, la historia es la misma que la película, pero con el ambiente original en la Francia de la Segunda Guerra Mundial. Tiene dos partes. La primera transcurre en la primavera de 1940. Estamos al final del periodo de la guerra mundial denominado la drôle de guerre. Francia y Alemania llevan en guerra desde hace ocho meses, pero apenas se han producido algunas escaramuzas o enfrentamientos menores. París vive la euforia de una presunta victoria. Un abogado que había trabajado para la policía, pero que abandonó tras un incidente que provocó la muerte de un compañero por sufrir un cuadro de vértigo, es contratado para vigilar a su mujer que tiene un extraño comportamiento. Pero conforme se acerca el momento del comienzo de los duros combates de mayo de 1940, la situación personal de los protagonistas se complicará. En una segunda parte, en 1944, con la guerra todavía en marcha pero con Francia liberada, el abogado protagonista recorrerá el sur de Francia hundido por los acontecimientos anteriores, pero en busca de un fantasma que ha creído ver en un noticiario bélico en el cine.

He de decir que la novela no tiene una gran extensión. Y comencé a leerla muy animado, hasta el final de la primera parte. La continuación se me atragantó un poco y me ha costado terminarla. El desenlace tiene una variante importante sobre la película que muchos conocen. Quizá más coherente. Aunque la novela dentro del género literario me parece muy inferior a la posición que la película tiene dentro del género cinematográfico. Estamos ante un caso en el que Hitchcoch sacó oro de una obra original que, aunque digna y que puede gustar, no parecía dar tanto de sí.

He satisfecho mi curiosidad. Misión cumplida.

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[Fotos] La flor del azafrán, segundo año – macrofotografía

Fotografía

Segundo año consecutivo que nos acercamos a Monreal del Campo para las jornadas dedicadas al cultivo del azafrán. En esta primera entrega, las macrofotografías de las bellas flores del azafrán. Los detalles técnicos, en el enlace a continuación.

Enlace: La flor del azafrán, segundo año – macro con equipo micro cuatro tercios.

Y como añadido, un estampado sobre cartulina con los pigmentos que se obtienen al comprimir la rosa del azafrán.

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[Cine] ¡Madre! (2017)

Cine

¡Madre! (Mother!, 2017; 402017-1610)

Hace ya más de una semana que vimos esta película. No era mi intención tardar tanto en comentarla… pero no viene mal. Es una película que conviene reposar. También he de decir que hay una serie de factores “ambientales” que han hecho que no hayamos podido disfrutar de forma adecuada de esta película. Mencionaré los cuatro principales:

El avance de la película, el trailer que se dice habitualmente, es una auténtica catástrofe. A efectos prácticos te están vendiendo una película de terror con muchos sustos. Y la cosa no tiene nada que ver con eso. Cada vez es más frecuente que los avances de las películas a) te destripen los momentos más interesantes de la misma, o incluso te la cuenten, o b) te engañen sobre la auténtica naturaleza del film.

Sólo pudimos optar por la versión doblada,… y esto roza la catástrofe. No ya porque las versiones dobladas sean versiones adulteradas del original, que los son. Sino porque muchas veces el doblaje conlleva una traducción inexacta del original, o sencillamente no busca una fórmula para trasladar el auténtico sentido del original. Ejemplo en esta película. Las primera y última palabras de la misma es la misma. Con la traducción de la versión doblada se pierde completamente el sentido. Y es importante.

Ha habido muchos comentarios de la crítica y de los medios previos a su estreno en España, unas semanas después de su estreno en EE.UU. y otros países, a los que ha sido imposible sustraerse y que condicionan su visionado.

La vimos en plena “fiesta del cine”, con mucha afluencia de espectadores para un lunes, muchos de ellos que no sabían o imaginaban lo que iban a ver, y que generaban mucho ruido y distracción.

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La casa donde transcurre la acción de la película está rodeada de bosques. La ficha técnica de la misma nos dice que está rodada en Montreal, Canadá. Pues nos iremos a pasear por los bosques del Mont Royal en la ciudad canadiense.

La película, dirigida por Darren Aronofsky, nos traslada al domicilio de un poeta (Javier Bardem) y su esposa (Jennifer Lawrence), una vieja casa
fuera de los núcleos de población, en el campo, donde se han recluido de cara a la concentración en el trabajo creativo de él, mientras ella se dedica a reformar y cuidar la casa. Un día reciben la visita de un admirador del poeta (Ed Harris), gravemente enfermo. Tras él llegará su esposa (Michelle Pfeiffer). Y a partir de ese momento la vida de la esposa del poeta empezará a entrar en una espiral de cambios.

