Cuando salía del cine hace unos días, comentaba con mis amistades que al día siguiente tenía que ir a recoger unos paquetes de Amazon. Ya no los dirijo a casa. Nunca estoy cuando los traen y es un rollo. Así que directamente los dirijo a un establecimiento donde son muy amables y que sin estar cerca de casa, tampoco está lejos, y está muy bien comunicado por transporte público. En esta ocasión tenía dos paquetes para coger. Uno pequeñito, una cuerda para mi ukelele, y otro más grandote, dos objetivos estándar para mis dos sistemas de fotografía digital. En ese momento me di cuenta. Tiendo a comprar la mayor parte de mi equipamiento fotográfico en verano. No sé muy bien porqué.
Sobre las compras fotográficas, lo explico con detalle en De compras veraniegas – focales estándar para sistemas diversos. Aquí simplemente os dejaré algunas fotos realizadas mientras probaba los dos objetivos fotográficos adquiridos. Muy similares en lo que ven. Mejor dicho, en lo que veo yo a través de ellos.
Naomi Kawase es una directora japonesa que me tiene un tanto desconcertado. En ocasiones, cuando más me gusta su cine… es cuando menos se ajusta a lo que se espera que sea su cine. Ya me pasó aquí. En alguna ocasión se la ha acusado de hacer schmaltz cinema, un cine con exceso de pretensiones y sentimentalismo, pero escaso de sustancia. Y es cierto que muchas veces le pierden las formas y el exceso de reflexión y recreación en los (presuntos) sentimientos o en las bellas imágenes. Pero a mí me gusta darle oportunidades. Y aunque condenen sus películas en la cartelera a lo profundo del verano, incluso en medio de la crisis pandémica, cuando aparecen, vamos. Y sucede en ocasiones, como en esta, que no nos arrepentimos en absoluto.
La película oscila, en sus localizaciones, entre Tokio, Yokohama y los alrededores de Hiroshima. Por esta última ciudad nos pasearemos fotográficamente para ilustrar la entrada.
Kawase, que por lo que he leído es hija adoptiva, nos plantea la situación en la que una pareja que se quiere y no quiere romper su matrimonio, a pesar de la incapacidad del marido para engendrar y del deseo de la esposa de tener un hijo, decide adoptar a un niño de una joven adolescente que se queda embarazada con sólo 14 años. Años mas tarde, la joven se planta ante el matrimonio reclamando al niño.
La situación que acabo de comentar es el macguffin del que tira Kawase para contarnos tres historias. La de la pareja, la de la joven madre adolescente, y la de la agencia de adopción. Por orden de importancia o trascendencia, habría que situar en primer lugar la de la joven madre adolescente. Y lo hace con parsimonia y con una sucesión de idas y venidas hacia adelante y hacia atrás en el tiempo, entre el presente y el pasado de los protagonistas, que en su conjunto conforman la historia y otorgan sentido y comprensión a las situaciones que se van presentando en el presente.
Sobre unas excelentes interpretaciones, sobrias pero eficaces, entre las que destacaría la de la joven actriz de diecinueve años Aju Makita, la directora hace un cine de profunda denuncia social. Que por lo que he leído por ahí, en una serie de reseñas mayormente positivas, no siempre es entendido. El conflicto principal no es el de las dos madres, la biológica y la adoptiva. El conflicto es el de la conservadora sociedad japonesa hacia las jóvenes madres adolescentes, en el rechazo social, en la amenaza de caer en la pobreza, incluso cuando el embarazo ha terminado y han entregado al niño en adopción. Hay más matices y más temas en la película, pero para mí, indudablemente es el primordial. Y el que da sentido al drama.
Película que nos emocionó. Quizá un poco larga. No se cuentan tantas cosas, pero como digo Kawase se toma su tiempo, o maneja unos tiempos propios de la cultura asiática oriental, poco habituales en los productos de consumo rápido, digestión fácil, y olvido más fácil todavía, en los que cae con frecuencia el cine occidental. Muy recomendable. Aunque a lo mejor no sea del gusto de los tragapalomitas y fanáticos de los héroes en pijama de colores.
Por cierto, el título original japonés asa ga kiru 朝が来る, no habla nada de «madres». Significa «llega la mañana».
