acción

[Cine] Películas de «altos vuelos», o el cine en vuelos transcontinentales

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. Para aproximarse al mundo de la aviación comercial, nada como pasarse por las instalaciones de Airbus en Toulouse y el museo aeronáutico Aeroscopia.

Hubo un momento en que, cuando hacíamos vuelos transcontinentales o transoceánicos, veía muchas películas a bordo. Generalmente de cinematografías «exóticas», películas que difícilmente iban a llegar a la cartelera española. Y ciertamente, aunque no siempre acerté con mis elecciones, eso me permitió ver algunas producción muy dignas, e incluso más que dignas, películas realmente buenas que, lamentablemente, no van a llegar nunca a nuestro país. Entendámonos, la mayor parte de la oferta de cine en el avión suelen ser «éxitos» de Hollywood, por lo que el nivel medio es… mediocre, como el de la mayor parte de los éxitos de Hollywood. Es lo que hay.

Con posterioridad, dejé de ver cine en vuelo. Para evitar una afectación importante del desfase horario tras los vuelos, adoptamos una rutina en estos viajes que funciona razonablemente. Aunque siempre me veo afectado por el desfase horario en mayor o menor grado, especialmente tras el regreso. Cuando el avión vuela en un huso horario cuya hora no corresponde a las horas de sueño, no dormimos, aunque tengamos sueño. En estos casos, desde hace unos años, lo que hago es leer. Y he leído unos cuantos libros en estos vuelos. Y si en el avión atraviesa husos horarios en periodo nocturno, intentamos dormir. Ya digo que, hasta cierto punto funciona relativamente bien.

Pero en la vuelta de Japón de este martes-miércoles pasado funcionó a medias. Despegamos del aeropuerto de Kansai, próximo a Osaka, Kioto, Kobe y Nara, a las seis y diez de la tarde, con luz crepuscular, prácticamente de noche. Pero como fuimos persiguiendo al sol todo el viaje, o el sol nos fue persiguiendo a nosotros, cuando llegamos a Madrid eran las ocho menos cuarto de la mañana, con luz de la alborada, casi de noche todavía. Tuvimos una noche de veinte horas, divididas en diez horas de vuelo entre Kansai y Abu Dabi, tres horas de escala en el aeropuerto de la capital de los Emiratos Árabes Unidos, y siete horas de vuelo entre Abu Dabi y Madrid. En el primer vuelo conseguí dormir casi seis horas, con ese sueño incómodo de los aviones, pero en el segundo, teniendo en cuenta que para mi ritmo adquirido en Japón era ya de día contradiciendo lo que (no) se veía por la ventanilla, no conseguí dormir tan apenas. Y tampoco me centré en la lectura. Así que volví a ver cine en vuelo.

Tres películas vi. Una de ellas, un blockbuster reciente, que no nos atrajo lo suficiente como para ir a las salas de cine, Ballerina, protagonizada por Ana de Armas y dirigida por Len Wiseman, película de acción de una de esas franquicias de acción que no nos suelen interesar. Pero de Armas me cae bien, y decidí darle una oportunidad. La vi entera. Pero, a pesar de que en un momento dado, hace unos meses, llegué a leer críticas elogiosas, lo cierto es que es bastante mala, y muchos segmentos de su desarrollo argumental no tienen ni pies ni revés. Pone duramente a prueba la voluntaria suspensión de la incredulidad del espectador. Y encima sale el caracartón de Keanu Reeves, uno de los peores actores protagonistas de campanillas que he conocido, marcadamente inexpresivo. Y sin embargo, compruebo ahora en Wikipedia, la película recibió mayoritariamente críticas favorables. Cada vez me siento menos identificado con el mundo en que me toca vivir, aunque no tenga ningunas ganas de abandonarlo. No la integro en mi base de datos de estrenos, porque ya se estrenó en España y se cerró su ciclo comercial en salas de cine. Y sí… de Armas sigue estando muy mona, pero en esta película… lo de sus buenas artes interpretativas… bueno, hace lo único que se puede hacer en estas producciones. Lo que hacen todas las actrices que entran en este juego.

Otra película que vi fue un drama fantástico romántico surcoreano, Malhal su eopsneun bimil [말할 수 없는 비밀, un secreto que no se puede contar], titulada en inglés Secret: Untold melody. Es una versión de una película taiwanesa titulada Secret en inglés, que fue un éxito en su país y en otros países de Asia, realizada por la directora Seo You-min. Es el romance entre dos estudiantes de piano de un conservatorio en Seúl, pero con un toque de fantasía en el que no voy a entrar. No le voy a dedicar más tiempo. Es muy flojita. Eso sí… yo pensaba que iba a ser un «sexto sentido», pero no, el toque fantástico es otra cosa. Lo que me hace gracia es que la «chica» protagonista, supuestamente de veintipocos es una actriz de 34 años… Al más puro estilo Grease, supongo. Tampoco va a entrar en mi base de datos… en las condiciones en las que la he visto… pues no tocaría.

Y finalmente, una película que tampoco tocaría que entrase en mi base de datos, pero que me impresionó tan favorablemente que la voy meter. Y le voy a dedicar un comentario más tranquilo.


Himeul nael sigan [힘을 낼 시간] (Time to be strong) (20245; 45/20251007)

El K-pop, la música pop surcoreana está de moda. Fijaos la que se ha montado con el éxito en Netflix de una película, que a mí me pareció normalita, pero que está convirtiéndose en uno de los fenómenos cinematográfico-televisivos del año. Sony, su productora original, que no confió en ella para estrenarla en salas, debe estar tirándose de los pelos… Bueno, por otros lados les estarán entrando los ingresos. Pero ya comenté que la visión que se ofrece de las ídolos (así se les llama, como en Japón) del pop surcoreano es demasiado bonita. Comen lo que quieren. Salen a la calle por libre. Hacen lo que quieren. Y cualquiera que se haya preocupado un poco del tema sabe que la cosa no es así. Que la vida de estas chicas y chicos, salvo unos pocos que consiguen triunfar realmente ellos por sí mismos y hacerse un nombre duradero, es efímera en lo artístico, dura en lo cotidiano, y escasa en ganancias monetarias, por los leoninos contratos, próximos a la esclavitud, que firman con sus agencias. Y surgen con frecuencia problemas de salud mental. Abusos, algún suicidio que otro, afectaciones físicas y psicosomáticas de la salud… un panorama bastante menos bonito de lo que los y las fans imaginan.

Esta película, dirigida por Sun Namkoong (recientemente comenté otra película suya), y protagonizada por Choi Sung-eun (chica), Hyun Woo-Seok (chico) y Ha Seo-yoon (chica), se dirige precisamente a denunciar y poner encima de la mesa los problemas de la industria del pop surcoreano. Producida por una agencia paragubernamental independiente del ejecutivo surcoreano, prevista por ley, la Comisión Nacional de Derechos Humanos de Corea, sigue a tres jóvenes de unos 25 años que proceden de grupos de ídolos del k-pop fracasados de una forma u otra. Atados todavía en algún caso a sus agencias, aunque inactivos, con deudas por los «gastos de formación y promoción» (ya digo que el régimen de estos chicos y chicas se acerca en algún caso al de la esclavitud), no han tenido una vida normal. No han hecho las cosas normales que hacen los adolescentes y los veinteañeros. Y una de las cosas que no hicieron fue su viaje de final de estudios en el instituto a la isla de Jeju. Así que en pleno otoño, con tiempo más bien frío, se van de «vacaciones» a la isla.

