[Cine] Entrada «coche escoba»: Woody Allen, Mudbound y otros estrenos de Netflix

Cine

Mis tradiciones me indican que mañana 2 de enero tengo que hacer el resumen de mi año cinéfilo. Pero todavía no he revisado todas las películas que entran en el mismo, porque la última semana del año ha estado muy entretenida desde el punto de vista cinematográfico. No sólo por la visita de rigor a las salas de cine para ver la última de Woody Allen, sino porque este año entran también los estrenos directos en las plataformas de vídeo bajo demanda, y he visto en estos días de fiesta la friolera de tres. Vamos con ella. Acompaño la entrada con algunas fotografías procedentes de los últimos carretes en blanco y negro del años. La Yashica Mat 124G con un Lomography 100 Earl Grey que me quedaba suelto por ahí, las cuadradas, y la Agfa Billy con un Fujifilm Neopan 10 Acros, las rectangulares.

Wonder Wheel (2017)

Wonder Wheel (2017; 542017-2712)

Las dosis anual de Woody Allen nos ha llegado con el final de año, cuando últimamente solía llegarnos a final del verano. Quizá tenían más esperanzas de que este año alcanzase más reconocimiento de cara a la temporada de premios.

Con un buen reparto, nos cuenta cómo, en los años 40, una joven Carolina (Juno Temple), huyendo de su marido mafioso a quien ha delatado al FBI, se refugia en Connie Island con su padre (Jim Belushi) y su madrastra (Kate Winslet). Todo irá bien, hasta que la presencia de un fornido y cultivado salvavidas playero (Justin Timberlake) inicie un peligroso triángulo con las dos mujeres.

Película poco valorada por crítica y público, con sabor a tragedia griega, que cuenta una historia sencilla y previsible, pero desde mi punto de vista bien contada. Lejos de la originalidad de antiguas propuestas del director, está bien hecha, destacando especialmente la fotografía Vittorio Storaro, una banda sonora jazzistica, y unas excelentes interpretaciones. Muy buenos Belushi y Winslet, Temple nos sabe a poco, sabemos que se le puede sacar más partido, y Timberlake que cumple.

A mí me produjo un rato agradable, y es más recomendable de lo que parece.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Mudbound (2017)

Mudbound (2017; 532017-2512)

Notable propuesta que nos llega de la mano de Netflix. Aunque se estrenó principalmente en vídeo bajo demanda, han realizado un estreno limitado en salas de cine en EE.UU. para poder optar a la temporada de premios.

Dirigida por Dee Rees, la directora insiste en recuperar la historia no contada de la discriminación de la raza negra en Estados Unidos, contando las historias paralelas de dos familias, una blanca y otra negra, que se ven obligadas a convivir en una región rural del delta del Misisipí, y que comparte que uno de sus miembros está en la guerra mundial en Europa. El blanco es un capitán que pilota bombarderos y el negro un sargento que comanda un carro de combate.

Con un reparto también de bastante nivel, aunque el nombre más conocido sea el de Carey Mulligan, seguido de Jason Clarke, aunque no sean los personajes clave de la historia que hemos de situar en los personajes interpretados por Garrett Hedlund y Jason Mitchell, es una película dura con pocas concesiones al buenismo de los espectadores, aunque algunos aspectos del final introducen un tono de happy end que nos parece muy forzado.

Está muy bien en líneas generales, y me quedé con la sensación de que se vería mejor en en sala de cine en pantalla grande. También comprendí el interés de Netflix por promocionarla en la temporada de premios. Aunque tengo la sensación de que no se comerá una rosca. Muy recomendable.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

Bright (2017)

Bright (2017; 552017-2812)

Cuentan de esta película dirigida por David Ayer y realizada a mayor gloria de Will Smith que es el intento de Netflix por crear una de estas lucrativas franquicias donde se suceden las precuelas y las secuelas, y las productoras se hacen de oro vendiendo figuritas y otras mercaderías. Es un pastiche que toma elementos del Señor de los Anillos, de cualquier distopía con Los Ángeles como escenerario y del Quinto Elemento, para hacer un correveidile de peleas y balaceras con más bien poco sentido.

El primer día que intenté verla me quedé dormido. En una segunda intención la vi entera, aunque me costó seguirle la pista. No por compleja, sino por complicada. Para mí tiene poco sentido. Se da por sentado una segunda película. Se da por sentado que no la escribirá el mismo guionista por que parece que está implicado en el enésimo caso de denuncias de abusos sexuales en el cine americano. A Ayer también se le acusa con frecuencia de machista. Pues vale. No es una catástrofe. Pero casi. Quedaros con lo que queráis.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: **
Valoración subjetiva: **

Megen no jūnin (2017)

Mugen no jūnin (2017; 562017-3012)

Samuráis, damas en apuros, muchas espadas y muchos desmembramientos con abundancia de salsa de tomate para esta película de espadachines japoneses que, habiéndose estrenado en cines originalmente en su Japón de origen, han decidido exhibir en el mundo entero a través de Netflix. Te tienen que gustar estas películas, y os puedo asegurar que no es Yōjinbō (Yojimbo también), o Sichinin no samurai (Los siete samuráis)… El machote, Takuya Kimura, pero la chica, muy mona y con las orejas desabrochadas, Hana Sugisaki, más bien no.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

[Cine] Star Wars: Episode VIII – The Last Jedi (2017)

Cine

Star Wars: Episode VIII – The Last Jedi (2017; 512017-1512)

Vayamos con la última entrega de nuestra saga galáctica favorita, que en castellano le ha sido otorgada el título de «Los últimos Jedi», aunque no veo problema en que fuese «El último Jedi». Estos malditos anglosajones que no flexan los complementos por género y número… y encima con la palabra «jedi» que siendo un sustantivo tampoco lo hace… Bueno,… si nos dicen que es plural, con el plural nos quedaremos.

Hace ya una semana y un día que vi la película. Y como es tradición en los últimos años, la vi dos veces. El día del estreno en versión original con los amigos, en la matinal doblada del domingo con la familia. Viene bien verla más de una vez porque desconcierta. He tenido alguna petición de retrasar el comentario para permitir que alguna gente que me lee la viese primero… pero es que se me van a acumular las películas. Ya tengo otra en lista de espera, y con los estrenos de esta semana, y teniendo en cuenta que la que viene tengo fiesta, igual caen con facilidad un par más. Con lo soso que ha estado el otoño, parece que la cartelera se pone interesante de golpe.

El asomar de la luna en el horizonte, o la puesta de sol en el extremo opuesto del mismo, y todo lo que puede pasar entre ambos instántes… Hoy, claro está, levanto mi cámara hacia las estrellas para ilustrar esta entrada.

No voy a hacer un resumen introductorio del argumento, para evitar cualquier tipo de destripes. Sólo haré un comentario de mis impresiones, y por qué creo que le ha faltado poco para ser una genialidad a esta película, que finalmente se queda a un paso, quizá más amplio de lo deseable, de serlo.

