[Cine] Star Wars: The Force Awakens (2015)

Cine

Star Wars: The Force Awakens (2015); vista el 18 de diciembre de 2015.

Después del «rollo» que escribí ayer sobre porqué merece la pena seguir viendo las entregas de la saga Star Wars, toca hablar de la película. Y el comentario lo referencio a la primera de las dos sesiones que le he dedicado, con algunos amigos, en versión original. De ahí que conserve el título original en inglés como tengo por costumbre. Pero ya conté que dos días más tarde la volví a ver en sesión familiar matinal, en versión doblada, con el título de «Star Wars: El despertar de la fuerza».

Parece que hay «pena de muerte» para quien desvele los «secretos» del filme a quienes no lo han visto todavía… Pase… Aunque escuchamos a alguien quejarse de que le habían destripado la película original del año 1977… Hombre… Que la mitad de la humanidad se la sabe de memoria… Pero lo que sí sucederá con este comentario es que la gente sabrá qué puede esperar.

Para empezar, dejar una cosa clara. Yo me lo pasé muy bien con esta película. Me divertí mucho. Es claramente mejor y más interesante que cualquiera de la segunda y maldita trilogía de la saga, no me cabe la menor duda de que es mejor que el Episodio VI, los malditos ositos de peluche y un biquini de hojalata lastran mucho, y no es tan estupenda como el Episodio V. Porque cuando el imperio contraataca… esa película es mucha película. Tiene un guion que supera a todo lo que se ha venido haciendo en el género de acción y fantasía en mucho tiempo, género de superhéroes incluido.

La gran pregunta de la película... también de los aficionados que han analizado los avances estos meses pasados es ¿pero donde está Luke Skywalker?

La gran pregunta de la película… también de los aficionados que han analizado los avances estos meses pasados es ¿pero donde está Luke Skywalker?

Oye ¿y respecto a la original? Pues ahí le han dado… Tal vez hayáis podido leer en algunos sitios que acusan a este Episodio VII de ser un «remake» encubierto de la película original, el Episodio IV, de 1977. Yo no voy a decir tanto. Tiene suficientes elementos diferenciadores para considerar la nueva película como el inicio de una nueva historia. Pero tienen una estructura casi clavada.Tienen un «mcguffin» tremendamente similar, aunque lo perdonemos porque en eso nos permitió conocer a R2D2 en la primera película y a BB-8 en la actual. Y ambos son dos de los personajes más simpáticos de la saga. Abusan hasta el exceso de los famosos paralelismos entre películas de la saga que se han comentado desde hace años hasta la saciedad. Ante esta situación, sólo me queda decir una cosa… Para mí, empatan. El Episodio IV es más original, fue más sorprendente, más innovador, más rompedor. El Episodio VII tiene un guion mejor armado y coherente, está mejor dirigida y, atención, mejor interpretada en líneas generales. Que cada uno se quede a la hora de decantarse con lo que más valore.

Respecto a la realización, recordamos que se debe a J. J. Abrams (definitivamente J. J. no son las iniciales de Jar Jar), estoy de acuerdo con los que opinan que se agradece que vuelva a dominar el mundo real sobre los gráficos generados por ordenador. Aunque de esto hay lo suyo, inevitablemente, no tiene ni de lejos el aspecto de película de dibujos animados de la trilogía nefanda. Está rodada con ritmo, las dos horas y quince minutos se te pasan en un suspiro. Y la historia, se considere más o menos original, más o menos trillada, está bien contada.

Finalmente, la gran cuestión se desvela... y yo voy a contar aquí dónde estaba Luke... No tengáis miedo, que no es un "spoiler"...

Finalmente, la gran cuestión se desvela… y yo voy a contar aquí dónde estaba Luke… No tengáis miedo, que no es un «spoiler»…

Como he dicho, el guion está mejor armado, es globalmente más coherente. Aunque Lawrence Kasdan parece tener los mismos problemas con las unidades de espacio y tiempo que George Lucas en su momento. No. Los pársecs, sean 12 o 14, siguen sin ser una medida de tiempo. Un pársec es una unidad de longitud utilizada en astronomía que equivale a aproximadamente a casi 31 billones de kilómetros. Y además, la versión doblada de 1977 tenía la «virtud» de que tradujeron pársecs incorrectamente como «parasegundos», lo que convertía el doble error en un aparente acierto… En esta ocasión, han decidido que los pársecs sean un error universal… Lo deben haber hecho intencionalmente… no creo que sean tan zoquetes. Pero es que además, al igual que en la película de 1977 el paso del tiempo es absurdamente rápido. Especialmente en la parte final, donde los minutos dan para recorrer edificios o estructuras del tamaño de Manhattan. Pero lo dejaremos en que esto forma parte de la idiosincrasia de la saga y, abusando de nuestra suspensión temporal de la incredulidad, asumiremos que un minuto en Star Wars no son los 60 segundos a los que estamos acostumbrados sino más bien algo parecido a media hora.

Pero nada de lo anterior es lo que condiciona en gran medida la aceptación o el rechazo hacia esta nueva entrega galáctica. Uno de los grandes fallos de la trilogía fallida es que los personajes nos importaban un rábano. Actores en estado de acartonamiento casi permanente, incapaces de producir la menor empatía en el espectador, y a los que habían robado toda la parte de humor que acompañaba a la acción y al drama en la trilogía original. En los Episodios I a III, la saga se tomó demasiado en serio a sí misma hasta tal punto de que nos dejó la impresión de que procedía de un universo totalmente distinto, y mucho más aburrido. En esta ocasión no es así… De los protagonistas de la primera trilogía… Bueno, salen los tres, más Chewbacca (Peter Mayhew) y los dos androides, aparte de algún otro personaje menor o anecdótico. Pero de todos ellos, los únicos que adquieren real protagonismo son Chewie y Han Solo (Harrison Ford). Y reconozcámoslo,… la película ya merece la pena simplemente porque nos ha devuelto al mejor Harrison Ford, un actor que creíamos ya muerto, independientemente de que un ente autómata con su aspecto se pasee por el mundo e incluso las carteleras de cine.

Luke está en la verde Irlanda... oye. Como os lo cuento.

Luke está en la verde Irlanda… oye. Como os lo cuento.

En cuanto a los nuevos protagonistas… Pues el piloto simpático y chulito, Poe Dameron (Oscar Isaac), tiene sus momentos, pero está en realidad en una posición secundaria. Ya veremos como crece el personaje, o no, en entregas futuras. El joven despistado que se encuentra sin comerlo ni beberlo en medio del follón, Finn (John Boyega), se hace querer. Le cogemos mucha simpatía. Majo de verdad. Corre el peligro de acabar siendo un «pagafantas», pero allá él. El malo… ah, el malo. Difícil la tarea de sustituir a Darth Vader… He leído bastante que Kylo Ren (Adam Driver) no es un malo de la talla de Vader. Bueno… vamos a ver. Que he visto la primera trilogía lo suficiente como para valorar con racionalidad. Darth Vader (David Prowse) en el Episodio IV es un mascarón. Es casi una parodia de la maldad. El auténtico malo de aquella película, el que tomaba las decisiones más bordes era el Gran Moff Tarkin (excelente Peter Cushing). Darth Vader se hizo grande en el Episodio V. Con esta perspectiva, Kylo Ren no está nada mal y tiene mucho potencial por delante. Especialmente, gracias al enfrentamiento final que tiene con la auténtica protagonista del cotarro, que no es otra que Rey (Daisy Ridley). Es el gran hallazgo del filme, lo que hace que definitivamente yo no lo considere una nueva versión del Episodio IV. Porque aunque ambas historias avancen en paralelo y Rey ocupe el lugar de Luke (Mark Hamill), en realidad Rey es un personaje que nace mucho más complejo, con más capas, mucho mejor interpretado por ese gran acierto de «casting» que es Daisy Ridley. Si, Leia (Carrie Fisher) también sale por ahí. Y no molesta. Y también un montón de amigos de Abrams haciendo cameos. O la hija de Carrie Fisher, una chica desconocida que creo que tiene una o ninguna línea de diálogo, pero que reconoceréis por el peinado muy propio de las Skywalker y derivadas (aunque a mí me recuerda más a la tía Beru de joven que las ensaimadas de Leia).