Desde el principio notamos que se mueven con torpeza por el mundo. Les cuesta saber como salir del aeropuerto. Pierden una maleta. Se quedan sin dinero por el abuso de una individua al meterse en una pelea sin consecuencias. Y empiezan a conocer alguna gente, en un momento en que parecen que están tocando fondo, incluso con planteamientos en algún caso de acabar con su vida, ya tienen precedentes en compañeras de su grupo. Y esa gente, de una forma u otra, les irá mostrando otras formas de ver el mundo. Otros caminos. Otras formas de sentirse a gusto. Que ellos sea delgados y guapos, con problemas de trastorno alimenticio en algún caso, sean desgraciados, mientras que la chica que fue una de sus pocas fan, regordeta, sea alegre y feliz, trabajando en una oficina de objetos perdidos en los transporte públicos de la isla… pues son datos.

La película está dirigida con sobriedad, pero con tremenda solidez, con un excelente trabajo en la dirección de fotografía que, sin artificios, nos traslada el ambiente físico y emocional de estos jóvenes. Y con una banda sonora nada desdeñable. Y sobre todo, unas interpretaciones extraordinariamente sólidas, especialmente por parte de Choi Sung-eun, actriz que está excelente, sin desmerecer por ello el trabajo del resto. Esta chica habla sin palabras con una facilidad pasmosa. Un trabajo delicado y eficaz.

Como podréis deducir, la película me gustó mucho. Me pareció, en su sencillez, estará hecha con cuatro perras, muy potente, tanto en sus valores cinematográficos como en su mensaje. Y creo que debería ser de obligada visualización entre todos los aficionados al pop surcoreano, y en general a la industria del entretenimiento de masas. Pero dudo que llegue a nuestras carteleras o a las plataformas habituales de contenidos en internet. Es lo que hay. Cogeros en las próximas semanas o meses un avión de Etihad, y aprovechad para verla.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

[Cine] Los tres últimos estrenos vistos antes de las vacaciones

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. Fotografías de Dublin en verano, mucho más luminosas que la gris ciudad irlandesa en invierno en la que transcurre la acción de la película de aquel país que comento hoy.

Cuando cojo vacaciones y voy a estar unos cuantos días sin publicar los contenidos habituales, tengo la costumbre de dejar a cero el contador de películas pendientes de comentario, entre los estrenos recientes que ya he visto. Pero en esta ocasión, por el lío que he llevado en los últimos tiempos, se me han acumulado nada menos que tres de ellas. Y además muy dignas de comentario.

Eddington (2025; 42/20250918)

Estamos ante la última película estrenada del director Ari Aster. Vi la opera prima de este director y, a pesar de las muchas alabanzas que recibió, especialmente de los críticos, a mi no me entró. Hasta tal punto que no había vuelto a ver una película de Aster, a pesar de las sistemáticas alabanzas que recibe. También es cierto que flirtea siempre con el terror, y no soy muy de este tipo de películas. En esta ocasión, de la mano de Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone y otros, nos lleva a lo más profundo de los Estados Unidos, al ficticio pueblo de Eddington, donde se desata un conflicto entre el sheriff, el alcalde, grupos antifascistas y grupos muy fascistas. Aster lleva el conflicto general del país a un microuniverso. Y como parece costumbre en él, desata un exceso de sangre y desatinos. Que resulta preocupante… porque podría ser verdad en algún momento. Creo que es una película razonablemente recomendable, aunque a mí no me ha despertado tantos entusiasmos como a la crítica. Las interpretaciones son muy recomendables.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Small things like these (2024; 43/20250924)

Casi de tapadillo, confundida entre los diversos estrenos de este mes de septiembre, llega esta película irlandesa, dirigida por Tim Mielants, y a la que le ha costado llegar a nuestro país. Se ha ido estrenando muy poco a poco por el mundo… principalmente por Europa. Y se centra en un problema que diría que es muy irlandés… si no fuera porque también se ha dado en otros países tradicionalmente «católicos», entre ellos España durante la dictadura, de una u otra forma. El protagonista de la película es un padre de familia, Cillian Murphy, trabajador, honesto, dedicado a su familia y devoto cristiano, que vive junto a un convento que regenta una lavandería. Una de las infames lavanderías de la Magdalena. Un día observa como a una chica la arrastran a este convento. Como sirve de carbón al mismo, se la encuentra encerrada un día en la carbonería, en mal estado. Y empieza a sospechar que algo pasa en el establecimiento. Lo cual despierta todo tipo de conflictos internos. Por su pasado, es hijo de madre soltera, acogida por una señora caritativa y honesta, y por su presente de familia devota con hijas. Tras muchas dudas, pasará a la acción, aun bajo las amenazas de las intimidante superiora del convento, Emily Watson.

Impresionante película, muy introspectiva, que en hora y media plantea y desarrolla un conflicto, real y psicológico, con la ayuda de un reparto de primera categoría. Una plena denuncia de los desmanes de las instituciones católicas, que ha llevado a que Irlanda, uno de los países más devotos tradicionalmente del mundo católico haya adquirido notables cifras de abandono de esta fe ante los escándalos de la Iglesia, con la mejora masiva de la educación y con la amplia apertura al mundo de las últimas décadas. Muy muy recomendable.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: *****
Valoración subjetiva: ****

One battle after another (2025; 44/20250926)

Dada la irregularidad de los últimos tiempos en la oferta de versiones originales en la gran pantalla, y dado que durante casi dos semanas no vamos a poder ir al cine, ayer me escapo a ver esta película, la última de Paul Thomas Anderson, que me interesaba mucho. Con ella volvemos a los conflictos actuales de la sociedad americana. Y más específicamente a los de la inmigración y el racismo estructural de la sociedad estadounidense. Un grupo revolucionario encabezado por Perfidia (Teyana Taylor), de la que es pareja uno del militantes (Leonardo DiCaprio), realiza acciones contra los centros de reclusión de inmigrantes, liberándolos, contra centros de poder social y económico reaccionarios y algún atraco que otro para sostenerse. Perfidia también mantiene un relación patológica con un policía de inmigración (Sean Penn). Un día, un atraco saldrá mal, atraparán a Perfidia que ha tenido una niña, y venderá a su banda. Muchos caerán. Pero su pareja y la niña escaparán. Perfidia también escapará a Méjico. Años mas tarde, el policía, ya coronel, quiere entrar en un grupo de presión supremacista blanco, y va a ser investigado. Sabe que Perfidia tuvo una hija, ya adolescente (Chase Infiniti), pero no sabe si es suya, lo cual lo podría perjudicar. Por lo que iniciará una demencial acción policial desmesurada para raptarla, comprobar la paternidad, y si es necesario eliminarla. Pero Bob, como se llama ahora la antigua pareja y quien ha sido el padre de la niña, no se cruzará de brazos y encontrará aliados (Benicio Del Toro) para desbaratar la acción.