Poco antes de mi reciente viaje a Suiza, durante mis breves vacaciones de finales de julio, en una reunión con unos amigos para cenar y charrar un rato, me llevé una cámara Polaroid con película instantánea con el marco redondo. Para hacer unos retratos. Hacía tiempo que no usaba la Polaroid. Últimamente uso la Instax SQ6, que tiene otro «feeling» distinto. Y es más barata.
Los elementos técnicos os los cuento en Retratos con Polaroid 600 Round Frame – Polaroid Supercolor 635. Aquí os dejo algunos ejemplos de las fotos que hicimos. Escaneadas las que me quedé yo. Fotografiadas con una cámara digital las que se quedaron mis amigos.
Ayer fuimos al cine… y hoy me he acordado de que tenía pendiente todavía de comentar la película que vimos la semana pasada. Y es que he tenido unos días extraños. Especialmente las últimas 24 horas, en las que por un problema administrativo no dispuesto adecuadamente de acceso a internet. Si os he de ser sinceros, ha sido una pequeña molestia para algunas cosas,… pero no creáis que me ha importado mucho. En fin, vamos con la película de la semana pasada, que nos llegó de la mano de Leos Carax, y con un reparto muy interesante. Y otras cosas también muy interesantes.
La acción de esta película está ambientada en Los Ángeles. Pero todo el tiempo que duró pensé que tendría que haber sido París. Y las escenas del barco, durante una tormenta en Normandía o el Canal de la Mancha.
Vimos la película en un evento especial, una única sesión en versión original y 4K, ya que no está formalmente en cartelera todavía. Y no sé cuando y cómo lo estará. O si lo estará o pasará directamente a alguna plataforma en línea. He hecho una pequeña búsqueda al respecto, pero no me ha quedado claro de forma rápida y no tenía ganas de perder tiempo en ello. Y la película es un musical. O como algunos la han definido, una ópera-rock (concepto que nunca me ha convencido), del grupo Sparks, con historia y guion de los hermanos Mael, el dúo que forma el grupo. Y en esta historia cantada se nos habla de la historia de amor entre un cómico monologuista oscuro y cínico (Adam Driver) y una soprano luminosa y encantadora (Marion Cotillard) que, tras el nacimiento de su misteriosa hija, que se acompaña del declive del monologuista mientras que la soprano alcanza sus más altas cotas de popularidad, empieza a hacer aguas y a tomar una deriva trágica.
Resulta difícil definir esta película. Incluso la naturaleza del mensaje que se nos quiere transmitir resulta poco clara en ocasiones, así como sobre qué es una metáfora la propia niña, Annette, que da título a la película. El conjunto nos recuerda a otros melodramas o tragedias, varios de ellos musicales, en los que el ascenso de uno de las patas de la pareja, generalmente la mujer, conlleva el descenso a unos infiernos más o menos profundos de la otra. Desde ese punto de vista, no tan original como podríamos pensar. Aunque si lo es el profundo tono oscuro, trágico y pesimista, pese al destello de luz final, que tiene la película. Formalmente, su realización es impecable. Musicalmente, uno tendrá que ser muy fan de Sparks, porque salvo un brillantísimo número inicial, de los que te dejan clavado al sillón, con el ánimo impaciente por saber qué seguirá, el resto no acaba de destacar mucho e incluso a veces me pregunto si no presenta un lastre a la hora de contar la historia. Hay una subtrama, la que implica al pianista/director de orquesta enamorado de la soporano (Simon Helberg),… que no sé si aporta gran cosa al conjunto.
La película está muy bien hecha, y gustará al cinéfilo, y también tiene buenas interpretaciones, pero no acabó de resultarnos redonda. A pesar del potente enganche inicial, progresivamente nos fuimos enfriando. Carax se prodiga poco. Pero volveremos a sus películas. Siempre existe la posibilidad de que le salga algo como lo que sucedió en el Pont Neuf de París, y nos volvamos a enamorar de una nueva Juliette. En cualquier caso, el amor… duele.
La «Metropolis» es una de las películas negativas en color que comercializa Lomography. Colores poco saturados, contraste incrementado, grano abundante… Estos inventos que llaman mucho la atención a los caprichosos y que yo no suelo usar. Aunque en esta ocasión me apeteció. Y aunque es demasiado cara… compré un rollo.
En las últimas semanas antes de coger vacaciones, estuve muy activo viendo distintos estrenos de animación japonesa en Netflix. De las cuatro series, sólo una de ellas es una segunda temporada. La dejaré para el final porque, sin duda, es la más destacada en profundidad y calidad.