Retomemos el personaje de Rey. El desarrollo de esta chica, de este personaje, y su antagonismo con Kylo Ren, es evidentemente el hilo conductor de las próximas entregas. Ya hay una variación con respecto a la primera trilogía. En aquella el antagonismo estaba entre una generación y la siguiente. Aquí los dos antagonistas son de la misma generación. Esto sólo ya debe ser el punto de partida para algo… una vez realizado el homenaje a la trilogía original, tienen que ser capaces de contarnos historias nuevas. Porque el gran problema del cine de acción de hoy en día es que nos cuenta una y otra vez la misma historia… y eso, cansa.

Quedan dos años para la siguiente entrega. El director y guionista cambian, y se concentran en Rian Johnson, que nos sorprendió agradablemente con una excelente película de viajes en el tiempo, con un muy buen y exigente guion. Terreno para la esperanza. Mientras tanto, en manos de Disney, la saga se expande, y al año que viene tendremos un «spin off», situado en la cronología interna de la serie inmediatamente antes del Episodio IV. Que con el antecedente de la película que hemos visto hoy, casi seguro que le damos una oportunidad. Uiiggg, que impaciencia.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****
Disfrutando de los bellos paisajes del condado de Kerry que hoy os he traído aquí para vosotros.

Disfrutando de los bellos paisajes del condado de Kerry que hoy os he traído aquí para vosotros.

[Cine] Casi 40 años después, ¿por qué volver a Star Wars?

Cine

Sí. Este fin de semana pasado ha sido fin de semana Star Wars. Mañana escribiré una modesta reseña de la película que, ya adelanto, he visto dos veces este fin de semana. El viernes, en versión original subtitulada en castellano, lamentablemente en un totalmente prescindible 3D, con unos amigos. El domingo, en versión doblada al castellano, con mi hermana y mi sobrino de 6 años. Dos experiencias totalmente distintas.

Pero una pregunta ha surgido en estos días… ¿Por qué volver, incluso con cierta ilusión, a ver las nuevas aventuras de la saga creada por Georges Lucas? Al fin y al cabo…

Ya no estamos en los años setenta, los efectos especiales han avanzado mucho, hemos visto en estos años un montón de producciones de ciencia ficción o fantasía, ya no es la absoluta novedad que suponía en el otoño de 1977 en una España en plena transición cuando se estrenaba el episodio IV, que entonces se titulaba simplemente Star Wars (La guerra de las galaxias) y que acabaríamos conociendo tras diversos avatares como A New Hope (Una nueva esperanza).

Son diversas las localizaciones por todo el mundo utilizadas en la saga Star Wars.

Son diversas las localizaciones por todo el mundo utilizadas en la saga Star Wars.

Entonces era un adolescente,… cosa que casi cuarenta años después,… pues no. Desde luego, los gustos, las aficiones, los intereses, la forma de pensar de una persona cambian… Lo que tiene sentido que entusiasme a los 13, 14 o 15 años… pasados los 50… Pssss, no sé… De hecho, hoy en día paso absolutamente de casi todas las producciones de acción espectacular, especialmente las de superhéroes y similares, y suelo salir descontento de las que voy a ver, sintiéndome muy frustrado con las «space opera», un género que siempre he considerado favorito.

Por mucho entusiasmo que despertara en su momento, hoy en día hemos aprendido que tiene imperfecciones a porradas. Salvo el redondo episodio V, The Empire Strikes Back (El imperio contraataca), las risas que se pueden hacer con las meteduras de pata y los absurdos de los guiones de las otras película son notables. No hay más que hacer una búsqueda por internet. Para aquellos que se apañen con el inglés sugiero el siguiente vídeo.

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Lleva un rato verlo, son más de 30 minutos, pero es demoledor.

Qué vamos a decir de la segunda trilogía. El episodio I, The Phantom Menace (La amenaza fantasma), es absolutamente prescindible. No aparta nada realmente importante al conjunto de la historia. El episodio II, Attack of the Clones (El ataque de los clones), tiene un guion malo y una realización carente de ritmo y de todo interés. El episodio III, Revenge of the Sith (La venganza de los Sith), es el único que se salva en algunas cuestiones, pero sufre los males generales de esta desafortunada trilogía. Personajes fríos, que no suscitan la mínima empatía del espectador, carencia del humor que se mezclaba con la aventura y el drama en las primeras películas, exceso de imaginería digital que llevaba a que parecieran más películas de animación con algún personaje de carne y hueso por aquí y por allí, guiones malos y mal puestos en escena…

Como digo, teniendo en cuenta lo anterior, como decía ¿por qué sentir algún tipo de ilusión por un nuevo estreno de Star Wars?

Nos han llevado desde los entornos más desérticos y abrasadores hasta los más gélidos.

Nos han llevado desde los entornos más desérticos y abrasadores hasta los más gélidos.

Porque a pesar de todo lo anterior, como señalan en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, Star Wars es una saga cultural, histórica y estéticamente significativa. A nivel mundial. El reconocimiento mencionado en realidad se ha otorgado a dos de la películas de la saga, las dos primeras realizadas, y en teoría se refieren a los valores culturales, históricos y estéticos de los Estados Unidos. Pero creo que sin lugar a dudas, en este caso, esa trascendencia se puede ampliar a todo el mundo. Es decir, para empezar, son productos de la cultura que merece la pena conocer y preservar. Es algo que tiene un reconocimiento amplio.

Star Wars propone unos valores, que podrán parecer más o menos simples según quien los analice, pero que son compartidos por amplios sectores de la población. Muchos de ellos son actualizaciones de estereotipos culturales que han gozado del favor de las poblaciones durante décadas o incluso siglos. Se habla de influencias de obras japonesas, están claras las semejanzas entre Luke Skywalker y la Rebelión con Robin Hood y sus proscritos, hay una defensa de la libertades de las personas frente a la opresión de los tiranos,… No creo que haya mucho que discutir sobre esto. Lo que también está claro es que los nombres de Luke Skywalker, la princesa Leia, Darth Vader, Han Solo, R2D2,… son conocidos por muchos, de muchos países, y constantemente referenciados en las obras de la cultura popular de finales del siglo XX y principios del siglo XXI.

Es también una obra muy representativa del tiempo en que nació. Es un ejemplo claro de lo que se ha dado en llamar la posmodernidad. Mucho más que otras sagas o héroes que se han asomado al cine o la literatura de masas con posterioridad. Los superhéroes de DC Comics (Superman, Batman, etc) surgen básicamente en los años 30, y son claramente respuestas al crimen organizado que floreció en Estados Unidos con la prohibición de la distribución de bebidas alcohólicas, la ley seca. Los superhéroes de Marvel (X-men, Los Vengadores, Spiderman, etc) son producto de la guerra fría, especialmente surgen del terror a la bomba y por extensión a la energía nuclear, que produce seres extraños, mutaciones, y a partir de ahí lo que quieras. Star Wars es más reciente,… más moderna,… de hecho es una saga posmoderna.

La posmodernidad surge como respuesta todo lo anterior. Es una corriente cultural claramente anticientífica, aunque las personas que participan de ella no dudan en aprovecharse de la tecnología. Hay una fuerte tendencia al individualismo. Al relativismo cultural y la validez de cualquier opinión. Puede haber un rechazo de religiones tradicionales, pero hay una aceptación de misticismos diversos.

Aunque no han faltado tampoco los entornos de verde exhuberante y mares o lagos llenos de vida.... a veces de vida imbécil (Jar Jar Must Die)

Aunque no han faltado tampoco los entornos de verde exhuberante y mares o lagos llenos de vida…. a veces de vida imbécil (Jar Jar Must Die)

A finales de los años 60 del siglo XX, surgen corrientes culturales que van a extender estas ideas que se han venido incubando. La guerra fría dominada por las carreras científicas produce el rechazo anticientífico. En Star Wars, los héroes luchan con sables láser… las pistolas y cañones se consideran armas impropias de gente civilizada. Los ingenios del imperio galáctico se denominan horrores tecnológicos. Lo cual no impide que vivan en un entorno donde el aprovechamiento de la tecnología es constante.