Entre la comedia negra y la acción más desbaratada, Anderson pone en marcha el ventilador para exponer las miserias de la sociedad norteamericana, como lo hace Aster en la primera de las película comentadas hoy, y en un entorno no tan diferente, aunque sobre bases distintas. Y sobre todo lo hace con elevada maestría realizadora, con ritmo, y con más corazón que Aster, lo que hace que la película de este quede, desde mi punto de vista, mal parada en la comparación. Pero no todos estarán de acuerdo. Al fin y al cabo, son dos etilos distintos. En cualquier caso, a mi me ha parecido una película excelente, muy divertida, muy recomendable, sus dos horas y media de duración no se hacen largas, y que se ve acompañada de unas estupendas interpretaciones, con DiCaprio, Pen, Infinity y Del Toro en auténtico estado de gracia. Muy muy muy recomendable.

Valoración

Dirección: *****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

[Libro] The Tatami Time Machine Blues – Tomihiko Morimi

Literatura

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. Las novelas de Morimi en el universo del Tatami y sus derivadas espirituales transcurren en Kioto, y allí nos vamos, a pasear por las típicas calles y santuarios en Higashiyama.

En la primavera de hace dos años pude ver en una plataforma de contenidos una serie de animación japonesa que me encantó. Me divertí mucho. Me lo pasé pipa. Y así descubrí al escritor Tomihiko Morimi y su Universo del Tatami. El autor es de Nara, y realizó sus estudios universitarios en Kioto, período de su vida que supongo inspiró las andanzas de los personajes de este peculiar universo de ficción. Universo que vio la luz con su novelaYojōhan Shinwa Taikei [四畳半神話大系, literalmente las crónicas míticas de los cuatro tatamis y medio], que con el tiempo fue adaptada a serie de animación, que con el tiempo vi, y la novela que nos ocupa hoy Yojōhan Taimu Mashin Burūsu [四畳半タイムマシンブルース, literalmente el ‘blues’ de la maquina del tiempo de los cuatro tatamis y medio]. Y hubo otra novela, adaptada a largometraje de animación, Yoru wa Mijikashi Aruke yo Otome [夜は短し歩けよ乙女, literalmente la noche es corta, camina, muchacha], que leí durante mi viaje a San Francisco. Esta última no es exactamente una historia perteneciente al Universo del Tatami, pero sus personajes y su espíritu tienen mucho que ver con este. Incluso la adaptación animada tiene un diseño de personajes claramente copiado de las series de animación mencionadas. Esta es mi favorita. La película ya la he visto en más de una ocasión, y cada vez le encuentra más miga.

Frente al complejo multiverso de la historia original, en el que una y otra vez regresamos cíclicamente a la repetición con variantes de la historia de watashi (yo, el protagonista de la historia), aquí estamos en una situación estable en cuanto a este multiverso. Es verano, y los habitantes de la residencia universitaria con habitaciones de cuatro tatamis y medio (algo más de siete metros cuadrados, de aquí viene el nombre del universo de ficción), al menos los afiliados al club de cine, está rodando una película, dirigida por Akashi, la joven que es el centro de atracción romántica de watashi, el protagonista. Pero dos situaciones llevan a esta microcomunidad al caos. Una botella de soda que se derrama sobre el mando a distancia del único aparato de aire acondicionado de la residencia, arruinando su funcionamiento en el agobiante calor del verano kiotense, y la aparición de una misteriosa máquina del tiempo y su «soso» viajero.

Estas novelas no están traducidas al castellano, por lo que las que he leído estaban en inglés. Pero tengo la sensación de que están bien traducida y trasladan con fidelidad el caos que nos quiere transmitir su autor. La historia no deja de ser un romance disfrazado de aventuras. Pero con las paradojas en el tiempo muy bien gestionadas. He de recordar que me encantan las historias de viaje en el tiempo, cuando están bien desarrolladas, porque son tremendamente divertidas e intelectualmente desafiantes. Aquí, salpicadas de aventuras absolutamente delirantes, que generan una notable hilaridad.

Con estas historias yo me lo paso muy bien. Quizá, esta sea la más ligera. La más casual. La más anecdótica. Pero recomendable. Muy recomendable, desde mi punto de vista. Aunque supongo que no atraerá a un público general. Sin duda puede atraer a un público joven, relativamente cultivado, y sin reparos a exponerse a otras culturas y situaciones. Aunque yo creo que es una exposición que debería promocionarse en todo tipo de gentes. Otome me resultó más entrañable. Trasunto de Akashi en esta historia, no son simplemente el mismo personaje; aquel era más profundo y empático. Akashi es más ligera… aunque también con mucho encanto. Y no he leído (todavía) la novela que comenzó todo esto. En algún momento. Por cierto, que del mismo autor es otra novela que también fue adaptada a largometraje de animación que vi hace unos años… quizá me anime a buscarla también.

[Cine] Fountain of Youth (2025)

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. Entre las diversas ciudades que recorren los personajes de la acción he elegido Viena para ilustrar la entrada.

Fountain of Youth (2025; 31/20250710)

Nueva semana triste para la cartelera de Zaragoza, con poca oferta más allá del cine más comercial, y en general poco interesante, que nos llega de Estados Unidos y comedias chorras de origen nacional. Poca oferta en versión original o a horarios complejos para quien tiene que trabajar al día siguiente. Y estrenos de otras nacionalidades y cinematografías que no llegan, en un retroceso en la oferta cinematográfica y cultural a niveles de 20 o 25 años hacia atrás… o peor. Por ello, por una mezcla de falta de oportunidad y oferta, no acudimos a las salas de cine, y opto por rellenar el expediente buscando algún estreno más o menos reciente en las plataformas de contenidos en línea. Opto por buscarlo en Apple TV+, plataforma que, al menos en series de televisión, ofrece menos oferta que otras, pero de superior calidad. Eso sí, me mantengo dentro de lo que es el tipo de película propio del verano, y escojo una de aventuras y acción dirigida por Guy Ritchie, con un reparto más o menos vistoso.

Comenzamos la película con una persecución a un cazatesoros (John Krasinski) por parte de unos mafiosos por las calles de Bangkok, también parece ir tras el una misteriosa mujer no relacionada con los anteriores (Eiza González). Una vez de regreso en Londres con su botín, visita a su hermana (Natalie Portman), conservadora en un museo, mientras roba un retrato de Rembrandt, que luego resultará falso y devolverá. Está reuniendo una serie de obras que se supone contienen la clave para llegar a la mítica Fuente de la Eterna Juventud, empresa financiada por un megamillonario (Domhnall Gleeson), enfermo de cáncer que quiere evitar el fatal desenlace de la enfermedad. Ambos hermanos con el megamillonario iniciaran un periplo por el mundo, pero perseguidos por la policía, los mafiosos y la misteriosa mujer de Tailandia.