No hace falta decir que la factura de la película es de primer nivel. El binomio Lucasfilms-Disney no hacía suponer otra cosa. Pero además, el toque que le da Rian Johnson es muy muy muy interesante en el aspecto visual. Lástima que se prodigue tan poco. Su anterior y muy muy muy interesante largometraje es de 2012. Cinco añitos. Querríamos ver más de este director.

Pero donde Johnson rompe con lo anterior y dota de innegable interés a esta película, como producto singular dentro de la saga, es en el tono y en el fondo. Respecto al fondo, estamos ante la película más comprometidamente política de la saga. Salvo algunos momentos en «los clones», la saga ha sido poco política. Orientada hacia el eterna lucha maniquea entre el bien y el mal, los bandos en disputa han sido demasiado obvios y simples desde ese punto de vista. Pero aquí Johnson aprovecha para introducir matices. No a lo grande… pero son detalles aquí y allá que cambian el tono del universo star wars, especialmente en el lado de los buenos. El mensaje es claro. Para que la democracia y la justicia social triunfen no se necesitan héroes de leyenda sino líderes con la cabeza bien puesta. Porque el «lado oscuro» siempre se pone de acuerdo en sus intereses y no le cuesta seguir a algún «lider supremo» que se ponga a tiro y les venga bien. Si no es uno será otro. Lo que importa es el poder. Que cada cual interprete los mensajes políticos que arrastra la película como le venga bien.

Esta nueva orientación,… desconozco si se mantendrá. Parece que frente al monolitismo que ejercía el tío Gilito del cine, Disney ha decidido dar libertad a los directores de cada entrega por lo que el tono puede variar de una a otra. Ha variado del episodio VII al VIII, y el IX viene de la mano del mismo director que el VII… así que… En cualquir caso, viene sustentada por un humor irónico e iconoclasta que impregna el filme de principio a final, que en no pocos casos está causando desconcierto en los fans, incluso hasta el punto de causar rechazo. La forma en que va destrozando la película muchos de los símbolos de la saga,… la figura del aviador infalible,… la omnipotencia de un lider,… las reacciones de un mentor,… Creo que sólo Obi Wan Kenobi en las películas anteriores había mostrado algunos de los aspectos irónicos que ahora aparecen por doquier. Esta crítica interna al propio universo star wars a través del humor, que puede permitir una reorientación haciendo más adulto esta saga, sin que por ello deje de estar abierta a un público amplio, le puede sentar muy bien. Ójala se mantenga.

Pero ya he dicho que la película se queda a un paso, a un escalón, amplio, de la genialidad. ¿Por dónde le vienen los problemas? Por el guion, del propio Johnson. La propuesta del director y guionista es de duración excesiva, y con arcos argumentales dentro de la película que por más vueltas que le doy, si los suprimes, no pasa nada. A penas se justifican para presentar a algún pequeño personaje que hace una pequeña acción importante, pero que se podría haber introducido de forma más económica. También hay alguna situación que por más vueltas que se le dé resulta un poco tontorrona tal y como se plantea. Cierto suicidio es un muy claro. Pero no diré más por no destripar. Estas flojeras del guion restan valor al conjunto,… lamentablemente. Ya digo. Con un guion mejor ensamblado,… una genialidad de película.

El reparto está bien. Esta saga siempre es más de personajes que carismáticos que de interpretaciones virtuosas, pero bueno, el nivel es más que aceptable. Creo que el personaje de Rey (Daisy Ridley) está ligeramente desaprovechado, especialmente porque creo que esta actriz vale bastante. Pero Mark Hamill está mejor que nunca… siempre fue el más flojo del trío protagonista original. Mención especial para la vicealmirante Holdo (Laura Dern). Un poco decepcionante DJ (Benicio Del Toro), el nuevo caradura de la saga. Algo que no he dicho es que la película funciona como una imagen en un espejo deformado del episodio V, con algunos elementos que son guiños o préstamos del VI. Sí el VII era un remake encubierto del IV, esperemos que ya el IX sea totalmente original. En este aspecto, DJ sería una imagen especular deformada de Lando Carlrissian, y no cuento más.

Creo que la película está bien situada dentro de la saga. Es difícil situarla… para mí, a diversos niveles, desde el intelectual al emocional, el Imperio siempre será la mejor. Y la película original siempre tendrá el mérito de ser eso, la original. A partir de ahí, ¿es la tercera mejor? El Despertar es una película argumentalmente mejor armada, pero arriesga muy poco, siendo como ya hemos comentado un remake encubierto de la original. Esta que nos ocupa hoy tiene más calado y despierta más interés desde muchos puntos de vista, pero arrastra algunos defectos en su armazón que no dejan de ser demasiado evidentes. Así que es cuestión de gustos. Ya diréis.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***/****

[Libros] Saga, las guerras del Canadá y otras aventuras de Brian K. Vaughan

Literatura

Estaba yo dudando si dedicar mis esfuerzos blogueros hoy entre un tema fotográfico, tengo un par de series fotográficas recientes que comentar, o el literario comiquero. He optado por este último, porque también se me han acumulado algunas noticias.

Brian K. Vaughan es uno de los guionistas de historietas que pululan en la actualidad, y que nos llegan desde Estados Unidos. Presencia frecuente en los premios dedicados a la historieta en los últimos 12 años, también ha hecho sus pinitos en la televisión… aunque su trabajo como escritor en ese medio, sin que carezca de mérito, ya no me llama tanto la atención.

Para ilustrar la entrada de hoy, y con la excusa del conflicto entre EE.UU. y Canadá de una de las historias, las cataratas del Niágara, tal y como quedaron reflejadas en la cámara de película tradicional de un solo uso protegida contra la lluvia que llevábamos con nosotros. La gente con impermeables azules son las del lado yanqui, las que llevan impermeables amarillos la del lado «canuck».

Indudablemente, su obra actual más conocida, y la más premiada ya que va acumulando premios desde que comenzó hace ya unos años es Saga. Aventura épica y familiar al mismo tiempo, con toques de fantasía, en el que vamos siguiendo desde hace siete volúmenes las aventuras de una familia de proscritos. Marko, soldado de Guirnalda, y Alana, también soldado pero de Terrada, mundo alrededor del cual gira el anterior, asqueados de la guerra que enfrenta sus mundos irreconciliables, desertan, se conocen, se enamoran y tienen una hija, Hazel, la narradora en primera persona de la historia. Sobre esta premisa, y con una pléyade de personajes secundarios y arcos argumentales paralelos, se va desarrollando la que probablemente es la mejor space opera, del momento, por cualquier medio de expresión conocido (literatura, cine, televisión, historieta,…). Dibujada por Fiona Staples, me encanta como ilustra esta chica canadiense, el séptimo volumen de la serie se ha centrado en la permanencia durante meses repostando de la nave-árbol en un cometa que también es escenario de las guerras entre «alados» (los de Terrada) y «cornudos» (los de Guirnalda). Como siempre, mezcla aventuras, humor, drama, alguna gota de tragedia, y buenas dosis de crítica social. Como siempre, algunos personajes se han quedado por el camino. Ha algunos los echaremos más de menos que ha otros. ¿Ya he dicho que me parece la mejor space opera del momento? Pues eso.