Eden es animación japonesa producida por una productora americano-taiwanesa. Consta sólo de cuatro episodios, se ve enseguida, y está un poquito más infantilizada de la cuenta. En un futuro indefinido, la Tierra es un desierto en el que se encuentran algunos rincones, oasis, de aspecto paradisíaco y con abundantes manzanas, cuidados por robots. En uno de ellos, dos robots de mantenimiento despiertan de una cápsula de hibernación a una niña, que trasladarán a un refugio de robots independientes, donde la criarán al margen de la sociedad antihumana que han generado los robots. Como he dicho, la trama está muy infantilizada, es muy previsible y es de lo más flojo que se ha podido ver en la plataforma de vídeo bajo demanda en este género. Pero como sólo son cuatro episodios, los vi todos, para ver si se animaba un poco. Regular.
Otakus y cosplayers diversos en Odaiba, Tokio, vendrán de maravilla para ilustrar una entrada como esta.
Shūmatsu no Warukyūre[終末のワルキューレ, algo así como Valkirias del fin del mundo], titulado internacionalmente como Record of Ragnarok, es básicamente una serie de mamporros. Los dioses, los de todas las religiones, aunque parece que Odín es el más importante, han decidido que después de 1000 años de vigilancia, los humanos no son dignos de existir, y van a acabar con ellos. Pero las valkirias invocan el ragnarok, la batalla final entre humanos y dioses, en la que trece dioses se enfrentarán en combates singulares con trece humanos. El bando que gane más combates decidirá el destino de la humanidad. En los doce episodios de esta primera temporada contemplamos tres combates y se deja indicado el cuarto. Como digo, básicamente es una serie donde se están dando bofetadas de carácter apocalíptico constantemente, mientras se cuentan en retrospectiva, de formas muy sui generis las historias de los campeones humanos. A mi me parece un dislate de marca mayor. Pero en su disparatado argumento, hay momentos en los que alucinas y te diviertes mucho. Entre el guilty pleasure y el producto inclasificable pero interesante. Difícil de decir. Por supuesto, han surgido estúpidos grupos religiosos por el mundo que han protestado por la forma en que se presentaban a sus dioses, lo cual, dada la intrascendencia del producto, es un tema mucho más preocupante que la propia calidad de la serie.
Gojira shingyura pointo [ゴジラ S.P ＜シンギュラポイント＞, Godzilla Singular Point], donde Godzilla en general es Gojira en el original, es la enésima vuelta de tuerca al tremendo monstruo reptilesco que viene del mar para destruir Tokio y lo que se le plante por el medio. Es una actualización del rollete, con nuevos orígenes para el monstruito, y con mucha palabrería pseudocientífica. Cada vez que mencionaban al diagonalizador ortogonal, me revolcaba de risa en el sofá. El caso es que es muy entretenida, tiene personajes muy simpáticos y, en su intrascendencia, se ve en un plisplás. Tampoco pasará a la historia del género precisamente. En general, pensado para vender mercaderías.
Y es BEASTARS la serie de animación japonesa en Netflix que en estos momentos está atrayendo las miradas de los aficionados al género. Adaptación de una serie de historietas de éxito, la sociedad de animales antropomorfizados, con las rivalidades y conflictos entre carnívoros y herbívoros, aunque teóricamente dirigida a adolescentes y jóvenes, fundamentalmente masculinos, no duda en tratar temas adultos con seriedad. El peculiar romance a tres bandas entre tres adolescentes, un lobo gris, un ciervo y una coneja enana, no deja de ser una metáfora del conflicto que todo ser humano pasa en su socialización entre sus necesidades primarias y más instintivas (sexo, satisfacción de apetitos, socialización básica e integración social), frente a las cesiones y a las adaptaciones sociales para poder convivir sin que la sociedad sea una selva. Y no deja de tener su mirada crítica a la sociedad. Con una banda sonora potente por parte de una pareja muy joven de moda en el pop japonés, como digo atrae las miradas de los aficionados a la animación japonesa e incluso de algunos más. A mí me parece muy interesante.
Sinceramente, en las últimas semanas, no he estado prestando mucha atención a la fotografía. Bueno… he estado prestando mucha atención a mis fotografías. A las que tenía hechas y no reveladas en julio y a las del viaje a Suiza. Pero, entre eso y que dedico mi tiempo a mi retomada después de décadas afición a la música, no he ido mucho más allá. Así que en cuestiones de recomendaciones fotográficas tengo unos pocos enlaces que parece escogidos puramente al azar, sin mucha más reflexión de que me llamasen la atención en un momento dado de las últimas dos o tres semanas.