La «teoría política» detrás de Star Wars nos habla de una república democrática como ideal, pero que es amenazada por el lado oscuro, por la ambición del tirano. Eso sí, una república democrática tutelada por una élite monacal que participa de un misticismo sobrenatural. No muy lejano de lo planteado en The Lord of the Rings (El Señor de los Anillos), del soberano justo, atento y preocupado por sus súbditos a los que escucha, y asesorado por el concilio de los sabios y los magos, frente al Señor Oscuro, tirano esclavizante. Gandalf también fue acogido por muchos grupos posmodernos como símbolo a finales de los 60 cuando se produjo el resurgir de la obra de Tolkien. Aunque este fuese un señor católico muy carca, que basaba su obra en la doctrina social y política de la iglesia católica.

La posmodernidad ha estado dominando desde hace cuarenta años… no ha pasado todavía. Incluso cuando todavía nuestras vidas están tan influenciadas por los desarrollos tecnológicos. Pero lo «políticamente correcto» es una expresión de que cualquier punto de vista hay que respetarlo como válido, y no está bien descalificarlo, por aberrante que sea. El respeto por las minorías, justamente reivindicado, ha dado paso a un relativismo cultural que puede llegar a ser peligroso. Véase las consecuencias en términos de enfermedad y mortalidad de los grupos antivacunas. Pero ahí tenemos a Obi-Wan, cuando se justifica ante Luke por no haberle contado la realidad sobre Darth Vader con aquello que lo que él le había contado era cierto «desde cierto punto de vista». A muchos les ha hecho gracia ese planteamiento… pero estaba ahí de forma sincera. Es fruto de una cultura y una época.

De las localizaciones que he visitado, o he estado en las cercanías, que salen en The Force Awakens, puedo elegir entre Escocia e Irlanda.

De las localizaciones que he visitado, o he estado en las cercanías, que salen en The Force Awakens, puedo elegir entre Escocia e Irlanda.

La posmodernidad actual no es la única posmodernidad que se ha dado en la historia. La ilustración y el impulso a las ciencias y la tecnología que produjo y que llevó a la revolución industrial del siglo XIX, culturalmente produjo como revulsivo el romanticismo, que a partir de ahí impregnó obras de todo ese siglo. La mas emblemática quizá el Frankenstein de Mary Shelley, que no por casualidad es homenajeado en las escenas finales del episodio III de Star Wars. Darth Vader es el moderno monstruo de Frankenstein, odiado y temido, y que al mismo tiempo surge por el miedo al rechazo y por el miedo a perder a los seres que ama.

Con todos estos condicionantes, con sus virtudes y sus defectos, ¿cómo no se puede estar expectante ante una continuación de una saga que fue precursora de mucha de la ficción fantástica posterior, y ha sido y es mucho más importante e influyente en la cultura popular que la mayor parte de esta producción cultural? Para mí es imposible.

Las emociones no son las mismas que cuando era un adolescente. Mi sentimiento de expectación no tiene el mismo cariz que el que sentía antes de la fallida segunda trilogía. Pero mi curiosidad es infinita. Además, de la misma forma que mis padres me transmitieron su admiración por algunos de sus héroes de infancia y juventud, ahora estamos traspasando la nuestra a nuestros descendientes. Llevamos debatiendo la llegada del nuevo episodio de la saga con mi sobrino de 6 años durante todo el año. Ha sido especialmente gracioso en las últimas semanas cuando el pequeño, a la vista de los avances, carteles y propagandas, a empezado a desarrollar sus teorías sobre lo que iba a pasar en la nueva película, que en nada tienen que envidiar en razonamiento y deducción a lo que muchos «sabios» sobre la saga han ido publicando en este tiempo… La saga no es sólo que continúe,… El universo Star Wars, independientemente de la multinacional que gestione sus derechos y se embolse los dólares, es propiedad ya de la cultura popular, es propiedad de todos. Y probablemente durante mucho tiempo.

Sólo quedaba esperar que la nueva película estuviera a la altura de las circunstancias. Pero mis impresiones sobre eso, os las contaré mañana.

Hoy he escogido Escocia... mañana le tocará a Irlanda.

Hoy he escogido Escocia… mañana le tocará a Irlanda.

[Varios] De guerras galácticas, robots de limpieza y otras distopías

Cine, Humor, Televisión

No pensaba que este sábado me diese para redactar una nueva entrada en este Cuaderno de ruta. Liado con cosas diversas todo el día, emparedado entre dos días dedicados en parte a la «space opera» favorita de la familia y de los amigos (pocos trekkies que se atrevan a reconocerlo en mi entorno; nos gustan mucho más las galaxias de hace mucho tiempo y muy muy lejanas), no me va a dar tiempo a poder hablar de los cuatro carretes de Kodak Tri-X de formato medio que tengo secando, pero que desde luego no me va a dar tiempo a digitalizar.

Percibo una alteración en la "fuerza"... Creo que se el lado oscuro acecha por doquier en esta galaxia.

Percibo una alteración en la «fuerza»… Creo que se el lado oscuro acecha por doquier en esta galaxia.

Ya hablaré algún día de la semana que viene sobre el Episodio VII… y me estoy pensando si con «spoilers» o sin ellos (¿pero los «spoilers» no era el nombre que le daban a los alerones horteras de los coches, que se ponen los conductores más macarras?). Por lo menos, ya ha dejado algo bueno. A propósito del famoso y anunciado mil billones de veces estreno del mencionado Episodio VII, The Big Bang Theory nos ha dejado uno de los episodios más divertidos de su historia, el Episodio 194, en el que ha habido (atención «spoilers) realmente un «gran bang»… Y no sé si todos sois conscientes de uno de los significados del verbo «to bang«… (fin de los «spoilers»)

El caso es que si algo saben los aficionados a las guerras galácticas es que hace mucho tiempo y un huevo de lejos, todo estaba infestado de robots. O «androides» que les llaman aunque tengan forma de buzón, de pelota de baloncesto o de cubo de basura. Claro,… que poco a poco, este región de la galaxia más cercana y en este mismo momento, corre el riesgo de llenarse también de robots. Empezando por el tema de la limpieza doméstica. Hoy mismo, visitando Amazon.es me he encontrado en la página de inicio con esta imagen…

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Lo de la izquierda… ¿es un robot de limpieza? ¿de verdad? Mira que a mí me parece un cubo y una fregona… Que yo tengo uno parecido y desde luego no me limpia los suelos solo y sin esfuerzo por mi parte… Y quien lo conceptualiza como «robot» ¿Amazon? ¿o Vileda? Ojoplático me quedo. Empiezo a entender lo de los «androides» con forma de cubo de basura.

En fin,… por lo menos una buena noticia. Que en el terreno de las distopías… que díganme a mí si no estamos viviendo propiamente en una de ellas, nos han anunciado hoy que Amazon Video ha renovado The Man in the High Castle por una segunda temporada. Y creo que ya conté que es una de las series que más me ha gustado este año. Aunque los medios hablen muy poquito de ella.

¿Habrá nuevos villanos, los lores del Sith, alguna nueva orden de malvados? ¿O será los de siempre? Ya veremos.

¿Habrá nuevos villanos, los lores del Sith, alguna nueva orden de malvados? ¿O será los de siempre? Ya veremos.

[Cine] La novia (2015)

Cine

La novia (2015); vista el 13 de diciembre de 2015.

Extrañas sensaciones. Casi en el mismo momento en que estamos planificando la sesión familiar de Star Wars de este próximo fin de semana, con la duda de si volveremos a recuperar aquella ilusión que nos invadió hace casi 40 años o si nos llevaremos la desilusión de hace poco más de quince, nos da por irnos a una matinal de cine español, con sello de la tierra, aragonés. Casi en la antítesis de lo anterior.