Ha coincidido la salida al mercado del séptimo volumen de Saga, con el último cuadernillo de We Stand on Guard. Como ya he comentado en alguna ocasión, en esta historia ilustrada por Steve Skroce y coloreada por Matt Hollingsworth, en el tercer aniversario del comienzo de la guerra angloamericana de 1812, o sea en 2112, un atentado terrorista contra la Casa Blanca en un país asolado por las sequías y el cambio climático, provoca la invasión de Canadá por parte de los Estados Unidos. Parece que detrás de todo esto hay una operación de falsa bandera («Remember the Maine» y el imperialismo norteamericano en Centro y Sudamérica). Los antecedentes históricos que otorgan plausibilidad a la idea están claros. En seis cuadernillos que se leen en un plis-plas conocemos a un grupo de resistentes a la invasión que pondrán en jaque al poderoso ejército ocupante. Una historia menos maniquea de lo que su planteamiento aparenta y que discurre una serie de amenazas para la convivencia pacífica y la democracia que hoy en día son una realidad. El negacionismo del cambio climático, la política de la posverdad (o sea, del embuste), el populismo,… Y de fondo el miedo que probablemente han tenido siempre los canadienses a su vecino y amigo del sur… Al fin y al cabo, Canadá consiguió la independencia del Reino Unido para conjurar el eterno riesgo de una invasión por parte de los Estados Unidos, como la que desencadenó la guerra de 1812. Aquella acabó en tablas… pero quien sabe las siguientes.

Y siguen desarrollándose, vamos por el cuadernillo número 13, las aventuras de las Paper Girls. En los últimos tiempos se han impuesto los revivals de las aventuras de las pandillas adolescentes de los años 80, con fuerte cargas de nostalgia, véase Stranger Things para la televisión. En esta ocasión, Vaughan, con los dibujos de Cliff Chiang y el colorista Matt Wilson, nos traslada también a esa época, donde un grupo de chicas, repartidoras de periódicos, se ven envueltas en una serie de locas aventuras en las que viajarán por el espacio y el tiempo, en una aventura que todavía se está desarrollando. En principio, esta aventura está dirigida a un público más adolescente y menos adulto, pero la verdad es que los límites me parecen difusos, y la considero perfectamente apta para todo tipo de públicos.

[Cine] Personal Shopper (2016)

Cine

Personal Shopper (2016; 222017-3005)

Es curioso que ahora que estoy en uno de mis momentos de mi vida con más tiempo libre, mi frecuentación a las salas de cine haya bajado notablemente. Es una mezcla de interés por la cartelera, bajo, y atracción por otro tipo de actividades. En cualquier caso, esta semana había varios focos de atracción en esa cartelera que en semanas pasadas había estado floja. Y después de pensar un poco nos decidimos por esta película de Olivier Assayas, sobre todo porque teníamos en mente su anterior largometraje, que sin ser redondo, nos pareció interesante.

Rodada entre París y Londres, con localizaciones en otros países que simulan diversos puntos de Francia y otros lugares. Aquí os dejaré paisajes de las dos capitales mencionadas.

En la anterior película trabajaba en un importante papel la norteamericana Kristen Stewart. No era protagonista, pero casi, y lo hacía francamente bien. Lejos de las tonterías que le habían dado la fama en infumables productos de fácil digestión para adolescentes con neuronas atrofiadas. Y lejos de la páginas de papel couché que habían alimentado después su fama, sin que aportase más mérito personal a la misma. El caso es que Assayas decidió que había algo en ella que hacía que mereciese la pena arriesgar en un proyecto pensado para esta joven actriz.

Y la convirtió en esta «personal shopper», Maureen, lo que vendría ser una asistente personal que le hace los recados a alguien «importante», en este caso una insoportable modelo de alto nivel interpretada por Nora von Waldstätten. Este es un papelito pequeño, aunque importante. También aparecía esta actriz vienesa por Sils-Maria. Pero el núcleo principal de la trama es el trauma por la muerte de su hermano mellizo en París, donde se encuentra viviendo y trabajando la joven Maureen. Ambos tiene capacidades para conectar con las almas de los muertos. Pero en esta búsqueda por la paz personal, se encontrará con un misterioso desconocido con el que entrará en una dinámica de consecuencias imprevisibles.

Calificada como thriller psicológico por algunos, paranormal por otros, estamos ante un filme de suspense con tonos de fantasía sobrenatural. La cuestión es que la película va oscilando entre distintos géneros cinematográficos, desde el cine de fantasmas hasta el thriller criminal. Esto, a veces funciona muy bien, y otras no tanto. A mí me impidió entrar del todo en la película, más cuando el género fantástico fantasmal no forma parte de mis gustos personales, y son películas a las que exijo más para que me convenzan. No entraré en las interpretaciones de la película. Assayas deja unas cuantas escenas para que la gente no tenga que romperse mucho la cabeza, aunque las camufla un poco. Que cada cual se trabaje la película si la va a ver.

Pero la gran virtud, teórica, de la película era el trabajo de Stewart, muy alabado, y que le llevó a conseguir premio en el festival de Cannes del año pasado. No lo voy a negar, creo que hace un buen trabajo. El problema es que esta chica parece que se encasilla, quizá porque su físico y su rostro se prestan, a papeles de mujeres muy intensas, muy constreñidas, muy sufrientes, y no acabo de percibir toda su valía como actriz, sin saber cómo funciona con otros registros.

La película se deja ver, pero en mi modesta opinión no es ni tan buena como algunos críticos nos cuentan, ni tan mala como otros opinan. Tiene muy baja puntuación entre el público votante en IMDb, partiendo de la base que tal y como votan, todo lo que esté por debajo de 7, sobre todo de 6,5, empieza a ser considerado flojo. Tiene momentos intersantes y otros,… no tantos. Pero que cada uno juzgue lo que considere oportuno.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Libro] El guardián del cementerio

Literatura

En los últimos tiempos, a través de ofertas diversas, he ido acumulando lecturas y tengo una fila de libros mayor de lo habitual por leer. Pero es que también tengo varios en fila para comentar.

No recuerdo muy bien cómo llegó a mí la recomendación para leer este relato, una novela corta, que se lee en un santiamén, de corte fantástico y escrito por Carlos Martín. Supongo que fue porque el autor es redactor en un blog que seguía, sobre cine, y que ahora mantiene su actividad a través de Twitter. Que por cierto, por si llegara a leerme, decir que con el cambió ganó inmediatez, pero perdió profundidad. Y creo que eso es perder, como balance.

El Almen Kirkegårde de Aalborg no es un cementerio descuidado a pesar de la antigüedad de algunas de sus tumbas.

La novela es una fantasía que transcurre en un pueblo inglés, donde hay un viejo cementerio encantado. Es decir, algunos de sus muertos se pasean por la noche en forma de cadáveres ambulantes, fantasmas o fenómenos paranormales. Muertos que viven tranquilos hasta que Maverick, el guardián, se entera de que el alcalde pretende realizar una operación urbanística para forrarse, que arramblará con el antiguo cementerio.