Con este resumen argumental, cualquiera que no haya estado encerrado en algún lugar sin acceso a ver películas en el cine o en la televisión, podrá imaginar que la película no es especialmente original en su planteamiento. Heredera de Indiana Jones, o remontándonos más atrás, del explorador Allan Quatermain, reúne los tópicos habituales de este tipo de cine que, cuando está bien hecho, es muy entretenido, sin necesidad de aspirar a los mejores momentos del personaje interpretado por Harrison Ford, que elevó el género en un momento en el que parecía que ya estaba trasnochado y superado, después del auge que tuvo en los años 50 del siglo XX, o incluso los 60, si incluimos las películas de bajo presupuesto rodadas en Italia o en España y de las que nadie se acuerda, pero que vimos muchos niños en los cines de barrio de la España del franquismo.

Pues bien, a pesar de un reparto con un gente con oficio y de los medios con los que se realiza el cine actual, Ritchie, sobre un guion absolutamente nefasto, se las apaña para realizar una malísima copia de Indiana Jones and the Last Crusade, que hará revolverse del disgusto a Sean Connery en su tumba. Porque ya he dicho que no es necesario que estas películas sean originales. Basta con un guion razonablemente bien hilvanado, unos personajes simpáticos con lo que el público empatice, y un reparto con oficio, para hacer una película que, aunque potencialmente olvidable, consiga hacer pasar un buen rato al espectador. Un entretenimiento palomitero, pero digno. Pues bien… Ritchie es incapaz de llegar a ese nivel, rueda una película mediocre, a la que le falta muy poquito para convertirse en infumable. Quizá debiera haberme dado cuenta antes de ponerme con la película de quién era el director y haberla evitado. Los intérpretes hacen lo que pueden, aunque el protagonista está ligeramente pasado de vueltas y penaliza el conjunto de la interpretación de la película.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

[Cine] F1® The Movie (2025)

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. El museo del automóvil de Mulhouse, la mayor colección de automóviles de Francia.

F1® The Movie (2025; 30/20250630)

No era una película que me llamase la atención especialmente. Una película sobre pilotos de Fórmula 1… alguna americanada al uso. Pero lo cierto es que las críticas estaban siendo buenas. Y, por horarios y disponibilidad, no había muchas más opciones. Es cierto que está anunciada en Apple TV+, pero si estaba bien hecha… no iba a ser lo mismo. Eso ya os puedo asegurar que es así. Esta es una película para ver en una pantalla bien grande. El reparto… me parecía simpático. Y el director, Joseph Kosinski, no me decía gran cosa ni a favor ni en contra. Alguna película suya he visto, casi todas en el ámbito del cine de acción, pero muy pocas e indiferentes. Pero bueno. Fui.

La historia es la de un tipo ya en su cincuentena, Brad Pitt, que está en su sesentena, que va tirando a base de participar circunstancialmente en carreras deportivas diversas. Tiempo atrás, mucho tiempo atrás, fue una promesa de la Fórmula 1, pero un accidente le hizo abandonar esa competición. Su antiguo compañero de escudería, Javier Bardem, está ahora al frente de una escudería reciente, pero que en los tres años que llevan corriendo no se ha comido un rosco. Tiene un piloto joven, Damson Idris, prometedor, pero inmaduro. Y corre el peligro de que el consejo de dirección venda la escudería si no hay resultados. Decidirá contratar al veteranísimo piloto como revulsivo, el cual pondrá patas arriba todo, protagonizará un romance metido con calzador con la ingeniera jefe de la escudería, Kerry Condon, y… quien sabe… igual actúa como revulsivo.

Vale. Bien. Como imaginaréis, con los antecedentes mencionados en los dos párrafos anteriores, esta es la típica película para el veranito, de acción, con personajes que aspiran a ser carismáticos, palomitera y entretenida, y de la que, en los tiempos que corren, es esperable que esté bien hecha. Cuenta con las bendiciones del circo de la Fórmula 1. Un conocido piloto es productor ejecutivo. Y casi todos los pilotos en activo y varios directores de escudería realizan cameos en la película. La Fórmula 1 ha cedido imágenes grabadas desde sus coches y otros dispositivos para integrarlas en el rodaje y los efectos especiales. Así que no esperéis ninguna historia crítica con este deporte. Un deporte al que estuve relativamente enganchado durante unos cuantos años hasta que me cansé. Las carreras empezaron a ser aburridas, con pocos adelantamientos, basadas en quien consigue mejores tiempos en los entrenamientos gracias a la potencia y capacidades de sus coches, con la única emoción de si hacía bueno o mal tiempo, y si algún equipo la cagaba en la estrategia de cambio de neumáticos. Buena parte de los circuitos estaban anticuados y no permitían maniobras de adelantamiento que dieran emoción al asunto. Por supuesto, en esta película pasa de todo,… lo que habitualmente cuando yo lo dejé no pasaba nunca o casi nunca.

Si esperáis fidelidad a lo que realmente sucede en este deporte, si sois aficionados de verdad que estáis informados de los entresijos lo suficiente, la película es una fantasía. Si sois aficionadillos de los que imaginan lo que es más que saber lo que es, esta película igual hasta os entusiasma. Con un elenco de actores veteranos, pero con carisma y oficio, a los mencionados cabe añadir un muy desaprovechado Kim Bodnia y un hasta cierto punto encasillado Tobias Menzies, la película resulta simpática. El peso lo lleva Pitt, Bardem cumple con lo que le toca, y Condon intenta hacer algo más que ser el florero de la película. Siempre me ha caído bien la actriz irlandesa. Pero el mensaje feminista que presuntamente lleva a cuestas es muy básico y simplón. Dicho todo lo cual, la película está muy bien hecha y es muy muy entretenida. Eso sí… una vez vista, la probabilidad de que caiga en el olvido y simplemente sea algo divertido que viste una tarde de verano, sin más trascendencia, es muy elevada. Hace sólo nueve días que la vi… y ya me trae sin cuidado. No diré más. Pero en la nota subjetiva le daremos el aprobado.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] The Phoenician scheme (2025)

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. Buscaremos las geometrías y las simetrías visuales que gustan a Wes en las calles y plazas de Trapani, Sicilia.

The Phoenician scheme (2025; 25/20250601)

Llegó la llamada «fiesta del cine», que no es otra cosa que unos días en los que las salas bajan mucho el precio, generalmente en una época del año en la que la afluencia de público al cine es muy baja, para hacer caja basada en la cantidad de gente que va esos días a las salas de cine. Pero suele coincidir con épocas del año en que la calidad de la cartelera está floja. Y también, al menos en Zaragoza, se modifica la misma. Y, por ejemplo, se eliminan sesiones en versión original o se ponen a horas imposibles para quienes tenemos que madrugar por nuestra actividad laboral. Así que lejos de ser una fiesta, que celebre el cine auténtico y de calidad, y premie a los que lo mantienen con su fidelidad a la salas, es una operación de mercadotecnia que premia a los que no tienen especial interés por el cine como expresión artística y sólo van al cine coyunturalmente y si lo ponen a precio de saldo. Fenomenal. A pesar de ellos, nos hemos apañado para ver un par de estrenos.