He de decir que el primer trabajo como directora de largometraje de la zaragozana Paula Ortiz me dejó un poco frío. Encima me olí la cuestión y esperé a verla en la tele… pasando de ir a las salas de cine. De las tres historias que recogía aquella película justamente prefería aquella que tenía una factura más austera y una protagonista menos conocida. Cosas que pasan. A la hora de ir a ver esta «novia» sacada de las Bodas de Sangre de Federico García Lorca, no dejábamos de preguntarnos si nos encontraríamos esa austeridad que pudo convencernos, o el formalismo estético que nos dejó tan fríos en el resto del largometraje.

Además de las vistosas "postales" que convierten a ratos la película en un publirreportaje turístico de la Capadocia en Turquía, la película está rodada en paisajes, áridos, aragoneses.

Además de las vistosas «postales» que convierten a ratos la película en un publirreportaje turístico de la Capadocia en Turquía, la película está rodada en paisajes, áridos, aragoneses.

Como digo, basada en Bodas de Sangre, la película nos plantea el problema del triángulo rectángulo, cuando dos catetos, El Novio (Asier Etxeandia) y Leonardo (Álex García) se enamoran de la misma hipotenusa, La Novia (Inma Cuesta), e historias previas de malquerencias y reyertas junto con el carácter primario y cerril de la España profunda lleva a una resolución más trágica que pitagórica.

No me extenderé mucho. Desde mi punto de vista, Paula Ortiz vuelve a caer en las trampas en las que cayó en su primera película. Un deleitarse continuo en composiciones del cuadro estéticamente más o menos potentes, acompañadas de una serie de postales mezcladas de la Capadocia y de las resecas estepas aragonesas. Lo cual condena a la película a una carencia de ritmo considerable, y a que la historia que plantea Lorca se tenga que defender por si misma. Una historia que quizá se beneficie mucho más de una puesta en escena austera y desnuda de elementos superfluos que nos permita meternos en las rancias almas de esa España profunda que aún asoma de vez en cuando con más frecuencia de la que nos gustaría, y que Lorca sentía cercana en su Andalucía natal y en sus tiempos.

Por algunas indicaciones al final de los títulos de crédito, los Monegros, el campo de Belchite, la Violada o la Hoya de Huesca pueden haber sido algunas de las localizaciones escogidas.

Por algunas indicaciones al final de los títulos de crédito, los Monegros, el campo de Belchite, la Violada o la Hoya de Huesca pueden haber sido algunas de las localizaciones escogidas.

Los intérpretes hacen su trabajo con razonable solvencia, aunque sin la brillantez que algunos críticos han querido ver. La chica protagonista tiene la presencia física, muy racial, apropiada, pero a veces carece un poco de la fuerza o del desparpajo del capricho a la hora de elegir entre los pretendientes, entre la seriedad y la buena situación del pretendiente (un razonable Etxeandía) y la hombría básica, primaria, del antiguo pretendiente (para mi poco convincente Alex, más allá de la presencia física). De hecho, a los tres se los comen cualquiera de los secundarios veteranos, especialmente una Luisa Gavasa excelente como la madre. Incluso sentimos las presencias de gente como Ana Fernández o Leticia Dolera como desaprovechadas. Comentábamos al salir de la sala si Dolera, aunque no tenga la racial presencia de Cuesta, no hubiera dado más juego como caprichosa que juega con los sentimientos de ambos hombres.

Ciertamente, aunque las secas estepas aragonesas son en ocasiones menospreciadas paisajíticamente, comparadas con los verdes campos y bosques de otras latitudes, yo creo que pueden ser muy bellos.

Ciertamente, aunque las secas estepas aragonesas son en ocasiones menospreciadas paisajíticamente, comparadas con los verdes campos y bosques de otras latitudes, yo creo que pueden ser muy bellos.

La película se deja ver. Pero, ay de los largometrajes en los que las señoras de cierta edad salen diciendo aquello de «qué bonita la fotografía». Si en una tragedia con el fondo que trae la obra de Lorca esto es lo que se queda como primera impresión, es que algo ha fallado.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
O por lo menos son lugares donde yo en más de una ocasión en disfrutado con la cámara fotográfica.

O por lo menos son lugares donde yo en más de una ocasión en disfrutado con la cámara fotográfica.

[Cine] The Lobster (2015)

Cine

The Lobster (2015); vista el 9 de diciembre de 2015.

Versión original subtitulada para una película rodada en inglés con un ADN muy variado, greco-franco-irlandés… e incluso más. La versión doblada se puede encontra en la cartelera española bajo el título casi literalmente traducido, «Langosta».

Esta película del griego Yorgos Lanthimos, viene precedida de críticas relativamente entusiastas, por la original de su argumento y su puesta en escena. Vamos a ver lo que da de sí.

David (Colin Farrell) vive en una sociedad alternativa a la nuestra en la que nadie puede permanecer soltero, sin pareja. Cuando alguien se queda sin pareja o no es capaz de adquirir una, es llevado a un hotel donde tiene 45 días para encontrar su media naranja entre otras personas en su situación. Si no lo consigue, al cabo de ese tiempo será convertido en el animal de su elección. David decide que si no consigue pareja… querrá ser una langosta. Viven más de 100 años. Si nadie las echa en una cazuela de agua hirviendo claro. El tiempo de 45 días es extensible… ya que cada día salen a cazar «solitarios». Gente que vive en los bosques sin compromiso de pareja alguno, al margen de la sociedad. Los abaten con dardos somníferos, y luego son convertidos en animales. Por cada «solitario» abatido, ganas un día más de estancia en el hotel. Cuando su intento de emparejarse con una compleja y desalmada mujer (Angeliki Papoulia) falle, con la ayuda de una camarera (Ariane Labed) se fugará a los bosques. Será aceptado por la lider de los «solitarios» (Léa Seydoux), con una condición. No puede enamorarse ni emparejarse con nadie. Pero la presencia de un mujer miope (Rachel Weisz), le pondrá las cosas difíciles, aun arriesgando graves castigos.

El mundo distópico de este filme está representado por la isla de Irlanda, un mundo distópico donde todo el mundo está obligado a ir en pareja.

El mundo distópico de este filme está representado por la isla de Irlanda, un mundo distópico donde todo el mundo está obligado a ir en pareja.

Se ha dicho que estamos ante la rareza, la excentricidad del año. Desde luego ni los planteamientos, ni los diálogos, ni la historia es de las que estamos acostumbrados. Con una puesta en escena austera, a veces fría, pero que conviene a las características del relato, un relato con voz en off de la que tardamos prácticamente media película en conocer su propietaria, Lanthimos nos planta ante la cara una curiosa e interesante reflexión sobre la soledad, las relaciones de pareja, el egoísmo, los prejuicios que nos invaden a la hora de escoger nuestras relaciones, o los engaños en los que incurrimos para «pescar» a nuestras parejas, con una mezcla de comedia que roza el humor negro en ocasiones y de drama. Cumple con la vieja regla que dice que de entrada hay que sorprender al espectador antes de contar la historia, con una escena absolutamente surrealista en la que una mujer para su vehículo en el campo, desciende de él y dispara su escopeta contra un pobre burro que allí pasta.

Rodada en Irlanda, saca buen partido del tiempo gris de la verde isla del archipiélago británico, acompañada de una potente banda sonora.

Y si no...  te convierte en un animal y te sueltan en los bosques...

Y si no… te convierte en un animal y te sueltan en los bosques…

Son importantes las interpretaciones, con un austero, casi hierático Colin Farrell, muy lejos de su exhuberante imagen de conquistador del mundo de épicas películas pasadas. Un hombre vulgar, sin interés, prácticamente sin personalidad, que de entrada lo consideramos condenado a una futura vida en el fondo del mar. Pero asimismo un superviviente. Al igual que las langostas, se sabe camuflar en el fondo del mar donde habita, incluso como algunas especies de estos crustáceos cambiando de color. Muy buenos trabajos también del resto del reparto (¿Léa Seydoux encasillándose en el rol de mal? Con lo que me gusta a mí esta chica), donde además de los mencionados vemos aparece en papeles más o menos largos gente como Olivia Colman o John C. Reilly (impagable escena de la tostadora).