En general, es un pequeño divertimento en el que se aprovecha para poner en solfa la moralidad de los administradores de lo público, como si en este país necesitáramos otra cosa que leer los titulares de las noticias para saberlo desde hace años. En cualquier caso, es entretenido, y aunque no pasará a la historia de la literatura, puede rellenar un tiempo de lectura en el que no quieras engarzarte en algo más largo o más de fondo.

[Cine] Kimi no Na wa [君の名は] (2016)

Cine

Kimi no Na wa [君の名は] (2016; 192017-1004)

Voy a pasar unos días al modo «sólo fotos». Y tenía varias cosas pendientes de comentar, algunas de las cuales tendrán que pasar a dentro de unos días. Una semana, más o menos. Entre ellas una película, que vi el fin de semana pasado, pero que me voy a saltar por comentar esta película de animación que vimos el lunes. Con la otra película irán comentarios de otras cosas, que no he terminado todavía.

Por el ambiente y los paisajes, la película que comento hoy me ha devuelto a los recuerdos de cuando fuimos de excursión a las proximidades del monte Fuji. El shinto, los lagos, los montes, la naturaleza, las pequeñas poblaciones, los trenes,…

Pero ahora vamos con el gran éxito que ha supuesto la última película de animación de Makoto Shinkai. Utilizo la convención occidental de colocar el nombre de pila delante del apellido en esta entrada a la hora de escribir los nombres japoneses. Hasta la fecha, que yo recuerde, había visto dos películas de animación de Shinkai. Y ambas me gustaron bastante. Ambas en vídeo o televisión. Ninguna de las dos justificaba el apelativo de largometraje. Más bien eran mediometrajes.

5 centímetros por segundo, de la que he leído también el cómic, te dejaba un sabor a película inacabada. Tenía una secuencia o conjunto de secuencias, la del viaje en tren bajo la nieve, que es una de las más desasosegantes y a la vez hermosas que he visto en el cine de animación. O en el cine en general. Pero lo dicho… esa sensación de que había algo más que contar,… que se acaba demasiado pronto… que falta una etapa en la vida de sus protagonistas que contar…

El jardín de las palabras es claramente un mediometraje, que también tenía elementos sobre las relaciones humanas que la hacían muy interesante.

Por lo tanto, aunque parece que Shinkai sea un recién llegado a la animación si hacemos caso a lo que se lee sobre esta película que fuera de Japón recibe el título en inglés de «Your Name», lo cierto es que llevaba ya un tiempo hablando de sus temas preferidos y desarrollando el estilo que ahora ha asombrado a mucha gente.

En esta película cuyo título es la última línea de diálogo de la película «Kimi no Na wa… (Tu nombre es…/Te llamas…)» nos cuenta la historia de dos adolescentes, Taki, un chico que vive en Tokio, y Mitsuha, una chica que vive en Itomori, un pueblecito de las montañas, que no se conocen, que cursan los últimos cursos de la educación secundaria y que de repente empiezan a tener la sensación de que en sueños (o quizá en la realidad), intercambian sus cuerpos, y cada uno vive en el cuerpo del otro. Todo eso hasta el día que Mitsuha se dirija a celebrar un festival tradicional en su pueblo, mientras un vistoso cometa destaca sobre el cielo nipón.

La película tiene tres actos y un epílogo. El primer acto es lo que he comentado como sinopsis del film. El segundo acto es el viaje de Taki en busca de Mitsuha cuando los intercambios se detienen. El contenido del tercer acto me lo callo para no destripar el argumento. Y en el epílogo seguimos por la ciudad a Taki, convertido ya en un graduado universitario en busca de su primer trabajo como arquitecto.

El tema de la película son la personas separadas, aun cuando deseen estar juntas. Es un tema que ya estaba presente claramente en las dos películas anteriores que he mencionado. Separadas por el espacio, por el entorno social, por la edad, por el tiempo, por el destino… Y al mismo tiempo, personas que parecen destinadas a estar juntas. Reconozco que por vivencias personales, el tema me ha interesado siempre, incluso si como sucede en esta ocasión, los personajes son adolescentes. Pero no nos engañemos. Frente a otros productos de animación de distintas nacionalidades que están claramente dirigidos al público más joven, los valores y los temas que encontramos en las películas de Shinkai me resultan universales, más maduros.

Dos son las grandes virtudes de la película de Shinkai. Por un lado, la creación y desarrollo de los personajes, tanto los dos protagonistas como los secundarios que los rodean. Casi desde el primer momento, desde las primeras imágenes que nos muestra de ellos, nos importan. Empatizamos con ellos. Queremos que la vida les vaya bien. Disfrutamos y sufrimos con ellos. No están estandarizados. Ninguno. Todos tienen sus matices.

La otra gran virtud es el virtuosismo en el dibujo. Lejos de los mundos fantásticos de otras películas de animación, aun con los elementos sobrenaturales que impregnan el film, nos encontramos en un Japón real. Con escenarios reales reproducidos con fidelidad y minuciosidad, con un detalle, un ambiente y un clima totalmente convincentes. Y eso para una técnica de dibujo plano, aunque lleno de profundidad, que parece mucho menos sofisticado que las demostraciones tecnológicas a las que nos acostumbran otras productoras de animación, especialmente norteamericanas. Y sin embargo, es de una modernidad y de una calidad técnica asombrosas.

Quizá las pegas que se le pueden poner al largometraje vienen del engarce entre los actos en que se divide. Cada uno de ellos tiene un tono distinto. La comedia, el drama con tonos de tragedia, la aventura de acción,… la melancolía esperanzada del epílogo. Cada uno de ellos disfrutables, pero no siempre con las mejores transiciones entre unos y otros. No estropea la película, pero quizá previene que se convierta en una obra maestra. Por su impacto en la taquilla, la he oído comparar con El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi),… y no. En primer lugar, porque sus temas y su planteamiento son muy distintos. En segundo lugar, porque esta última quizá sea una de las cumbres del cine de Hayao Miyazaki, una, hay varias, con quien se compara a Shinkai en los últimos tiempos. Y tampoco es eso. Son directores que comparten un medio de expresión, pero con personalidades y con cosas que contar distintas. Injusto para Shinkai, que tiene derecho a una trayectoria propia. Esta película de Shinkai es su primer gran éxito. Esperemos muchos más. La película es muy muy muy recomendable.

Valoración

Dirección: ****
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ****

[Cine] Kong: La Isla Calavera (2017)

Cine

Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island, 2017; 152017-1403)

No pensaba yo ir a ver esta película. Es cierto que en un momento dado bromeé con la posibilidad de ir, dado que su protagonista femenina, la oscarizada Brie Larson, aparecía «armada» con un interesante «outfit» fotográfico, una Leica M3 con un Summicron 35/2 con «gafas», y Leicameter acoplado. De lo más sexy. Pero sinceramente, y tras haber visto algún avance del largometraje, el interés por un «blockbuster» de este tipo, dirigido por un tal Jordan Vogt-Roberts era más bien escaso. Y que conste que me he enterado que este director ha participado en una serie que me gusta, You’re the Worst, es lo único que conozco de él a priori… pero que no tiene nada nada nada que ver con lo que aquí comentamos.