El primero de ellos es la última película de Wes Anderson. Un director que, hasta no hace mucho, tenía mucho tirón para nosotros. Películas que aunaban interesantes propuestas temáticas y argumentales con una excelencia visual, muy personal, que nos generaba mucha satisfacción. Pero en los últimos tiempos veníamos notando que la preocupación por las cuestiones estilísticas y visuales ha ido en aumento, mientras que los temas y las historias han ido en detrimento. En esta ocasión, una comedia con tonos de suspense y acción, en el que un millonario (Benicio Del Toro), acompañado de su hija (Mia Threapleton), últimamente extrañada de él, y un profesor de entomología noruego (Michael Cera) intentan arreglar un trama que busca el derrumbe de un entramado comercial y empresarial, como consecuencia del cual muchas personas pueden sufrir. Y así nos embarcamos en una especia de road movie, aunque en lugar de coche, el viaje se realice en avión, mientras que, ante nuestros ojos, en un reparto muy coral, desfilan un gran número de nombres bien conocidos del mundo de la interpretación, unos con más prestigio que otros, pero todos de más o menos relumbrón (Willem Dafoe, Rupert Friend, Tom Hanks, Charlotte Gainsbourg, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson, Bill Murray, Hope Davis, Benedict Cumberbatch).

Quizá en esta ocasión Anderson no abusa tanto de su obsesión por lo visual… que también está. Pero aunque la película es aceptable, entretenida incluso, está muy lejos de la emoción que suscitaban sus películas más interesantes y destacadas. El enorme número de intérpretes que pasan por la pantalla más o menos caracterizados, no ayuda… distrae más bien. Este tipo de películas corales pocas veces me convencen. Difuminan el trabajo interpretativo, cuyo principal mérito parece estar en la presencia de los nombres más que en el trabajo del intérprete. Aunque buenas maneras se perciben aquí y all

Dicho lo cual, la película se deja ver. Sin más. Los fanáticos de la estética de Anderson se quedarán satisfechos con su dosis periódica de la misma. Los menos partidarios de este tipo de cine, sin embargo, tampoco creo que se vean atraídos por la propuesta, que cojea del planteamiento general. Como les ha pasado a tantos directores que fueron muy punteros en un momento dado, parece que se está quedando un poquito vacío de ideas. Y su nombre en la cartelera empieza a despertar menos nuestro entusiasmo. Es lo que hay.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Shinkansen Daibakuha [新幹線大爆破] (Pánico en el tren bala) (2025)

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. Kamakura es uno de mis lugares favoritos en Japón. Y no sólo por el Gran Buda del templo Kōtoko-in.

Shinkansen Daibakuha [新幹線大爆破] (2025; 22/20250505)

En vísperas de salir de viaje (frustrado, como ya he contado), el lunes pasado, añadí un par de estrenos que pensaba comentar a la vuelta del viaje. Pero aquí me tenéis con la oportunidad y el tiempo para hacerlo. Por lo menos una hoy. Otro estreno directo en plataforma, en Netflix, que si no hubiese sido por una serie de antecedentes quizá no me hubiera atraído mucho. Con un título original que se traduce como Explosión en el «Shinkansen», el título en ingles, Bullet train explosion, es mucho más atinado que el anodino título en castellano, es una secuela de una película de los años 70 que alcanzó cierto grado de celebridad, o al menos de popularidad. En aquel entonces, la denominación de tren bala para los trenes de alta velocidad que circulaban en la línea Tokaido estaba más justificada por la forma del morro de la locomotora. En los más modernos esta forma está inspirada por la aerodinámica del martín pescador.

El caso es que el director del filme, Shinji Higuchi, ha dedicado buena parte de su carrera en los últimos 20 años a recrear nuevas versiones o secuelas de clásicos del cine de acción nipón. Desde el clásico Godzilla, a varios mangas/animes muy populares. Y en un momento dado se decidió por recrear el clásico ferroviario de los años 70. Al contrario que otros largometrajes en Netflix, este no ha pasado previamente por las salas de cine en Japón. Fue directamente un estreno en la plataforma en todo el mundo el 23 de abril pasado. Y esto es algo que, ya adelanto, está justificado y es una pena al mismo tiempo. Está justificado porque la película no deja de tener cierto tono general de telefilme de entretenimiento. Pero es una pena porque algunas de las muy conseguidas escenas de acción con el tren como protagonista estaría bien verlas en pantalla grande. Por cierto, shinkansen 新幹線 no significa tren de alta velocidad, Kōsoku tetsudō高速鉄道 en japonés, sino nueva línea troncal (o principal), que es el nombre genérico de las líneas de alta velocidad en el País del Sol Naciente. Luego, cada una tiene su nombre. La que sale en la película es la Tōhoku Shinkansen, nueva línea troncal del nordeste, mientras que en la película de los años 70 la acción transcurría en la Tōkaidō Shinkansen, nueva línea troncal de la ruta del mar oriental. Tōhoku es el nombre de la región japonés que ocupa el nordeste de la isla de Honsu. Tōkaidō era el nombre tradicional de la ruta que comunicaba Eda (hoy en día Tokio) con Kioto y Osaka.

El argumento es muy sencillo. Y muchos pensarán que es copia de una película norteamericana en que el vehículo era un autobús en lugar de un tren, y que a mí me pareció mala, aunque gozó de cierta popularidad. Pero no. En realidad fue la película yanqui la que copió el concepto de la película japonesa de 1975 en la que un tren con una bomba a bordo no debía bajar de los 80 km/h si no querían que explotase. En la actual, que se plantea como una secuela de aquella, décadas más tarde, el tren no debe bajar de los 100 km/h. Y como ya he comentado, el recorrido del tren es otro. En realidad es una de estas secuelas que se presentan como tales, introduciendo referencias a la película de antaño, pero que no dejan de ser nuevas versiones de lo mismo. Pasó lo mismo con cierta película reciente de tornados en el medio oeste americano.

La película tiene varias peculiaridades. Una de ellas es que está realizada con la colaboración activa con JR東日本 o JR East, que es la empresa que gestiona la mayor parte de los ferrocarriles, antiguamente estatales, que sirve la región nororiental de la isla de Honsu, con base en Tokio. Una de las cosas de las que me he enterado en la película, otra curiosidad, es que las líneas Shinkansen de esta compañía no están conectadas físicamente, no hay continuidad en las vías, con las de JR東海 o JR Central, a pesar de que ambas comparte la estación de Tokio como estación terminal. Como consecuencia de esta colaboración, los empleados de la compañía ferroviaria, especialmente el revisor principal del tren (Tsuyoshi Kusanagi) y la maquinista del tren (Non), aparecen como los héroes de la película. Siempre impecables, muy profesionales, eficientes y efectivos, cumplidores del deber. Algunas escenas casi son de publirreportaje. Pero no molestan. Y estos dos personajes generan empatía en el espectador.