Como ya he dicho, uno de los problemas con los que puede encontrarse el espectador, especialmente si ha visto el avance de la película, es sobre qué tipo de película se va a encontrar. Pero la película no pertenece al género de terror, aunque pueda ser tremendamente angustiosa en alguno de sus tramos. Si el espectador tiene unas referencias culturales suficientes, apreciará que estamos ante una película metáfora de los mitos religiosos de las religiones cristianas. La creación y el génesis, así como otros episodios del viejo y el nuevo testamento. También hay resonancias claras a la crisis medioambiental que estamos afrontando en estos momentos a nivel global. Es por lo tanto una película que tiene un carácter filosófico, que probablemente encajaría mejor en los antiguos cines de arte y ensayo que en las salas más comerciales. Por mucho que al frente del reparto esté la actriz mejor pagada del momento. Es una película con una realización técnicamente compleja, cámara en mano, de complejas coreografías en el movimiento de los actores, con un seguimiento continuo del personaje interpretado por Lawrence, que contribuye a la angustia que trasmite el metraje.

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En cuanto a las interpretaciones, es obligatorio destacar en primer lugar el trabajo de Jennifer Lawrence que soporta el peso de llevar siempre la cámara pegada, en un trabajo muy exigente tanto física como emocionalmente. La actriz tiene una calidad innegable a pesar de que su frecuente presencia en producciones extremadamente comerciales y de calidad real discutible pueda estar encasillándola como actriz también muy comercial, que está ahí por su cara bonita. Pero ya hemos visto en varias ocasiones que es realmente muy capaz, y aquí lo demuestra también. Bardem hace un papel antipático y no se luce, mientras que Harris y Pfeiffer tienen sus momentos.

Como resumen, película que no es apta para todos los públicos, ya que es compleja, muy simbólica y alejada del cine más comercial. Mi valoración global es en general positiva, aunque me surgen algunas dudas sobre algunos de los planteamientos del director. Pero es indudablemente una película osada y diferente de lo que estamos acostumbrados a ver. Pero no se la recomendaría a quienes buscan en el cine una mera distracción y una excusa para atracarse de palomitas. Y desde luego, no la recomiendo a los que buscan una película de terror y sustos.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***/****

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[Fotografía] De exposiciones va la cosa – a falta de recomendaciones semanales

Fotografía

Este fin de semana he estado muy ocupado y no pude redactar mis recomendaciones semanales. Pero hoy os dejo como recomendación un enlace con un comentarios sobre varias exposiciones fotográficas, en marcha y por venir. Y alguna foto mía que aparece en alguna de ellas.

Origen: De exposiciones va la cosa – a falta de recomendaciones semanales – Fotografía y otras artes visuales.

[TV] Cosas de series; “space operas” a gogó

Televisión

Mientras esperamos con impaciencia la llegada a la pantalla grande de la octava entrega de nuestro universo galáctico preferido, con el sabor a poca cosa que nos han dejado recientemente otras space opera cinematográficas merecedoras de mejor suerte, tenemos que contentarnos con la visión que las series de televisión nos ofrecen de las aventuras en el espacio. Es cierto que en estos momentos hay una cierta abundancia de este tipo de productos. Unos con más éxito, otros con menos.

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Es una práctica común en las series de ciencia ficción y en las “space operas” inspirarse en culturas que resultan exóticas en la cultura occidental para representar a civilizaciones extrañas, más o menos alienígenas. También es una constante la realización de episodios donde estas civilizaciones forman sociedades teocráticas. Así que ilustraremos esta entrada con imágenes del templo budista de Bulguksa, cerca de Gyeongju en Corea del Sur, que resultará lo suficientemente exótico y teocrático para mis lectores occidentales.

En primer lugar comentaré que he visto la primera temporada, y llevo en bueno la segunda de una serie que cuando la estrenaron, después de haber visto el episodio piloto, descarté. Se trata de Killjoys, las aventuras de un trío de una especie de cazarrecompensas legales y organizados en el entorno de un sistema planetario con sus particularidades. En ciertos aspectos me recuerda a Firefly, aunque con menos far west, menos humor y menos carisma en sus personajes. Pero con una razonable calidad en las aventuras que se montan, con un buen nivel de acción y una producción razonable. Y los personajes no tienen tanto carisma pero tienen su punto. Lo cierto es que la serie, durante la primera temporada se viene a más. Había leído durante estos meses atrás varias críticas favorables a la misma, está disponible en Netflix, así que le di otra oportunidad. Y la seguiré viendo. Muy entretenida.