El caso que quedar a tomar un algo a media tarde con una amiga acabó convirtiéndose en ir al cine con su hija de ventipocos, una amiga de esta, y un par de sobrinos adolescentes. Algo de diversión hubo… pero no necesariamente gracias a la película. O gracias a ella, pero en el sentido que supongo que pretendían sus responsables.

Acompaño la entrada con unos cuantos «kingkones» del Parque Botánico y Zoológico de Hong Kong, que todo termina en Kong.

No vamos a entrar en explicar mucho de qué va una película de King Kong. Unos que van a una isla perdida y misteriosa, se encuentran con muchos monstruos, mueren unos cuantos… y bueno,… algunas variaciones sobre el final habitual de la historia, y ambientación al final de la guerra del Vietnam como «originalidades» de la película actual.

Como suele suceder con este tipo de taquillazos, gran despliegue de pirotecnia, efectos especiales y efectos visuales, al servicio de un reparto de campanillas haciendo un trabajo de circunstancias, y en algún caso mediocre, y de un guion penoso, con momentos absolutamente de vergüenza ajena. Que en el mejor de los casos provocan la hilaridad, pero no la hilaridad sana de las comedias, sino la irónica que acompaña a los productos malos o ridículos.

Quizá lo que más duele es ver a intérpretes excelentes en otras ocasiones como la ya mencionada Larson, o Tom Hiddleston, o incluso Samuel L. Jackson, más irregular a lo largo de su carrera, engordando sus cuentas corrientes con productos muy rentables, pero que sólo aportan eso a su prestigio actoral. Dinero. Esto afecta gravemente a las mujeres. Se habla a veces de la maldición de los Óscar, por los que una actriz galardonada y con trayectoria ascendente, acaba sumiéndose en la mediocridad tras pasar por algún filme de este tipo. Espero que no le pase esto a Brie Larson, que me gusta desde su época de adolescente desorientada en United States of Tara. Aunque los presagios no son buenos, creo que la han fichado para el universo de superhéroes de la Marvel… mal rollo.

Indudablemente, esta película es como las hamburguesas de los macdonalds o los burgerkings, que todo el mundo llama comida basura, pero que muchos engullen con pasión. De fácil consumo para el espectador palomitero, poco exigente, puede llegar a horrorizar al más exigente. Pero son los primeros los que dominan y los que dejan pingües beneficios en taquilla. Taquillazo, será. Avisados quedáis.

No. Que imite en ocasiones los planos o el aspcto de películas como Apocalypse Now o Full Metal Jacket (La chaqueta metálica), no hace que sea mejor.

Valoración

Dirección: **
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: **

[Cine] Rogue One: A story of Star Wars (2016)

Cine

Rogue One: A Story of Star Wars (2016; 652016-1512)

La toma de las riendas de la factoría Disney sobre Lucasfilms Ltd y sobre la franquicia Star Wars se hizo especialmente notoria cuando anunciaron que, fuera de las películas de la serie principal, iba a ver películas derivadas de la misma, con protagonistas diferentes y autoconclusivas. Y esta que tenemos con nosotros es la primera de ella. Primera cosa que dijo mi sobrino de siete años cuando la vio…

Pues esta tendría que ser la primera película y no el Episodio IV.

«Rogue One» empieza en el planeta Lah’mu, donde la familia Erso vive escondida como granjeros, escondiéndose del Imperio Galáctico… un planeta que se parece mucho al sur de Islandia, en los alrededores de Vik y Myrdal.

Efectivamente… La trama de esta película, dirigida por el británico Gareth Edwards, está perfectamente integrada en la serie principal. ¿Cuál es esa trama? Copio literalmente, en inglés,…

It is a period of civil war. Rebel spaceships, striking from a hidden base, have won their first victory against the evil Galactic Empire.

During the battle, Rebel spies managed to steal secret plans to the Empire’s ultimate weapon, the DEATH STAR, an armored space station with enough power to destroy an entire planet.

Pursued by the Empire’s sinister agents, Princess Leia races home aboard her starship, custodian of the stolen plans that can save her people and restore freedom to the galaxy…

Traduzco al castellano por si alguien no entiende, no le suena, no lo reconoce… Uso la traducción usada en España. En Centro y Sudamérica parece que fue distinta aunque similar…

Nos encontramos en un periodo de guerra civil. Las naves espaciales rebeldes, atacando desde una base oculta, han logrado su primera victoria contra el malvado Imperio Galáctico.

Durante la batalla, los espías rebeldes han conseguido apoderarse de los planos secretos del arma total y definitiva del Imperio, la ESTRELLA DE LA MUERTE, una estación espacial acorazada, llevando en sí potencia suficiente para destruir a un planeta entero.

Perseguida por los siniestros agentes del Imperio, la Princesa Leia vuela hacia su patria, a bordo de su nave espacial, llevando consigo los planos robados, que pueden salvar a su pueblo y devolver la libertad a la galaxia…

Sí, los fans de la serie habrán reconocido de inmediato el texto inicial de la película Star Wars (La guerra de las galaxias), más tarde rebautizado con las historias esas del episodio IV y la nueva esperanza… Pero es que es eso exactamente lo que nos cuenta la película. Por lo menos en su parte más interesante, el ataque sorpresa de un comando rebelde, posteriormente ayudado por una parte de la flota espacial de guerra rebelde, a la base imperial de Scarif, donde se encuentran los archivos espaciales con, entre otras cosas, los planos de la Estrella de la Muerte que fueron robados y que constituyen el macguffin de la película original de la saga. Argumentalmente, ambas películas son continuación inmediata una de la otra.

Y hasta aquí lo bueno. La magníficamente planteada batalla entre ambos bandos, que recuerda a algún episodio histórico en el que una escaramuza acaba convirtiéndose en una batalla de consecuencias decisivas. Como la historia de lo que pasó después, aun a riesgo de que parezca un espoiler, podemos adelantar que la batalla fue de resultado incierto desde el punto de vista táctico, pero una victoria rebelde desde el punto de vista estratégico.

El problema de esta película ha venido señalado en varios medios con los que coincido en gran medida. Para llegar a ese punto nos cuenta una historia previa sobre los componentes del comando que inicia la confrontación en Scarif, que intenta explicarnos quienes son y cuales son sus motivaciones. Y sirven de excusa para inventarse unos cuantos mundos nuevos y montar unas cuantas trifulcas. Y para encajar un montón de guiños hacia el colectivo de fans más acérrimos, que pueden ser más o menos divertidos, pero que en realidad resultan superfluos.

La historia personal más importante es la de la joven Jyn Erso (Felicity Jones) hija del ingeniero jefe que de modo forzado colabora en la gestación de la estrella de la muerte, Galen Erso (Mads Mikkelsen). Juanto a ella, un capitán del servicio de inteligencia rebelde, Cassian Andor (Diego Luna), uno de los personajes más pobremente desarrollados de la historia, un par de aventureros que recogen por el camino y que podrían haber dado más de sí, Chirrut îmwe (Donnie Yen) y Baze Malbus (Wen Jiang), un piloto renegado imperial, Bodhi Rook (Riz Ahmed), y un robot relativamente cachondo, K-2SO (con la voz de Alan Tudyk). También pasa por ahí con más pena que gloria un lider extremista rebelde Saw Gerrera (Forest Whitaker). Como digo… este grupo diverso (actores británicos, daneses, chinos, de origen indio, mejicanos,…) va siendo presentado en una serie de escenas de acción más o menos conseguidas, pero que resultan poco cohesionadas, con poco ritmo. Mientras, conocemos también al antagonista, el director Krennic (Ben Mendelsohn), alto cargo militar del imperio responsable de la construcción del arma definitiva.