Con los mimbres mencionados hasta el momento, uno pensaría que la película no daría mucho de sí. Que tendría un tono muy de telefilme y un argumento cuestionable. Bueno… pues ciertamente un tono de telefilme tiene. Pero lo cierto es que está bien hecha. Que las escenas de acción, si bien improbables, tienen cierta verosimilitud comparada con las sobradas inverosímiles de productos similares norteamericanos. Que como ya he dicho los personajes generan empatía y está razonablemente bien interpretada. Así que sus dos horas y cuarto de duración se me pasaron en un vuelo, y me entretuvo mucho. Lo cierto es que la encuentro recomendable para los abonados a la plataforma. Especialmente si son aficionados al mundo ferroviario. Por lo que tengo entendido se rodó con abundancia de maquetas a escala… con gran verosimilitud. Los japoneses están demostrando que con medios sencillos y tradicionales se pueden conseguir cosas estupendas sin necesidad de recurrir a los gráficos generados por ordenador, tan cantosos en muchas ocasiones. Mirad lo que paso con la última versión de Godzilla de los japoneses, tan estupenda.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Sinners (2025)

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. No tengo fotos del estado de Misisipi… así que unas fotografías de San Francisco habrán de bastar.

Sinners (2025; 20/20250427)

No había oído hablar de esta película casi hasta el día en qué se estrenó. En los medios «especializados» que sigo yo no se había mencionado tan apenas y me había pasado desapercibido. Digo «especializados» porque cada ver hay menos medio fiables sobre cine. En cualquier caso, las críticas inmediatas eran muy buenas, y los datos de taquilla que venían desde los USAmérica eran notables. Así que me apetecía ver esta película dirigida por Ryan Coogler. Uno de los puntos… no voy a decir negativos, pero sí poco atrayentes. Un director que ha destacado dirigiendo películas superheroícas de Marvel… no es un buen currículum para nosotros. Pero me costó convencer para no ir solo. Porque se decía que era un musical…

No lo es. Es una película con canciones, en la que la banda sonora tiene una importancia fundamental, girando alrededor del blues… y de la música folclórica irlandesa… qué cosas. De lo que yo no me había enterado antes de ir a ver la película es de que era una película de vampiros. Y eso que en un artículo había una referencia, pertinente, a una divertida película de Robert Rodríguez. Y así, tras un misterioso comienzo con un joven empuñando el mástil de una guitarra refugiándose en una iglesia… volvemos hacia atrás en el tiempo, 24 horas, cuando dos hermanos gemelos (ambos Michael B. Jordan) reclutan al joven (Miles Caton / Buddy Guy ya octogenario) como guitarrista y cantante para el nuevo garito que han adquirido, y han convertido en un tiempo récord en un Juke Joint. Los dos han huido con cierto dinero del mundo del hampa de Chicago, en los movidos años 30 del siglo XX.

Y en el garito se reunirán por la noche para beber, cantar y bailar con una clientela de negros de Misisipi, entre los que destacan algunos amigos, como la pareja china (Yao y Li Jun Li) que les proporciona los víveres y materiales, la joven pero antigua novia (Hailee Steinfeld), la nueva y joven cantante (Jayme Lawson), el viejo músico callejero (Delroy Lindo) y otros. Pero otro grupito de tres blancos (Jack O’Connell, Lola Kirke y Nathaniel Arcand) también se ha reunido en las últimas horas y se ve atraído por la música que surge del garito. Y no tienen buenas intenciones.

Por partes. En el aspecto técnico, la película es de sobresaliente. Realizada magistralmente en su puesta en escena, en sus encuadres, en el movimiento de los personajes en sus planos, tiene momentos casi sublimes. Algunas de las escenas musicales dentro del garito están a un nivel altísimo. La reproducción del ambiente de los años 30 en el profundo sur norteamericano es buenísima. Y a eso hemos de sumar un reparto en estado de gracia. No hay nadie que desentone, tenga un papel más o menos importante. Por supuesto, la estrella de la función es Jordan, con su papel doble, tan matizado y tan diferenciado. Pero no hay que desdeñar en absoluto la calidad de las escenas que protagoniza O’Connell como principal antagonista de la función. En un ámbito más frívolo, con lo mona que me ha parecido siempre Lola Kirke… está tan caracterizada de cutre que casi no la conocí. Pero eso también es mérito. Como Steinfeld jugando al equivoco de «soy negra, soy blanca… ¿qué soy?». Quien lo iba a decir de aquella chiquilla que con 13 o 14 años fue candidata al Oscar por un excelente western de los Coen.

Finalmente hay que hacer el balance del conjunto de la película. Película muy arriesgada. Por su doble condición. Su reivindicación de la cultura negra a través de su música, especialmente el blues, excepcional la banda sonora de Ludwig Göransson, y del ansia de libertad, de autodeterminación, de expresión personal y colectiva, tiene que encajar en esa segunda mitad de la película en la que se convierte en un «abierto hasta el amanecer», pero con sin el elemento cómico. Y no siempre tienes claro que encaje, aunque yo creo que al final sí, especialmente porque el propio Coogler introduce ese diálogo final, décadas más tarde, con el joven músico octogenario, estableciendo que, aquella noche, por terrible que fuese, hasta la medianoche, fue la más feliz de sus vidas, la noche en que se sintieron libres. Ese pequeño discurso… casi me emocionó. Muuuuyyyy recomendable. Una sorpresa de primavera, que debería tener carrera en la temporada de premios, si no fuera porque ha llegado muy pronto en el año. Y la música. Creo que fue Cifu quien dijo que igual que la música clásica europea surgió de la música del pueblo, la música clásica afroamericana, el jazz, surgió de las cabañas del profundo Sur norteamericano donde se cantaba y bailaba el blues.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Mickey 17 (2025

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. Glaciares e icebergs en Islandia.

Mickey 17 (2025; 16/20250319)

Me enteré de que se iba a estrenar esta película hace dos meses, cuando preparaba mi comentario sobre la novela en la que se basa y que había terminado de leer unas semanas antes. En ese momento, ni siquiera había una fecha de estreno para España. Para la mayor parte del mundo estaba prevista para principios de marzo… y al final ha resultado que en España también. Lo cierto es que la novela me gustó. No es la octava maravilla de la ciencia ficción, pero era bastante disfrutable. Muy divertida. Y su adaptación al cine venía avalada por estar dirigida por Bong Joon Ho, oscarizado director surcoreano, que ha hecho una variedad de películas bastante interesantes.

Es cierto que había un detalle que me mosqueaba. Ese ‘1’ delante del ‘7’. Eso implicaba que la adaptación se tomaría sus libertades. Y tal y como yo percibía la obra literaria original, era fácilmente transplantable al cine sin necesidad de adaptaciones especiales. Si ya estaba bien… ¿necesariamente los cambios la llevaría a ser mejor? Este tipo de cuestiones me generan serias dudas. Y, desde mi punto de vista, y a pesar de que la película ha recibido buenas críticas, aunque no unánimes, de alguna modo falla.

La película tiene un planteamiento inicial similar al del libro, Mickey 17 (Robert Pattinson), un clon considerado «trabajador prescindible» en una incipiente colonia humana en un exoplaneta que ha resultado estar en una fase de bola nieve, cae por una grieta de un glaciar, se le da por muerto, y se «imprime» un nuevo clon, Mickey 18 (también Pattinson, claro). Pero los seres vivos originales del planeta lo salvan, y eso crea una situación tabú. No puede haber seres humanos «repetidos». Ambos Mickeys intentarán evitar ser exterminados, pero todo acabará viéndose enredado, incluso con la colaboración de la novia de… ¿ambos? (Naomi Ackie). Además la colonia está gobernada por un dictadorcillo fascistoide (Mark Ruffalo) y su esposa (Toni Collette). Y está la «amenaza» de las criaturas que han salvado a Mickey 17.