Por ejemplo, el par de publicaciones de Leire Etxazarra, que tiene de vacaciones su blog principal, creo, pero nos va dejando algunas joyas en su cuenta de Instagram. Como las sutiles fotografías del japonés Masao Yamamoto (instagram), un fotógrafo que siempre me ha gustado mucho, y que publicó hace unos días. O mucho más reciente, de hace un ratito, los paisajes del oeste americano, esas edificaciones aisladas en medio del desierto, de Ed Freeman (instagram), composiciones llenas de colores cálidos y de historias por contar.
De vez en cuando me gusta intentar hacer las fotos digitales directamente en cámara, sin necesidad de retoques posteriores. Y eso es lo que hice ayer por la mañana en un largo paseo entre mi casa y el barrio rural de La Cartuja Baja en Zaragoza, siguiendo los tramos finales del Canal Imperial de Aragón. Las Panasonic tienen unos buenos estilos predefinidos aunque no tengan nombres tan glamurosos como los de Fujifilm. Y este L.Monochrome.D, modificado para que se vea un poco más contrastado y simulando un filtro naranja, funciona muy bien.
Pen Magazine ペン nos suele proporcionar recomendaciones culturales muy interesantes. Y esta semanas nos hablaba de la visión del francés Adrien Jean (instagram) para reflejar en sus fotografías la soledad que puede sentir la persona en las calles de las ciudades japonesas, de las que, casi por arte de magia, ha desaparecido el bullicio frecuente de las mismas.
En Booooooom dirigen su mirada al trabajo de la fotógrafa china Li Hui (instagram), a la que sigo desde hace un tiempo en esta última red social, y su forma de explorar las formas y las luces del y sobre el cuerpo humano y los objetos cotidianos que nos rodean, que se convierte de esta forma en extraordinarios, alejados de esa cotidianeidad.
Y también he recogido un plan de recomendaciones procedentes de Blind Magazine. En una de ellas, tenemos a la fotógrafa Bénédicte Kurzen (instagram) practicando la fotografía de arquitectura con una Hasselblad de la serie V, de las que hacían fotos cuadradas sobre película fotográfica de formato medio, mostrándonoslo en un vídeo que voy a intentar insertar aquí… No… no he podido, son cuatro vídeos, como si fuera un curso o seminario en línea, que podéis ver en el enlace. Este tipo de fotografía, no es el que ha hecho conocida a Kurzen, que es fotorreportera en regiones de riesgo.
También me ha parecido interesante la conversación visual que recomiendan en dos fotógrafas americanas, Diane Arbus y Carrie Mae Weems. A la primera la conozco bien, a la segunda menos. Pero este artículo me servirá de introducción a su trabajo y su enfoque como artista.
Llevo el verano desempolvando mi material fotográfico fabricado hace décadas en los países de la Europa del Este, aquellos que decían que estaban tras el «telón de acero». Aunque en las ópticas hay algunas cosas curiosas y que funcionan bien, las cámaras son más azarosas. En cualquier caso, esta mía, alemana de la RDA, funciona.
La tarde del domingo antes de volar a Suiza estuve entretenido preparando cosas del viaje. Y dejé aparcadas las series de televisión. Especialmente las surcoreanas, que es lo que veo los fines de semana. Pero al mediodía después de comer y por la noche después de cenar, me enganché a dos estrenos cinematográficos directos a plataforma. Y aquí vamos. Aunque un poco rápido, que tampoco dan para mucho.
En Amazon Prime Video pude ver esta cinta de acción dirigida Tanya Wexler, a mayor gloria de la enormemente encasillada actriz Kate Beckinsale, que poco tiene que ver con sus primeras apariciones en la pantalla grande a principios de los años noventa en afortunadas adaptaciones de Shakespeare y desafortunadas adaptaciones de Reverte. Lo cierto es que la moza también se conserva bien, debe hacer mucho gimnasio, porque ya le queda poco para llegar a los cincuenta. Pero bueno, con el pelo muy teñido, el maquillaje, unos ropajes ajustados y, supongo, que algún paso por «chapa y pintura», sigue hay dándole al cine de acción y mamporros.