Esta película vive de un subgénero clásico en la historia del cine; las películas de comandos. Los comandos fueron un invento inglés de la Segunda Guerra Mundial. Con el continente invadido por los alemanes, crearon una serie de fuerzas de intervención rápida, de reducido tamaño, que afrontaban objetivos de sabotaje, recogida de información, ayuda a los movimientos de resistencia, con mayor o menor éxito. Esto dio lugar a una serie de película del género bélico que tiraban de este tipo de acciones militares. Y que estaban todas cortadas por un mismo patrón. La presentación de los personajes, que con frecuencia eran tipos duros, patibularios en ocasiones, marginales dentro de la sociedad y del ejército. Después venía el entrenamiento en el que surgen las disputas personales, pero se crea también la cohesión del grupo. Se produce la misión principal, precedida o no de alguna de prueba, donde el número de bajas es alto, y culmina con un mayor o menor despliegue de pirotecnia, o metidos en una batalla de mayor proporciones. Ver películas como The Guns of Navarone (Los cañones de Navarone), The Dirty Dozen (Doce del patíbulo), The Heroes of Telemark (Los héroes de Telemark), por mencionar algunas, y sin pretender ser exhaustivo ni nada. Y el grupo «Rogue One» es descendiente directo de estos comandos. Pero sin haberse aprendido las claves para una presentación rápida y efectiva de los personajes.

Tenemos por lo tanto una película con dos parte muy definidas, una poco conseguida y otra de buen nivel, que es la que hace que salgas del cine con buen sabor de boca. La película tiene problemas de reparto. Diego Luna no da la talla. Whitaker es prescindible, y otros personajes/intérpretes están desperdiciados en su potencial. Felicity Jones hace un trabajo meritorio en hacer creible a su personaje, pero este tiene también defectos en su concepción, en sus motivaciones y en su evolución. Todos estos síntomas son indicativos de un guion, firmado nada menos que a cuatro manos, que tiene lagunas notables. Anecdótica me parece en estos momentos la presencia de Darth Vader (con la voz original de James Earl Jones), que se limita a un par de presencias de las cuales sólo una tiene real interés más allá de satisfacer las ansiedades de los fans más acérrimos. Y también el hecho de que haya personajes virtuales generados por ordenador. También son guiños al fan, se puede en algún caso considerar un homenaje al original, por supuesto son alardes tecnológicos que aportan poco realmente, y son superfluos.

Sabor agridulce el que nos deja este filme. Con la ventaja, que le sirve para conseguir el aprobado, de que el «dulce», lo bueno, llega al final y tapa las deficiencias de concepción de la película. Sales del cine con la sensación de haberte entretenido, de que la película encaja dentro del universo Star Wars, y de que por lo menos han tenido el detalle de dar un final digno al comando «Rogue One», que si bien miembro por miembro nos ha dejado un poco fríos, como conjunto nos ofrecen un magnífico espectáculo fílmico. Y así es como lo he visto. Por dos veces. En versión original, con los amigos, y en versión doblada con mi familia, peque incluido. Ahora a esperar el episodio VIII para dentro de un año, y el arriesgo movimiento de dedicar una película al carismático personaje de Han Solo sin el actor que le dio vida hasta el momento.

Nota: La presencia de Mon Mothma (en la película actual Genevieve O’Reilly) al frente de los rebeldes ha despitado haciendo que haya gente que se pregunta si «Rogue One» eran los espías bothan o dónde están estos… Confusión. En la trilogía original, Mon Mothma aparece sólo en el Episodio 6, y los espías bothan que mueren lo hacen para conseguir los datos de la segunda Estrella de la Muerte. En el Episodio IV, el lider de los rebeldes es el general Dodonna, un tipo de pelo tupido blanco y barba igualmente blanca, que aunque aparece en esta película actual, prácticamente no tiene papel. Mon Mothma ni estaba ni se le esperaba en 1977.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ***
Valoración subjetiva: ***

[Libro] La montaña mágica

Literatura

Para mí, los «manga» siempre han sido historietas como otras cualquiera, pero dibujadas y redactadas por japoneses. Ciertamente siguiendo las normas de escritura de su idioma que hacen que se lean de derecha a izquierda, y con los libros «del revés». Pero por otra parte, no dejan de ser en esencia lo mismo. Una historia narrada mediante viñetas con dibujos, ayudada en mayor o menos medida con unos textos que suelen ser los diálogos entre los personajes o comentarios del narrador que complementan las escenas visuales. Siempre he supuesto que, lo mismo que sucede en el cine, estos comentarios, equivalentes a la «voz en off», deberían ser los mínimos o motivados por circunstancias especiales… la narración debería ser clara con los dibujos y los diálogos.

Naturaleza, tradición, niños… de todo encontramos en nuestra visita a Itsukushima, también conocida como Miyajima, en el mar interior de Seto no lejos de Hiroshima.

Sin embargo, he oído hablar también en ocasiones a gente que argumentan que una cosa es una historieta, que otra cosa es un cómic y que otra cosa es un «manga»… aunque nunca he conseguido escuchar un argumento convincente.

Lo que si es cierto es que cada cultura tiene sus formas y sus tradiciones. Las grandes tradiciones europeas, como la francobelga, tiene formas distintas de las norteamericanas. La española, a mí personalmente, me da la impresión de que ha ido en la estela de la francobelga en su mayor parte, aunque también hay influencias yanquis. Derivados de lo que se hacía hace unas décadas durante el franquismo, encuentro poco. Pero no me considero experto, así que probablemente aceptaré cualquier corrección razonada que se me haga. Y la japonesa se corresponde con sus propias tradiciones en materia estética, en pintura y dibujo. Pero todo son historietas, que es la palabra tradicional en español para designar esta forma de expresión.

¿Y a qué viene toda estar argumentación? Pues a que esta historieta del japonés Jiro Taniguchi, publicada por Ponent Mon, aunque temáticamente está totalmente inserta en la tradición nipona, formalmente está resuelta con el estilo de la historieta europea, más próxima a la «bande desinée» francobelga que otra cosa.

La historia de dos jóvenes hermanos, huérfanos de padre, que quedan al cuidado de sus abuelos en un pueblo junto a un imponente monte lleno de leyendas, durante un angustioso mes en el que su madre va a ser operada por una enfermedad grave en la ciudad, tiene muchos de los elementos de realismo mezclado con la tradición mágica de las creencias populares japonesas. También recupera el motivo universal de que los niños tienen la capacidad de ver y oír lo que los adultos no son capaces. Conservan esa inocencia original que los mantiene más cercanos a la naturaleza y al mundo mágico. Son capaces de ver con los ojos del corazón, de los sentimientos, y no sólo con los de la razón, la visión del cerebro. U oír. Como muchos autores nipones, en su obra desarrolla un mensaje de respeto por la naturaleza.