Hay en esta película más de lo que parece. Película que tiene dos parte muy definidas, la estrambótica parte inicial en el hotel, con escenas antológicas por lo absurdo, y la romántica parte final, donde surge lo mejor y lo peor del ser humano. Yo no me la perdería. De hecho, no me la he perdido.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ****
Muy alabada la idea del protagonista de ser una langosta si falla en su intentona por encontrar pareja,... Es que todo el mundo quiere ser perro, y todo está lleno de perros... Tiene su coña ¿no?

Muy alabada la idea del protagonista de ser una langosta si falla en su intentona por encontrar pareja,… Es que todo el mundo quiere ser perro, y todo está lleno de perros… Tiene su coña ¿no?

 

[Cine] Bridge of Spies (2015)

Cine

Bridge of Spies (2015); vista el 7 de diciembre de 2015.

Título original en inglés para la versión original subtitulada de una película que podemos encontrar doblada en la cartelera española con su título traducido casi literalmente como «El puente de los espías». Y dosis de turno de cine de su director Steven Spielberg, que viene precedido de buenas críticas, pero que a mí lo que más me llama la atención es que en sus créditos aparezcan como guiones los hermanos Coen, Ethan y Joel.

Indefectiblemente, nos iremos también a la sufrida ciudad de Berlín, que mira tú que culpa tendrá ella de estar llena de alemanes. Con los cirios que han montado en los últimos tiempos. "Madre con hijo muerto" de Kollwitz en la Neue Wache (la Nueva Guardia).

Indefectiblemente, nos iremos también a la sufrida ciudad de Berlín, que mira tú que culpa tendrá ella de estar llena de alemanes. Con los cirios que han montado en los últimos tiempos. «Madre con hijo muerto» de Kollwitz en la Neue Wache (la Nueva Guardia).

El tío Steven nos traslada a lo más duro de la guerra fría entre el imperio capitalista de los Estados Unidos y el imperio comunista de la Unión Soviética, en un lapso de tiempo que en la realidad histórica abarca cuatro años, aunque en el tiempo de la película no sea así, parece que todo pasa de tirón, por lo menos a la vista del nulo crecimiento de los hijos del personaje protagonista, el abogado James B. Donovan (Tom Hanks). La cuestión es que en algún momento de finales de los años 50, el FBI consigue detener a Rudolf Abel (Mark Rylance), responsable de una eficaz red de espías al servicio de la Unión Soviética a la hora de pasar secretos sobre la tecnología atómica de los norteamericanos. Tras un juicio, que tal y como nos lo cuentan no deja de ser una farsa, Abel es sentenciado a 30 años de prisión. Pero al poco tiempo, cuatro años en la realidad histórica, un piloto espía norteamericano, Francis Gary Powers (Austin Stowell),es derribado y capturado sobre territorio soviético. Es el momento para un intercambio de prisioneros, cuanto antes… no vaya a ser que canten lo que saben… Pero también es el momento en el que se incrementan las tensiones en Berlín,… Es el momento en que se construye el muro, y un estudiante norteamericano, Frederic Pryor (Will Rogers), queda preso en el lado equivocado del mismo.

Decir a estas alturas que Spielberg sabe hacer películas es una declaración propia del Capitán Obvio. Qué es un excelente manipulador de emociones, tres cuartos de lo mismo. Que estemos ante una película memorable, ante «el mejor Spielberg de siempre» según la distribuidora,… no está tan claro. Vayamos pues por partes. Estamos ante una película muy, muy, muy bien hecha, y muy, muy, muy entretenida. Disfrutamos en ella de algunos diálogos, especialmente las interacciones entre el abogado y el espía soviético, que están muy bien. Queremos ver la mano de los Coen por ahí. Y las más de dos horas de duración de la película se nos pasan en un plis-plas. Misión cumplida. Para quienes busquen mero entretenimiento.

Puerta de Brandemburgo.

Puerta de Brandemburgo.

Pero la historia, por lo menos tal cual parece planteada al principio, da para más y más profundo. Por ejemplo, los aspectos éticos del juicio al espía, que pueden ser trasladados al presente con los aspectos éticos del trato a los prisioneros en Guantánamo, al margen de cualquier convenio o sistema legal. La película trata un tanto el tema, pero sin hacer sangre. Hasta el juez que claramente se pasa los principios constitucionales de los que emana el derecho penal por el forro de la entrepierna es presentado como un tipo relativamente simpaticón. Por otro lado, tenemos los típicos tópicos… la familia del «héroe» fija ante el televisión, como si fuesen la familia del astronauta al que encarnó Hanks en aquella misión desafortunada del programa Apolo. O los agentes de la CIA, aparentemente desalmados, pero que parece infantes de guardería comparados con los que nos ofrecen hoy en día algunas series de televisión. Por mencionar algunos de los aspectos flojos de la película. Que los tiene.

Lo que sí tiene el filme es una gran mano ganadora en su reparto. Tom Hanks está muy bien. Más propio de una película de los Coen, los guionistas, que de Spilberg, el director. A pesar de ser habitual de las películas de ambos, creo que ganan los primeros. Y curiosamente, cada vez que Rylance se asoma a la pantalla, casi se lo come. Con una interpretación austera, estoica, nos muestra un de los espías comunistas más simpáticos del cine americano. Si es que nos cae estupendamente, como si fuera nuestro tío favorito. El resto del reparto, un relleno que cumple si hacer sombra a las estrellas de la función.

Lienzo del muro de Berlín en la Niederkirchnerstrasse.

Lienzo del muro de Berlín en la Niederkirchnerstrasse.

¿Es una película recomendable este puente de los espías? Pues mira chico,… sí. Porque realmente te lo pasas bastante bien. ¿Es una gran película? Pues mira chica,… se queda por el camino. Siempre digo que para mí es importante el regusto que deja el filme. Cómo va regresando a la memoria durante unos días. Y lo que pasa con esta película es que satisfechos tras haberla visto,… no ha regresado a la memoria en ningún momento hasta ahora en que me he puesto a escribir esta entrada.

Valoración

  • Dirección: ****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
Marx y Engels todavía se "asientan" en el corazón de Berlín-Mitte.

Marx y Engels todavía se «asientan» en el corazón de Berlín-Mitte.

[Cine] Nadie quiere la noche (2015)

Cine

Nadie quiere la noche (2015); vista el 30 de noviembre de 2015.

Supongo que hay que dejar el título en castellano, porque parece que ese es el título oficial. Aunque la película está rodada en inglés. Y en inuit. Y porque desgraciadamente a Zaragoza no ha llegado más que la versión doblada (¡horror!). Aunque yo tenía mis dudas porque había leído algo de las peripecias de esta película en su presentación en Berlín, la presencia de Juliette Binoche y algún otro nombre conocido, añadido a que todavía hay quien espera cosas interesantes de la directora Isabel Coixet, nos hizo optar por esta película, a pesar de que había otras igualmente interesantes o más.

La protagonista de la película es Josephine Peary (Juliette Binoche), la esposa del autoproclamado primer hombre en pisar el Polo Norte. En una realidad alternativa a la realidad histórica, Josephine habría ido a esperar a su marido a su regreso de la expedición polar. Primero a la isla de Ellesmere, la más al norte de los territorios árticos canadienses, y desde aquí, atravesando el estrecho de Nares, al norte de Groenlandia, cuando el invierno se está acercando. Allí se encontrará con Allaka (Rinko Kikuchi), la amante inuit de Peary, y juntas decidirán esperar el regreso de este, afrontando la noche del invierno ártico.

Paisajes nevados, para ilustrar una película gélida ambiental y conceptualmente.

Paisajes nevados, para ilustrar una película gélida ambiental y conceptualmente.