Pero lo que se ha puesto de moda es el universo Star Trek. Por dos nuevas series que se han presentado esta temporada de otoño. Salvo los buenos recuerdos de infancia referidos a la serie original, nunca he sido muy aficionado a esta franquicia. Durante muchos años ha tenido un punto cutre que se justificaba en los años 60 del siglo XX, pero no con posterioridad. Los largometrajes que siguieron a la serie original y se emitieron en paralelos a otras series derivadas de la original tampoco mejoraron la cosa. Aunque recientemente se han realizado tres largometrajes con un nivel mucho mayor de presupuesto y de cuidado en su producción… aunque sus historias me han dejado bastante frío. Pero vamos a ver qué está sucediendo aquí y ahora.

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La primera serie está inmersa plenamente dentro de la franquicia oficial, y se emite en Netflix aunque en la modalidad de un episodio a la semana y no con la habitual disponibilidad de todos ellos al mismo tiempo que es marca de la casa. Se trata de Star Trek: Discovery. Esta nueva serie se sitúa en el tiempo interno del universo trekkie en una época anterior a la serie original, cuando la Federación entró en guerra con el Imperio Klingon. Y tiene un nivel de calidad en la producción muy superior a cualquier cosa que haya visto en esta franquicia en televisión. Ha abandonado la cutredad que desde mi punto de vista la caracterizaba. Pero también ha modificado su estilo y contenido. Es mucho más dramática y oscura. No se permite alivios cómicos. Tenemos personajes que toman decisiones éticas controvertidas, o directamente censurables. Sirva de paradigma su personaje protagonista interpretado por la actriz Sonequa Martin-Green. O no tanto… Y su nuevo capitán está lejos de ser ese hidalgo de los mares, perdón, del espacio al que nos tenían acostumbrados los anteriores. Jason Isaacs encarna a un capitán complejo, cuyos fines pueden ser correctos, pero cuyos métodos pueden ser discutibles. Tal es así el cambio, que salvo por determinados aspectos estéticos y por la forma de la nave, diríamos que estamos en una serie de un universo muy distinto. Pero a mí me está gustando. Así que… que dure.

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La segunda serie no pertence a la franquicia oficial. De hecho, The Orville se presenta como una parodia de la franquicia original. Creada e interpretada por Seth MacFarlane, nos encontramos ante un capitán de la flota de la Unión relativamente mediocre, que tiene la oportunidad de comandar una nave normalita, haciendo misioncitas por el espacio, después de haber pasado un año de profunda depresión por haber encontrado en la cama a su mujer (Adrianne Palicki), también oficial de la flota, con un alienígena. Como podéis ver, la premisa de partida ya tiene elementos adultos que la diferencian de la franquicia original. El humor es un elemento fundamental de la serie, que presenta un conjunto de personajes que todos y cada uno de ellos nos recuerdan a alguien de la franquicia original, pero que difícilmente podrían tener cabida en ella por uno u otro motivo. Pero la cuestión es que vista en general, y después de seis episodios, es mucho más fiel a la franquicia original que la serie que hemos comentado anteriormente. En cada episodio se nos plantea un dilema de carácter socio político. El trato a las mujeres, las sexualidades alternativas, los estados totalitarios, la perversa influencia de las religiones en las sociedades, el trato a los animales,… De hecho es una serie mucho más comprometida políticamente que la original, con clara defensa de la tolerancia y las libertades en riesgo en estos momentos en todo el mundo, pero no de forma generalista sino mucho más directa y concreta, sin miedo a ser moderamente incorrecta políticamente. Y eso le da valor. Por lo que también me está gustando. Encima, MacFarlane se ha sabido buscar de amigos que lo apoyen. Frente a los habituales artistas invitados que suelen aparecer en las series en cada episodio que nadie sabe exactamente quien son, pero cuyas caras y voces resultan siempre familiares, qué sorpresa encontrarnos como artista invitada nada menos que a una provocadora y atractiva Charlize Theron, en uno de los mejores episodios de lo que llevamos hasta la fecha. Aunque no fuera por el cachondeo con la pierna del piloto de la nave (Scott Grimes), uno de los personajes más divertidos e irreverentes de la serie. También… que dure.