Sin embargo, el dibujo en color y el formato del libro, así como la línea argumental tiene más que ver con las formas europeas. Una mezcla que a mí me parece acertada. Quizá porque aunque las formas son importantes en el terreno de las artes, todavía lo son más los conceptos y los temas que transmiten y que pueden ser más independientes de la forma de lo que nos creemos.

Es una historieta que se lee bien y rápida, y que puede ser razonablemente recomendable. Tiene «voz en off»… que he criticado al principio, porque está narrada en primera persona por el protagonista, que «rememora» los hecho. Entrecomillo lo de rememorar, puesto que aunque las localizaciones y la época en que transcurre la acción, a principios de los años sesenta del siglo XX, se corresponden con los de la infancia del autor, este reconoce que no hay contenido autobiográfico en la historia. Simplemente la decisión de situarla en un lugar que recuerda bien, aunque ya hayan pasado década…

[Cine] A Monster Calls (2016)

Cine

A Monster Calls (2016; 532016-1810)

Acudimos hace ya casi una semana al último estreno de J. A. Bayona, uno de los directores más pujantes y más de moda del cine español, con sólo tres largometrajes en su haber, de los que los dos anteriores ninguno supo llamar mi atención especialmente. Aquí repite la experiencia de rodar en inglés, con un reparto formado por intérpretes británicos y estadounidenses. Evidentemente, los amos del dinero parecen confiar en la capacidad de Bayona para llevar gente a las salas y recuperar la inversión.

Hablar de esta película como de una película «española» es algo que me deja un poco incómodo. No es que me importe gran cosa, pero siento que las tradiciones que rodean a la historia, sus planteamientos y su producción están más próximos del cine anglosajón, más allá de que ya hemos dicho que su versión original, la que vemos, está en inglés. En la cartelera española se puede encontrar la versión doblada al castellano con el título «Un monstruo viene a verme». De hecho está basada en una novela para niños y jóvenes del escritor británico-estadounidense Patrick Ness.

La película de hoy transcurre en Inglaterra y la ilustro con vistas de Londres y Canterbury.

La historia nos lleva a algún lugar de Inglaterra donde un niño, Conor (Lewis MacDougall), vive en conflicto permanente por la grave enfermedad de su madre (una Felicity Jones que nos llega antes de convertirse este invierno en rebelde galáctica), por la separación de sus padres que incluye un padre ausente viviendo en los Estados Unidos, por los abusos que sufre por parte de sus compañeros de colegio, y porque la persona que tal vez tendría que estar paliando estos problemas, su abuela (Sigourney Weaver), no es la abuela cariñosa y empática que todos imaginaríamos, que vive entre su propia austeridad y el dolor de ver sufrir a su hija con la enfermedad. La única forma que tiene Conor de evadirse es vivir en un mundo imaginario, en el que un gigantesco hombre-arbol, un tejo centenario que se transforma por las noches siempre a las 12:07, y que le cuenta una serie de historias con la voz de Liam Neeson.

He tardado casi una semana en escribir este comentario, porque mis sensaciones conforme ha pasado el tiempo han ido variando respecto a las que sentíamos en el momento de terminar el filme. La película es emotiva, profundamente emotiva. Ante una enfermedad terminal, ante el fallecimiento próximo de un familiar próximo, querido, un padre o una madre, que lleva tiempo sufriendo por la enfermedad y que ocasiona también no poco sufrimiento en quienes rodean al enfermo. La ansiedad, el deseo que todo se acabe, colisiona con el miedo a perder al ser querido, e incluso nos hace sentir mal. Lo digo en primera persona porque es algo que he sentido y no me importa reconocerlo. La película es hábil en tocar esa fibra sensible en el espectador. Si a eso le unes un diseño de producción de gran calidad y unas interpretaciones absolutamente impecables, empezando por su jovencísimo protagonista, bien arropado por sus prestigiosos compañeros de reparto, te quedas con la idea de que has visto una película notable.

La cuestión viene cuando dejas reposar la película, te sacudes la emotividad y piensas lo que te cuenta. Las historias del tejo monstruoso son comunes, no específicas y valen para esta película como para varias otras con diversas temas. Las situaciones escolares y familiares son tópicas, y no están bien explicadas. Por ejemplo, no entiendes muy bien por qué los compañeros de clase se ensañan con Conor. ¿Es todo una excusa para mostrar el momento de rabia e ira del pequeño? Poco a poco llegas a la sensación de que la película, aunque válida en su conjunto, está más vacía de lo que parece, y que fundamentalmente el interés está en la forma y el alarde técnico. Insisto… se ve bien… con un nudo en la garganta muy hondo en muchos momentos… pero el guión, la historia, los valores y las motivaciones de los personajes podrían haber sido más cuidados y tratados más en profundidad.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children (2016)

Cine

Miss Peregrine’s Home for Peculiar Childen (2016; 522016-1410)

La semana pasada, vuelto del viaje a Hong Kong, y con la ciudad invivible por culpa de las fiestas patronales, acudí dos días seguidos al cine con el fin de recuperar un poco las omisiones de las novedades de la cartelera debidas al viaje.

Antaño, el estreno de una película dirigida por Tim Burton era un «must see» para nuestro grupo de amigos aficionados al cine. Sin embargo, con esta última película y tras las últimas experiencias, nos embargaba un sentimiento contradictorio entre el «hay que ir» y el «¿realmente hay que ir?». La duda de que el californiano sea capaz alguna vez de sorprendernos y maravillarnos como antaño con sus mundos llenos de fantasía, de belleza estética y de significados inundaba nuestro ánimo. Si se revisa a fecha de hoy su cinematografía como director, empiezan a pesar más los «meh» que los «bieeeen». Incluso se puede detectar algún fiasquillo por ahí.

Buena parte de la película está ambientada en los bellos paisajes de País de Gales, y con paisajes de esta interesante parte de la Gran Bretaña ilustraré el comentario del filme.

En cualquier caso, no sé si fue por la fuerza de la costumbre o porque alguna crítica habíamos leído que salvaba esta nueva película, fuimos. Como habitualmente en la medida de los posible, a la versión original en inglés. Los nombres que veíamos en el reparto también ayudaban a empujarnos a pasar las más de dos horas que dura la película, que ya adelanto que son excesivas, pero sin que suponga un problema.

La historia que nos cuenta… Pues mira, nada original. De hecho, todos los años o con frecuencia, las grandes productoras aliadas de Marvel nos cuentas sus historias de mutantes que son rechazados por la humanidad y acaban conviertiéndose en superhéroes. Lo que pasa que aquí cambiamos al calvo en la silla de ruedas por el encanto de Miss Peregrine (Eva Green), y nuestros mutantes no son aguerridos guaperas o intrépidas y esculturales mozas, todos ellos imbutidos en pijamas de colores. En lugar de ellos son un grupo de adolescentes y niños que parecen recién salidos de una novela con un tono gótico. Estamos pues ante la enésima reivindicación de la diversidad y la diferencia en un mundo que teme la heterogeneidad del género humano, donde soportamos mal a los que son distintos. Todo ello aderezado con la habitual lucha entre el bien, capitaneado por una discreta Miss Peregrine frente al mal a cuya cabeza se encuentra Barron, un ligeramente sobreactuado Samuel L. Jackson. Viajes en el tiempo, que están muy de moda, y una historia de amor, que sabe ser natural y sin cursilerías, entre el protagonista de la película, Jake (Asa Butterfield) y la chica, que por lo menos es algo más que un florero, Emma Bloom (Ella Purnell).