Como digo, esta es una historia alternativa. Aunque Josephine Peary acompañó en su juventud a su marido en alguna expedición ártica, hasta el punto de dar a luz a su hija mayor en una de ellas, lo cierto es que esperó confortablemente el regreso del explorador en Estados Unidos en 1909. Por lo tanto, si tal cosa es sabida, la pregunta es ¿cuál es la tesis de Coixet al hacer esta película? ¿este ejercicio de ucronía? El personaje de Josephine Peary es mostrado como una mujer irracional, soberbia, racista, vana y con tendencias dictatoriales. Tal es así… que en un momento dado te da igual lo que le pase. El personaje de Allaka, por el contrario, es una variante del «buen salvaje». El ser humano en estado natural en contacto con la naturaleza, generoso, sencillo, solidario,… pero la estereotipada definición del personaje la hace igualmente impersonal. Poco interesante. A partir de aquí… una descripción de 18 o 20 semanas en la frío noche ártica, tan inverosímiles como faltas de interés… Ni aun con el tercero en discordia. Un enorme esfuerzo de rodaje, tanto en el plano técnico como en la contratación de un equipo artístico notable para ¿qué, exactamente?

Ni siquiera las esforzadas interpretaciones de las dos protagonistas consigue salvar esta historia. No entiendo tampoco, si quiere reivindicar a los pueblos aborígenes frente a la soberbia occidental, por qué no ha buscado para el papel de Allaka a una actriz inuit en lugar de buscarse a una pijita nipona. Ni entendemos para qué es necesario contratar a Gabriel Byrne para el papel que hace.

Pero no las nieves árticas, donde no he llegado... nos conformaremos con los Pirineos en invierno.

Pero no las nieves árticas, donde no he llegado… nos conformaremos con los Pirineos en invierno.

Me entero después de ver la película que después de la gélida acogida en la Berlinale, más que gélida habría que hablar de rechazo al filme, se volvió a montar el metraje, se recortó y se intentó hacer más digerible. No me puedo ni imaginar el pestiño insufrible que debió ser aquella presentación. No la puedo recomendar. Y difícilmente creo que le llegue a perdonar a Coixet que haya conseguido que Juliette Binoche, una de mis actrices preferidas, me caiga durante dos horas profundamente antipática.

Valoración

  • Dirección: *
  • Interpretación: **
  • Valoración subjetiva: **
En el alto valle del río Gállego y en el puerto de Portalé... Pirineos aragoneses.

En el alto valle del río Gállego y en el puerto de Portalé… Pirineos aragoneses.

[CineFoto] Life (2015) | La fotografía en el cine

Cine, Fotografía

Esta vez, para ver el comentario de la película os tendréis que ir al enlace siguiente, ya que pertenece a mi colección de películas con temática fotográfica. El reportaje del fotógrafo Dennis Stock al actor James Dean con la conocida fotografía de este último en Times Square, cuando todavía era muy poco conocido.

Origen: Life (2015) | La fotografía en el cine

De todos modos, dejó aquí como resumen mi valoración habitual.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Cómo no ilustrar esta entrada con imágenes de Times Square (aquí y en la cabecera). No obstante, hoy en día sería imposible reproducir en este lugar el ambiente que tenía en los años 50.

Cómo no ilustrar esta entrada con imágenes de Times Square (aquí y en la cabecera). No obstante, hoy en día sería imposible reproducir en este lugar el ambiente que tenía en los años 50.

Será por eso que han rodado la mayor parte de las escenas neoyorquinas del filme en Toronto, Canadá. Cosas que pasan.

Será por eso que han rodado la mayor parte de las escenas neoyorquinas del filme en Toronto, Canadá. Cosas que pasan.

[Cine] Mistress America (2015)

Cine

Mistress America (2015); vista el 22 de noviembre de 2015.

En un día como hoy en el que me encuentro muy confuso… Veréis… En el lugar donde trabajo, en los últimos años han sido o fueron relativamente las protestas salariales en viernes. La gente se vestía de negro y protestaba en la puerta del centro de trabajo durante unos minutos. Y a eso se le llamaba «viernes negro»… Pero ahora resulta que «viernes negro» o en inglés «black friday» es un día donde te venden las cosas rebajadas. Aunque dicen que antes de rebajar las cosas, en algunos comercios las suben de precio, así que cuando dicen que las han rebajado… pues eso… Que estoy confuso…

Retomo el hilo. Llevo un cierto retraso en lo de comentar películas que he visto en el cine. Con la de hoy tengo dos sin comentar. Así que a ver si entre hoy y mañana me pongo al día. La de hoy, vista en versión original. El título en la versión doblada, en España, creo que es el mismo. Y nos apeteció verla porque no hace mucho vimos otra película con la misma pareja de director/guionista y protagonista/guionista que nos gustó. Noah Baumbach y Greta Gerwig han vuelto a las calles de Nueva York para contarnos el desconcierto vital de las generaciones más jóvenes.

Volvemos hoy a Nueva York; al más urbano y dinámico.

Volvemos hoy a Nueva York; al más urbano y dinámico.

Tracy (Lola Kirke) es una chica de primero de carrera, que ha decidido hacer sus estudios en Nueva York atraída por la romántica imagen de la ciudad como lugar donde pasa todo en el mundo intelectual y social. Pero sus aspiraciones se quedan defraudadas, porque todo es muy aburrido. Además, aspirante a escritora, no parece impresionar a sus profesores y compañeros con sus escritos. Todo parece cambiar cuando conoce a Brooke (Greta Gerwig), la hija del novio de su madre, futura hermanastra. Esta, casi una década mayor, es «guay», lo pasa bien, y tiene proyectos para montar un restaurante maravilloso. Y conoce gente.  Las cosas al final no serán como parecen,… pero por lo menos le estimulará a escribir algo realmente interesante.

Drama con tonos de comedia, o comedia con tonos de drama, en la que de nuevo Baumbach y Gerwig exploran la ausencia de rumbo, la carencia de objetivos vitales en lo jóvenes actuales, representados por cualquiera de las dos protagonistas. Lo cual se hace especialmente grave cuando el joven empieza a no ser tan joven, situación representada por el personaje que interpreta Gerwig. Un personaje muy similar en ciertos aspectos al de Frances Ha, pero sin que parezca que vaya a conseguir reconducir su vida como aquella bailarina frustrada. Similares ingredientes que el mencionado precedente, aunque tal vez sin la frescura y la novedad que represento aquella sencilla película rodada en blanco y negro con cámaras fotográficas réflex digitales.

A la ciudad que despierta expectativas e ilusiones en la gente.

A la ciudad que despierta expectativas e ilusiones en la gente.

Buenas interpretaciones, tanto de sus protagonistas (esta chica, Lola Kirke, a quien esperamos en la segunda temporada de Mozart in the Jungle, parece que promete) como de los personajes secundarios. Todos juntos nos ofrecen de forma coral la parte más interesante de la película que es cuando se juntan todos en la casa del exnovio y examiga de Brooke.

Película que se deja ver con razonable agrado, no le encuentras grandes pegas, pero que tampoco dejará un recuerdo indeleble en la memoria. Si no encuentras nada mejor en cartelera, tiene un pase. El haberla visto en compañía entre otros de una joven de 21 años, permitió eso sí, un coloquio cervecero posterior muy interesante.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
Pero en la que, si hacemos caso a lo que nos cuenta el cine y las series de televisión contemporáneas, las chicas jóvenes lo tienen realmente complicado.

Pero en la que, si hacemos caso a lo que nos cuenta el cine y las series de televisión contemporáneas, las chicas jóvenes lo tienen realmente complicado.

[Cine] The Homesman (2014)

Cine

The Homesman (2014); vista el 20 de noviembre de 2015.

Versión original subtitulada para la segunda película para la gran pantalla de Tommy Lee Jones, un Jones que como buen Juan Palomo, forma parte también del equipo de guionistas que adapta la novela de Glendon Swathout, y se reserva un papel coprotagonista en el filme. Filme que es posible encontrar también en la cartelera española doblado al castellano con el título de Deuda de honor. En cualquier caso, estamos ante un reparto muy interesante, y a lo que se nos anunció previamente como una aproximación alternativa a las tradicionales al western.