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[Fotos] Leica Minilux – Fotografía y otras artes visuales

Fotografía

De mi viaje a Corea del Sur me traje un recuerdo en forma de cámara fotográfica, que he estado probando al regresar a casa. Os dejo las fotos. En el enlace, los detalles técnicos de la cámara.

Origen: Un recuerdo de Seúl – Leica Minilux – Fotografía y otras artes visuales.

Fotografías en color – Kodak SuperColor 200

Fotografías en blanco y negro – Fomapan 100 Classic

[Libro] Chesil Beach

Literatura

He de decir que el inglés Ian McEwan es uno de mis escritores contemporáneos favoritos desde que leí Amsterdam hace ya unos años. Desde entonces he leído varias de sus novelas, especialmente de las que ha escrito en lo que llevamos de siglo. Unas me han gustado más que otras, pero todas me han parecido interesantes. Y algunas han sido motivo de mucha reflexión en distintos aspectos de la vida, la mía y de quienes me rodean. Entretenido como narrador, siempre hay profundidad en sus obras para quienes quieran ir más allá en la lectura de un libro.

Carlos Carreter

No he tenido oportunidad de visitar Chesil Beach, aunque no he andado lejos, cuando nos dirigimos hace ya once años a visitar la península de Cornualles. Pero puedo representar ese ambiente melancólico de las costas británicas con unas cuantas fotografías de la playa de Margate.

Hace unos meses me enteré de que estaban adaptando al cine la novela que hoy nos ocupa. Y esto me incentivó para leer esta novela antes de su estreno para enero de 2018. En el Reino Unido… ni idea de cuando llegará a España. Tiene un reparto interesante con la norteamericana de origen irlandés Saoirse Ronan a la cabeza. Actriz que precisamente destacó y se dio a conocer en otra adaptación de una novela de McEwan. Un papel excelente. Lleva tantos años danzando ya esta chica por la gran pantalla que parece mentira que todavía sea una joven de 23 años.

Una edad muy parecida a la de Florence, la parte femenina de una joven pareja de recién casados a quienes conocemos cuando están “disfrutando” de una velada con cena en un hotelito en Chesil Beach en su noche de bodas. A través de sus pensamientos, y de una serie de flashbacks en forma de recuerdos iremos conociendo cómo dos chicos al principio de sus veintitantos, muy enamorados uno del otro, han llegado a un matrimonio para el que poco a poco iremos descubriendo que están muy poco preparados.

Carlos Carreter

Ambientada en un momento de transición, al principio de los años sesenta en el Reino Unido, estos jóvenes se encuentran a caballo entre el conservadurismo y la austeridad propia de los años de la guerra y la posguerra mundial, y los exhuberantes y progresistas años 60 que se empiezan a vislumbrar en el horizonte y que daría lugar al Swinging London y otros fenómenos socioculturales similares. Son dos jóvenes procedentes de estratos sociales distintos, que han llevado una infancia y adolescencia muy distintas, con unos entornos familiares problemáticos pero muy diferentes, y con unas concepciones morales de la vida muy distintas. Y que se aman, pero no se comunican. Y este es el tema principal de la novela. La incomunicación en las parejas, que puede ser especialmente marcada en sus años más jóvenes, donde se atraen por sus físicos por la concepción ideal que tienen del otro. Dice una amiga mía que tuvo la mala fortuna de vivir un matrimonio infeliz que en un momento dado saltó por los aires: “Nos enamoramos mirándonos al culto y las tetas, y nos separamos porque no soportamos mirarnos a la cara”.

Carlos Carreter

No desentrañaré cual es el destino de la joven pareja que protagoniza este libro. Durante buena parte del mismo, somos conscientes de que están en un problemático inicio de una relación que necesariamente tiene que pasar la prueba de fuego de la cama. Pero tanto se puede inclinar de un lado de la balanza como de otro. Pueden convertirse en un matrimonio convencional, o pueden ser el inicio fallido de algo que no germinó. El caso es que, aunque hoy en día las cosas se manifiestan de otros modos, el sexo ya no es el trauma que fue en su momento, lo cual no quiere decir que siempre se disfrute con salud y alegría, la incomunicación está ahí, y amenaza la mayor parte de las relaciones de pareja.

Carlos Carreter