Aderezado todo ello con un buen diseño de producción y la presencia en pequeños papeles de unos cuantos insignes del cine británico, mayormente, nos deja un producto simpático, que se ve con agrado. No nos devuelve lo mejor del director, que parece que ya recorrió sus momentos de gloria hace dos o tres décadas, pero que entretiene y se deja ver sin problemas. Corrección formal y entretenimiento son las claves de la película, que no es excesivamente original en su argumento, aunque por lo menos sí en su ambientación. Se puede ir a verla sin mayor problema.

Valoración

Dirección: ***
Interpretación: ****
Valoración subjetiva: ***

[Cine] Sesión doble de animación japonesa – la princesa Kaguya y Marnie

Cine

かぐや姫の物語 – Kaguya-hime no Monogatari (2013; 192016)

思い出のマーニー – Omoide no Mânî (2014; 202016)

La distribución del cine de calidad en España es lamentable. Especialmente cuando se trata de cinematografías extranjeras ajenas a la estadounidense. Sorprendentemente, esto también suce cuando hablamos de productos de calidad internacional reconocible, producidos por gentes que se han dedicado durante décadas a realizar algunos de los títulos más notables del cine de animación mundial. Porque sí… hay vida, y mucha, más allá de Disney, Pixar y otros candidatos norteamericanos a repartirse esta parte del pastel, que han ido surgiendo con el advenimiento de la animación generada por computadora.

2014, Viaje a Japón. carloscarreter.rs | carloscarreter.com | Tumblr | Twitter | Facebook.

El monte Fuji suele formar parte de las leyendas niponas, y también tiene su papel en el cuento original en el que se basa la película sobre la princesa Kaguya.

Ahora he estado unos días fuera de casa, y no he podido ir al cine. Pero me sorprendió que entre los estrenos que se produjeron antes de salir de viaje que llegasen dos títulos procedentes del Studio Ghibli, que yo ya había descartado que se fuesen a estrenar en nuestro país, y ya había buscado las formas de verlos. Me gusta la animación de calidad. Y hace tiempo que este estudio japonés, que desgraciadamente ha cerrado su estudio de producción recientemente, se encuentra como mi favorito de las últimas tres décadas. Historias con profundidad en el desarrollo de los caracteres, comprometidas socialmente y con una fuerte apuesta por el ambientalismo, y que han producido caracteres protogonistas muy interesantes, especialmente entre las niñas y adolescentes. Jóvenes y mujeres que son un modelo personal mucho más interesante que los que llegan del otro lado del Atlántico.

La dos películas que traigo aquí hoy, y que se estrenaron simultáneamente en la cartelera española, tienen ya un recorrido relativamente largo. La primera de ellas, conocida también en la cartelera española como «El cuento de la princesa Kaguya», se estrenó en Japón en 2013, en Estados Unidos en 2014, y optó a los premios Oscar en la ceremonia que se celebró en 2015. La segunda de ellas, conocida por su título en español «El recuerdo de Marnie», ha llevado una trayectoria similar pero un año más tarde; 2014, 2015, 2016. Son las dos últimas producidas por Ghibli, son obras respectivamente de los directores Isao Takahata y Hiromasa Yonebayashi, y ambas son adaptaciones a historias literarias previamente conocidas.

La mitología de la religión popular japonesa es muy compleja, y está muy vinculada a la naturaleza. Cualquier lugar, como el monte Tenjō o el propio Fuji son considerados como santuarios relacionados con los millones de kami que conforman el panteón sintoista nipón.

La historia de la princesa Kaguya procede de un relato japonés del siglo X conocido como El cuento del cortador de bambú, considerado como el texto nipón más antiguo conocido. Es un cuento que mezcla el carácter moral de algunas de sus enseñanzas con la fantasía procedente de la compleja mitología japonesa, siendo la protagonista, la princesa Kaguya, una habitante de otro mundo, que llegó a la Tierra en un día de luna llena y que está destinada a abandonarla en otra luna llena, puesto que nuestro satélite es su lugar de origen. Es un relato muy bello, cargado de poesía, y que es trasladado en imágenes por Takahata con un estilo de animación pintada a mano, pero muy expresiva e innovadora. Una auténtica obra de arte visual, muy por encima de lo que se ve habitualmente, conceptual y artísticamente hablando. Lo cual hace que tampoco sea la película de animación más asequible para el gran público, acostumbrado a los productos prefabricados norteamericanos. Pero merece la pena darle la oportunidad. De verdad.

La historia de Marnie se enraíza sin embargo en la tradición literaria occidental ya que es la adaptación de la novela para adolescentes de la británica Joan G. Robinson, «When Marnie Was There». No es la primera vez que la gente del Studio Ghibli adapta historia y ambientes de origen europeo, convirtiéndolos con habilidad en relatos universales aptos para personas educadas en las tradiciones de todo el mundo. Quizá porque saben conservar los valores universales que contienen las obras. En esta ocasión, a través de los dibujos más convencionales pero técnicamente impecables y con momentos también muy bellos, cambia el paisaje inglés por Sapporo y las costas de la isla de Hokaido. Un relato que también juega con los recuerdos, con la fantasía y con los vínculos entre generaciones para dar sentido a la vida de un joven preadolescente huérfana que no encuentra con claridad su sitio en el mundo, no teniendo claros sus vínculos con el pasado.

Esto permite a los habitantes de las islas del Sol Naciente tener un peculiar relación con la naturaleza.

Nuevamente, en ambas historias encontramos algunos de los denominadores comunes de los productos de Ghibli. Personajes femeninos protagonistas interesantes, fuertes o en desarrollo positivo, compromiso con la tradición bien entendida y con el medio ambiente, uso de la fantasía o del realismo fantástico como vehículo para la transmisión de valores positivos.

Ambas están todavía en cartelera, por lo menos en Zaragoza. No creo que duren mucho. Si os interesa el cine de animación es obligatorio verlas. Y si no, igual deberíais darles una oportunidad. Lo ridículo es que estas películas tarden dos años en llegar a nuestras pantallas desde su estreno en el país de origen.

A la princesa Kaguya les doy cuatro estrellas, ****.

A Marnie le doy sólo tres, porque el guion me parece mejorable, ***.

En cualquier caso, las películas del Studio Ghibli siempre tienden al entendimiento entre las personas, y se sacuden el sexismo con personajes femeninos interesantes y decididos. Quizá su objetivo es que niñas como la de la foto, hija de una pareja mixta entre japonesa y occidental, vivan en un mundo realmente mejor, más tolerante y abierto a todos. Si lo hacen ellas, lo haremos todos.

Cuaderno de Ruta V. 3.0

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