Con una realización correcta y con interpretaciones correctas, tendentes al histrionismo, a la exageración, pero porque así lo pide el planteamiento de la película, esta adquiere un tono de comedia satírica, ácida. En ocasiones comedia negra. La novela original, mucho menos cómica, más aventurera y de acción, llevaba consigo un cierto comentario social y político, asociado a los intereses económicos de las civilizaciones, a los riesgos de la colonización de lo desconocido, convirtiendo los nuevo asentamientos en lugares sin ley o con una ley arbitraria, y sobre los genocidios. Podría ser incluso un western de frontera, en el que los «indios» son las criaturas del planeta. Incluso si no tiene el aspecto o las formas del western. También sobre los fanatismos religiosos y el desprecio al trabajador «prescindible» de una forma u otra. Algunos de estos elementos permanecen en la película, pero en un segundo plano, tomando protagonismo el fantoche dictadorcillo de la colonia, una mezcla de distintos dictadores fascistas con políticos y empresarios modernos fácilmente reconocibles.

Pero el desarrollo no me convence. Todo resulta atropellado. Y unas situaciones no siempre son una consecuencia clara de las anteriores. El papel de Mickey 18 está muy modificado con respecto al Mickey 8 del relato escrito, y eso cambia muchas perspectivas. Y genera de forma residual un cambio en la personalidad y la importancia de la novia de Mickey. De ser el contrapunto humano y comprensivo de la colonia frente a los fanatismos, o las rigideces paramilitares, se convierte simplemente en una persona a la que le gusta follar con los Mickeys. Y puestos a innovar, la científica modosita (Patsy Ferran) que recoge el testigo del humano empático y comprensivo, un personaje que no está en el libro, apenas recibe desarrollo. Todo ello me lleva a que conforme transcurre el metraje, me voy alejando de la película, llegando en la práctica a salirme de ella y sentirme insatisfecho. No sé si plantar una franca NO recomendación, porque tal vez quien se acerque a la película desde la falta de prejuicios por no haber leído el libro la pueda disfrutar. Pero… no sé.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

[Cine] Sesión doble; The Gorge (2025), The Electric State (2025)

Cine

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. La garganta o cañón o desfiladero o barranco profundo que más cercana tengo en el tiempo es el Desfiladero de los Gaitanes en Andalucía, que me sirve para ilustrar la entrada.

En los últimos fines de semana he bajado mi ritmo de visualización de episodios de dramas coreanos. Por falta de interés en la oferta más actual. Así que he tenido ocasión de ver alguno de los largometrajes recientemente estrenados directamente en plataformas. Ya lo adelanto. No voy a dedicarles mucho espacio… un cine de razonable calidad media en las plataformas de contenidos en internet sigue siendo una asignatura pendiente. Es lo que hay.

The Gorge (2025; 14/202500314)

Conocida como El abismo secreto en su versión doblada al castellano, esta película de acción me atrajo por su reparto. La carrera de su director, Scott Derrickson, no me llamaba especialmente la atención. Pero con nombres como Anya Taylor-Joy, Sigourney Weaver y, en bastante menor medida, Miles Teller, que cosas del sexismo en el cine encabeza el reparto a pesar de que con Taylor-Joy están a la mano en protagonismo, y teniendo en cuenta que se estrenaba en Apple TV+, a la cual se le supone ambición de calidad, me pareció oportuno darle una oportunidad.

Una película de acción en la que dos tiradores, asesinos a sueldo, uno por el bloque occidental y otra por el oriental, son contratados por un año para vigilar lo que pueda salir de un misterioso cañón geológico, en algún lugar desconocido. Y bueno, a partir de ahí, un improbable romance y acción. No me enrollaré mucho, el guion deja bastante que desear, los intérpretes están correctos, la realización es correcta dentro de que el presupuesto debía ser menor que en otras producciones similares, y al final, todo pasa como un entretenimiento sin pena ni gloria, que aprueba muy por los pelos… que si me hubiera pillado de mal humor cuando la vi, igual hubiera suspendido. Si estas suscrito y la ves… pues pasas el rato. Y si no, no pasa nada. Trabajo alimenticio para sus intérpretes, perfectamente olvidable.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

The Electric State (2025; 15/202500316)

La reina del entretenimiento de Netflix, Millie Bobby Brown, nos ofrece una película más en la que se intenta explotar su popularidad, y en la que podría tener una oportunidad más de demostrar que es algo más que un producto prefabricado de la plataforma. Acompañada de Chris Pratt y de las voces de Woody Harrelson y Ke Huy Quan, entre otros menos conocidos, no hubiese sido capaz de hacerme ver la película si no fuera porque está dirigida por los hermanos Russo, Anthony y Joe, responsables de aquel dislate estupendo y ganador de un Oscar.

Pero claro, tendría que haber sido consciente de que también son responsables de un montón de productos comerciales, palomiteros, inanes y sin mayor interés. Y este es uno de ellos. Una aventureta en la que en la posguerra de un conflicto entre humanos y robots, unos tipos que pasaban por allí acaban luchando para liberar a estos últimos encerrados en un gueto en algún lugar de los desiertos de Norteamérica. Esto es una especie de Terminator con ínfulas de cine familiar y simpaticón, en la que los malos son los humanos, algunos humanos, y el líder de los robots tiene forma de cacahuete. Este es el nivel. Mi recomendación… no ver.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

[Cine] Flight risk (2025)

Cine

Flight risk (2025; 11/202500303)

Las series de fotografías que ilustran esta entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie. No tengo fotos de las cordilleras de Alaska, así que nos tendremos que conformar con las de la cordillera de los Alpes.

Me pregunto si me estoy volviendo raro en mis gustos cinematográficos. Si algo está cambiando en mi cabeza o, quizá, algo está cambiando en el mundo, y yo voy a contracorriente. No lo sé. La semana pasada fue rara desde el punto de vista cinematográfico. Con tres días de escapada viajera por el medio, acudimos a las salas de cine el lunes, hace una semana, y ayer domingo. Una película poco trascendente al principio de la semana, y una candidata a premios en los Oscar el final. Y, sin embargo, con la que me entretuve y me dejó un cierto grado de satisfacción en el alma fue la primera de ellas. Con dos paradojas incorporadas. La primera es que parece que casi nadie la valora bien. La segunda es que, si antes de ir la cine hubiese sabido que el director era Mel Gibson, no hubiera ido, porque me cae muy mal. Bueno… vamos a empezar matizar todo lo que he dicho en este párrafo. Entre la entrada de hoy, y la de dentro de unos días, cuando comente la segunda película.