Ya que una de las películas se pasea por Londres en diversas épocas, nosotros lo haremos en 2004.
Aquí nos hace de una mujer que desde niña ha tenido problemas de control de la ira que generaban unos cifostios homicidas de mucho cuidado, por lo que en estos momentos se los controla a base de autoelectrocutarse cuando le sube la mala leche. La moza quiere llevar una vida normal, y cuando parece que ha ligado con un hombre que la entiende, va y se muere/lo matan. Y comienza la intriga para descubrir la verdad de lo sucedido.
Rodada en tono más bien de comedida, resulta relativamente entretenida, aunque, sinceramente, olvidable. Me ha costado un poco recordar de que iba la cosa. Sólo me quedaban las sensaciones de que durante hora y media estuve entretenido… y me acordaba de poco más. Así que eso es lo que hay. Puede ir con el aprobado porque se ajusta a las expectativas depositadas… pero porque estas eran muy limitadas, claro. Así, que en realidad, no.
Más ambiciones, por lo menos con el reparto, tiene esta cinta de Netflix dirigida por Augustine Frizzell, directora que tras trabajar en la interpretación y dirigir algunos cortos, y algunas cosas para televisión, alguna con cierto nombre y prestigio, da el salto a los largometrajes, aunque sea para estreno en plataformas en línea. Pero con el reparto que tiene, y el razonable esfuerzo de producción, el que se estrene en pleno verano… me daba un poquito de mala espina, porque si no Netflix hubiera esperado un poco para promocionarla más en temporada más cinéfila.
La historia no es especialmente original. Una periodista actual (Felicity Jones) con motivo de la jubilación de la jefa de redactores de una revista, revisa su archivo y encuentra unas cartas que hablan de la aventura amorosa de un mujer en los años sesenta del siglo XX (Shailene Woodley). Y así, en la investigación sobre aquel «affaire» iremos viendo las aventuras y desventuras de las dos mujeres en paralelo, separadas por más de 50 años en el tiempo.
Con unos intérpretes con oficio, aunque lejos de sus mejores trabajos, pero que resuelven sin problemas sus papeles, un esfuerzo de producción razonable… las películas de los años 60 del siglo XX empiezan a ser ya «películas de época»,… asistimos a un drama convencional que con variantes diversas hemos visto ya unas cuantas veces. El diario que se encuentra, las cartas perdidas, un misterio y un romance… etc, etc. Un película que es salvable, pero demasiado convencional para que sea memorable.
Sigo con mi adicción a los seriales surcoreanos, que ya hemos quedado en recientes entradas dedicadas a ellos, que empiezan a no ser, necesariamente, placeres inconfesables. Aunque de estos todavía quedan. Hay algo más que vi recientemente procedente del país asiático. Pero por sus características… le dedicaré una entrada en exclusiva, porque lo merece. Que conste que todo lo que voy a comentar, y lo que me dejo para más adelante, está todo visto antes de irme de viaje a Suiza hace 10 días. Y que tengo acumulado también material para una entrada sobre animación japonesa. Así que… de lo más animado.
Law School (en coreano 로스쿨, ro seukul, que es la transcripción a su alfabeto de la expresión inglesa) es… la visión surcoreana de How to get away with murder (Cómo defender a un asesino), una serie americana, de la productora de Shonda Rhimes, y por lo tanto un culebronazo y placer inconfesable por definición, en la que los protagonistas son profesores de derecho y sus alumnos, que tanto investigan crímenes como son protagonistas de los mismos de una u otra forma. La versión surcoreana, que no es una versión realmente, pero que claramente se inspira en la americana, es más sobria y no carece de entretenimiento, con alguna actuación notable. Pero es de las que están en el límite entre el producto «decente» y el «guilty pleasure». Avisados quedáis.
Unas escenas callejeras nocturnas en Seúl para ilustrar la entrada.