La película nos habla de cómo Mary Bee Cuddy (Hilary Swank), una colona pionera en el territorio de Nebraska, se compromete tras un duro y nefasto invierno a llevar a un hogar seguro más al este a tres mujeres que han perdido la razón por los terribles acontecimientos que les han acontecido. Arabella Sours (Grace Gummer), una joven esposa de 19 años cuyos tres hijos han muerto por la difteria, Theoline Belknap (Miranda Otto), una madre que sacrifica a su bebé por no poder mantener a todos sus hijos tras la muerte de todas sus vacas, y Gro Svendsen (Sonja Richter), una noruega que sufre el maltrato de su marido y cuya madre ha muerto recientemente. Para recorrer las desoladas llanuras que separa el asentamiento de Loup en el territorio hasta la ciudad de Hebron en el estado de Iowa, contará con la colaboración, reluctante al principio de George Briggs (Tommy Lee Jones) un solitario aventurero a quien salva de un linchamiento.

Estamos ante lo que muchas veces se denomina un western crepuscular. Este término lo he escuchado o leído referido a dos conceptos distintos. Por un lado, referido al western que se desarrolla en una época histórica tardía, cuando buena parte de la exploración y el sentido de aventura ha desaparecido, y nos encontramos ante unos estilos de vida que desaparecen. El segundo sentido del término se refiere al western revisionista, en el que desaparece el aura de heroísmo y aventura del tradicional, para ofrecernos un ambiente más real, mostrando la dura vida de los pioneros y los colonos, las dificultades y las miserias que hubieron de sufrir para llegar a domeñar el bello pero duro medio natural de las grandes praderas, los desiertos o las montañas que más allá del Misisipi o del Misuri esperaban a los europeos que acudían para apropiarse de las tierras y hacer fortuna. En este caso, nos encontramos ante esta segunda acepción.

A falta de fotografías de las grandes praderas del oeste americano, me iré a otros paisajes duros, mucho más cercanos.

A falta de fotografías de las grandes praderas del oeste americano, me iré a otros paisajes duros, mucho más cercanos.

Loup, que existe en la actualidad en el estado de Nebraska, se nos muestra como un pequeño asentamiento de personas luchando duramente para hacer prosperar sus granjas y sus negocios. De origen europeo, inmigrantes del este o incluso de la vieja Europa, con fuertes convicciones religiosas y una moral muy conservadora, viven en un entorno duro. En las grandes llanuras de Norteamérica encontramos un clima continental extremo, donde los veranos pueden ser muy calurosos con temperaturas por encima de los 30 ºC mientras que los inviernos se acompañan de fuertes nevadas y temperaturas de bastante grades bajo cero. Ha esto hemos de sumar las temporadas de tormentas, encontrándose en el llamado «callejón de los tornados». Sumemos a esto los problemas de adaptación de cultivos, del ganado, la amenaza de los nativos cabreados por el espolio de sus tierras por parte de los europeos y la presencia de aventureros forajidos que pueden aprovecharse del relativo aislamiento en el que viven muchos granjeros. Añadamos la ausencia de servicios que nos parecen básicos hoy en días como médicos, farmacias, escuelas adecuadas, etcétera.

En un entorno de tal dureza, y con una sociedad fuertemente conservadora, el punto de partida del filme es que la mujer es fácilmente una víctima fácil de las desgracias. El maltrato, la condición de ciudadana de segunda categoría, la mortalidad infantil, la convención del matrimonio… una mujer de 31 años no casada ya es una solterona… Así nos encontramos con las tres mujeres que han perdido la cordura, y el personaje principal del que pronto nos ponen en antecedentes que, aunque es mucho lo que tiene comparado con sus vecinos, también ha perdido mucho por el camino desde su infancia en Nueva York, sin alcanzar a realizar muchas de las aspiraciones que una mujer joven tiene en ese entorno. La película es básicamente feminista, en el sentido de reivindicar el papel de las mujeres en una época difícil de la historia norteamericana, que pocas veces ha salido a la luz. En la mayor parte de los westerns tradicionales, la mujer es simplemente el descanso del guerrero. Bonita, dispuesta, con la cena preparada y los calzones del macho lavados.

Me refiero al paisaje estepario de los Monegros en Aragón.

Me refiero al paisaje estepario de los Monegros en Aragón.

Todos estos elementos están en la odisea particular que afrontan los cinco personajes principales, los dos protagonistas y las tres compañeras que no dialogan. Una odisea de varias semanas de duración por las llanuras inhóspitas, y diversos peligros humanos, para un recorrido que hoy en día son 450 kilómetros, casi cinco horas, por una carretera interestatal de los Estados Unidos. No todos llegarán al final del viaje.

Técnicamente, la película es irreprochable, con una fotografía que aprovecha perfectamente las condiciones atmosféricas del entorno, lo amplios espacios, jugar con la pequeñez del ser humano ante una naturaleza que puede ser apabullante. La película tiene momentos muy notables. Episodios que por su intensidad emocional te dejan pegado a la butaca y te conmueven o estremecen. Sin embargo, como conjunto tiene algún problema de ritmo y de enlace entre unas situaciones y otras. Nada grave. Probablemente reflejando la dificultad de trasladar al cine una novela que quizá sea densa y más compleja en sus descripciones y relato de situaciones. Tras momentos muy dramáticos, como el que se da acampados en el soto junto al rito tras dejar atrás las llanuras, viene el momento del hotel que tiene momentos casi esperpénticos tanto en su desarrollo como en el terrible desenlace. El final, con canciones y danzas, tiene sin embargo tonos de desasosiego y de desesperanza.

Jones deposita de todos modos su confianza en la capacidad de los intérpretes para trasladar al espectador las emociones necesarias. Y el reparto es suficientemente sólido como para llevar a cabo el encargo con nota. Tanto Swank como Jones son intérpretes que han mostrado sobradamente su capacidad y no decepcionan. Pero las tres mujeres que han perdido la razón, que parece que sean un complemento sin más, nos ofrecen momentos también de dramatismo y solidez; a veces creo que están algo desaprovechadas. Diversas apariciones breves de ilustres jalonan con solidez el desarrollo de la película, John Lithgow o James Spader por poner unos ejemplos, para terminar con dos breves actuaciones de otras mujeres. Que pueden simbolizar el pasado o los valores tradicionales, en el caso de Meryl Streep que tiene la ocasión de coincidir con su hija, Gummer, en una escena, o el incierto futuro de la mujer de la frontera, en el caso de la joven Hailee Steinfeld, que vuelve al género que le dio fama en su momento con solo 13 o 14 años. Aunque sea brevemente.

Estamos ante una película que me ha hecho pensar bastante, como veis por la longitud de la entrada. No es una película redonda. Al público votante en IMDb no le apasiona, pero la respuesta de los críticos, aunque variada, es más positiva que negativa. Yo digo que se deja ver sin problema, aunque quizá se ha perdido la ocasión para hacer una película mucho más redonda. Quizá ha faltado ambición. O algo de capacidad, más allá de las habilidades técnicas, para trasladar la historia a la gran pantalla.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ***
Quizá las temperaturas no sean tan extremas, pero la notable aridez del clima le dan un ambiente especial a esta comarca aragonesa.

Quizá las temperaturas no sean tan extremas, pero la notable aridez del clima le dan un ambiente especial a esta comarca aragonesa.

[Cine] Sicario (2015)

Cine

Sicario (2015); vista el 17 de noviembre de 2015.

Vemos esta película con título en castellano, aunque en versión original en inglés. Los responsables de la película nos dicen que «sicario» es una palabra que usan en Méjico para denominar a los asesinos a sueldo ¿?… ¿?… Toma, y en todo lugar donde se hable el castellano o español, «sicario» significa a sueldo. Incluso «sicàrio» es una palabra italiana que significa lo mismo. En francés, sería «sicaire»…  Incluso en portugués parece que existe «sicário»… Qué tontadas tienen estos yanquis a veces. Lo que yo no sé es el grado de popularidad de la palabra, latina de origen, que se usaba para denominar de los asesinos que mataban cortando («secare») con un cuchillo en cada uno de estos idiomas.

Pero vamos a lo que vamos, inculturas norteamericanas aparte. Nos llega está película dirigida por el canadiense Denis Villeneuve, que últimamente viene haciendo unas películas interesantísimas, y al que nada más y nada menos han encargado la secuela de Blade Runner. Toma ya… Dudando como dudo de la necesidad de segundas partes de aquella emblemática película, por lo menos no se lo han dado al primer memo especializado en fuegos artificiales y películas palomiteras que ha pasado por la productora… Ya he divagado otra vez. Como digo, película, la que nos ocupa hoy, con buen director y un interesante reparto.