Titulada Amenaza en el aire en su versión doblada al castellano, estamos ante la típica película de agente de policía que tiene que cuidar al testigo que tiene que declarar contra un jefe mafioso que, por supuesto, pretende matar al testigo y a quien se ponga por delante. En este planteamiento, tal cual, no hay absolutamente nada de original. El testigo (Topher Grace) es el contable del mafioso, que se ha refugiado en Alaska para que no lo encuentre ni el mafioso ni la policía. La policía (Michelle Dockery) que lo encuentra es una agente de alguna agencia federal que cayó en desgracia porque murió uno de sus protegidos, a la que, aparentemente dan una segunda oportunidad. Y la peculiaridad y la originalidad de la película esta rodada «casi» en tiempo real, con una duración similar en la película con la cronología interna de la trama. La policía y el testigo van a volar en una avioneta desde el interior de Alaska, sobre las montañas, hasta Anchorage, un vuelo que durará unos 90 minutos, más o menos parecido a la duración de la película. Y el problema es que el piloto (Mark Wahlberg), no es quien dice ser, y el vuelo va a ser movido.

Sinceramente, la película supera la falta de originalidad de la trama, que las hemos visto «cienes y cienes de veces» por el escenario y el tempo de la acción. Una situación claustrofóbica donde nadie puede huir de nadie, volando entre montañas, y con escenas de violencia real o potencial que ponen en riesgo las vidas de todos. Por lo tanto, lo que carece de acción constante, con cambios de escenarios y persecuciones, tradicionales en el género, ha de ser sustituido por una cuidada planificación en la realización y por el trabajo de los intérpretes, que están bastante bien, los tres, cada uno en su estilo.

La película se pone en riesgo a sí misma en varias ocasiones, ya que pone a dura prueba la suspensión de la incredulidad del espectador. Pero puntualmente, no de forma continua. El momento más crítico, en el que el espectador puede dejar de ver la película como una drama de acción para empezar a verla como una comedia involuntaria es un determinado lance con el avión superando a duras penas el paso por un collado con nieve acumulada entre montañas. Es un exceso que se acerca mucho al desatino, para algunos espectadores puede serlo. Pero por lo demás… la cuestión es que es entretenida. Y solo dura hora y media. Por lo que sus limitaciones y sus errores no cuentan mucho.

Ante una película sobre la que no esperaba gran cosa, al final salimos contentos por su grado de entretenimiento. No pasará a la historia del séptimo arte en una posición especial, ni creo que lo pretenda. Estamos en una de esas situaciones en las que, siendo las expectativas bajas, al verse alcanzadas o superadas, pues acabas contento. ¿Se puede recomendar? Pues para quien quiera un entretenimiento palomitero sin más, sí. Aunque tiene el problema de que este tipo de producciones son las que hoy en día van directamente al estreno en plataformas de contenidos en internet. Y quizá esto es lo que la penalice en la opinión de los espectadores, que esperan más por el dinero que pagan por una película, que no es poco.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Golden Kamuy [ゴールデンカムイ] (2024)

Cine

Golden Kamuy [ゴールデンカムイ] (2024; 07/20250211)

Las series de fotografías que ilustran las entradas de este Cuaderno de ruta pueden verse, desprovistas de texto, en fotos en serie.

No tenía muy claro si iba a incluir o no esta película, que vi la semana pasada en Netflix, entre mis reseñas cinematográficas. Me explicaré. En contra de incluirla estaban dos hechos. Mi motivación para verla es que me he planteado ver la serie que da continuación a la historia. Y por otra parte, hace ya bastante que se estrenó en la plataforma de contenidos en línea. Si no recuerdo mal, creo haber leído que se estrenó en mayo del año pasado. A favor de incluirla, es una película hecha para el cine, en su país de origen y en algún otro del Asia oriental se estrenó en la gran pantalla, y los precedentes. En algún momento escribí por estas páginas que si veía la película antes de un año desde la fecha de su estreno,… entonces la consideraba estreno. Un criterio tan racional o tan arbitrario como cualquier otro. Al final, comento en estas páginas esta película de aventuras dirigida por Shigeaki Kubo en los fríos paisajes de Hokkaido.

La película comienza con escenas de una de las batallas más sangrientas de la Guerra Ruso-japonesa en 1904, en el sitio de Port Arthur. Una carnicería que se adelantaba y profetizaba las que se iban a producir a partir de 10 años en los campos de batalla de Europa. Saichi (Kento Yamazaki) es un soldado japonés que sobrevive milagrosamente a la batalla y se gana el sobrenombre de inmortal. Poco tiempo después, recuperado de sus heridas y terminada la guerra, lo encontramos en el invierno de la isla más norteña del archipiélago japonés, a la búsqueda del tesoro robado a los ainu. La clave para encontrarlo está en los tatuajes de algo más de una veintena de presos que se fugaron de una cárcel. Tiene sus motivos para lanzarse a esta búsqueda. Recibirá la ayuda de una joven aina, Asirpa (Anna Yamada). Y tendrán que ingeniárselas para sobrevivir a la búsqueda. Otros buscan también el tesoro; facinerosos, aventureros y el ambicioso general de la división del ejército estacionada en Hokkaido.

Empiezo el comentario por la conclusión; a mí me entretuvo lo suficiente como para darle el aprobado en todas sus dimensiones. El esquema de la película, cuya aventura queda inconclusa y de ahí la serie que la sigue, al fin y al cabo es una adaptación de una serie de manga, es el típico de la caza del tesoro. No son pocas las historias que se han escrito o filmado basadas en este arquetipo. Empezando por la maravillosa novela de Stevenson, La isla del tesoro. No voy a desglosar ahora los numerosos antecedentes de este tema, aunque sí recordaré la primera película que vi de niño sobre este tema que se me quedó grabada. La vi con mis padres en el desaparecido cine París de Zaragoza, El oro de MacKenna (MacKenna’s Gold), con Gregory Peck y Omar Sharif al frente del reparto. Un western tardío, y no muy brillante, realizado cuando ya el género había caído en su popularidad. Pero a mí se me quedó grabado. Pues esta película es heredera de ese arquetipo. Eso sí, con el punto añadido de los bellos paisajes invernales de la isla, y con un intento de reivindicar la cultura ancestral de los ainu, tradicionalmente maltratada por el gobierno japonés.

Sin embargo, te quedas con la rabia de que claramente había materia para algo mejor. Estamos ante una situación que he visto en diversas ocasiones. Es muy difícil trasladar las extravagancias y los enfrentamientos inverosímiles del manga a la acción real. Aunque el conjunto del reparto, sin hacer maravillas, sostiene con razonable firmeza el entramado, hay buena química entre los intérpretes, las escenas de acción, aunque divertidas, ponen en exceso a prueba la suspensión temporal de la incredulidad del espectador. Creo que podría haber salido una película estupenda adaptando la historia, pero no el manga. Es decir, coger la historia, y filmarla con verosimilitud y dando algún mensaje de mayor calado. Más claramente antibélico, más claramente defensor de las minorías étnicas más allá de cuatro pinceladas folclóricas, y dando algo más de profundidad a las motivaciones de los personajes.

Pero es lo que hay. Este tipo de adaptaciones se dan con frecuencia en el cine y la televisión japoneses. Se busca satisfacer las expectativas de los fans del manga, que además previamente a visto una adaptación en serie de animación, que también se puede permitir extravagancias que chirrían en la acción real. Y por ello, al final, desde mi punto de vista, es, simplemente, una película entretenida.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***