Yi Guyeokui Michin X [이 구역의 미친 X, algo así como Loco X por esta zona] titulado en inglés Mad for each other y en español Un amor loco, es una comedia romántica, con tonos dramáticos, que nos cuenta el romance entre una joven (Oh Yeon-Seo) que fue maltratada por su novio, que en realidad estaba casado, al mismo tiempo que fue despreciada por sus conocidos y compañeros de trabajo y conocidos como «rompematrimonios», a pesar de que ignoraba la circunstancia, quedando traumatizada por la experiencia y con miedo a la interrelación social, y un policía que está suspendido de trabajo (Jung Woo) por una acción violenta en la que además quedó gravemente herido un compañero. Ambos acuden a la misma terapeuta, ambos son vecinos, puerta con puerta, pero no se conocen… hasta que lo hacen y se lía todo. Por el buen trabajo interpretativo y por la seriedad de los temas que toca, que no son banales, bajo ningún concepto la clasificaría entre los placeres inconfesables. Creo que es una serie muy digna, muy divertida en ocasiones, sensible en otras, y que además son episodios de 30 minutos, 13 en total, que la hacen mucho más ágil que la mayor parte de las series de su país. Buen trabajo de interpretación, con bastante carisma en los protagonistas, es el dato a tener en cuenta.
Y finalmente tenemos Mine [en coreano 마인, main, o sea la transcripción del título en inglés], un drama familiar, culebronazo en toda regla, aunque solo en 16 episodios, en una familia de ricos ricachones que te cagas, donde nadie es lo que parece, todo el mundo esconde secretos, salvo la única que parece normal, la esposa de uno de los hijos del patriarca (Lee Bo-young) que junto con la esposa del otro, ambiciosa pero relativamente decente ser humano (Kim Seo-hyeong), intentarán sobrevivir a un asesinato y una serie de intrigas que harán tambalear la estructura social de la familia. Con la ayuda de la nueva tutora del hijo, no biológico de la primera (Ok Ja-yeon), que también lleva lo suyo a cuestas. Drama de empoderamiento femenino, que pierde en parte el mensaje por los excesos de la trama, por los excesos en la presentación de una sociedad que vive en el lujo y la extravagancia y por la anormalidad manifiesta de muchos de los personajes. Pero tiene momentos muy divertidos en sus intrigas. La protagonistas femeninas son realmente muy atractivas en muchos sentidos, eso hay que reconocerlo. Y trabajan bien. En general, los intérpretes coreanos son buenos, lo que son malos en muchas ocasiones son los guiones y los personajes con los que han de trabajar.
Ayer por la tarde llegamos a casa, regresamos de nuestro viaje de una semana por tierras suizas. A priori, no era un destino novedoso para nosotros. Ya habíamos recorrido el país helvético en otras ocasiones. Sin embargo, a pesar de la premura en la preparación, la reserva de algunos desplazamientos y alojamientos fueron con menos de una semana de tiempo a nuestra partida, y de la escasa planificación, no ha ido mal. Hemos vuelto a visitar lugares cuya espectacularidad y belleza justifican el viaje… más de una vez. Pero también hemos conocido muchos nuevos destinos, que han hecho que el viaje tuviera sus incentivos añadidos.
Brienzersee.
Ferrocarril del Brienzer Rothorn.
Locomotora con tracción de cremallera del Brienzer Rothorn.
Thunersee.
Una de las características, de las virtudes, del país alpino es su densa y comprehensiva red de transportes públicos. Especialmente interesantes para el viajero que quiere conocer el país, más que sus eficientes autopistas, son los trenes, especialmente los más tranquilos y recónditos, y cuando hay lagos, los barcos que los recorren. Seis personas nos juntamos en la ciudad de Berna como base para nuestros recorridos. La cantidad de excursiones a sitios interesantes que se pueden hacer desde la capital federal la hacen un lugar de alojamiento ideal. Tres acudimos desde España, Zaragoza o Sevilla, y estuvimos alojados siete noches, de lunes a lunes. Tres acudieron desde Milán o Ginebra, y estuvieron alojados con nosotros cuatro noches, llegando a última hora del jueves y hasta el lunes dos de agosto como nosotros.
Un tranvía, en la Marktplatz de Basilea.
Otro tranvía, en la Marktgasse de Berna.
Todos llevábamos el Swiss Travel Pass, que no es barato, pero se amortiza con facilidad. Nada es barato en el país helvético. Y especialmente porque desde que estuve en él por primera vez hasta ahora, el franco suizo ha pasado de tener un valor entre un 60 % del Euro hasta estar casi a la par con la moneda común de la Unión Europea en la actualidad. Los precios han variado desde 2009 hasta la fecha, pero no una enormidad. Sin embargo, la revalorización del franco suizo hace que para el visitante de la eurozona la cosa se haya ido encareciendo bastante. En cualquier caso para quienes adquirimos el Travel Pass de ocho días, los ocho lo usamos pues incluía los desplazamientos desde y hasta el aeropuerto de Zurich, aprovechamos un descuento sustancial por estar de promoción. El de tres días de nuestros amigos italianos estaba más en el límite de la conveniencia. Aunque al final, salieron las cuentas y lo amortizaron. El viaje en tren de Milán a Berna no lo pudieron cargar al Travel Pass, aunque a la vuelta si cargaron el desplazamiento desde Berna a Domodossola, y solo tuvieron que abonar el tramo italiano del viaje.