Las fotografías que acompañan hoy, de un pasaje relativamente árido a pesar de los pinos, como el de la frontera de los EE.UU. y Méjico, son también procedentes de carretes de película tradicional.

Las fotografías que acompañan hoy, de un pasaje relativamente árido a pesar de los pinos, como el de la frontera de los EE.UU. y Méjico, son también procedentes de carretes de película tradicional.

Kate Macer (Emily Blunt, lo que yo decía del interesante reparto) es una agente del FBI destinada en Arizona, un poco quemada, literal y figuradamente como veréis, de las barbaridades de los cárteles de la droga que pasan la mercancía en la frontera mejicana. Se le ofrece después de una dura operación la posibilidad de formar parte de un grupo operativo compuesto por varias agencias federales, bajo el auspicio del Departamento de Defensa norteamericano, en la escalada de la guerra contra el narcotráfico. Al frente de la operación está el misterioso Matt Graver (Josh Brolin), y en ella colabora un tal Alejandro (Benicio Del Toro, veis lo que decía del reparto). Pero a Kate pronto le entrarán dudas sobre el respeto por la legalidad que este grupo tiene en sus operaciones. Y además hay peligros insospechados en la operación.

Villeneuve nos ofrece una serie de reflexiones de carácter ético y político sobre la lucha contra el tráfico de drogas estupefacientes. Básicamente, el punto de partida, la tesis inicial la plantea el cínico personaje Matt Graver… cada vez hay más detenciones y más éxitos policiales, pero el consumo de drogas y sus consecuencias sociales permanecen igual. O peor. ¿Es esto una excusa para cambiar los modos de actuar de los estados? Como dicen en la película, ¿para desplazar a conveniencia los límites en los que actúa la legalidad o los límites de la propia legalidad? Creo que la respuesta que nos da Villeneuve a través de un magnífico espectáculo cinematográfico, con magnífica fotografía y montaje es claramente crítica a estas posiciones. Y todo ello en una película cuyas dos horas de duración se pasan en un vuelo, dinámica. Fiel a aquella filosofía del cine que dice que al espectador, en las primeras escenas hay que asombrarlo, anonadarlo y fijarlo a la butaca. Y luego, le cuentas tu historia. Y así funciona. Como un reloj.

No es fácil fotografiar paisaje en las horas centrales del día, y quise hacer algunas pruebas.

No es fácil fotografiar paisaje en las horas centrales del día, y quise hacer algunas pruebas.

Como he venido diciendo, uno de los aspectos más atractivos de la película es su reparto. Emily Blunt es una actriz claramente en alza. La británica es camaleónica y la empezamos a ver en todo tipo de papeles, no desdeñando para nada, luciéndose incluso, en aquellos en los que el desgaste físico es notable. Como este. Benicio del Toro también es un valor seguro. Es el auténtico protagonista del filme, de hecho. Su personaje es el eje que nos habrá de mostrar las caras ocultas del ¿bien o del mal? Tiene sus oportunidades para dejarnos en la butaca casi sin respiración, con notables escenas en las que su presencia se impone física y piscológicamente. Y el tercero en discordia, el cínico Brolin, no desmerece en absoluto, y si bien progresivamente su personaje va perdiendo importancia en la película, su punto de vista no deja de ser el eje central del dilema ético del filme.

Yo creo que es una película que no hay que perderse. Muy buena. Dura. Con pocas concesiones. Directa. Con una realización impecable. Quizá por su arduo tema no consiga hacerse paso en la temporada de premios cinematográficos que se viene encima. Pero no porque carezca de merecimientos.

Valoración

  • Dirección: *****
  • Interpretación: ****
  • Valoración subjetiva: ****
A ver si en los próximos días me da tiempo a comentar en mis páginas dedicadas a la fotografías las cuestiones técnicas relacionadas.

A ver si en los próximos días me da tiempo a comentar en mis páginas dedicadas a la fotografías las cuestiones técnicas relacionadas.

[Cine] An (あん) (2015)

Cine

An (あん) (2015); vista el lunes 9 de noviembre de 2015.

Como de costumbre, cuando veo una película en su versión original subtitulada, conservo su título original, en este caso en japonés. Pero para aquellos que miren la cartelera española, probablemente la encontrarán, tanto en versión original subtitulada como en versión doblada, con el título Una pastelería en Tokio.

No he visto las películas más célebres de Naomi Kawase, aquellas  que despertaron expectación sobre esta directora japonesa. Pero hace un tiempo, no mucho, vi por televisión la película que realizó antes de esta, y me llamó la atención. Como además la que hoy nos ocupa había recibido algún que otro comentario positivo en los medios, nos decidimos a arriesgar un poquito con este filme.

Sentaro (Masatoshi Nagase) regenta un puesto de «dorayaki«, un tipo de dulce de repostería japonés, compuesto por dos bizcochos planos entre los que se pone una pasta dulce de judías, «anko», que da nombre a la película en el idioma original. El puesto no tiene mucho éxito. Además de algunas colegialas, entre las que se encuentra Wakana (Kyara Uchida), sólo tiene clientes esporádicos. Un día se acerca por allí Tokue (Kirin Kiki), una anciana bonachona que se ofrece a ayudarle, anunciándole que el «anko» que pone no es bueno y que ella le enseñará a hacerlo. Poco a poco, las tres personas que tienen sus propios problemas no confesados, irán estableciendo una extraña complicidad. Pero no durará mucho cuando se descubra el secreto de Tokue.

Hoy, claro está, nos vamos también fotográficamente a Tokio, con sus numerosos puestos de comida, sus adolescentes uniformadas,...

Hoy, claro está, nos vamos también fotográficamente a Tokio, con sus numerosos puestos de comida, sus adolescentes uniformadas,… o no,…

Me ha pasado una cosa extraña con esta película. Que probablemente me ha llevado a retrasar el comentario sobre ella más días de lo habitual. Cuando salimos del cine, lo hicimos con la sensación de haber visto una película muy interesante, que nos había gustado bastante. Kawase proviene originalmente de la fotografía fija, y sus encuadres y secuencias reflejan ese origen. Por otra parte, se recrea en los elementos de la naturaleza. El agua, el viento, los árboles, las hojas,… generando momentos de reflexión, que marca los tiempos y las elipsis del filme. En total, la historia que nos cuenta transcurre en el intervalo de un año. pero de la misma forma que hay películas que después de verlas crecen en nuestra memoria, dejandonos un impacto mayor que el inicial, hay otras, como esta, que les pasa al revés. y es que te da la sensación de que la película está más vacía de lo que pretende. Sí, encontramos a tres personas, a las que la vida no ha tratado bien. La enfermedad de Tokue, el altercado de Sentaro, la madre de Wakana. Pero no acabamos de ver muy bien por qué al final acaban tan unidos, cómo Tokue influye tanto en las vidas de los otros dos. Particularmente descolgado me resulta el personaje de la adolescente. No sé… hay algo que no me llena del filme.

Sus contradicciones entre la integración con la naturaleza de los mitos japoneses,...

Sus contradicciones entre la integración con la naturaleza de los mitos japoneses,…

Las interpretaciones son razonablemente competentes, especialmente la de la veterana Kirin Kiki, y no es al elenco a quien culpabilizaría de ese ligero vacío que me deja el filme. Por cierto, que la chica adolescente era uno de los niños, la mayor, de la encantadora Kiseki, donde también trabajaba Kirin Kiki.

En fin… no me ha llamado la atención tanto como la película anterior de la realizadora. Pero no es una mala película. Aunque eso sí,… quienes busquen cine de ritmo occidental, que pasen muchas cosas, con montajes muy dinámicos… y especialmente si son devoradores habituales de palomitas, mejor que se queden en casa.

Valoración

  • Dirección: ***
  • Interpretación: ***
  • Valoración subjetiva: ***
... y la inmensidad, muchas veces deshumanizada, de la urbe tokiota.

… y la inmensidad, muchas veces deshumanizada, de la urbe tokiota.