El aséptico y poco interesante teleférico del Eiger Express.
Estación de Jungfraubahn en el Jungfraujoch.
Cruce de dos unidades del Wengernalpbahn cuando desdendíamos a Grindelwald.
El Travel Pass incluye casi toda la red ferroviaria, autobuses de línea, transportes urbanos, y navegación en lagos en líneas regulares. Museos gratis, casi todos, aunque sólo visitamos uno, el Kunstmuseum Basel, especialmente el Gegenwart, la sección de arte contemporáneo, la pionera de este tipo de museos en Europa. Y descuentos sustanciosos en líneas turísticas, como son los ferrocarriles de cremallera, los teleféricos y otros remontes de Montaña, que van desde un 50 % en ferrocarriles como el Gornegrat, que permite usar el tren durante un día de forma ilimitada, o el ferrocarril del Brienzer Rothorn, o el acceso en telecabina al Grindelwald First, a un 25 % en las secciones de subida al Jungfraujoch, desde Grindelwald o Lauterbrunnen. Hasta esta localizaciones el Travel Pass en válido para la integridad del billete. Estos descuentos son los que determinan, y con ventaja, la conveniencia del Travel Pass, según nuestras cuentas.
El Gornergratbahn en Riffelalp.
Tranvía particular para los clientes de un hotel en Riffelalp.
Por otra parte, disponer del Travel Pass te permite adaptar tus necesidades a las circunstancias del clima u otros imprevistos. El domingo, primero de agosto y fiesta nacional suiza, aniversario de su declaración de independencia del Sacro Imperio Germánico en 1291, último día antes del regreso, estuvo de llover y con temperaturas que no superaron los 16 ºC de máxima. Pues nos montamos un recorrido ferroviario muy bonito, circular que nos llevó a Gstaad (Oberland bernés), Chateau d’Oex (Pays d’Enhaut de Vaud, viene a significar lo mismo pero en francés para el cantón con capital en Lausana), y Gruyères en la comarca de La Gruyère, patria del Gruyère, afamado queso, también en el cantón de Vaud. Y atravesando unos paisajes alpinos, deslucidos un tanto por la ocultación de las altas cimas, como Les Diablerets, por culpa de las nubes.
Una unidad del Zentralbahn en Meiringen.
Navegando por el lago Lucerna nos cruzamos con un vapor en servicio regular de pasajeros.
Comienza el descenso del Rigi Bahn a Art-Goldau.
En resumen, que lo hemos pasado bien. Que nos hemos movido mucho. Y que nos ha cundido gracias a la maravillosa red de transporte pública de Suiza. Cuyos medios de transporte son atracción para el viajero por sí misma como son los cremalleras de subida a Zermatt, los trenes que nos llevan a Grindelwald o Lauterbrunnen y más allá, o la GoldenPass Line, que atraviesa el paso de Saanenmöser por fricción, sin necesidad de cremallera, o el Zentralbahn, entre Interlaken Ost y Lucerna, que si necesita auxiliarse de la cremallera para superar las rampas del paso de Brünig. Que delicia todo ello. ¿Se me ha olvidado decir que el cremallera de montaña del Monte Rigi que permite ir desde el lago Lucerna hasta la cima y luego volver por la estación de Arth-Goldau sí que está incluido integramente en el Travel Pass? Lo que pasa es que las nubes en la cima nos la tienen jurada. Arth-Goldau es el nombre de la estación, que sirve a tres localidades, Arth, Oberarth y Goldau.
Una composición «Belle Époque» de los Chemins de Fer de Montreux au Oberland Bernais. Los coches estilo «wagon-lits» cobran suplemento, pero los coches modernos con cabina de conducción y motor en los extremos, son de línea regular.
Con anuncio de lluvia y nublado todo el día, hemos improvisado este último día una excursión ferroviaria de bellos paisajes y alguna parada interesante. Hoy es la fiesta nacional de Suiza.
Cuaderno de Ruta V. 3.0 